“고대 도자기는 태토(본체), 유약, 조형, 문양 등으로 감별하는데, 먼저 본체의 재질과 반죽상태를 살펴보면 단면이 거칠고 기공과 이물질이 보입니다. 유약 역시 유면의 광택이 그다지 자극적이지 않습니다. ··· 구연부(자기의 주둥이 상단)에 칠해진 유약은 하얀색 같지만 찬찬히 살펴보면 은은하게 푸른새우색(하청유)을 띠고 있어요. ··· 지금 여러분 주변에 보이는 송나라 상식국 각화 연꽃문 정병, 원나라 청화 유리홍 봉황문 매병, 명나라 청화백자 운룡문개관, 청나라 분채 수도문상이병 등은 이러한 감별 기준을 모두 갖춘 수준 높은 작품들입니다.” 중국 고궁박물관 연구위원이자 문물학회 감정위원인 예페이란의 말이다. 그는 지난달 27일 서울 종로구 경운동 다보성갤러리에서 ‘고대 도자기 감별법’을 주제로 특강을 한 뒤 20여점의 유물 감정을 진행했다. 이 자리에는 유휘 베이징 고궁박물관 과학연구처장 겸 국가문물감정위원회 위원, 구팡 중국 소장가협회 학술연구부 위원이 함께 참석했다. 모두 고미술 권위자들이다. 송나라 휘종 연간에 제작돼 황실에서 사용된 것으로 추정되는 ‘상식국 관장유상이유개병(尚食局 款酱釉象耳有盖瓶)’은 사자 형태의 뚜껑이 있고 어깨 양쪽에 코끼리 코 모양의 귀가 붙어 있는 화려한 장식이 특징이다. 간장색 유약인 장유를 썼다. 이들은 “값을 단정하긴 어렵지만 적어도 4200만~5250만 위안(약 80억원~100억원)에 달할 것”이라고 평가했다. “바닥 굽 테두리는 담황색이나 주황색에 가까운데 이는 관요자기 입니다. ‘화석홍(火石紅)’이라 불렀어요. 고대 자기에서 많이 볼 수 있어요. 본체와 유약이 만나면서 생겨난 현상입니다. 명나라 중기 청화자기에서 자주 발견됩니다. 물고기 황조기의 배부분 색깔을 닮기도 했어요.” 예페이란은 모조품에 대한 정보도 들려준다. “요즘 선홍색을 띤 모조품이 유행한답니다. 주의하세요. 현대 모조품은 가볍고 단면이 몹시 고릅니다. 이물질이 없어요. 쇳물을 묻혀서 마치 출토된 옛 것처럼 보이도록 효과를 낸 것들도 있습니다.” 유약은 시기별로 다양하게 개발되어 도자기의 아름다움을 배가해 왔다. 오래된 도자기는 유약 속 광물질이 산화되어 표면이 갈라지기도 한다. 보존상태나 주변의 공기에 따라 상태가 변하는 것이다. “조개 내면의 색상을 띠는 유약(합려광)도 썼습니다. 나전칠기 같은 광택이 슬쩍 은은하게 드러납니다. 도자기 전체가 아닌 일부분에서 보입니다. 고대 자기의 합려광은 결코 요란하지 않고 부드럽게 빛이 납니다. 반면 현대 모조품은 비교적 선명하게 티를 냅니다. 유리처럼 번들거리죠.” 이날 강연자와 청중 모두의 눈길을 사로잡은 것은 또하나 있다. 가로 826.3Cm, 세로 47Cm의 초대형 그림이다. 오대십국시대 후촉에서 태어나 송나라 시대에 활동한 석각(石恪·934~965)의 작품이다. 오대십국시대(五代十國時代)란 주전충(朱全忠)이 건국한 후량에 의해 당나라가 멸망한 907년부터 송나라가 10국을 통일한 979년까지, 황하 유역을 중심으로 화북을 통치했던 5개의 왕조(오대)와 화중·화남과 화북 일부를 지배했던 지방정권(십국)이 흥망을 거듭한 정치적 격변기를 말한다. 이 작품은 석각의 그림뿐만 아니라 명나라 시대 유명 인사들의 글과 그림, 석각의 화풍에 대한 해설까지 포함하고 있어 역사적, 예술적 가치가 높다. 특히 석각의 작품은 민간에서 볼 수 있는 예가 극히 드물어 그 희소성이 몹시 크다. 도교, 불교 인물 그림에 뛰어났던 석각은 형식에 얽매이지 않는 자유로운 필치와 풍자적 요소로 유명하다. 이 작품에는 송나라 장수 철수(鐵遂), 명나라 정치가 이동양(李東陽), 저명한 시인·서예가 왕치등(王穉登), 서화가 송극(宋克) 등 여러 인물들의 글과 그림이 낙관(인감)과 함께 실려 있어 그들이 직접 감상했음을 알 수 있다. 이는 석각의 그림과 어우러져 작품 가치를 더 높여준다. 철수는 ‘묘묵전신(妙墨傳神)’이라 써넣었다. ‘정신을 담은 묘한 글씨’라는 뜻이다. 이동양은 1508년 봄 그림을 감상한 일을 적은 ‘정덕무진춘왕정월(正德戊辰春王正月)’이란 글을, 왕치등은 ‘석각이 자신만의 독특한 경지를 개척하며, 또 다른 차원의 예술적 표현을 개시했다’는 내용의 찬사를 담았다. 송극이 기록한 ‘石恪字子專益暢人性(석각자자전익창인성)’은 석각의 성품과 예술을 높이 평가하며 후대 사람들에게 이를 전하기 위해 그의 사조와 인품을 표현한 글이다. 이 화첩에는 석각의 화풍에 대한 해설도 상세하게 적혀 있다. 그림의 구도와 배치, 인물 묘사 등 석각 특유의 화풍을 분석하고 있다. 유휘 위원은 “그림의 완성도나 보존상태를 볼 때, 능히 90점 이상을 줄 수 있다”고 호평했다. 앞서 지난달 12일 우샤오화(吴少华) 중국소장가협회 고문, 션지아신(宣家鑫) 상하이 서예가협회 부주석, 천커타오(陈克涛) 상하이 소장협회 상무 부회장 등 중국의 저명한 감정가 3인이 다보성갤러리를 찾아 이를 감정한 바 있다. 이 때 션지아신 부주석은 석각에 대해 “황제가 설립한 궁중 화원의 부름에도 응하지 않고 자신만의 예술 세계를 고집한 인물”이라며 “일반 대중 속으로 들어가 삶의 애환과 민간 정서를 그렸다”고 설명했다. 그는 “중국 고궁박물관, 대만박물관, 남경박물관, 랴오닝박물관에서 석각의 작품을 봤지만, 민간에서 본 적은 많지 않다”며 “명나라 문인 이동양, 송극 등의 발문까지 더해져 소장 가치가 매우 높다”고 덧붙였다. 이어 “두 달 전 일본에서 송나라 북송(北宋) 4대 서예가 중 한 명인 황정견(黃庭堅)의 작품이 경매에 나와 2억5000 위안(약 473억원)에 팔렸다”고 귀띔했다. ‘홍루몽’(紅樓夢·청나라 건륭제 때 나온 고전소설) 대형 화첩 일부도 선을 보였다. 가로 40.5cm, 세로 71cm 크기의 그림 34개가 화첩 1권을 이루는데, 이것이 32권이나 있다. 유휘 위원은 책상에 길게 펼쳐진 화첩의 이모저모를 확대경으로 면밀히 살핀 후 "기법이 세련되고 우수하다”며 흡족한 표정을 지어보였다. 다보성갤러리는 홍산문화(紅山文化) 유물도 500여 점 소장하고 있다. 홍산문화는 B.C.3000년 쯤 지금의 랴오닝성 서부에 위치했던 선사시대의 고고문화를 가리킨다. 구팡 위원은 홍산문화에 대해 특강했다. “토양에 철 성분이 많아 흙이 붉었어요. 머리는 돼지, 몸은 용을 닮은 ‘C 형’ 옥기가 많이 나왔습니다. 앞면과 뒷면이 구분되는데 주로 뒷면에 서로 만나는 구멍을 뚫어 몸에 지니기 쉽게 했어요. 대부분 크기가 작고 편편한 모양 입니다. 석관묘 안에 부장했는데, 시신 손에는 팔찌, 거북이 등을, 머리 아래엔 옥베개를 놓았어요. 고대 제사장이나 무당의 무덤으로 추정됩니다. 가늘게 뜬 눈, 아랫 배가 좀 나오고 ··· 무당이 신을 받아들이는, 5000년 전 접신하는 모습을 그대로 묘사한 옥기가 유독 눈길을 끕니다. 나중에 시베리아와 한반도로 번진 샤머니즘의 출발점이 홍산문화 입니다.” 홍산문화는 중국 네이멍구 츠펑시(赤峰市)의 홍산(紅山)을 중심으로 한 요서(遼西) 지역에 생성된 신석기 문화집합체를 말한다. 지금까지 알려진 세계 4대 문명을 앞지른다. 홍산문화는 화하족(華夏族)이 창조한 중원문화와는 결이 다르다. 여기서 출토된 빗살무늬토기나 적석총(積石塚) 등의 유물이 중원에서는 발견되지 않는다. 홍산문화를 창조한 주역은 화하족이 아니라 동이족(東夷族)이다. 따라서 홍산문화와 한민족의 상관성에 주목하게 된다. 우선 암각화가 상관성을 잘 말해 준다. 한반도의 경우 울산 천전리 등 20여곳에서 암각화가 발견됐다. 그 기원을 연해주 아무르강 유역이나 몽골 초원에서 찾으려 했으나, ‘한국형 암각화’의 특징인 기하학 무늬가 나오지 않았다. 그러던 중 홍산문화에서 닮은 암각화가 발견돼 한국 암각화의 계통이 해명될 것으로 기대된다. 5500년 전의 제사터나 묘터인 적석총도 좋은 예다. 널찍한 돌로 위를 덮은 석관이 여러 구 나왔는데, 고구려 장군총이나 경주 신라고분 적석총과 같은 형태다. 석관 안에 흙을 채우지 않아 유물들이 대부분 깨끗한 상태로 발굴된다. 8000년 전, 옥을 세상에서 가장 먼저 썼다는 게 홍산문화의 자랑거리다. 싱룽와 유적에서 출토된 옥귀고리가 대표적 유물이다. 강원 고성군 문암리와 전남 여수 안도 패총에서도 형태뿐만 아니라, 제작 연대도 비슷한 옥귀고리가 발견됐다. 게다가 홍산 옥기에는 곰 형상이 투영된 유물이 많은데 이는 단군조선의 상징인 곰 토템을 떠올리게 한다. 우리가 홍산문화에 대해 깊은 관심을 가져야 할 이유다. 다보성갤러리의 김종춘 회장은 지난 50여 년 동안 한국과 중국의 고미술 수 만 점을 수집할 만큼 고미술계 권위자다. 하지만 중국 유물은 중국 문화재 최고 전문가들에게 그 가치를 평가받는 게 옳다는 생각을 해왔다. “이 작품들 외에도 공개하지 않은 작품들이 부지기수 많기 때문에 전체적으로 잘 선별해, 앞으로 많은 분이 보고 즐길 수 있도록 기획전시를 준비하겠습니다. 아직 감정을 거치지 않은 작품들을 대상으로 지속적인 감별과 감정을 진행할 예정입니다.” 김 회장은 “오랜 세월 모아온 중국 유물들이 창고에 그득히 쌓여 있어 이제 정리할 시기가 됐다”며 “일부를 판매해 박물관을 짓고, 전 세계에 소개할 계획”이라고 밝혔다.

미술을 사랑하고 미술을 좋아하는 자매가 전시회를 연다. 수원시 미술협회에서 활동하는 우승언·정선 작가 전시회가 7월15일부터 20일까지 경기 수원 장안구청 구민회관 1층 갤러리에서 열린다. 어린 시절 그림에 남달리 소질이 있었던 자매는 앞서거니 뒤서거니 때로는 경쟁하고 때로는 부러워했다. 동생 정선씨는 미술대학에 진학했지만, 언니 승언씨는 일반대학을 갔다. 동생은 아쉬움이 컸던 언니를 위해 학창 시절 못다 한 꿈을 이루는 자리를 마련했다. 마음 한편에 그림에 대한 열정을 간직하고 있었던 승언씨는 뒤늦게 수채화 작가로 데뷔했다. 늦깎이 작가였지만 그림 실력은 일취월장했다. 승언씨의 수상 경력은 ▲대한민국수채화작가협회 수채화공모대전 우수상 ▲국가문화예술협회 여성미술대전 금상 ▲경기도의회 의장상 ▲광주광역시의회 의장상 등이다. 현재 대한민국 수채화 작가협회 회원이자 수원시미술협회 회원으로 활동하고 있다. 한국화 작가인 동생 정선씨는 원광대학교 순수미술학부 한국화과를 수석으로 졸업했다. 정선씨는 새천년문인화 서예전람회 초대작가, 나혜석 미술대전 초대작가, 현대 여성미술대전 초대작가, 홍재미술대회 심사위원 등을 지냈다. 승산미술대전 우수상, 경기 미술대전 특선 등 다수의 수상 경력이 있고 해외 개인전도 여러 차례 열었다. 정선씨는 갤러리숍을 운영하며 개인 미술지도와 헤어 디자이너로서 미용 일을 겸하고 있다. 현재 한국미술협회 회원, 수원시 미술협회 생활미술분과 위원장, 수원 장안구 미용협회 감사 등 다방면에서 활동하고 있다. 정선씨는 “어릴 적부터 언니는 그림 솜씨가 탁월해 대회에서 큰 상을 많이 받았다”며 “수십 년이 지난 지금 부족하지만 꿈에 그리던 자매전을 열어 세상에 선보이려 한다”고 말했다.

백목지장(百木之長· 소나무)을 주로 그리는 하판덕 작가의 특별기획전이 서울 양천구 목동 구구갤러리에서 열리고 있다. ‘생의 가치에의 주목’이라는 주제의 이번 전시회에서 하판덕은 나무 중에 으뜸이라 백목지장으로 불리는 다양한 소나무 작품들을 선보이고 있다. 1990년 첫 개인전을 시작으로 물성을 통한 표현과 민화의 현대적 재해석 등 다양한 표현 형식과 정신성을 가지고 작업해오던 그는 10년 전부터 소나무라는 사물에 귀착했다. 흔한 동양화나 서양화에서 보이는 소나무 그림이 아니라 색감이나 조형미가 센 다른 표현 형식의 작품이다. 소나무의 생생하게 살아있는 두꺼운 껍질과 질감의 오봉, 학 등이 작품 속 기호로서 그만의 정체성을 보여준다. “수없이 겹쳐 있는 소나무 껍질의 한겹 한겹이 그냥 만들어지지 않았듯, 인간의 삶도 희로애락으로 단단해진다. 어떤 풍상과 역경에도 반응이 없는 소나무의 일비일희하지 않는 그 담담함이 좋다”는 작가는 화폭 전면에 작은 점들을 빽빽이 찍어 놓고 그 점을 다시 그리면서 점을 만드는데 그 작은 점들은 양자역학에서 나오는 6개의 퀴크와 6개의 랩톤처럼 개별입자로 존재할 수 없고 관계성을 가지고 움직인다고 한다. 삶의 가치의 극점은 “관계성”이라는 설명이다. 그는 수없는 풍파를 겪으며 단단해지는 인간의 삶은 소나무의 단단하고 강한 껍질과 닮아있다고 말한다. 그런 만큼 풍파가 적지 않은 삶 속에서 흔들리고, 쓰러질뻔한 상황을 겪는 이들이 그의 소나무 작품을 응시하는 것만으로도 통해 나름의 위로를 받게 된다. 하판덕은 “내 고향 의령에는 수령이 600년이 넘은 소나무가 있는데 그 범접할 수 없는 아우라가 나에게 소나무를 그리라고 명한다”며 “소나무를 그리는 과정이 생이 무엇인가를 찾는 여정”이라고 설명한다. 중앙미술대전 우수상, 대한민국미술대전 연속 특선 5회, MBC미술대전 장려상을 받았다. 현재 호서대학교 예체능대학 학장으로 재직하고 있다. 전시는 7월3일까지

국내 간판급 미술품 거래장터인 화랑미술제가 27∼30일 수원 컨벤션센터에서 다시 열린다. 지난 4월 서울 코엑스에서 치른 미술제가 “좋았다”는 호평에 힘입어, 한국화랑협회가 ‘2024 화랑미술제 인(in) 수원’이란 버전으로 마련한 행사다. 경기 남부권을 중심으로 하는 새로운 미술 유통 시장을 형성하고, 서울에 집중된 미술 시장의 불균형을 해소하겠다는 취지다. 가나아트, 학고재, 리안갤러리 등 회원화랑 95곳이 참여해 600여명의 작가 작품을 전시·판매한다. MZ세대들의 입소문을 탄 젊은 작가들의 참여가 반갑다. 국제 미술시장에서 활발한 행보를 보이는 최정화(박여숙화랑), 위트 넘치는 작품을 내놓은 윤필현(금산갤러리), 도시를 매개체로 삶과 환경의 유기적 관계를 이야기하는 송지연(선화랑), 팝아트 터치로 어필하는 아트놈(갤러리위), 몽환적인 자연의 미묘한 불안정을 표현하는 송수민(원앤제이), 자유로운 붓터치로 유쾌함을 주는 김명진(갤러리 가이아) 등이다. 보는이들에게 행복과 밝음을 선사할 갤러리일호의 김바르, 기하학적 선과 조화를 이루는 조형성으로 승부할 갤러리윤의 김현아, 평면성을 유지한채 드로잉 입체조각을 다루는 갤러리 그림손의 윤정민 등 스펙트럼이 넓은 작가들의 작품도 내걸린다. 솔로부스에서는 김태협(노화랑), 우병출(나인갤러리), 최성환(갤러리 미루나무), 류주영(아트사이드 갤러리), 윤다냐(예원화랑), 지심세연(갤러리BHAK), 한상윤(갤러리 아트숲) 등이 관객을 맞는다. 쿠사마 야요이(일본), 웨이 싱(중국), 선지아 싱(중국), 린 마이어스(미국), 마크 커질(미국), 올리버 암스(미국), 가브리엘 그래슬(스위스), 지미 밀란(스페인), 다비드 자맹(프랑스), 데이비드 걸스타인(이스라엘), 마리 클로케(벨기에), 노라 마이테니 에베스(푸에르토리코), 리키 스왈로우(호주), 엘라 크루글리안스카야(라트비아) 등 글로벌 작가들의 작품도 만나볼 수 있다. 신진작가 특별전 ‘줌-인: 파노라마’에서는 역대 선발 작가 중 강민기, 김종규, 손모아, 이상미, 이성재, 이빛나, 이혜성, 이혜진, 전영진, 정희승, 젠박, 최명원의 작품을 선보인다. 테크놀로지와 예술을 접목해 현대미술의 미래를 예견하는 ‘뉴미디어: 퓨리스틱’에는 샘문과 이돈아, 이재형, 이현정 작가가, 수원을 주제로 다룬 작품을 전시하는 ‘수원 인 마이 마인드’에는 강희갑과 김언지, 김지혜, 김현아, 노세환, 순리, 안준, 주도양 작가가 참여한다. 조각 특별전 ‘조이풀’에서는 강신덕, 김대성, 박준상, 오동훈, 이송준, 이후창, 전강옥, 주후식, 최승애 작가의 작품이 진열되고, 레고를 예술작품으로 재창조하는 진케이(김학진)의 특별 개인전도 함께 열린다. 국내외 문화 취약 및 소외지역 미래세대를 위해 예술 나눔을 실천하는 비영리 재단법인 아이프칠드런은 기부받은 엔젤아티스트들의 작품 판매와 오리지날 아트워크를 선보일 예정이다. 판매 수익금은 모두 사회공헌활동에 사용된다. 미술전문서점 아트나우는 회화, 조각, 디자인, 공예, 사진, 건축 등 폭넓은 해외 서적을 통해 세계현대미술의 흐름을 소개한다. 행사장을 찾는 관람객들이 수원갈비, 수원 통닭거리, 화성 행궁 등 세 가지 콘셉트로 수원을 즐길 수 있는 유료 투어 프로그램 ‘올 댓 수원(All that Suwon)’도 운영된다.

두 발을 어깨너비만큼 편하게 벌리고 서서, 몸을 좌우로 왔다 갔다 하면 작품 속 인물들도 좌우로 살아 움직인다. 좌우가 아닌, 상하 또는 대각으로 움직여봐도 마찬가지다. 작품 속 인물의 눈길은 관객을 지켜보면서 끝까지 따라온다. 깊이 파인 작품일수록 움직임의 효과가 더욱 크다. 조각가 이용덕(서울대 교수)이 창안한 ‘역상조각’이다. 대여섯 걸음 거리를 두고 관람하면 볼록 튀어나온 양각처럼 보인다. 그러나 벽에 걸린 작품을 향해 성큼 다가가면 안쪽으로 오목하게 파인 음각으로 조각되어 있다. 마냥 신기하다. 분명 움푹 파냈는데도 바깥으로 도드라져 보이는 것이다. 게다가 형태만이 아니라 질감까지 오롯이 담아내고 있다. 조각 속 인물이 입고 있는 옷감의 엷고 두꺼움까지 구현해낸다. 작품 가까이 접근한 관람객들은 조각이 지닌 부피감이나 존재감, 손으로 만져볼 수도 있다는 기대감 대신, 방금까지 자리를 차지하고 있던 대상이 어느새 쏙 빠져나가 버린 듯한 빈자리를 감지하게 된다. “헐!” 음과 양이 뒤바뀌어 제작된 조각의 파인 공간이 주는 공허함이 엄습한다. 순식간에 벌어진 정반대의 현상에 관람객들은 그저 자신의 눈을 의심하며 배시시 웃을 뿐이다. 역상조각의 이러한 효과는 사진으로 재현되지 않는다. 두 눈을 가진 관객에게만 나타난다. 외눈 렌즈 카메라에는 포착되지 않는 것이다. 카메라가 역상조각 앞에서는 힘을 쓰지 못하고 만다. 직접 두 눈으로 직관해야 하는 이유다. 평론가 김원방은 “음과 양이 도치된 속이 텅 빈 조각인데, 이용덕은 이를 감탄스러울 만큼 완벽하고도 매력적으로 완성해내고 있다”며 “그것은 관객에게 거의 마술에 가까운 환영을 보여주는 것”이라고 호평한 바 있다. 그는 “마르셀 뒤샹, 브루스 나우먼, 리처드 세라, 레이첼 화이트리드 등의 작가들도 시도한 적이 있지만, 이용덕의 방식은 그들과 또 다른 방법을 택하면서도 보다 효과적으로 대상을 드러낸다”고 설명했다. 또 “이용덕의 음각 조각은 ‘존재 대 비존재(무)’라는 이분법적 형식이 아니라 ‘존재의 부정이면서 동시에 비존재의 부정’, 즉 ‘이중부정’으로 정의될 수 있다”고 평가했다. “1984년인가 85년인가, ‘음’과 ‘양’에 대해 생각하다가 떠올린 아이디어(역상조각)였죠. 일부는 들어가게, 일부는 나오게 보이도록 만들지만 전체를 보면 한 사람의 모습이 나타나게 한다든가…. 음각으로만 조각해도 이미 사람들 마음속에 ‘양’이 내재하기 때문에 양각으로 보이는 거죠.” 이용덕은 1990년대 초부터 본격적으로 ‘실제’와 ‘재현’에 주목했다. 대부분 추상조각에 줄을 섰을 때 그는 인물조각에 매달리기 시작했다. 다들 구상조각은 진부하다고 여겼지만 “인물은 여전히 파고들 것이 많다”면서 ‘음과 양’이 뒤바뀐 역상조각(Inverted Sculpture)이란 새 장르를 열었다. 음각으로 새기지만, 보는 이들에겐 양각으로 보여 신비롭다. 볼록함과 오목함, 겉과 속, 음과 양이 뒤바뀐 이 역상조각은 ‘상반된 두 세계의 공존’을 눈으로 확인시켜 준다. ‘있다고 생각했던 것’(양각처럼 보일 때)과 ‘없다고 느끼게 되는 것’(음각이란 걸 아는 순간), 그런데 없는 것은 아니다. 여전히 있는 것이다. 존재와 비존재가 동시에 병존하는 작품이다. 그가 깎거나 빚어내는 대상은 주변의 평범한 이웃들이다. 앞을 보며 경쾌하게 걸어오는 여자, 청소년들의 거리농구, 엎드린 채 무언가 적고 있는 여자, 대야에 물을 받고 구부정한 자세로 세수하는 노인, 벤치에 앉아 생각하는 여자 등이다. 편안하고 대중적이며 즐거움을 주는 친근한 소재들이다. 정연심 교수(홍익대 예술학과)는 ‘이용덕 역상조각: 지표성에 대한 비평’이란 글에서 이렇게 적었다. ‘마우리치오 카텔란의 조각, 제프 쿤스의 조각, 두안 핸슨의 작업에서도 인체가 중요하게 등장하는데, 이 작가들이 내세우는 새로움이란 모더니즘 조각에 대한 반격이나 현 사회에 대한 풍자, 혹은 팝적인 아이콘, 하이퍼리얼리즘적인 문맥으로 동시대 소비문화를 대변하는 것이다. 그러나 이용덕의 인체 조각, 혹은 역상 조각은 이러한 조각들과는 완전히 다른 언어를 구사하고 있다. 그것은 조각의 양감에 집중하는 것이 아니라, 조각의 네거티브 스페이스에 집중함으로써 새로운 조각의 언어를 만들어 내는 것이다.’ 이용덕의 개인전이 ‘순간의 지속-THE MOMENT NOT A MOMENT(더 모멘트 낫 어 모멘트)’이란 문패를 내걸고 7월7일까지 서울 종로구 평창동 토탈미술관에서 열린다. 1984년 역상조각 형식의 작품을 최초로 연구하기 시작한 이후로 2024년까지 40여 년에 걸친 그의 작품세계를 총체적으로 조명하는 자리다. 망각 속으로 소멸해버리는 일상의 기억을 세심하게 표현하고 ‘비움을 통해 오히려 채워지는’ 그의 철학적 탐구를 공유하는 기회가 될 듯싶다.

그림 속 왼쪽 위 세명의 인물들은 벽계구곡을 경영한 화서 이항로(중앙)를 중심으로, 의병대장 면암 최익현(왼쪽), 정족산성에서 프랑스 군대를 물리친 하거 양현수(오른쪽)다. 좌우 두 인물 모두 이항로에게 가르침을 받은 위정척사의 대표적 인물들이다. 그 아래에 서종면 수입리에서 노문리까지 10km 넘게 펼쳐진 벽계구곡을 고지도 형식으로 배치했다. 벽계구곡은 작가가 수십차례 그렸던 공간이다. 강화도 전등사 명부전의 금강역사 목조상이 화면 중앙을 차지하고 있다. 신미양요 때 강화도 광성보 전투에서 순국한 어재연 장군과 군인들을 추모하는 쌍충비가 보인다. 프랑스군의 병인양요에 이어 미 해병들이 강화도를 침략한 신미양요 상황이 묘사돼 있다. 원로작가 민성기의 ‘벽계구곡도’(1992)다. 경기도 양평군 서종면의 벽계구곡을 그린 것이지만, 단순히 풍경을 그대로 담아내는 작가가 아님을 알 수 있다. 그는 그리고자 하는 공간의 역사, 의미, 살아온 인물, 사라진 것과 변화한 것에 대한 연구를 바탕으로 작품을 빚어낸다. 풍경을 그리면서 민중의 언어로 시대상을 이미지화한 작가는 1980년대 이발소에나 걸려있을 법한 통속적 예술인 소위 ‘이발소 그림’을 선보이며 눈길을 끌었다. 1987년 양평 서후리로 거처를 옮긴 뒤로는 농촌 풍경들을 담아왔다. 벽계구곡(蘗溪九曲)을 답사하고 화폭에 옮기면서 극적인 변곡점이 만들어졌다. 25일부터 8월18일까지 양평군립미술관에서 ‘놓치지 못하는 풍경’이란 문패를 단 민정기 아카이브전이 열린다. 평면 회화(판화) 등 70여 점의 작품과 작가연구 기록물 등 아카이브 자료 100여 건이 관객을 맞는다. 대중적인 것에서 참된 미를 발견하고 서민적인 정서로 현실을 재해석한 초기 작품들과 양평 이주 후 오래된 마을과 그 지형을 묘사하면서 자연스레 이어진 자연에 대한 시선, 그리고 시간의 지도 위에 사라진 역사적 존재들을 재존재(Re-existence)하게 하는 현재의 작업들까지, 작가와 작품 세계의 다양한 층위를 시기별로 감상할 수 있다. 서울대 재학시절부터 양평에 자리잡기 전까지는 그로테스크한 도시, 냉철한 사회 모습을 담은 풍자화, 미술의 대중성과 사회비판적 성향을 갖는 작품들을 선보였다. 민중미술 작가로 활동하며 서울 삼각지 부근에서 성횡하던 상화(商畵)를 작품으로 내놓았다. 이는 저급한 미술을 뜻하는 ‘키치화’, ‘이발소 작품’이라 불렸는데, 지금은 대중의 삶과 바람을 담은 생활미술로 평가된다. 근현대사의 장면을 포토 몽타주 형식으로 담아낸 ‘역사의 초상’, 황석영의 ‘한씨 연대기’ 삽화와 ‘포옹’, ‘개인택시’, ‘돼지’ 등이 대표작이다. 양평 서후리 외양간을 고쳐 쓰던 작업실은 낮은 층고와 조도, 온습도 조절 등이 어려워 작가에게 좌절을 안기기도 했다. 그는 한동안 안산 대부도의 경기창작레지던시, 양주 장흥, 고양시 등으로 옮겨 다니다 2017년 양평 양서면 부용리에 새 작업실을 마련했다. 2020년 들어 국립현대미술관, 아르코 예술기록원 등에서 그에 대한 인터뷰 등을 진행했으며, ‘제13회 광주비엔날레’와 국립아시아문화전당, 수원시립미술관 등 전시, 서울시립미술관 최민 컬렉션 등을 통해 소개됐다.

’블루 색채의 작가’ 정순원이 <길을 걷는다_Meditation> 를 주제로 한 전시회를 연다. ’갤러리 LP서울’의 서울 삼청동 이전 개관 기념전도 겸한 이번 전시에서 정순원은 지금까지의 작품세계와는 색채와 기법에서 완연히 다른 20여점을 선보인다. 지난 30년 동안 15회 개인전을 통해 정순원의 색채는 어떤 사이클을 두고 반복되고 있으며 기법에서도 엷은 색채를 계속 덧칠하는 <스푸마토 기법> 위주였으나, 이번 작품들은 꽤 두께감이 느껴지게 질료를 쌓는 <마띠에르 기법>을 구사하여 화면에 깊이를 더하고 있다. 작가에 따르면 블루는 구도(求道)의 색이며 우주의 에너지를 모으는 가장 신비로운 이데아의 색이었다. 그러나 이번에 등장하는 무채색 계열의 회색톤과 갈색 계열의 브라운톤의 조합은 동양의 정신 공간 즉 여백을 표현하고 대지의 기운과 생명을 노래하기 적합한 색이라는 것이다. 정순원은 “이북과 경계한 파주에 작업실이 위치하고 있다. 동틀 무렵 걷는 아침 산책길(재두루미길)에서 철책선 너머의 임진강과 하늘 풍경을 만난다. 이곳에서의 해질녘 풍경은 그저 황홀하다. 이 풍경과 나의 마음과 작업이 무척 닮아있어 기분이 좋다”고 말했다. ‘갤러리LP서울’ 이경희 대표는 “지난해 우연히 들른 파주 소재 작가의 작업실에서 치열한 직장생활에서도 예술의지를 놓지 않고 작업해온 그의 다양한 많은 작업과 은퇴 후 은둔자로 작업하는 작가를 세상에 알리고 싶어서 국내외 아트페어에 동행하고 있다”고 밝혔다. 이 대표는 ”정순원은 경기도 파주의 들녘을 산책하며 명상과 작업구상을 하고 있다. 이번 전시에선 흐름에 영향받지 않는 독창적인 그만의 세계를 작품에서 엿볼 수 있다”고 덧붙였다. 24일부터 30일까지 서울 종로구 삼청동 ‘갤러리 LP서울’

축제처럼 즐기는 미술을 추구하는 아트페어 브랜드 ‘아트페스타’가 20일부터 23일까지 서울 강남구 세텍(SETEC)에서 ‘아트페스타 서울 2024’를 개최한다. 이번 전시에는 국내 50여개 갤러리가 참가해 2000여점의 작품을 선보인다. 이탈리아 출신으로 미국 뉴욕에서 활동하며 프라다, 디올 등과 작업해 이름을 알린 일러스트레이터 올림피아 자그놀리, 40여년간 ‘일상-생성’이라는 단일 명제로 평범한 일상도 역사로 생성하는 창조적 경험을 강조하는 작업 세계를 구축해온 김석중, 피노키오를 소재로 동심의 세계를 표현해온 황제성 등 작가 스펙트럼도 다양하다. 롤렉스, 루이뷔통 등 옥외광고물을 제작하며 예술 비즈니스로 영역을 확장하고 있는 대만 ‘VITART’(비타르트)의 아트프린팅 기술도 만날 수 있다. 지난달 종영한 MBN 대국민 미술 오디션 예능 프로그램 ‘화100’ 출연 작가들의 작품도 현장에서 관람객을 맞는다. ‘이지 컬렉팅’ 부스에서는 공모를 통해 선발된 신진작가의 그림을 저렴한 가격에 판매한다.

◆2184년도의 시간들 미디어 철학자 마셜 매클루언(1911∼1980)의 통찰처럼 인류는 두 개 이상의 시점 사이에서 ‘지속되는’ 시간의 개념을 인식한 이래 커다란 문화적 변혁을 겪었다. 지속되는 시간에 대한 감각은 비(非)문자 문화권에서는 생소한 것이었는데, 예컨대 에드워드 홀(1914∼2009)이 서구 문화권의 사람들과 호피 인디언의 서로 다른 시간 개념을 대조한 바 있다. 호피 인디언들에게 시간이란 균일한 지속성이나 선형적 연속성을 띠는 것이 아니라, 여러 사물과 사건이 동시에 공존하는 일종의 ‘복합체‘로서 여겨진다. “옥수수가 익어갈 때 혹은 양의 수가 늘어갈 때” 인식되는 하나의 다층적이고 입체적인 덩어리로서 시간을 감각하는 이들에게는 삶의 개별성만큼이나 ‘다양한 종류의 시간’이 존재한다. 호피 인디언들의 시간 감각은 역설적이게도 오늘날 양자역학을 연구하는 과학자가 지닌 그것과 유사하다. 매클루언에 따르면 현대 물리학자들은 “더 이상 사건들을 시간이라는 용기에 담으려 애쓰지 않으며, 사건들마다 각자의 시간과 공간을 만든다고 생각한다.” 그리고 마찬가지의 방식으로 “세잔 이후의 화가들은 모든 감각들이 하나의 통합된 패턴 속에 공존하는 조형적 이미지를 회복했다.” 20세기의 혼란과 격동을 딛고 2024년의 현재를 살아가는 우리에게 보이지 않는 세계의 비선형적 시간선을 어렴풋이 상상해 보는 일은 상대적으로 쉽다. 우주적 관점에서, 또는 미시적 세계에서 하루를 24시간으로, 일년을 365일로 나누어 세어 가자는 약속은 오직 인간 규모의 삶에 종속된 조건부 편의에 지나지 않는다. 로와정(RohwaJeong)의 작품 ‘2184’(2024)를 마주하며 떠올린 단상이다. 서기 2184년도의 날들을 추상화한 결과물은 아날로그 달력의 형식을 띠는데, 투명한 아크릴릭 판에 UV 프린트로 인쇄한 12개월의 달력 낱장을 층층이 쌓은 모습으로서 제시된다. 알아볼 수 없도록 중첩된 각각의 숫자는 저마다의 두께를 지녀 표면 아래 떨어지는 그림자의 공간 또한 만들어낸다. 달력의 상단에는 기하학적으로 재단된 다색의 반투명 아크릴릭 판을 여럿 포개어 유기체의 세포 이미지를 형상화했다. 유기적 복합체로서의 시간, 역학적 관계로서만 존재하는 생명에 대하여 생각해 본다. 오늘로부터 160년, 지금 이 달력을 바라보는 누구도 살아 있지 않을 만큼 먼 내일인 동시에 상상해 봄직한 근미래다. 지구는 같은 속도로 공전할 것이고 작품도 자신의 아크릴릭 물성을 유지할 수 있겠으나 아마 인류가 변모할 것이다. 시공간에 대한 인식이 달라질 것이고, 존재에 관한 사유도 변화할 터이다. ◆이미지의 주름에 묶인 텍스트 로와정은 ‘관계’라는 커다란 주제 아래서 다양한 매체를 실험하며 독창적인 작품세계를 선보여 왔다. 서로 간의 관계로부터 출발해 개인과 사회, 교육, 문화 속 이미지와 텍스트의 관계 등으로 관점을 확장해 나가는 가운데 섬세한 조율과 비평, 협의의 과정이 필수적 과제이자 동인으로서 작동한다. 서울 소격동 학고재에서 로와정의 11번째 개인전 ‘눈길에도 두께와 밀도가 있다’가 열리고 있다. 19점의 신작을 선보이는 이번 전시는 이달 5일 개막해 7월6일까지 계속된다. 전시장 가운데 걸린 검푸른 ‘커튼’(2024)의 표면에 금빛 고딕체로 인쇄된 문구가 엿보인다. 다만 중앙부를 가지런히 묶어 둔 탓에 글자들이 천의 주름에 가려 의미를 알아볼 수 없는 모습이다. 전시 서문을 쓴 구나연 미술비평가의 표현에 따르면 커튼은 ‘땅에 발을 딛고도 매달려 있는 기분입니까?’라는 문자 언어를 “가두듯이 품고” 있다. “텍스트이면서 동시에 주름인” 이 커튼은 “언어가 지닌 의미의 망을 그대로 지닌 채 텍스트의 형태가 이미지로 탈바꿈”된 결과물이다. 문자에 내재한 관념을 가시화한 이미지로서의 커튼은 주름의 굴곡 안에 역설적 문답을 함의한 채 “그 자체의 사물성으로 끊임없이 자기를 지시하면서도 결코 맞아떨어질 수 없는 무한한 언어의 퍼즐을 갖게 된다.” 전시명 ‘눈길’은 바라보는 시선과 눈 내린 길을 동시에 의미하는 중의적 표현으로 쓰였다. 두께와 밀도를 지닌 바라봄이란 어떤 종류의 시간을 포섭하는 응시일까. 발걸음 디디면 환영처럼 녹아 사라지는 눈밭의 두께와 밀도는 또한 어떠한 성질의 공간에 작용하는 부피일까. 달력의 중첩에 지워진 숫자들처럼, 커튼의 주름에 묶어 둔 문자들처럼 약속된 언어 바깥의 장면을 상상하고자 노력해 본다. 로와정은 노윤희(43)와 정현석(43) 2인으로 구성된 아티스트 듀오다. 각각 2005년과 2006년에 국민대학교 입체미술학과를 졸업한 이후 2007년 작가로서의 활동을 시작했다. 그간 에이라운지(서울, 2020), 스페이스 윌링앤딜링(서울, 2019; 2018), 아마도예술공간(서울, 2016), 스페이스 비엠(서울, 2015), 갤러리 팩토리(서울, 2014), 갤러리 도향리(파리, 2014), 쿤스틀러하우스 슐로스 발모랄(바트엠스, 독일, 2009), 쌈지스페이스(서울, 2008) 등에서 개인전을 선보였으며 국립현대미술관, 서울시립미술관, 광주시립미술관, 부산시립미술관, 제주현대미술관, 울산시립미술관, 아르코미술관, 하이트컬렉션, 프라이머리 프랙티스, 웨스 등이 연 단체전에 참여했다. ‘제12회 광주비엔날레: 상상된 경계들’(2018)에 작품을 선보여 주목받았다. 제주현대미술관 창작스튜디오(2022), 캔 파운데이션(2018), 헬싱키 인터내셔널 아티스트 프로그램(2017), 서울시립 난지미술창작스튜디오(2015), 서울문화재단 금천예술공장(2013), 파리국제예술공동체(2012), 슬로스 플뤼쇼브(2010), 쿤스틀러하우스 슐로스 발모랄(2009), 국립현대미술관 고양레지던시(2008) 등 국내외 다수의 주요 레지던시에 입주하여 작업했다. 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 울산시립미술관 등에 작품이 소장 중이다. 박미란 큐레이터, 미술이론 및 비평

“어? 캔디인가? 캔디 … 맞는 거 같은데 ….” 작가 이사라가 그린 ‘원더랜드’의 주인공 ‘소녀’를 처음 본 관객의 반응은 대개 이렇다. 특히 50대 이상이라면 ‘괴로워도 슬퍼도 나는 안 울어 참고 참고 또 참지 울긴 왜 울어 웃으면서 달려보자 푸른 들을 … ’로 시작하는 어릴 적 TV만화 ‘들장미 소녀 캔디’의 주제가를 흥얼대며 ‘그때 그 시절’로 시간여행을 떠난다. 이사라는 동심에 대한 기억과 동경, 그리고 인간 내면에 존재하는 본질에 대한 작업을 꾸준히 이어오고 있다. 자신이 꿈꾸는 유토피아 ‘원더랜드’의 서사를 담고 있는데, 그 핵심은 순진무구의 ‘동심’이다. 그곳은 모두가 행복하고 호기심 가득한 꿈의 세계이자 작가의 순수한 마음이 발현되는 공간이다. K팝을 통해 글로벌스타로 우뚝 선 보이그룹과 걸그룹들이 자신들의 ‘세계관’을 만들어내는 것처럼, 마침내 이사라가 자신의 ‘원더랜드’를 기반으로 한 ‘유니버스’ 구축에 나섰다. 이를테면 아이언맨, 헐크, 캡틴 아메리카, 블랙 위도우, 닥터 스트레인지, 토르, 스파이더맨, 블랙 팬서 등으로 구성된 할리우드 마블 시네마틱 유니버스와 같은 것이다. 이사라의 ‘원더랜드’에는 반드시 지켜야 하는 6가지 규칙(Rule 6)이 있다. 예의 바르게 행동할 것, 지금 이 순간을 가장 소중한 순간으로 만들 것, 열심히 일할 것, 나를 아름답게 가꿀 것, 최선을 다해 사랑할 것, 완전한 행복을 꿈꿀 것 등이다. 그런데 무슨 이유인지 모르지만 누군가 ‘Rule 6’를 어겨버린 탓에 오색찬란하던 원더랜드가 온통 검게 변해버린다. 원인을 찾아내고 문제를 해결해야만 엉망진창이 된 원더랜드도, 사라진 작가 자신의 그림도 원상태로 되돌릴 수 있다. 작가는 ‘원더랜드’ 속으로 모험을 떠난다. 다양한 몬스터 친구들도 만난다. 파란 하늘을 날아다니며 오색찬란한 상상무지개를 쏘아대는 외눈박이 몬스터 ‘Shooting Star(슈팅 스타)’, 하루 종일 조잘거리며 친구들에게 이야기를 들려주느라 잠시도 쉴 틈이 없는 파도입술 몬스터 ‘Jelly Talker(젤리 토커)’, 우스꽝스러운 행동과 모습으로 친구들에게 즐거움을 선사하는 인기 만점 광대 몬스터 ‘Funny Blossom(퍼니 블라썸)’, 바쁘고 힘든 친구들이 잠시 낮잠을 자며 꿈도 꾸고 쉴 수 있도록 도와주는 하품 몬스터 ‘Happy Dreamer(해피 드리머)’, 친구들을 꼭 안아주며 소소한 고민거리를 들어주는 ‘Lucky Bear(럭키 베어)’. 작가는 어릴 때부터 하고 싶은 것도, 되고 싶은 것도 많았다. 예쁜 옷을 입고 친구들 앞에서 말하고 춤추고 노래하길 좋아했다. 그림을 즐겨 그렸지만 악기 연주도 좋아했다. 공주가 되고 싶었고, 발레리나도 되고 싶었다. 플루트 연주자도 꿈꾸었다. 결국 그림을 그리는 화가가 되었다. 화가가 할 수 있는 건 별로 없다는 생각을 한다. 오직 그리는 것뿐. 하지만, 한꺼번에 다 할 수 없었을 뿐이지 의욕이 사라진 건 아니었다. 하고 싶은 것도 되고 싶은 것도, 꿈도 호기심도. “마음속에 여전히 동심이 존재하니까.” 다시 하고 싶은 것과 되고 싶은 것들을, 꿈과 호기심을 펼쳐낸다. ‘원더랜드’를 통해서다. 그의 유니버스 안에는 자신의 이야기가 대거 녹아있다. ‘원더랜드’의 ‘소녀’는 사실 작가 이사라와 무척 닮았다. 이미 미술계에선 ‘소녀’를 ‘사라’라고 부르길 주저치 않는다. ‘사라’는 즐겁다. ‘원더랜드’의 시즌2, 시즌3에 이어 애니메이션까지 구상하고 있기 때문이다. 그의 그림은 쉽게 그린 듯하지만 정교하고 탄탄하다. 내공이 번져난다. 건축재료 등 여러 재료를 섞어 10번 이상 바르고 밑 작업의 사포질을 되풀이했다. 아크릴 물감을 얇게 여러 번 덧바르는 과정을 통해 극히 평면적이면서도 밀도 높은 여러 층의 레이어를 쌓았다. 이어 작은 칼날로 긁어내 하얀 선을 만들고 무수한 반복을 거쳐 패턴화해 완성한다. 오랜 시간을 들여 선 하나하나 긁어내는 과정은 작가에겐 일종의 수행과도 같다. 작품을 감상하는 이들의 행운을 빌어주는 의식처럼 보인다. 관객들이 금세 몰입할 수 있는 이유다. 책도 나왔다. ‘원더랜드에 무슨 일이- What Happened in The Wonderland’가 지난 주말 출간됐다. “그림을 그리는 일만큼이나 책을 쓰는 것도 즐거웠다”는 작가는 “책이 바쁜 일상 탓에 순수한 마음을 잃어버린 이들을 위로할 것”이라고 말한다. 때를 맞춰 그의 개인전도 동명의 주제를 내걸고 서울 종로구 인사동 노화랑에서 26일까지 함께 열린다. ‘원더랜드’ 시리즈 신작 20여 점을 내걸었다. 22일 오후 2시에는 작가의 작품세계와 책에 대해 이야기하는 ‘이사라 북 콘서트’가 마련된다.