서양화의 원숙미와 현대성을 아우르는 중견 원로 서양화가 서양순 화백의 개인전 'Lady of Flower'가 지난 10일부터 31일까지 서울 강남구 ‘ART KANG’ 갤러리에서 열리고 있다. 이번 전시에서는 꽃과 여성이라는 보편적이면서도 아름다운 소재를 통해 서 화백 특유의 서정성과 섬세한 감성을 큰 터치로 표현한 유화 작품들을 선보인다. 그는 최근 시대 흐름에 따라 모바일 그림을 접목하는 등 전통과 현대를 아우르는 창의적인 시도를 지속하고 있다. 서 화백은 “IT 시대로 젊은이들과도 호흡하고 미래 시대에 뒤처지지 않도록 하기 위해 앞으로는 모바일 미술을 중심으로 한 새로운 형식의 개인전도 해보겠다”며 의욕을 내비쳤다. 서 화백은 세종대학교 서양화과를 졸업하고 프랑스 ‘Académie de la Grande Chaumière’에서 수학한 뒤, 서울을 비롯해 뉴욕, 베이징, 상파울루 등 세계 여러 도시에서 22회의 개인전을 개최해 왔다. 대한민국 미술대전 심사위원, 남·북여성 미술전시 주최하는 등 활발한 활동을 이어가고 있다. ‘ART KANG' 갤러리는 서 화백이 남편인 고(故) 강길원 화백을 추모하고 그의 예술적 업적을 기리기 위해 구성된 공간이다. 서 화백은 강길원 화백의 미술 세계와 정신을 살리고, 예술가와 대중의 소통하는 문화예술 공간으로 2023년 서울 강남구 가로수길에 'ART KANG'을 개관했다.

‘臥遊事狀(와유사상)’. 누울 와(臥) 놀 유(遊), ‘누워서 유람하다’는 뜻이다. 중국 남북조시대 산수화가이자 이론가인 종병이 직접 명산을 다니며 유람하는 것을 좋아했으나 나이가 들어 노쇠해지자, 명산의 모습을 화폭에 담아 집 안에 걸어두고 누워서 바라보며 즐겼다는 일화에서 나온 말이다. 종병은 이를 육체와 나이의 한계를 벗어난 정신적인 해방이라 여겼고, 정신 수양으로 이어갔다. 臥遊事狀을 바탕으로 현대 산수와 정물을 그리는 작가 태우는 정신적인 해방이야말로 진정한 즐거움이라 생각하고, 이를 특유의 유쾌함으로 풀어낸다. 그래서 그의 작품에서는 늘 여유와 해학이 묻어난다. 그의 작품 속 주인공은 산수를 노니는 호랑이, ‘家守虎(가수호)’다. ‘집을 지키며 보호하는 호랑이’. 예부터 산신령, 영물 등으로 간주되어 한국화와 민화의 단골 소재였던 호랑이를 작가만의 시선으로 재탄생시킨 캐릭터다. 가수호는 홀로 또는 가족들과 함께 산수를 누리기도 하고, 때론 휘몰아쳐오는 거센 풍파로부터 스스로 산이나 나무가 되어 소중한 집, 가족을 보호하기도 한다. 태우의 초대 개인전이 4월 5일까지 서울 강남구 논현동 갤러리벨비에서 ‘호호시절(好虎時節) IV’라는 문패를 내걸고 관람객을 맞는다. 호호시절 시리즈 네 번째 이야기다.

권인경은 고층 건물들이 빼곡하게 들어찬 ‘현대 도시 풍경’을 소재 삼아, 장지에 수묵이라는 전통 동양화 기법을 바탕에 깔고 아크릴 물감을 칠하거나 옛 책들을 잘라 화면 곳곳에 붙이는 고서 콜라주로 매력적인 자신만의 형식을 구축한 작가다. 도시 풍경으로 잘 알려져 있지만, ‘도시’와 ‘풍경’이 중요해서 그리는 것은 아니다. 도시에서 나고 자란 그에게 도시는 그냥 거기 있었을 뿐인 존재다. 그러나 그에게 ‘도시 풍경’은 자신의 주변을 이해할 수 있게 해주는 수단이자 도구였다. 메마른 현대사회의 상징인 마천루와 아파트 대단지는 오히려 그에게 ‘인간적인’ 공간으로 작용했다. 많은 사람의 이야기를, 과거와 현재를 오가는 기억과 추억을 품고 있는 곳이었다. 어느 날부터 그가 아파트 안으로 들어가기 시작했다. 도시 전체 모습을 ‘조망’하며 그려내던 그가, 아파트의 한 벽면을 바라보며 세대 한 집 한 집의 풍경을 관찰하고 묘사하기 시작하더니, 이젠 아예 실내 풍경을 담아낸다. 자신이 존재하는 공간 도시를, 자신이 살고 있는 아파트를, 자신처럼 아파트에서 생활하고 있는 사람들의 공간을 바라보고 관찰하다가, 이제는 그 공간 안으로 직접 들어가 하나하나 살펴보기 시작한 것이다. 누가 그에게 문을 열어 주었을까. 어떻게 타인의 방에 들어가 그곳을 둘러보고 관찰하고 경험할 수 있었던 것일까. 권인경이 그처럼 들어가 그려낼 수 있게 된 것은 사실, 자신의 방이기 때문이다. 숨겨둔 이야기들과 맞닥뜨린 곳은 타인의 방이 아닌 자신의 방이었다. 지난 20여년간 도시와 그 안에서 살고 있는 사람들의 이야기를 풍경화로 풀어내던 작가는 이제 돌고 돌아 자신이 서 있는 자리를 바라본다. 도시를 관찰하고, 아파트를 주시하고, 다른 사람들의 방을 들여다보며 사람들의 이야기를 이해하려 했던 것은 결국 자신과 자신 이야기를 마주하고 싶었기 때문이다. 지금까지 권인경의 작업은 화려하지만 어두웠고, 훈훈하지만 차가웠다. 냉철하게 분석된 풍경처럼 느껴졌다. 비로소 생기와 온기가 감돌기 시작한 것은 작품 ‘넘어진 자리’(2021) 이후부터다. 배려하고 양보하고 늘 ‘타인’을 자신보다 먼저 생각하던 그가 처음으로 ‘자신’을, ‘내가 원하는 것’을 앞에 내세우기 시작한 시점이다. 타인들의 공간을 그리고 이야기를 다루던 작가는 이때부터 자신의 이야기를 드러내 보인다. 주변 맴돌기를 멈추고 자신의 공간 안으로 조금씩 걸어 들어간다. 권인경은 2년 전 열었던 개인전 ‘열린 방’(An Open Room, 갤러리밈 엠보이드)에서 아주 조심스럽게 어릴 적 상처로 외상후 스트레스 장애를 겪고 있는 동생의 이야기를 꺼내 보였다. 작가의 개인사를 털어놓는 것은 작품 이해에 효과적이고 용이하지만 때로는 위험한 일이기도 하다. 보는 이들이 ‘상처’에만 집중한 채 이해하려 들기 때문이다. 그럼에도 불구하고 권인경은 그 위험을 감수하기로 했다. 그는 조금 열린 문을 비집고 동생의 방으로 들어갔다. 그곳에서 동생의 방이 아닌 자신의 방을 마주하게 된다. 문을 걸어 잠그고 방 안에 갇혀 있는 이는 동생이라고 생각했었는데, 사실 자신도 자기만의 방에 스스로를 가둬두고 있었다. “밖에 있었지만, 나는 나의 방에 갇혀 있었다. 잊고 있던 기억들이 터져 나오고, 꼭꼭 숨겨두었던 이야기들이 떠올랐다. 하지만 부정적인 것들만 있었던 것은 아니었다. 그저 담담하게 내가 겪은 것들, 나를 만든 것들과 마주하고, 두려워했던 것들에 맞서고, 그래서 더 나은 내가 될 수 있는, 진짜 나를 위한 하루하루를 살게 됐다. 행복한 하루하루가 펼쳐진다. ‘마주한 날들’ 시리즈는 그 어느 때의 작품들보다도 다채롭고 화사하다. 조화롭고 전통적이면서 감각적으로 세련되었다.” 그에게 무슨 일이 일어난 걸까. 스스로를 마주하는 것이 권인경에게 이처럼 생기 넘치고 희망찬 일이었던가. 작업이 작가에게 미치는 영향력이 새삼 신비롭다. 그가 오랫동안 갈망하고 추구해 온 진경(眞景)이 이런 것이었을까. 개인전 ‘마주한 날들’은 작가가 담담하게, 마침내 스스로와 마주하는 자리다. 자신과 대면하는 일은 쉽지 않다. 작가는 “나의 방에 들어간다는 것은 감추어 두었던 나의 민낯과 모든 사소한 것들에 오롯이 집중할 시간이 주어진다는 것”이라며 “개인의 방은 이곳에 사는 사람이 어떤 사람인지 보여주는 곳”이라고 설명한다. 그는 전시장에서 당당하고 용감하게 스스로의 민낯과 마주한다. 동시에 관람객에게도 자신의 민낯을 드러낸다. 권인경의 개인전이 23일까지 서울 종로구 삼청동 도로시살롱에서 ‘마주한 날들’이란 주제를 내걸고 관객들과 만난다. ‘열린 방’에 이어, 개인의 공간에 좀 더 깊숙이 들어가 그 공간이 담고 있는 각자의 경험과 기억, 그 경험과 기억이 상기시키는 심리적 상황에 대해 더욱 섬세하게 표현한 ‘방(공간)’을 내보이는 자리다.

국립한글박물관이 13일부터 5월 11일까지 충남 공주 아트센터고마에서 기획특별전 ‘어린이 나라’를 개최한다. 공주문화관광재단과 공동으로 여는 이번 전시는 1923년에 창간된 한글 잡지 ‘어린이’를 조명한 박물관 특별전의 지역 순회 전시다. 전시에서는 ‘어린이' 잡지뿐만 아니라 ‘소년’, ‘학생’, ‘아이들보이’ 등 당대 잡지 자료를 통해 어린이라는 개념의 정착, 어린이 문화의 형성 과정 등을 보여준다. 1부에서는 잡지 ‘어린이’의 편집실 공간을 재현해 창간 배경, 제작 과정, 참여자 등을 소개한다. 2, 3부는 어린이들이 자연 속에서 뛰놀고 세계로 뻗어 나가는 모습이 담긴 인터랙티브 체험 영상과 잡지에 실린 문학 작품, 한글의 역사 등 다양한 읽을거리를 제공한다. 전시 개막식에는 ‘세종, 1446’ 특별 공연이 열린다. 전시 기간에는 ‘한글 맞춤 리듬 맞춤’, ‘어린이 대상 전시 해설’ 등 전시 연계 행도 개최된다. 강정원 국립한글박물관장은 “이번 전시를 통해 한글 문화의 가치에 대해 공감하길 바란다"며 "앞으로도 다양한 순회전을 통해 한글문화 콘텐츠에 대한 지역의 접근성을 높이고 지역민의 문화향유 증진에 기여하도록 하겠다”고 밝혔다.

"꿈꾸는 겁쟁이'라는 주제로 꾸준하게 자신만의 독창적 예술 세계를 구축해온 화가가 있다. 이미애 작가다. 3월, 만물이 생동하는 찬란한 계절 봄이다. 유한한 인생에서 무한한 예술의 가치를 음미하기에도 좋은 계절이다. 이번 전시의 테마는 “다시 온 봄”이다. 서울 종로구 삼청동 소재 '라온제 갤러리' 개관 작가로 초대돼 11번째 개인전을 3월 12일부터 4월 7일까지 갖는다. "생명이 이어지는 한 꿈꿀 수 있다"는 신념으로 창작활동을 해 온 이미애 작가는 한때 원인 미상의 감염병으로 죽음의 문턱까지 갔었다. 코앞까지 닥쳐온 죽음과 마주한 힘든 투병 과정에서 자신을 돌아보며 새로운 예술 영감을 떠올렸고 "꿈꾸는 겁쟁이'이란 평생의 화두를 마련할 수 있었다. 병상의 경험은 그의 삶과 작품에 큰 전환점이 됐다. 작가는 내면에서 끊임없이 반복 재생하는 불안과 분노, 공포와 무력감을 수없이 매만지며 자신을 재건했다. 자신의 아픔과 고통을 창조의 원천으로 삼아 희망의 질감을 새겼다. '꿈꾸는 겁쟁이'는 주변적인 존재에서 아픔을 극복하고 지엄한 권리와 존엄을 지닌, 당당하게 세상을 마주하는 주체적 인간이다. 화면을 가득 채운 꽃과 나무는 자신만의 방식으로 회화를 파고들며 쌓아온 미적 감각이 낳은 결과다. 초기 작품에 비해 한층 부드러워진 표면 질감, 균형 잡힌 화면 분할, 단순해진 색조, 세련된 완성도 등에서 작가의 독자성이 구축되는 과정이 보인다. 작가만의 마티에르라 할 수 있는 독특한 화면 질감이 살아있다. 작품의 주요 소재인 꽃은 외형적 아름다움을 표현하는 것에 머물지 않고 희망을 대변하는 상징적 의미를 담고 있다. 작품에 등장하는 이미지는 꽃과 새 그리고 나무로 단순하지만 서정성 있는 서술적 구조를 가진다. 단아함과 절제미가 느껴지는 균형 잡힌 구도를 통해 겁쟁이지만 영원히 꿈을 꿀 수 있길 작가는 기대한다. “다시 온 봄이 웃는다. 기분 좋게 안아줬다. 멀리 가지 못하도록 꽉 안아줬다”, “힘든 시기지만 갤러리를 찾는 분께 잠시나마 작은 위로와 희망이 되기를 바란다”고 작가는 말한다. 홍익대 회화과를 졸업한 이미애 작가는 홍익루트 회원으로 조형아트서울, 인천아시아아트쇼 등 다수 아트페어와 단체전 출품. 출판물 표지 게재 등 활발한 활동을 하고 있다.

국내 최초 몰입형 복합문화예술공간 '빛의 벙커’가 새롭게 선보이는 ‘칸딘스키, 추상 회화의 오디세이’展이 14일 개막한다. 5일 ㈜티모넷에 따르면 자연에서 영감을 받은 세 명의 작가 바실리 칸딘스키, 파울 클레, 이왈종의 작품 세계를 빛과 음악, 첨단 디지털 기술을 통해 각각의 전시로 선보인다. 시대의 흐름과 예술적 변화에 발맞춰 끊임없이 탐구하고 독창적인 예술 세계를 창조한 예술가들을 한 자리에서 만날 수 있는 기회로, 인간과 자연, 삶의 본질을 탐구해보는 특별한 경험을 선사한다. 색과 형태를 통한 추상의 가능성을 탐구하며 현대 미술의 흐름을 변화시킨 칸딘스키의 예술 작품을 집중 조명한다. 칸딘스키의 초기 구상 작품을 시작으로 대표작 ‘구성 8(Composition VIII)’과 ‘노랑-빨강-파랑(Yellow-Red-Blue)’을 통해 거장이 창조해낸 추상적 우주를 유영하는 듯한 몽환적인 느낌을 제공한다. 작품과 함께 흘러나오는 클래식, 재즈, 록 등 다양한 장르의 음악은 관람객들의 시각과 청각을 동시에 자극하며 몰입감을 더욱 극대화한다. 이어지는 전시 ‘파울 클레, 음악을 그리다’에서는 칸딘스키와 함께 추상 미술의 거장이자 20세기 가장 위대한 예술가 중 한 명인 파울 클레의 작품을 만나볼 수 있다. 그의 작품은 마치 어린아이 같은 직관적인 상상력과 기하학적 형태가 결합된 독특한 스타일을 가지고 있으며, 인간 존재와 우주의 복잡성에 대한 탐구를 색채와 선을 통해 표현하려는 시도가 돋보인다. 전시는 모차르트의 오페라 ‘마술 피리(Magic Flute)’의 선율과 함께 펼쳐져, 클레가 창조한 상상의 도시를 여행하는 듯한 몽환적이고 이색적인 경험을 선사한다. 제주 성산 빛의 벙커에서 열리는 이번 전시에서는 해외 명화와 더불어 제주의 자연과 사람, 일상을 담아낸 ‘이왈종, 중도의 섬 제주’도 선보인다. ‘제주의 화가’라 불리는 이왈종의 자유로운 예술 세계를 공감각적으로 경험할 수 있는 몰입형 예술 전시로, 빛의 벙커를 운영하는 ㈜티모넷이 자체적으로 기획하고 제작한 첫 콘텐츠이자 ‘빛의 시리즈’ 최초 국내 작가 작품을 주제로 한 기획전이다. ‘제주생활의 중도’ 시리즈로 구성된 이번 전시는 빛의 벙커 공간을 가득 채운 제주의 아름다운 풍경과 삶의 이야기를 통해 관람객들에게 작가가 바라본 삶의 희로애락을 전달한다. 얼리버드 티켓은 13일까지 정상가 대비 30% 할인된 가격으로 인터파크 티켓, 야놀자, 카카오톡 예약하기, 네이버 예약을 통해 구매 가능하다. 얼리버드 티켓은 개막일인 14일부터 4월 30일까지 사용 가능하다. ㈜티모넷 박진우 대표는 “빛의 벙커가 인간과 자연, 삶의 본질에 대해 끊임없이 탐구하고 색과 형태를 통해 독창적인 예술 세계를 창조한 예술가들을 한 자리에서 만날 수 있는 전시로 돌아온다”고 전했다.

꽃을 그리는 작가들은 많다. 그러나 꽃을 제대로 잘 그리는 이는 그리 흔치 않다. 화면 가득 온통 꽃으로 뒤덮은 구성, 정교한 세필, 환상적이면서 다소 몽상적인 색조 ···. ‘꽃의 작가’ 박종필은 하루 16시간 동안 그림 그리기에 매달리곤 한다. 물심일여(物心一如)의 경지다. 그에게 꽃이란 곧 인간이다. 그는 “인간을 꽃으로 비유하는 것보다 더 적절한 예는 없다”고 단언한다. 그의 작업에서 꽃은 인간 군상의 집합이다. 그의 꽃 회화는 다른 정물화나 풍경화에 비해서 꽃의 일부를 과장해 확대한 시점이 특징이다. 작가는 꽃을 정면에서 바라보며 전체 구도를 잡지만 꽃 한 송이 한 송이가 각기 독립체를 구성하는 것처럼 다양한 종을 보여준다. 그의 꽃그림은 다르다. 마치 인물화의 표정을 묘사하듯 꽃을 그려낸다. 그 표정들이 다채롭게 살아 있다. 힘차게 뻗어 오른 줄기, 탐스런 꽃망울과 무성한 잎이 싱싱하다. 자연물로서의 식물을 벗어나 분명한 자기 정체성을 지닌다. 이러한 꽃들은 자연과 인간, 우리가 살아가는 공동체를 향해 친숙한 시선을 품어주듯이 친밀한 공간을 구성한다. 박종필은 그림을 그리기 전 진짜 꽃과 가짜 꽃을 적절히 뒤섞어 작업실에 배치한 뒤 카메라에 담는다. 사진을 봐가며 그려나가는데 나중에 완성된 작품에서 생화와 조화를 구분하기란 퍽이나 어려운 일이다. 그만큼 자연스런 결과물이 나온다. 생화는 실재하는 아름다움, 진실, 살아 있음을 의미한다. 조화는 생화를 모방한 가상, 가짜, 거짓을 뜻한다. 그러나 그의 작업에서 이 둘은 시각적으로 뚜렷한 차이를 드러내지 않는다. 실제로 시중의 조화는 생화와 큰 차이가 없다. 오히려 생화보다 더 생화 같은 느낌을 주기도 한다. 이는 조화가 생화의 아이덴티티(정체성)를 넘어서는 순간이다. 실재와 가상의 차이를 모호하게 한다. 그의 작품들은 이처럼 경계가 없어지는 순간을 포착해낸다. “내가 보고 있는 작품 속 꽃은 생화일 수도 혹은 조화일 수도 있다. 작품 속 꽃은 이미지일 뿐이며 생화여서 아름답고 조화여서 아름답지 못한 것이 아니다. 이 둘의 교묘한 어우러짐으로 하나의 공간이 창조되고 아름다움이 피어난다. 꽃으로서, 나 혹은 당신은 생생하게 살아 있는 생화인가, 아니면 살아 있는 것처럼 보여지는 조화인가. 이는 알 수 없으며 정의할 수도 없다. 정의할 필요 또한 없다. 모든 존재는 양면성을 가지며 하나의 의미로 규정지을 수 없다.” 지구 인구를 70억명으로 볼 때 개개인은 너무도 하찮은 존재다. 70억 송이의 꽃이 핀 정원을 떠올려보면, 그 속에 핀 한 송이 꽃을 기억하기는 불가능하다. 더군다나 그 정원 안에 조화를 꽂아 놓았다면 이를 가려내기는 극한의 어려운 일이다. 정원은 꽃 한 송이 한 송이가 모인 집합체다. 송이 송이 어우러져야 정원이 된다. 그의 작품은 이 한 송이 한 송이를 면밀하게 재현해 소중한 것으로 만들어내고야 만다. 그의 작품 안에서 꽃은 생화든 조화든 함께 공존하며 상생한다. 우리는 이 꽃들이 그냥 자연으로서의 꽃이 아니라 우리의 관념과 생각, 삶의 시선을 따뜻하게 반영하려는 작가의 의도적 선택인 것을 알게 된다. 그의 회화적 표현은 눈으로 보이는 아름다움과 섬세함 이상으로 감각적인 특징을 자아낸다. 물방울이 방금 떨어진 것처럼 꽃잎 위에 내려앉은 모습은 보는 이에게 이 꽃의 향기까지도 상상하게 만든다. 미술의 언어란 시각의 감각만이 아니라 촉각, 미각 등 우리의 오감이 연결된 것이라는 사실을 일깨운다. 박종필의 개인전이 ‘Between, the fresh-m’이란 간판을 내걸고 3월13일까지 서울 용산구 이태원동 박여숙화랑에서 열린다. 2019년 이후 6년 만에 갖는 관객과의 만남이다. 수년간 꽃을 소재로 진짜와 가짜의 모호함에 천착한 작가는 더욱 화려한 색과 테크닉으로 시각적 아름다움을 선사한다. 그는 이번 전시회를 통해 개념과 형식의 깊이와 확장을 모색한다. 인간의 삶에 관한 은유가 더해진 ‘fresh-m’(2019-2024) 시리즈를 선보인다. 박종필의 작품들을 아우르는 단어는 ‘between’( … 경계, … 사이)이다. 그동안 지속적으로 탐구해온 소재의 반복성은 극사실주의(하이퍼리얼리즘) 형식으로 구현된다. 단순히 형식적인 것에 그치는 것이 아니라 작가의 시각을 통해 대상(꽃)을 인식하고 사유하는 하나의 질서로 작동한다. 작가는 꽃의 외형보다 생명의 본질, 인간 존재로 애정어린 눈길을 보낸다. 사람들이 삶에서 찾기 어렵다는 ‘희망’을 이야기한다. “인간은 누구나 행복해지길 원한다. 그러나 그 행복이라는 것은 우리에게 쉽게 주어지지 않는 신기루 같은 것이다. 그래서 우리는 힘이 들고 지치고 쓰러진다. 우리는 모두 꽃이며 아름다움이다. 내 작품에 등장하는 꽃들은 인간을 나타낸 것이며, 그것이 생화이든 조화이든 아름답다. 내 작품은 그래서 더욱 화려한 빛으로 빛난다. 어둠의 요소는 최소화한다. 궁극적으로 작품 안에서 모두가 행복해져야 하기 때문이다.”

신독(愼獨). 삼갈 신, 홀로 독. 자기 홀로 있을 때에도 도리에 어그러지는 일을 하지 않고 삼감. ‘대학’과 ‘중용’에 실려 있는 말이다. 혼자 있을 때에도 조심한다는 뜻으로, 타인에게 인정받기 위함이 아니라 스스로의 인격 완성을 위해 수양하는 방법이다. ‘집’의 작가 이능호와 ‘편(片)의 작가 박성욱의 작품 앞에 서면 유독 ‘신독’이 떠오른다. 둥글게 움츠린 검은 쇳덩이로 보이는 이능호의 ‘집’은 전통 옹기 제작 기법인 타렴질로 흙가래를 차곡차곡 쌓아 올리며 두들겨 빚은 작품이다. 씨앗 또는 알의 형상으로, 위가 막히고 속이 텅 비어 있는데, 이는 앞으로 커져 나갈 생명의 기운을 품었다는 은유다. 첫 선을 보인 신작 ‘집 - 그 이후’는 씨앗이 발아하거나 알이 깨지면서 새 생명체로 움트는 단계를 형상화한 것이다. 덩어리와 투각의 형태를 동시에 담고 있다. 집을 떠난 흔적인 셈이다. 심장에서 혈관이 뻗어나가는 모습의 작품은 시간이 흘러 날아오르며 벽에 걸린 투각으로 변신한다. 생명이, 삶이 유기적으로 연결되어 있음을 확인시켜 준다. 작가는 이러한 구조적 변화를 통해 자신이 생각하는 ‘집’의 개념을 역동적으로 확장해 나가며 그 여정을 시각적으로 기록한다. 달마 같은 모습의 그의 작품들은 햇살 좋은 창가에 놓여있든 눈내린 정원에 나가 있든, 하늘을 보든 땅을 응시하든 저마다 우주를 한가득 품고 있다. 관람객들은 어느새 검은 작품들과 무언의 대화를 나누는 자신을 발견하게 된다. 도자의 작은 조각, 박성욱의 ‘편(片)’은 조각마다 다 다르다. 모양도 크기도 색깔도 똑같은 것이 하나도 없다. 채집한 흙을 반죽하고 도판을 만들어 작은 조각으로 자른 뒤, 조각들을 화장토로 분장한 다음 장작가마로 오랜 시간 소성하는, 몹시 정성스런 작업 과정을 거친 결과물들이다. 박성욱은 자유분방한 멋의 대명사 조선 분청사기를 현대적인 관점으로 재해석해 낸다. 화장토 농담의 변화, 장작불이 지나간 불의 자리를 머금고 자기만의 빛을 간직한 수천 개의 작은 흙조각들은 작가의 섬세한 손을 통해 ‘합’을 이루며 수려한 작품으로 거듭난다. 작가의 편 작업은 수천 개의 편들을 모자이크처럼 반복적으로 촘촘히 나열하는 방식으로 완성되는데, 마지막 편이 끼워졌을 때 비로소 완성되는 풍경은 도예가 회화로 확장되는 순간이다. 각기 다른 편들이 합을 이룬 완성작에서 사람과 사람이 어울려 사는 세상의 모습이 보인다. 모두 다른 인생을 사는 동안 깍이고 빚어지고 구워지는 지난한 과정을 거치면서 사람들은 합을 이루고 세상을 만들어 간다. 작은 조각들이 하나의 작품을 이루듯, 사람들도 합을 통해 근사한 세상을 이룰 수 있다. 흙을 다루는 작가 이능호와 박성욱의 2인전이 3월14일까지 서울 종로구 평창동 수애뇨339에서 ‘굽 과 합’이라는 문패를 달고 관객을 맞는다. 한국 고유의 미학인 굽과 합의 관점에서 작품을 주시한다. 전시장 내외부를 아우르며 도예가 그리는 독특한 회화적 풍경을 입체적으로 서술한다. 두 작가의 주요 연작 사이사이에 포진한 그들의 생활 도예작들은 또 다른 관람 포인트다. 그릇의 밑바닥에 붙은 나지막한 받침인 ‘굽’은 본디 다른 존재를 받쳐주거나 돋보이도록 만들어졌다. 편과 같은 다른 존재와 ‘합’쳐져야 그 가치를 발한다. 여기서 출발한 2인전 ‘굽 과 합’은 사람도 서로 의지하며 ‘합’을 맞춰 살아야만 살만한 세상이 펼쳐진다는 메시지를 전한다.

로저 스트링햄(Roger Stringham)은 1929년 미국 캘리포니아주(州)에서 태어났다. 어릴 때부터 그림 그리기를 즐겼던 그는 고교 졸업 후 캘리포니아 미술대학에 진학했다. 하지만 스트링햄의 대학 생활을 그리 오래가지 못했다. 1950년 한반도에서 북한의 기습남침으로 6·25 전쟁이 터졌기 때문이다. 당시만 해도 미국에는 징병 제도가 있었고 스트링햄은 학업을 중단한 채 육군 병사로 입대했다. 군사훈련을 마친 그는 1951년 미 육군 제21보병사단 일원으로 한국 땅을 처음 밟았다. 1952년 21사단이 한국을 떠나 일본 센다이(仙台)에 재배치될 때까지 1년가량 유혈이 낭자한 전쟁터에서 힘겨운 나날을 보냈다. 장차 예술가를 꿈꾸던 미대생의 눈에 전쟁은 참혹하기 그지없었다. 그런데 일단 전장을 벗어나면 낯선 나라 한국의 자연은 무척 아름다워 보였다. 스트링햄은 쉬는 시간 틈틈이 그림을 그렸다. 병사 신분에 제대로 된 미술 도구를 휴대할 순 없었다. 연필 그리고 각종 보급품 상자 바닥에서 뜯어낸 종이가 전부였다. 훗날 인터뷰에서 스트링햄은 “긴박한 하루하루를 보내면서도 연필을 놓지 않은 것은 고향에 있는 부모님께 ‘나는 괜찮다’는 사실을 전하고 싶었기 때문”이라고 회상했다. 그가 한국에 머무는 동안 그려 집에 보낸 그림은 60장에 달했다. 전장에서 목숨 걸고 싸우는 병사들의 얼굴부터 한국 시골 마을의 고즈넉한 풍경까지 다양했다. 스트링햄의 부모는 이를 모아 1952년 샌프란시스코의 한 미술관에서 전시회를 열었다. 전후 스프링햄은 대학으로 돌아갔다. 다만 전공을 미술에서 핵물리학으로 바꿨다. 핵융합 분야 전문가이자 저명한 학자로 성장한 그는 여러 차례 한국을 방문했으며 “완전히 부서진 나라의 과학기술 발전에 너무 놀랐다”는 소감을 밝혔다. 자신이 6·25 전쟁 참전 기간에 그린 그림들의 보관 장소를 찾던 스트링햄은 2022년 미국의 비영리단체인 ‘한국전쟁유업재단’에 작품을 맡기기로 결심한다. 유업재단은 이를 다시 전쟁기념사업회에 기증했다. 이후 2023년 8∼10월 서울 용산 전쟁기념관에서 열린 ‘낯선 친구, 한국’이란 제목의 전시회를 통해 스트링햄의 그림들이 처음 한국인과 만났다. 전시회는 높은 관심을 받으며 성황리에 끝났다. 6·25 전쟁 당시 한국의 모습이 고스란히 담긴 스트링햄의 작품들이 이번에는 경북 칠곡을 찾는다. 전쟁기념사업회는 25일부터 7월27일까지 5개월 동안 칠곡호국평화기념관에서 ‘전쟁을 그린 화가’라는 제목 아래 전시회가 열린다고 밝혔다. 이는 소규모 박물관, 기념관을 대상으로 전쟁기념사업회가 진행 중인 ‘전쟁·군사박물관 협력망’ 사업의 일환이다. 칠곡은 6·25 기간 가장 치열했던 싸움으로 꼽히는 다부동 전투가 벌어진 곳이다. 백선엽 장군이 이끈 다부동 전투 승리는 절체절명의 위기에 처한 한국을 구한 위업으로 평가된다. 오늘날 칠곡이 ‘호국 성지’로 불리는 이유다. 전쟁기념사업회 백승주 회장은 “전시를 통해 더 많은 분들이 6·25 참전용사들의 헌신을 다시 생각해볼 수 있길 바란다”고 말했다. 어느덧 90대 중반을 넘긴 노(老)작가 스트링햄에게 새삼 감사의 뜻을 전한다.

아트스페이스와이가 세계적인 한국 현대미술 거장 이우환 작가의 특별 기획전 ‘점·선·면, 인생의 여정’을 오는 2월 19일부터 3월 26일까지 개최한다고 밝혔다. 이번 전시는 이우환 작가의 대표작을 한자리에서 감상할 수 있는 특별한 기회로, 그의 철학적 미학을 심층적으로 탐구할 수 있는 자리로 기대를 모은다. 이우환 작가는 1970년대부터 ‘선’의 형상화를 통해 현대미술에 혁신적인 영향을 미친 작가다. 그의 작품은 점과 선, 공간과 자연이 교감하는 깊은 철학적 성찰을 담고 있으며, 이를 통해 독창적인 조형 언어를 구축해왔다. 이번 전시에서는 ‘선’ 시리즈를 비롯해 ‘바람’ 시리즈, ‘조응’ 시리즈 등 그의 주요 작품을 포함해 수채화 및 드로잉 작업까지 다양한 스타일의 작품 40여 점이 공개된다. 1970년대부터 2010년대까지의 대표작을 한눈에 조망할 수 있는 기회로, 미술 애호가뿐만 아니라 현대미술에 관심 있는 이들의 큰 관심을 끌 것으로 보인다. 이우환 작가는 1960년대 일본에서 등장한 미니멀리즘 사조 ‘모노하(물파)’ 운동을 이끈 인물 중 하나로, 뉴욕 구겐하임 미술관, 베르사이유 궁전, 베니스 비엔날레, 파리 주드폼므 미술관 등 세계적인 무대에서 활발한 활동을 이어오고 있다. 아트스페이스와이 관계자는 “이우환 작가는 국내보다 해외에서 더욱 활발히 활동해 온 만큼, 국내에서 그의 작품을 직접 감상할 기회가 많지 않았다”며 “이번 전시는 작가의 철학적 예술 세계를 더욱 깊이 탐구하고, 현대미술의 흐름 속에서 그의 작품이 가진 의미를 되새길 수 있는 소중한 시간이 될 것”이라고 전했다. 한편, 전시에 대한 자세한 내용은 아트스페이스와이 갤러리 공식 홈페이지 및 인스타그램을 통해 확인할 수 있다.