평인 송동옥 작가가 세종대 세종뮤지엄갤러리에서 ‘쓰고 그리고 새기다’ 라는 주제로 전시회를 열고 있다. 서술적 요소를 배제하고 사물이 가지고 있는 고유의 물성을 찾아 기호, 상징을 작품으로 끌어들인 회화, 서예, 전각 작품 70여점을 선보이고 있다. 비교적 넓은 전시장에선 ‘결’이라는 주제로 작품이 특히 눈에 띈다. 결은 바람결, 물결, 숨결 등으로 드러남과 드러나지 않음 사이에서 틈이 만들어지고 그 틈이 결이 되어 나타나고 사라진다. 바람은 보이지 않지만, 흔들리는 들꽃이나 눈과 모래 흔적을 통해 알 수 있듯이 작가는 드러난 형상 너머의 자연의 결을 관조한다. 미술평론가 김찬호는 “평인 송동옥 작가의 작품에는 선이 드러나고, 면이 드러나고, 색의 변화가 드러난다. 고요한 가운데 약동하는 리듬을 추구하고 있으며, 그 속에서 결을 찾아가고 있다"며 "또한 서술적 요소를 배제하고 사물이 가지고 있는 고유의 펴물성을 찾아가고 있으며, 절제된 형식으로 자신만의 회화적 언어를 화폭에 담아내고 있다”고 말했다. 전주대 미술대학 회화과를 나와 성균관대 유교경전 석사과정 마친 송동옥은 선어선운(禪語線韻)전· 창이문화 낳이 초대 개인전 (2020), Hello 호랑이·아틀리에 아키 초대 개인전(2010), 금호미술관 초대 개인전 (2005), 전북도립미술관 서우관 개인전 (2022) 등 19차례의 개인전과 미국 11개 도시 순회 전시를 갖는 등 왕성한 작품 활동을 하고 있다. 전시회는 11일까지.

“내 그림 제목은 모두 ‘평화’라고 붙이고 싶어요. 저봐요. 서로 손 잡고 같은 율동으로 공생공존을 말하는 것 아닙니까? 그런 삶이 곧 평화지 뭐.”(이응노, 1988) 인간의 형상은 고암 이응노(顧菴 李應魯, 1904∼1989)의 작업에서 꾸준하게 등장하는 소재였다. 1960년대 초 고암은 인간을 서로 손 잡고 있거나 어깨동무한 모습의 군중 형태로 표현하기 시작했는데, 이것이 기호가 아닌 하나의 주제로 여겨진 것은 그가 1967년 동백림사건으로 투옥돼 고초를 겪은 이후부터다. 1950년대까지 고암은 서민들의 생활상을 증언하는 방식으로 화폭에 인간을 담았다. 프랑스 파리에 정착한 1960년 이후에는 한동안 콜라주, 문자추상작업 등으로 추상화면을 구성하는 데 집중했다. 이 시기 그의 작품 속 인간은 정치적, 사회적 의미가 배제된 채 추상화된 풍경의 일부, 혹은 ‘구성’ 연작의 상형기호로 등장할 뿐이었다. 그러다 2년 반의 수감생활을 거치면서 사회적 약자, 정치적 상황과 삶의 관계에 대해 인식하기 시작한다. 그림이 인간과 사회에 대한 발언을 해야 한다고 깨닫게 된 것이다. 이러한 자각을 계기로 ‘인간’과 함께 ‘평화’, ‘통일’ 등의 메시지가 그의 작품에서 출현한다. 고암 탄생 120주년을 기념하는 특별전이 ‘고암, 인간을 보다’라는 주제를 내걸고 9월8일까지 서울 종로구 평창동 가나아트센터에서 열린다. 고암의 대표작 ‘군상’을 중심으로 1960년대부터 1980년대까지 집중적으로 나타난 ‘인간시리즈’를 조명한다. 고암은 화업 전반에 걸쳐 인간에 대한 깊은 관심과 애정을 드러냈다. 특히 타계 직전까지 매진한 ‘군상’ 연작은 그가 평생을 관통해 다다른 인간탐구의 종착점이다. “진정한 예술가는 대중의 편에 설 수 있어야 한다”고 설파하며 인간을 향한 예술을 실천한 이응노의 예술관을 한눈에 볼 수 있다. 회화와 조각은 물론 크리스털, 도자기화 등 총 100여점이 관람객을 맞는다. 이응노는 1960년대부터 회화를 넘어 공예나 디자인 영역도 섭렵했다. 그가 1986년 프랑스 크리스털제조사인 바카라와 협업해 제작한 ‘올림픽 크리스털’ 여섯 종과 1988년 조카 이강세의 도자기에 그린 그림이 눈에 들어온다. ‘올림픽 크리스털’ 여섯 종 모두를 한자리에서 소개하는 것은 이번이 처음이다. 이응노의 ‘옥중조각’, 일명 ‘밥풀조각’도 반갑다. 세 점이 출품됐다. 작가는 출소 후 기자회견에서 안양교도소 수감 시절(1968년 12월23일~1969년 3월7일) 죄수들이 밥풀을 뭉쳐 장기말을 만드는 것을 보고 같은 방 수인들이 남긴 밥이나 심부름하는 사람을 통해 얻은 밥찌꺼기를 짓이기고 신문지 등과 반죽해 조각했다고 회상한 바 있다. 이로 인해 고암의 밥풀조각은 안양교도소로 이감된 이후 제작된 것이라 여겨져 왔으나, 이번 전시에 소개되는 부조 뒷면에 ‘재료(材料) 먹다가 남은 밥과 그리다가 바린(버린) 창호지(窓戶紙) 외피지(外皮紙)를 사용(使用)한 것이다. 68(년) 시월(十月) 대전(大田)에서 이응노 창작(創作)’이라는 문구가 적혀 있어, 그가 이미 대전교도소 수감 시절(1968년 8월3일~1968년 12월23일)부터 밥풀조각을 했음을 알 수 있다. 이 밥풀조각은 고암이 투옥 전 전개한 ‘구성’ 연작처럼 인간이나 동물을 본뜬 듯한 기호들이 한데 뒤섞인 형태인데 유기적으로 연결되어 있다. 이는 후에 여러 사람이 나란히 서서 손을 잡거나 팔짱을 끼고 함께 춤을 추는 입상(立像) 형태로 발전한다. 이응노는 이렇게 서로 손 잡고 같은 춤을 추는 인간의 형상을 두고 “공생을 염원하는 민중”이라 칭했다. 훗날 ‘군상’ 연작의 시원이 된다. 고암은 1969년 석방된 이후 문자추상이라는 독자적인 양식을 개발하는 와중에도 계속해서 사람을 그렸다. 1970년대 들어서 그는 가구, 크리스털, 무대나 무용의상을 디자인하고 민속공예에도 관심을 가지면서 자신의 영역을 넓혀나갔다. 전보다 훨씬 화려한 색채와 무늬를 사용해 인물을 표현했고 군무(群舞)를 추는 모습을 다수 그렸다. 3∼5명의 사람이 어깨동무하고 서로 한몸이 되어 마치 날개를 펼치듯 만세를 부르는 그림이 많던 때다. 여기서 나타나는 굵은 획과 이를 두르고 있는 윤곽선, 그리고 도식적인 구조는 후기 문자추상작업의 주된 표현법으로, 추상에서 ‘군상’으로 이행하는 과정을 보여준다. 1980년 파리에서 광주민주화운동에 대한 소식을 접한 이응노는 “지금까지 추상만 해왔다. 그러나 ‘군상’부터는 구상으로 바꿔서, 이 혼란한 시기에 좀 더 명료하게 평화, 남북통일 등의 염원을 좀 더 직접적이고 구체적으로 전달하겠다”고 다짐하며 작업에 큰 변화를 꾀했다. 추상보다는 구상작업, 그중에서도 인간시리즈, ‘군상’ 연작이 사회적 발언에 적합하다고 판단한 것이다. 고암은 ‘인간시리즈’를 두고 통일무(統一舞)라고 말했다. 통일된 광장에서 환희의 춤을 추는 사람들이라는 의미다. ‘군상’ 연작에 등장하는 인물들에서 두 손을 높이 들고 춤을 추는 형태나 손에 악기를 들고 있는 모습, 상모돌리기가 연상되는 형상이 관찰되는 것도 그 때문이다. 그는 200호 이상의 대형 회화를 그리기 시작했고 전면에 셀 수 없이 많은 사람을 빼곡히 그려 넣어 집단적 움직임을 표현했다. 고암은 ‘군상’의 주제가 광주민주화운동에 국한되지 않고 인류 보편의 가치가 되기를 바랐다. ‘군상’ 속 사람들이 성별, 인종, 나이 등을 가늠할 수 없는 익명 형태인 이유다. 각기 다른 몸짓으로 모여 ‘반전(反戰)’, ‘평화(平和)’와 같은 문구를 이루기도 한다.

“자연을 그린다는 것은 대상을 그대로 베끼는 것이 아니라, 자기만의 감각을 실현한다는 것이다.”(폴 세잔) 작가 이효연은 스웨덴 왕립예술원에서의 유학 경험을 살려, 인간의 내면과 공간의 정서가 교감하는 북유럽 회화의 특징을 포착해낸다. 스웨덴에서 이방인으로 살았던 기간 동안, 그는 숲 거닐기를 즐겼다. 숲에서 작가는 열대의 야자수, 사막의 선인장, 극지방의 침엽수가 공존하면서 현실의 법칙을 뛰어넘는 풍경을 상상했다. 이후 무수한 생명체들이 풍부한 색채 안에서 생동하며, 현실과 상상의 경계가 모호해진 풍경 작업을 실행하기 시작했다. 숲의 여정을 마치고 집으로 돌아온 그는 키우던 식물, 책, 그림 등 일상의 오브제들을 각자의 이야기를 품은 생명체로 여기고, 평범했던 생활 공간을 생명력이 깃든 ‘실내의 숲’으로 ‘집’을 전환한다. “최근에는 스톤더스트라는 재료를 활용하기도 하는데, 특유의 마티에르와 차분하고 깊은 발색이 느껴지는 특징이 있어요. 작품 속 자연의 일부를 섞는 과정은 마치 숲을 걷던 흙 묻은 신발이 실내외를 자유롭게 오가듯, ‘숲’과 ‘집’을 연결 짓는 의미를 갖기도 해요.” 녹음이 짙어지는 8월, ‘숲’과 ‘집’을 배경으로 이국적인 회화 작업을 펼쳐온 이효연의 개인전이 5일부터 28일까지 서울 용산구 한남동 더 트리니티 앳 그랜드 하얏트 서울(대표 박소정)에서 ‘Collecting Scenery’(풍경채집)이란 문패를 내걸고 관객을 반긴다. “이효연의 작품 안에는 함께 공존할 수 없는 것들이 자연스럽게 모아져 있는데, 저마다의 피사체를 보고 있으면 이내 고요한 몰입감에 빠져들게 됩니다.” 이라엘 큐레이터는 “이번 전시회를 통해, 작가가 캔버스 위에 채집한 신비롭고 다정한 풍경 속으로 들어가, (관객의) 서정성을 깨우는 마법 같은 이야기를 수집해보시라”고 조언한다. 매일 오전 11시부터 오후 9시까지 무료로 관람할 수 있다. 단, 오후 4시30분부터 1시간 동안 브레이크 타임이 적용된다.

◆“회화는 세상에 대한 스크린샷” 윤향로(38)는 자신이 바라본 오늘의 풍경을 회화의 화면에 옮겨내는 작업에 대해 ‘스크린샷’을 빗댄다. 대중문화와 미술사, 패션 산업 등 동시대 다양한 분야에서 끌어온 요소들을 평면의 캔버스 위에 투영하는 ‘스크린샷’(2016∼) 연작을 선보이면서다. 빛이 산란하는 화면은 유년의 기억에서 건져 올린 변신소녀 만화 속에서 에너지가 움직이는 장면을 발췌한 결과물이다. 순간의 이미지를 포착하고 컴퓨터 프로그램으로 편집 및 변형한 뒤 회화로 옮기는 방식이다. 신비한 힘의 이동 과정은 때로 결과보다 더 환상적이고 아름답다. 스크린샷으로 남기지 않으면 금세 놓치고 마는 색채와 형상들, 목적지에 도달하기 이전까지만 품을 수 있는 황홀한 기대와 감정들. 그는 회화의 문법을 따르면서도 작업 과정에 다양한 컴퓨터 프로그램과 편집 툴을 개입시키며, 에어브러시 등 도구를 사용함으로써 디지털 스크린처럼 매끈한 질감을 선보이는 일련의 작품을 가리켜 ‘유사 회화’라고 일컫는다. 그로부터 작가가 오늘날의 회화를 바라보는 관점이 드러나는데, 미디어 기술 변화에 따라 새로운 도구와 기법을 실험하고 나아가 동시대 이미지의 생산 및 소비 방식에 대해 고찰하는 태도의 작업들을 ‘회화의 계보에 속해 있으나 이전 세대의 그것과는 조금 다른’ 무언가로서 지칭하고자 하는 태도다. 윤향로가 본격적인 활동을 전개하기 시작한 2010년대는 인터넷 환경 및 디지털 미디어가 순수미술의 영역에 미친 영향에 대한 관심이 본격화된 시기다. 당시 미술계에서는 ‘포스트 인터넷 아트’(마리사 올슨, 2008)라는 용어를 화두 삼아 인터넷과 함께 자라난 세대의 작가들이 선보이는 낯선 표현에 대한 논의가 지속되었다. 인터넷의 발전 이후 갱신된 이미지 생산 및 유통 방식에 따라, 온라인에서 발견된 이미지들을 복제, 전유, 재생산하는 방식을 주된 조형 언어로 활용하는 1980년대생 작가들이 주로 호명된다. 윤향로는 해당 맥락에서 대표적으로 언급되는 작가 중 하나다. 그는 2009년 홍익대학교 회화과 졸업 후 2013년 한국예술종합학교에서 조형예술과 전문사를 취득했다. 2014년 국립현대미술관 ‘젊은모색’ 참여작가 및 아르코미술관 ‘아르코 영 아티스트 프런티어’로 선정되며 주목받았다. 인도네시아 가자갤러리(2023), 실린더(2022), 학고재(2020), P21(2018), 두산갤러리 뉴욕(2017), 원앤제이 플러스원(2017), 인사미술공간(2014), 갤러리175(2012)에서 개인전을 개최했고 국립현대미술관, 서울시립미술관, 울산시립미술관, 부산현대미술관, 아르코미술관, 인천아트플랫폼, 수원시립미술관, 일민미술관, 아뜰리에 에르메스 등 유수의 기관 전시에 참가했다. 제12회 광주비엔날레(2018)와 제3회 제주비엔날레(2022)에 작품을 선보였다. ◆미지의 우주를 유영하는 빛무리들 언젠가 윤향로에게 하나의 전시를 준비하는 일에 대한 생각을 묻자 “매번 새로운 주제로 소논문을 쓰는 마음”이라는 답이 돌아왔다. 그는 자신의 작품세계 안팎을 탐구하는 데 진중한 노력을 기울이며 소재 및 표현의 변주를 시도해 왔다. 2020년 학고재에서 선보인 전시 ‘캔버스들’에서는 지난 세기의 추상표현주의 화가 헬렌 프랑켄탈러(1928∼2011)의 활동을 정리한 책 페이지를 발췌하여 구성요소로 활용했다. 과거와 현재가 쌓인 텍스트 자료의 ‘스크린샷’ 위에 자신의 시간을 상징하는 드로잉과 아이의 낙서를 층층이 중첩하여 완성한 화면이다. 2022년 홀1과 실린더에서 개최한 개인전 ‘태깅’에 선보인 연작은 사회관계망서비스(SNS) 게시물에 특정 단어나 상대의 계정을 태그하는 행위에서 착안했다. 하나의 단어로 함축된 태그는 직관적이어서 종종 실제 콘텐츠의 내용보다 중요하게 인식되는 역설이 일어난다. 스프레이로 여러 번 채색한 화면 곳곳에 알파벳이 어렴풋이 드러나지만 문자 자체의 의미는 더이상 중요하지 않다. 두 개의 물리적 장소 안에 놓인 작품들은 서로가 서로를 은연 중에 지시하는 한편 SNS 타임라인 위에서의 ‘태깅’으로 두 시공을 연동한다. 형상은 파편으로 쪼개어지며 더욱 추상화되는 면모이다. 디지털 스크린과 조각 연작으로 구성된 ‘Flag’(플래그·2022)는 깃발을 모티프로 한 작품이다. 바람의 속도와 세기, 방향에 따라 매 순간 다른 형태로 나부끼는 깃발이 외적 환경과 자극에 대한 반응을 즉각적으로 시각화하는 상징적 매체라고 여겼다. 2022년도 이후 자신의 삶 속 사건 및 상황들로부터 비롯된 정서를 작품에 보다 적극적으로 투영하기 시작했다. 추상 언어로 번안된 감정이란 지나치게 모진 비처럼, 거칠게 등을 떠미는 바람처럼 스스로 도울 수 없는 일들로 포화된 날들의 흘러감 속에서 어떻게든 내면의 감각들을 빛나는 무엇으로 바꾸어 보겠다는 고집스런 애틋함인지 모른다. 고된 날씨에 하릴없이 흔들리고 넘어진 뒤에라도, 모든 마음의 잔해와 무너진 파편의 가루는 예술의 일부로서 발화한다. ‘Flag’의 대형 디지털 스크린은 검은 배경에 눈부신 빛무리가 쏟아져 내리는 영상을 송출한다. 기상청 데이터를 실시간으로 전송받아 그에 대응하는 이미지와 사운드가 출력되도록 했다. 스크린은 풍속과 풍량의 변화에 시시각각 반응하는 평면의 깃발이 되어 관객 앞에 매번 다른 모양과 소리를 선보인다. 화면은 아득한 우주의 풍경을 연상시킨다. 미지의 시공은 그저 막막하기보다 또 다른 가능성을 향하여 열린 내일이다. 윤향로는 오는 8월 예술경영지원센터의 주관으로 북촌 소재 휘겸재에서 진행되는 전시에 참여할 예정이다. 9월 초 프리즈 서울과 키아프가 동시 개최되는 서울아트위크 주간에는 금천예술공장 오픈스튜디오에서 신작을 선보이는데, 오키나와를 화두 삼아 진행한 리서치에 기반하여 제작된 결과물이다. 이어 11월에는 금천예술공장 내 전시공간에서 개인전을 개최할 계획으로 구상 및 창작에 몰두하고 있다. 박미란 큐레이터, 미술이론 및 비평

“제 작품의 특징은 자극적인 서사였습니다. 아직도 남아있긴 하지만 …, 지금은 두드러진 색상이 이를 대체했습니다. 팔레트도 여러 번 바뀌고 그림이 밝아졌는데, 기법이 좀 더 복잡해진 이유도 있어요. 저는 노란색 밑작업으로 시작하고 노란색 페인팅으로 마무리합니다. 삶은 빛에서 시작해 빛으로 끝난다는 비유라고 보시면 됩니다. 그림 하나하나의 과정에서 삶의 순환을 이야기하고자 합니다.” 데이비드 레만(37)의 페인팅은 팔레트 위 가장 밝은색인 노랑으로 시작한다. 캔버스 위에 듬뿍 칠해 밑작업을 한 뒤 그 위에 여러 층의 다양한 물감을 입히고 채색해나가며 원래의 노란색을 점차 가려가는 형식이다. 이 노란색은 마치 어린 시절 기억처럼 희미해지지만 여전히 눈에 띄면서 캔버스의 흐름을 잡는 구실을 한다. 이 같은 작가의 ‘겹회화(layered painting)’ 기법은 중부 유럽 전통 회화에 뿌리를 두고 있는데, 레만의 작업은 여기에 북미 추상 표현주의에서 받은 영감을 가미했다. 광폭한 에너지로 복잡하게 얽힌 그림을 그리는 그의 붓질은 아슬아슬하다 할 만큼 꽤나 격정적이다. 그는 나라와 문화의 경계를 뛰어넘어 철학, 문학, 영화, 사진, 음악, 미술사, 정치 등에서 소재를 흡수한다. 그리스 신화의 프로메테우스, 가수 PJ 하비, 도스토옙스키의 라스콜니코프, 공상과학 소설 ‘듄’, 영화 ‘프리 윌리’ 등 다양한 출처에서 영감을 찾는다. 고급문화와 대중문화 사이에 차별을 두지 않는다. 인터넷이 등장하기 전부터 이미 끊임없이 생산된 이미지를 직면해온 우리가, 이러한 풍요로움 속에서 어떠한 서열을 부여하는 것은 어리석은 일이라 여기기 때문이다. 독일 현대미술가 데이비드 레만의 개인전이 8월24일까지 서울 종로구 삼청동 초이앤초이 갤러리와 청담동 호리아트스페이스, 아이프미술경영에서 동시에 열린다. 회화 32점과 드로잉 10점 등 42점의 작품을 선보인다. 장소의 특징과 작품의 성격을 고려해 두 개의 타이틀로 진행한다. 초이앤초이 갤러리는 ‘사랑을 또다시 믿는다(I believe in love again)’를, 호리아트스페이스와 아이프미술경영은 ‘사랑은 죽음보다 뜨겁다(Love is hotter than death)’를 내걸었다. 데이비드 레만은 “동년배 작가들이 지켜야 할 기준을 세운 새로운 예술가”라는 평을 받을 만큼 독창적이고 창의적인 작품세계를 펼쳐 보이고 있다. 특히 내면의 주관적인 감정과 대상의 본질을 꿰뚫는 조형언어는 관람객의 감각을 순식간에 사로잡는 강점으로 작용한다. 순간의 감정을 토해내는 듯한 강렬한 색감과 유기적이고 역동적인 붓 터치는 확실한 매력 포인트다. 초이앤초이 갤러리 최진희 대표는 “어떤 형식이나 장르적 틀에 얽매이지 않고, 회화와 드로잉을 넘나드는 자유로운 조형어법을 구사하며, 특유의 젊은 감성으로 독일 현대회화의 한 전형을 보여주는 대표적인 작가”라고 레만을 소개한다. “그의 천재적 재능은 이미 학창 시절부터 수많은 상장과 장학금을 독차지할 정도였고, 2016년 독일 브란덴부르크 연방주에서 수여하는 ‘젊은 예술가상 최우수상’을 수상한 바 있다”고 덧붙였다. 2019년 ‘독일 이머징 회화작가 특별 순회전’의 53인 젊은 회화작가 중 한 명으로 초대된 예도 빼놓지 않았다. 이때의 심사위원단은 독일 미술계에서 가장 권위 있는 미술인 50인으로 구성돼 화제를 모았다. 1차로 뽑힌 200명 작가의 작업실을 모든 심사위원이 2년에 걸쳐 일일이 방문해 최종 53명을 선정했다. 레만의 잠재적 역량과 비전이 검증된 셈이다. 그는 1987년 독일의 구동독 소도시 루카우에서 태어나 코트부스에서 자랐다. 중학교 때 드레스덴의 미술관에서 접한 올드마스터 페인팅들을 보고 감명을 받아 화가가 되겠다고 마음먹었다. 결국 베를린 국립예술대학교에서 회화를 전공했다. 고향 코트부스로 돌아가 전업 작가로 활동 중이다. “한때 사랑을 믿었지만 어떤 이유로 그 경험에 실망하는 상황을 가리킵니다. ‘사랑을 또다시 믿는다’는. 그러나 마침내 위험을 감수하고 희망을 가지며 사랑에 재도전, 즉 또다시 삶을 살기로 결심합니다. 저에게 사랑은 그림을 그리는 일이고요. 또 다른 제목인 ‘사랑은 죽음보다 뜨겁다’는 라이너 베르너 파스빈더 감독의 영화 ‘사랑은 죽음보다 차갑다’에서 빌려온 겁니다. 제 작품의 키워드는 철학, 감정, 색채, 영화, 미술사, 열정이에요.”

“동양화 맞아?” 조은의 작품을 처음 본 사람들의 반응이다. 낯선 표현과 익숙지 않은 화면이 질문을 낳는다. 동양화를 전공한 작가는 재료와 표현의 방식으로 먹과 동양적 기법을 활용하지만 그가 궁극적으로 보여주려는 것은 현대회화다. 여백을 통해 상상을 자극하던 동양화의 고전적인 방식에서 벗어나, 가지고 있는 이상적인 ‘균형과 연결, 조화’에 집중해, 기어이 세련미를 함축한 그림을 그려내고 있다. 그만의 질서를 읽어낸 관람객들은 동양적인 면모와 대비되는 이국적인 풍경에 색다른 분위기를 누리게 된다. 하나의 화면에 펼쳐진 동양과 서양의 조화가 반갑다. 조은은 자연의 웅대함과 인간 존재에 대한 사색을 유도한다. 그는 거대한 자연을 배경으로 인간들의 삶을 그려내며, 그들이 각자의 내적 세계에서 어떤 생각을 하고 있는지를 상상케 한다. 작품 속 인물들의 표정을 명확히 알 수는 없지만, “실존하는 풍경 속에서 온전히 휴식하거나 교감하는 느낌을 담으려 한다”는 작가의 말처럼 각자의 빛나는 삶을 자연 속에서 찾아볼 수 있다. 조은의 개인전 ‘木木木 : 흐를 숲’이 서울 종로구 통의동 아트사이드 갤러리에서 8월 10일까지 열린다. 먹과 물, 아교의 자연스러운 번짐으로 자연의 생명력을 표현해온 조은은 수묵의 멋과 깊이를 자신만의 방법으로 구축해왔다. 전시 제목 가운데 ‘木木木’은 ‘木’(나무 목) 3개가 붙어있는 형태인데, 이는 사람들이 손을 잡고 있는 모습이다. 제목처럼 자연과 사람이 하나 되어 서로 에너지를 교류하며 살아가는 모습을 표현한 신작 18점을 선보인다.

서울 양천구 목4동 일대 문화예술거리 조성을 위해 양천구에 거주하는 국내 화단 거장들의 전시회가 개최돼 관심을 끌고 있다. 서울 목동 구구갤러리(대표 구자민)는 양천구와 양천문화재단, 양천문화원 후원으로 ‘제7회 목예단길(가칭 목동예술인단체길) 조성을 위한 예술 움직임 및 양천미협 고문전’을 지난 19일부터 열고 있다. 전시회는 25일까지 이번 전시회에는 고성종 김남권 서봉남 염창이 오정숙 이근수 장윤우 홍석창 등 양천미술협회 고문으로 활동하는 8명의 작품을 선보인다. 이들은 국내 미술계의 내로라하는 인사로, 50년 넘게 왕성하게 활동하고 있다. 국립현대미술관 소장작품 심의위원을 지낸 고성종 작가는 도예 작품 ‘Outside In2024 1 :37*33*41cm(h)’을, 화실사람들-인물그림전 김남권 대표는 ‘봄날의 꿈화’ 유화작품을, 한국여성작가 회장을 역임한 염창이 작가는 ‘시간 속의 풍경· 희망1’을 각각 출품했다. 장윤우 성신여대 명예 교수는 ‘인간+자연’ 작품을, 이근수 한강미술협회 회장 ‘NatureE and Human‘, 서봉남 한국미술협회 고문 ‘춤사위/축제’ 등의 작품을 관람객에게 선보이고 있다. 박선진 양천미협 회장은 “1998년 2월 27일에 양천미술협회 창립전 개최 후 2024년 올해 정기전까지 28세의 청년 시절 후반기를 지나고 있다. 이번 전시를 통해 양천미술협회가 거목으로 성장하는 데에 근간이 되는 고문님들의 발자취와 공로를 다시 한 번 되새긴다”고 말했다. 이번 양천미협 고문전은 양천구에 ‘목예단길’로 대표되는 문화예술거리 조성을 위한 여론 환기를 위해 열리고 있어 특별히 관심을 끈다. ‘목예단길’ 조성 사업은 구구갤러리가 목4동 주택가 한가운데 미술갤러리를 만들어 2018년 5월부터 중견 화가들 초대전을 잇달아 전시하면서 양천지역 예술인 사이에서 여론이 일기 시작했다. 최근에는 문화 불모지나 다름없는 이곳에 전시와 공연을 하는 예술거리를 만들자는 움직임이 구체화하고 있다. 프랑스 파리의 몽마르트르 언덕에 비유한 ‘목마르트르’(목동+몽마르트르)를 만들자는 것. 지난 19일 열린 양천미협 고문전 개막식에서 문화체육관광부 장관을 역임하고 이곳이 지역구인 황희 의원은 “양천 주택가 갤러리에도 이러한 거장들의 작품이 걸림으로 문화예술이 일파만파로 퍼지기를 바란다. 목4동 일대를 문화예술거리로 조성하는데 적극적으로 지원하겠다”고 밝혔다. 지역 예술인에 따르면 황희 의원은 장관 재임 시절 구구갤러리 인근에 구청 소유 유휴지를 산토리 모습의 예쁘고 소박한 구립 모새미 도서관을 건립하는 데 기여했다. 파리공원부터 목동사거리까지 연계되는 문화거리 벨트 조성을 위한 가칭 ‘목마르트르‘ 프로젝트를 자료 조사하고 공론화하는데 각별한 관심을 갖고 있다. 특히, 황희 의원과 이기재 양천구청장은 정치적으로는 야당 의원과 여당 구청장의 입장이나, 친구 사이인 두 사람 모두 대학원 도시공학 박사학위가 있는 도시계획 전문가로 지역 내 문화예술 인프라 조성에 협력하며 각별히 챙기고 있다는 것이 지역 예술인의 설명이다. 구자민 구구갤러리 대표는 “교육도시로만 알려진 양천구에 수준이 높은 전시회가 상시로 열리는 문화예술 거리 조성을 위한 예술인과 지역민, 지자체의 공감대가 확산하고 있어 기대가 크다”고 말했다.

“에어브러시는 스프레이 형태라서 깔끔한 것은 붓 칠보다 덜한데, 멀리서 볼 때와 가까이서 볼 때 서로 다른 느낌이 나서 매력적입니다. 가까이서 보면 뿌옇고, 멀리서 보면 선명해지는 각기 다른 느낌이 장점입니다.” 바람을 이용해 물감을 흩뿌리는 에어브러시는 붓과 같은 전통적인 미술 도구와 달리 자주 사용되지 않는다. 자동차나 벽에 글자 등을 세길 때 사용하거나 플라모델 같은 장난감을 꾸밀 때 활용된다. 캔버스 위에 그림을 그리는 회화에 사용하기에는 섬세함이 부족하며, 명확성도 다소 떨어진다. 그럼에도 다니엘 신(신헌도·32) 작가는 에어브러시를 활용해 그만의 그림을 그리고 있다. 지난 15일 서울 서초 아트문갤러리서 만난 신 작가는 “이전 작품에서는 레이저 커팅 기술을 활용해 목재 부조 작품을 만들었다”며 “다음 작품을 기획할 때 붓으로 그리려 하니까 식상해서, 목재 부조를 때 재미를 느꼇던 에어브러시를 시도하게 됐다”고 말했다. 신 작가는 “에어브러시로 그리면 미세하고 판판하게 그림이 나타난다”며 “아크릴 물감을 사용하지만 수채화처럼 캔버스에 안료가 스며든다”고 에어브러시의 특징을 설명했다. 신 작가는 아트문갤러리에서 지난 15일부터 다음달 17일까지 작품을 전시한다. 신 작가와 성낙진 작가, 썬키 작가 3인전이다. 각기 개성이 다른 세 작가의 전시회이지만, 특히 신 작가의 작품은 마치 아이가 그린 듯 간단한 형상과 선으로 표현돼 있다. “현시대에서 느껴지는 것들을 다루고 싶었어요. 점점 직접 소통하는 게 줄어드는 것 같아요. 전화 통화나 문자 메시지로만 이야기하죠. 반면 저는 편지를 써서 전달하는 걸 좋아합니다. 마치 체온도 같이 전달된다고 할까요. 이번 작품은 종이라는 매체를 통해 체온을 전달하고 싶었어요.” 신 작가는 이를 위해 마치 편지가 구겨진 듯한 느낌을 그림 전체를 꾸몄다 주도록 했다. 캔버스도 사각형이 아닌 불규칙한 모형으로 직접 제작했다. 아이의 그림처럼 보이는 부분에 대해선 “어렸을 때 가졌던 순수함을 어른이 되면서 잊어버린 것 같았다”며 “어렸을 때로 다시 한번 되돌아가면 좋겠다는 생각에 아이가 그린 것처럼 표현했다”고 설명했다. 신 작가는 아이 그림처럼 표현하기 위해 2개월 동안 어린이들이 그린 그림과 낙서 등을 수집해서 분석했다고 했다. 자신만의 개성을 나타내는 상징이나 특징이 있냐는 질문엔 “아직 (그림을) 시작도 하지 않은 단계라고 생각한다”며 “새로운 걸 하는 게 너무 재미있고, 다양하게 발전시켜보고 싶다”고 답했다. “매달 전시가 진행돼 내년 초까지 다양한 곳에서 작품을 선보일 것 같습니다. 개인적인 욕심은 전시마다 새로운 작품을 보여주고 싶고, 그러기 위해 지금도 많은 노력을 하고 있습니다. 직접 갤러리로 오셔서 작품을 보면 색다른 재미를 느낄 수 있으니, 많이 찾아주시면 감사합니다.”

인체와 물을 연결해 인간의 심리와 감정을 투영하는 김진남 작가의 10번째 개인전이 아크갤러리에서 오는 25일부터 31일까지 열린다. ‘Underwater Story’란 제목으로 열리는 이번 전시는 광주문화재단의 2024년 지역문화예술특성화지원사업의 지원을 받아서 진행된다. 이번 전시에서는 인간과 물을 모티브로한 현대적인 수중인물화 등 최근 작품들이 전시된다. 김 작가는 갤러리 공간의 구조를 고려해 3개의 섹션으로 작품이미지를 구성했다. 첫 번재는 `Underwater Story`시리즈 유형이다. 물속에 실제인물과 물속에 존재하기 어려운 소재들을 결합해 색다른 내용의 이야기를 전개한 작품들이다. 두번째는 인간의 상처와 관련된 `트라우마`시리즈로 주제의식을 강조한 작품들이다. 마지막은 다양한 재료를 사용해 `인체의 오버랩`을 통한 표현방법을 연구한 작품들을 구성했다. 김 작가는 홍익대와 홍익대대학원에서 회화를 전공하고 30여년만에 서울에서 광주로 거처를 옮겨 자신만의 작품활동에 전념하고 있다. 2022 한국미술진흥원 특별기획전 대상, 2022 파라과이아트페스티벌 대상 등을 수상했다. 그는 이번 전시회 작가 노트에서 “작업에서의 물(水)은 인물을 둘러싸고 있는 생명의 바탕이자 존재의 근원을 은유하고, 삶과 죽음처럼 대립하는 모든 것들을 화해시키고 연결해주는 매개물질이다”며 “나에게 캔버스와 바탕재는 물과 바다이며 때로는 엄마의 양수이다”고 밝혔다. 아크갤러리는 “그의 작품세계는 물의 신비로움과 두려움에서 영감을 받아 인간의 감정과 심리를 연결하여 표현하는 것이다”고 평했다.

충남 천안에서 들꽃을 그리는 화가로 유명한 오은혜 작가가 다섯번째 개인전을 천안 제이갤러리에서 23일부터 31일까지 연다. 천안미술협회 30인 초대전시에서 인기작가로 선정돼 갖게 된 이번 ‘들꽃 이야기 다섯번째’는 그의 최근 역작들이 전시된다. 오 작가는 천안에서 활동하는 실력 있는 여성미술인들 모임인 여우회 회장을 맡고 있다. 여우회는 지난 5월 천안삼거리공원 ‘삼거리갤러리’에서 17번째 정기전을 개최한 바 있다.