웅장하게 떨어지는 폭포수 아래 한없이 나약한 모습의 인간들이 보인다. 흑과 백의 강렬한 명암 대비로, 자연의 위대한 힘과 거룩함, 그리고 그 앞에 선 인간의 연약함을 부각시키고 있다. 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 팬데믹을 겪으면서 그동안 자연의 순리를 거스르며 살아온, 거만했던 우리들의 모습을 돌아보게 한다. 자연의 소중함을 일깨우는 메시지를 건넨다. 독일과 오스트리아 국경의 알프스산 속에서 광활한 대자연을 배경으로 실제 모델들을 배치해 연출한 사진이다. 컬러 작품을 주로 발표해왔던 이전의 작품들과는 결이 확연히 다른 접근이다. 네덜란드 출신의 세계적인 사진, 영상, 설치 작가 어윈 올라프가 남긴 마지막 걸작 ‘Im Walde(숲속에서) 2020’이다. 지난해 9월 64세의 나이로 세상을 떠난 작가는 스튜디오와 야외 로케이션 작업을 통해 평등, 권력, 인종차별, 표현의 자유, 민주주의, 기후변화, 사회현실, 성차별, 금기 등 동시대에 벌어지고 있는 사회적 이슈를 즐겨 다루었다. 자신의 짧은 삶을 예측한 그는 모든 연작물에 자화상을 한 점씩 담아왔다. 2009에 발표한 작품 ‘I wish, I am, I will be(내가 원하는, 지금 나는, 내가 될)’는 건강한 육체를 소망하며 제작한 ‘내가 원하는’, 폐기종을 앓고 있는 현재의 모습을 담은 ‘지금 나는’, 산소 호흡기를 끼고 생활해야 할 미래의 모습을 상상한 ‘내가 될’의 3점으로 작가가 직접 분장하고 연출했다. 미술사적 가치를 지닌 어윈 올라프의 대표작이다. 팬데믹 탓에 전 세계가 봉쇄되었던 2020년 4월, 폐기종을 앓고 있던 작가는 직접 모든 시리즈 작품에 출연해 당시의 주변 상황과 인간으로서 느끼는 감정을 생생하게 담은 ‘April fool(만우절) 2020’ 연작을 발표해 극찬을 받기도 했다. ‘April fool 2020’은 제목 그대로 코로나 사태가 4월 1일, 만우절에 장난을 치는 거짓말이길 바라는 작가의 마음을 대변한다. 코로나19는 선천성 폐질환을 앓고 있던 그에겐 더욱 치명적으로 다가왔다. 하루아침에 전 세계 모든 사람이 직면한, 믿고 싶지 않은 이 상황을 생생하게 전하기 위해 그는 홈타운 암스테르담을 배경으로 자신의 작품에 출연해 현실감을 더했다. 감정 표현을 더욱 극대화시킨 것이다. 작가 내면의 개인적인 기록이기도 하지만 코로나를 겪고 있는 우리 모두의 자화상이기도 하다. 이 연작은 대구 사진 비엔날레의 대표작으로 전시된 바 있고, 2022년 수원시립미술관에 영구 소장됐다. ‘Ladies Hats’(여성모자, 1985∼2022) 시리즈는 19세기 후반까지 서양 미술사 전반에 걸쳐 머리 장식이 유행했다는 사실에서 착안했다. 렘브란트로부터 영감을 받은 올라프는 명암법을 채택해 여성용 모자를 쓴 남성의 초상화 시리즈를 만들었다. 모델들은 날카로운 눈빛으로 관객을 바라본다. 화려한 모자와 풍부한 표정의 포즈로 보는 이들을 유혹한다. 그러나 이미지의 우아한 외관 뒤에는 더 심각한 이야기가 숨겨져 있다. 작가는 자신이 세운 모델의 중성성을 활용함으로써 지배적인 마초 문화의 규범에 반대하고 나섰다. ‘Chessmen’(체스맨, 1987∼1988)은 올라프의 첫 순수사진 연작이다. 1980년대 후반 ‘권력’이라는 주제에 집중하고 있던 그는 32개의 조각으로 구성된 전쟁 게임 체스에서 힌트를 캐내 이 시리즈를 탄생시켰다. ‘사람들은 왜 권력을 남용하는가? 왜 그걸 원하는 걸까? 어떤 사람들은 왜 다른 사람들이 자신에 대해 권력을 행사하도록 허용할까?’ 이러한 질문에서 파워 게임과 이를 플레이하는 사람들에 대한 아이디어가 나왔다. 그는 이 작품으로 ‘젊은 유럽 사진가상’을 받으며 세계 무대에 등단했다. ‘Berlin(베를린)’ 2012, ‘Shanghai(상하이)’ 2016, ‘Palm Springs(팜스프링스)’ 2018은 변화를 겪고 있는 대도시인 독일의 베를린, 중국 상하이, 미국 팜스링스를 배경 삼아 제작한 대규모 3부작 로케이션 연작이다. 베를린 시리즈는 베를린 장벽이 허물어진 이후 유럽에 먹구름이 몰려오던 시기에 제작됐다. 표현의 자유와 민주주의, 그리고 구세대에서 신세대로의 권력 이양에 대한 작가의 우려를 담았다. 상하이는 인구 2400만명의 초현대적 대도시를 다룬다. 이 같은 환경에서 개인에게 어떤 일이 일어나는지를 관찰한 작품이다. 팜스프링스의 주요 주제 중 하나는 온난화로 사막화되어가는 기후변화다. 등장 인물들의 초상화, 풍경 사진에서 그는 십대들의 임신, 인종차별, 종교적 학대, 부의 양극화 등의 문제들을 토로한다. 이 작품은 대구미술관이 영구 소장하고 있다. ‘Keyhole’(열쇠구멍, 2011∼2013)은 사진 설치, 영상 작품이다. 우리의 삶이 규범과 가치에 의해 공개적으로 지배되는 시대다. 편협함, 가십, 위선 등 모든 사회가 안고 있는 일상의 모순을 담고 있다. 일반적인 규범과 사회적 가치가 적용되지 않았던 어린 시절의 행동들을 제3자의 시선으로 열쇠구멍을 통해 들여다보며 자연스럽게 문제점을 상기하게 된다. ‘Rain’(비, 2004)과 ‘Hope’(희망, 2005) 시리즈는 충격적인 사건 이후 사람들이 보이는 행동과 반응 사이 감정의 순간을 포착한 사진과 영상 작품이다. 특히 ‘Hope 1’은 네덜란드 국립미술관 라익스 명예의 전당에 네덜란드 고전 명화들과 나란히 전시되어 있다. 그가 포착하는 사진과 영상의 앵글은 영화의 미장센과 다를 바 없다. 올라프는 현대 사회에 내재된 모순을 들춰내고 소외된 개개인에 초점을 맞춘 연작들을 발표하며 유명해졌다. 2019년 네덜란드 사자 훈장 기사로 임명됐고 2023년 네덜란드 국왕 윌렘-알렉산더로부터 오렌지 가문의 예술 및 과학 명예훈장을 받았다. “내가 작품을 통해 보여주고 싶은 것은 균열이 내재된 완벽한 세상이다. 작품을 몹시 매혹적으로 만들어서 사람들을 일단 작품 속 이야기로 끌어들인다. 그런 다음에 작품을 통해 타격을 주려 한다.”(어윈 올라프) 어윈 올라프의 작고 1주년 특별회고전이 11월 2일까지 서울 종로구 삼청동 공근혜갤러리에서 열린다. 그의 대표작 ‘I wish, I am, I will be’가 국내 첫선을 보인다.

경기도 안양에 있는 YK갤러리(관장 윤광순)는 지난 7일부터 서양화가 황제성 초대 개인전을 열고 있다. ‘nomad-idea' 주제의 이번 전시회에서 황제성은 ​유년기와 성년기가 한데 어우러진 ‘어른동화’의 관점을 보여주는 작품들을 선보이고 있다. 그의 그림에 등장하는 어린 왕자, 얼룩말, 피노키오 같은 주요 소재들이 아이들에게는 자유로운 상상력을 자극하고 어른들에게는 마음속에 담아두었던 추억과 동심의 세계를 보여준다. 황제성은 ”그동안 지속해서 작품에 담아낸 주제는 ‘생명의 순환’이다. 이것은 넓게 보면 동양 철학적인 측면에서 ‘윤회사상’과도 통할 것이다. 하지만, 사후의 세상에 주목하는 것이 아니라, 지금 살고 있는 세상에서 만나는 또 다른 차원과 공존하는 “다차원의 세계”를 그려내고 있다”고 말했다. 그는 “미래에 대한 기대감과 꿈을 실상처럼 보여주고 싶은 마음이 그림에 담겼다고 볼 수 있겠다”고 덧붙였다. 황제성은 중앙대 예술대학원 출신으로 개인 단독부스전 40여회, 국내외 단체전 900여회 이상 참여했다. (사)한국미술협회 경기도미술협회 회장을 역임하고 현재는 (사)한국미술협회 서양화 통합부이사장으로 미술발전에 기여하고 있다. YK갤러리는 같은 기간 2층 전시장에서 중견 사진작가 채호선의 ‘황산-설경에 취하다’ 전시회를 함께 열고 있다. 좀처럼 보기 드문 중국 황산 설경을 담은 작품이 관람객의 시선을 끈다. 중국 제일경인 황산 위엄과 경관을 담은 사진 작품은 많으나. 황산 설경은 보기 힘들다는 점에서 작품이 이채롭다. 채호선은 ”영하 20도의 혹한에 10여 시간을 기다려 눈이 내리는 행운을 만나 귀한 황산의 설경을 담은 행운을 얻어 전시회에서 선을 보이게 됐다”고 설명했다. 황산 설경 외에 이탈리아 돌로미테, 아이슬란드, 홋카이도 등 세계의 명소를 담은 10여 작품을 출품했다. 두 전시회 모두 20일까지 열린다. YK 갤러리는 (주)YK건기가 문화사업의 일환으로 지난달 7일 경기도 안양시 만안구 본사 건물 1, 2층을 전시장으로 개관해 상시 미술전이 열리는 안양의 새로운 전시공간으로 자리를 잡았다.

무장을 해제한 전쟁터. 세계 유일 분단국, 세계 유일 군사완충지대 비무장지대(DMZ)는 그 사전적 의미만큼이나, 실제론 중무장한 대척점이란 점에서 더 아이러니하다. 70여년 남북 분단사의 대립과 긴장의 곡절 속에서도 평화와 생명의 힘을 보여준 상징적 장소다. DMZ의 평화와 생명을 향한 갈망은 전 세계 예술가들의 영감의 원천이 돼왔다. 파주 DMZ 인근에서 공연과 전시가 열린다. 파주시가 주최하고 비영리단체 지구와사람이 주관하는 ‘DMZ 단 하나, 완벽한 세계’ 전시가 10월 11일부터 11월 1일까지 파주 아트센터 화이트블록에서 개최된다. 전시는 영화, 무용, 사진, 설치미술 등 다양한 예술 장르와 서로 다른 예술적 시선들이 하나로 어우러져 DMZ를 새로운 시각에서 조망하며 자연과 인간의 공존 가능성에 대한 성찰을 이끌어낸다. 전시는 DMZ가 역설적으로 자연 생태계의 복원과 재생을 이루며 ‘순환의 정원’이 된 과정을 다룬다. 이 전시는 전쟁과 분단으로 인해 형성된 인간의 시간과 인간의 부재 속에서 자연이 스스로 재생하며 만들어낸 순환의 시간이 공존할 수 있는가를 질문하는 데에서 출발했다. 전시는 예술을 통해 DMZ라는 공간의 다층적 의미를 바라보고, 분단의 현실과 그 속에서 생겨난 자연의 복원을 함께 탐구하고자 하는 의도로 기획됐다. 전시는 ‘횡단의 축’, ‘종단의 시간’, ‘순환의 정원’ 등 총 세 개의 공간으로 구성돼 관람객을 만난다. 참여 작가인 영화감독 조은성은 영상작품 ‘부유하는 선’을 내놓는다. 사진작가 백지은의 설치작품 ‘인간과 비인간, 사물의 시간성’이 선보인다. 무용가 신채롱과, 설치작가 구자민, 공예가 박지은이 각각 ‘그저, 무용한’, ‘부재의 부재’, ‘순환의 정원’ 등 작품도 만날 수 있다. 관람객들은 각 예술가들의 시선을 통해 DMZ가 지닌 잠재적 가능성을 경험하고, 공존의 새로운 가능성을 모색하는 시간을 가질 수 있다. 오프닝 행사로 10월 11일 오후 5시에는 공연 ‘우주상여’도 진행된다. 공연은 전쟁으로 사라진 생명과 그 위로 피어난 생명이 함께 공존하는 생명공동체 DMZ의 ‘곁’이 되어 DMZ의 여정을 위로하는 내용을 담고 있다. 오프닝 리셉션에는 김경일 파주시장과 지구와사람 대표 강금실 전 법무부장관, 영화감독 이창동 등 다양한 인사들이 참석할 예정이다.

◆단단함은 깨뜨리지만, 유연함은 침투한다 ‘똑’. 고요한 장소 안에 물방울 하나 떨어지는 소리가 울린다. 때로는 가장 작고 여린 무엇이 만들어내는 파동이 무엇보다도 강한 힘으로 보통의 시공을 밀어낸다. 이내 다시 한 번 떨어지는 물방울 소리. 오색 빛깔을 머금은 유리구슬과 고운 나무로 매끈하게 빚어낸 갖가지 둥근 형태들. 낙하 중의 물방울처럼 모난 데 없는 유리구의 형태를 중심 삼아 다양한 입체도형들이 공간 안에 배열된다. 가느다란 지지체에 중심축을 내어준 채, 한 몸으로 꿰어진 구슬과 원뿔대들은 주어진 중력에 따라 바닥으로부터 상승하거나 천장에서부터 하강한다. 투명한 유리구 중 몇몇은 안이 비어 있는 껍질이고 또 다른 몇몇은 내면이 가득 찬 덩어리다. 전자는 뚫어 둔 구멍에 숨을 불어넣어 부풀리고, 후자는 단단한 유리구슬 위에 고온고압의 물을 분사하여 없던 구멍을 낸다. 꽉 찬 구슬 내면에 상처 없이 곧은 직선의 길을 내기 위해서는 물의 힘이 필요하다. 거듭 내려앉는 빗방울이 커다란 바위 위에 물길을 내듯, 단단함은 견고함을 깨뜨리는 반면 유연함은 그 내부에 조용하게 침투한다. ◆‘빛나는 돌’… 켜켜이 쌓인 관계의 찬란함 조각가 오유경(45)이 이달 2일부터 20일까지 용산구 소재 전시공간 APO프로젝트(정고은 디렉터)에서 자신의 9번째 개인전 ‘빛나는 돌(Shining Stone)’을 연다. 올해 제작한 신작 6점을 조명하는 자리다. 전시장 초입에 놓인 ‘바람의 탑(Pagoda of Baram, 2024)’과 ‘베지터블 메모리(Vegetable Memory, 2024)’는 서로 대구를 이루는 조각이다. 원형과 사다리꼴 등 동일한 기하학적 형태로 제련된 목판을 서로 다른 방식으로 조합하여 두 작품의 지지대를 세웠다. ‘바람의 탑’에서 나무 지지체는 정지한 형태의 좌대이지만, ‘베지터블 메모리’의 그것은 거꾸로 뒤집힌 형태로서 관객이 모서리를 잡고 돌리면 바닥에 놓인 원판이 둥글게 돌아가는 회전형 구조물로 재해석됐다. 재료가 ‘무엇’인지보다 ‘어떻게’ 조합하는가에 초점을 둔 조형이다. 출품작 중 ‘맺고 있는 연결 상태(Being Connected, 2024)’의 한쪽 귀퉁이에 놓아둔 작은 돌이 주제를 함축적으로 보여준다. 지난여름 작가가 부탄에서 주워 온 돌멩이는 천연 보석처럼 찬란하게 빛나는 표면을 지니고 있다. 가늠할 수 없는 세월 동안 축적된 무엇이 발에 채는 돌로 하여금 이토록 신비한 빛을 품도록 했을까. 모든 평범한 것들은 관계의 힘을 통하여 비범해진다. 오랜 시간 제 몸에 반짝임을 모아 온 광물처럼, 오유경의 조각들은 자신의 가느다란 뼈대 위에 찬란한 유리구를 켜켜이 쌓아 올린다. 각기 다른 투명도와 색채의 구슬들이 오랜 세월 바람에 곱게 마모된 돌멩이의 순수한 아름다움을 연상시킨다. 오유경은 2002년 서울시립대학교 환경조각학과를 졸업한 후 2006년 프랑스 파리8대학 대학원에서 조형예술학과 석사 학위를 취득했다. 2003년부터 2008년까지 파리국립고등미술학교(ENSBA)에서 현대미술의 거장 주세페 페노네에게 조형예술학을 사사하여 국가학위(DNSAP)를 졸업했다. OCI미술관(2011), 스페이스K(2015), 챕터투(2017), 아트소향(2020), 플레이스막2(2021), 얼터사이트계선(2021) 등에서 개인전을 열었다. 강원국제트리엔날레(2024), 경남도립미술관(2024), 아모레퍼시픽미술관(2022; 2017), 갤러리바톤(2022), 이탈리아 페스카라 아리아 파운데이션(Fondazione Aria, 2021), 금천예술공장(2020), 부산시립미술관(2017), 서울시립 북서울미술관(2015), 아틀리에 에르메스(2014), 팔레 드 도쿄(2013) 등의 단체전에서 작품을 선보였다. 파리국제예술공동체 레지던시(2008), 서울시립 난지미술창작스튜디오 3기(2008), 인천아트플랫폼 1기(2009), 국립현대미술관 고양레지던시 8기(2012), 파리 아틀리에 에르메스(2012), 경기창작센터(2015) 등 다수 레지던시에 입주해 작업했으며 국립현대미술관, 에르메스재단, 부산현대미술관 등이 그의 작품을 소장하고 있다. ◆우리의 날들을 연결하는 숨길처럼 둘 이상의 존재가 맺는 관계의 연속 가운데, 아름다움은 주로 독립된 각자가 아닌 서로의 균형과 조화 속에서 생성된다. 유리구슬의 표면은 주위의 풍경을 투영하며 끊임없이 자신의 빛깔을 바꾸어 내고, 물방울 소리는 시시각각 다른 이유로서 듣는 이의 내면을 물들인다. 오유경이 최근의 작가노트에서 밝히기를 언제나 “작품과 공간은 서로 에너지를 교환”한다. “땅이 달구어져 아른거리는 아지랑이 현상처럼 서로가 연결되어 상호작용을 일으키는” 시공 속에서 비로소 “관객은 호흡”한다. 다시 한 번 전시장 위로 물방울 소리가 떨어진다. 부드럽고도 또렷하게, 오늘의 공기를 두드려 자신이 지나갈 물길을 내려는 듯이. 그 맑은 울림은 나의 오늘과도 오롯이 관계 맺는다. 복잡다단한 하루의 끝자락에 반짝이는 유리구슬 표면에 맺힌 잔상이 끼어들고, 보이지 않는 물기 또한 스며든다. 부드러운 은유로서, 유연한 예술의 언어로서 우리의 날들을 연결하는 숨길을 내어 두려는 듯이. 박미란 큐레이터, 미술이론 및 비평

파랑색, 살구색, 보라색, 밤색, 녹청색, 갈색 ··· 다채로운 색상의 크고 작은 공모양 구체들이 절묘한 균형을 이루며 수직으로 쌓아 올려진 상태로 관람객들을 맞는다. 영국 출신의 작가 애니 모리스의 대표작 ‘스택’(Stack) 시리즈다. 2014년 첫 선을 보인 ‘스택’시리즈는 사산의 아픔을 겪은 작가의 경험을 녹여넣은 작품이다. 임산부의 배를 상징하는 동그란 구체는 생명의 기적과 불안함을 모두 담고 있다. 선명한 색감과 리듬감은 공간을 따뜻하면서도 강렬한 에너지로 가득 채운다. 월스트리트저널에서는 이를 ‘기쁨의 쌓기’라고 표현한 바 있다. 그의 또다른 대표작 ‘꽃 여인’(Flower Woman) 시리즈는 마치 마티스의 컬러풀한 드로잉을 연상케 한다. 뛰어난 드로잉 실력을 입증하듯 여성 신체를 유려한 선으로 간결하고 아름답게 그려낸 조각 작품이다. 꽃 형태의 머리와 임신한 여성을 상징하는 신체를 가진 강철 조각은 작가 자신의 초상화이기도 하다. 애니 모리스의 국내 첫 개인전이 11월 2일까지 서울 성동구 성수동 더페이지갤러리 WEST관에서 열린다. 작가의 스택 시리즈와 꽃 여인 시리즈, 태피스트리 작품을 함께 선보이는 자리다. 특유의 리드미컬한 여성의 생명력이 다채로운 색채와 동적인 형태로 가장 잘 드러나는 작품들을 입체적으로 만나볼 수 있다. 작가는 평면과 입체를 넘나들며 다양하게 활동한다. 넓은 스펙트럼을 자랑한다. 그의 자동기술법적 드로잉은 직물 기술을 통해 태피스트리 시리즈로 확장된다. 린넨 위의 바느질은 파스텔이나 목탄으로 그린 것 같은 회화적 질감을 강조하는데, 이는 실 페인팅(Thread Painting)이라 불린다. 애니 모리스는 1997년∼2001년 프랑스 파리 에콜 데 보자르에서 이탈리아 대표 조각가 주세페 페노네의 지도를 받았고, 2003년에는 영국 런던의 슬레이드 미술학교를 졸업했다.

매끄러운 표면과 뚜렷한 색채, 두껍게 바른 물감, 평면적이지만 세밀한 묘사, 강렬한 인공 색채가 돋보이는 작품은 작가가 살아가는 시대의 사회 현상과 대중문화, 트렌드를 날것 그대로 담아낸, ‘타임캡슐’이다. 알렉산더 가이의 화풍은 로마, 이집트, 이슬람 미술에 멕시코 벽화운동, 정치 선전물, 그라피티 등 다양한 요소를 버무려 만들어졌다. 그의 작업 전반에는 그만의 해석이 담긴 독특한 시각언어와 사회에 대한 관심이 일관되게 나타난다. 구상회화와 팝아트를 결합해 광고 이미지를 떠올리게 하는 기법을 자주 활용한다. 그는 커다란 단색 배경 캔버스에 빈틈없이 오브제를 배치하고 실감 나게 그리는 과정을 거치면서 마치 무대 위의 주인공에게 조명을 비추듯 극적 효과를 주어 모두가 주목하도록 힘을 부린다. 이는 평범한 대상에 기존의 가치를 뛰어넘는 새로운 예술품의 가치를 부여함으로써 그 본질을 사유케 한다. 영국 스코틀랜드에서 활동하는 작가 알렉산더 가이의 국내 첫 번째 개인전 ‘JETSET’(젯셋)이 10월20일까지 서울 용산구 한남동 가나아트 나인원에서 열린다. 작가는 일상 속 사람, 장소, 물건에 관심을 두고 현대 사회에 만연한 문제에 대한 개인적인 통찰을 공유한다. 전시 제목 ‘JETSET’은 세계를 여행하며 삶을 즐기는 부유한 상류층이나 유명 인사를 말한다. 가이는 SNS 시대를 살아가는 사람들이 스스로 조작한 일상 모습을 인터넷에 퍼 올리며 가상의 유명인으로 변모해 가는, 새로운 ‘JETSET’의 등장에 주목한다. 그는 현대 사회의 불안과 긴장감, 팬데믹 봉쇄 이후 급변한 소비주의 사회, 급등한 식료품 가격, 그리고 과도한 포장재 사용 등의 문제를 맥도널드 키오스크, 그릴 위의 고기, 커피 자판기 등 마주치는 일상 요소를 상징적 매개체로 삼아 작품에 표출한다. 각 작품은 독립적으로 감상할 수 있으며 동시에 상호 연관성을 통해 전시의 서사를 형성한다. 작가는 일상 속에서 발견되는 사물에 새로운 시각적 가치를 부여하고, 그 이면에 숨겨진 현대의 문제들을 그만의 방식대로 유머러스하게 풀어내면서, 급변하는 사회적 이슈에 주목할 것을 권유한다. 주변에 대한 관심을 놓지 말라고 일깨운다.

작가 유장우는 사회경제, 문화현상, 기술문명 속에서 형성되는 인간의 감정과 행위를 탐구하고 이를 영상, 사운드, 설치 작품으로 표현해낸다. 행복, 불안, 슬픔, 기쁨 등 인간의 마음을 이루는 감정을 현대 자본시장, 사회과학 데이터, 역사적 아카이브 등의 자료와 교차 분석하며 새롭게 해석하는 것이다. 작품 ‘행복지수’는 사회관계망서비스(SNS)에서 추출한 행복의 키워드와 정부나 기업의 통계 자료를 주식시장에서 활용하는 변동성지수에 대입해 1985년부터 2085년까지의 한국인 행복지수를 기록하고 예측한다. 작가는 행복이라는 감정과 긴밀히 관계하고 있는 자본의 모습을 가시화해 행복의 원천에 관한 사유를 끌어낸다. ‘어떤 슬픔’은 2000년 이후 대한민국에서 발생한 참사의 이미지를 디지털 맵핑 이미지로 변환한 작업과 이를 해석해 눈물을 흘리는 메타 휴먼의 커다란 두 눈으로 구성한 작품이다. 작가는 철저하게 학습된 인공지능의 눈물에 공감할 수 있는지를 물으며, 슬픔이라는 감정의 근원을 고민케 한다. ‘펌프 앤드 덤프’에서는 불안의 감정을 소문과 괴담을 통해 독특한 분위기로 드러낸다. 부동산 시장을 소재로 실체 없는 말들이 만들어가는 불안을 보여 준다. 영상 작업 ‘X10’과 사운드 작업 ‘신념의 변주곡’은 감정에 관한 실제 역사적 자료를 기반으로 만들어낸 작품이다. 작가는 온전한 개인의 영역으로 여겨지는 감정의 근본적인 형태와 생성에 관해 다시금 사유할 지점을 남기고, 자본주의 시대에 도구로 전락한 인간의 감정에 관해 경고의 메시지를 띄운다. ‘완벽한 행복’은 전통적인 연기 이론을 학습한 인공지능이 행복을 주제로 생성한 대본을 중심으로 형성된 작품이다. 작가는 인공지능의 철저한 지시로 탄생한 장면과 배우의 개인적 경험·감정에 충실한 연기를 나란히 제시한다. 유사하지만 미묘하게 어긋나는 두 장면을 통해 행복을 구성하는 사회 문화 시스템과 행복이라는 감정이 보편적으로 형성될 수 있는지에 관해 묻는다. 작품 ‘너의 마음’은 오늘날 콘텐츠화되어버린 개인의 일상을 담은 영상 일기 ‘브이로그(Vlog)’ 형식을 차용한 영상이다. 작가는 얼굴 감정 인식 기술을 활용해 영상에 등장하는 모든 인물의 표정을 분석하고 감정 상태를 드러내 보여 준다. 인간의 행위와 표정을 통한 철저한 분석은 복잡한 사회관계망에서 경험하게 되는 감정의 층위를 나타내고, 언제 어디서든 분석될 수 있다는 불안함을 전달하며 소통에 관한 성찰을 요구한다. 유장우 개인전이 ‘너의 마음’이란 명패를 내걸고 11월9일까지 서울 금천구 독산동 아트센터 예술의시간에서 열린다. 이번 전시에 흐르는 커다란 감정은 ‘불안’이다. ‘불안-공포-열망’의 감정 흐름 속에서, 작가는 개인의 마음 면면을 예리하게 관찰 분석함으로써 그 기저에 자리한 사회적 감정의 모습을 투영해낸다. 인공지능(AI) 기술을 활용한 신작을 포함, 6점의 영상과 사운드, 설치 등 총 8점의 작품을 선보인다.

조각을 주제로 한 비엔날레인 제7회 창원조각비엔날레(사진)가 11월10일까지 경남 창원시 일대에서 열린다. ‘큰 사과가 소리 없이’를 주제로 16개국 86명(63팀) 작품 177점을 펼쳐 놓았다.특히 창원 도심 전역을 큰 전시 도면으로 상상하고 기존 전시장인 성산아트홀과 창원시립마산문신미술관 외에도 도시의 역사성이 반영된 성산패총과 창원복합문화센터(동남운동장)를 새로운 전시장으로 제시했다. 성산아트홀은 비엔날레가 다루는 조각의 수평성, 산업의 변화, 여성과 노동의, 공동체의 움직임이 교차하도록 전시 동선을 구성했다. 성산패총은 1973년 공장을 만들기 위해 산을 깎아내던 순간 발견된 공간으로 생산과 발굴의 이중적인 시간을 시사한다. 동남운동장은 창원국가산업단지 내 위치한, 근로자들의 시간이 서린 공간으로 조각의 이동과 공동체의 움직임을 조망할 수 있는 작품이 전시된다.

한국 추상미술 선구자 김환기의 전면 점화가 홍콩 경매에서 78억원에 판매됐다. 김환기의 1971년작 전면 점화 '9-XII-71 #216'는 26일 저녁 홍콩 더 헨더슨 빌딩에서 열린 크리스티 홍콩 이브닝 데이 경매에서 78억1천900여만원(약 4천600만 홍콩달러. 수수료 제외)에 낙찰됐다. 이는 2019년 홍콩 경매에서 당시 환율로 약 132억원(수수료 포함 153억원)에 낙찰된 김환기의 '우주'(05-IV-71 #200)와 2018년 5월 서울옥션 홍콩 경매에서 당시 환율로 85억3천만원(6천200만 홍콩달러)에 낙찰된 김환기의 붉은색 전면점화 '3-II-72 #220'에 이어 경매에서 거래된 한국 현대미술작품 중 세번째로 높은 가격이다. 이번에 낙찰된 작품은 약 77억5천만∼112억원(4천500만∼6천500만 홍콩달러)에 출품돼 추정가 하단 가격에 낙찰됐다.

오스트리아 빈의 대표적 미술관인 레오폴트미술관에서 한국어로 작품 설명 등을 들을 수 있는 음성 안내 서비스가 시작된다. 주오스트리아 한국대사관(대사 함상욱)은 25일(현지시간)부터 빈의 레오폴트미술관의 상설 전시인 '빈의 1900년대. 모더니즘의 탄생'에서 한국어 음성안내 서비스를 개시한다고 24일 밝혔다. 이 서비스는 유럽의 대표적 미술관들을 보려고 오스트리아 빈을 찾아오는 한국 관광객을 위해 한국 외교부가 지원하는 사업이다. 이에 따라 구스타프 클림트와 에곤 실레, 오스카 코코슈카, 콜로만 모저, 요제프 호프만 등 1900년대 오스트리아 빈의 예술적 독창성을 엿볼 수 있는 화가의 작품 설명을 한국어 오디오 가이드로 들을 수 있다. 클림트의 '죽음과 삶'과 실레의 '꽈리열매가 있는 자화상'은 레오폴트미술관의 명성을 높여준 유명 작품으로 꼽힌다. 오디오 가이드는 매표소에서 대당 4유로(2대는 7 유로)에 대여할 수 있으며 앱(www.hearonymus.com)으로 6.99 유로에 내려받으면 영구적으로 이용할 수 있다. 한국과 오스트리아 간 문화 협력 사업은 한국 전시 행사로도 이어진다. 레오폴트미술관 소장품을 전시하는 '비엔나 1900, 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지' 전시가 오는 11월30일 국립중앙박물관에서 열린다.