‘내가 자연의 품에서 태어났듯, 자연은 나의 그림을 통해 또 다른 모습으로 태어난다’(작가노트 중). 달은 하나지만 바라보는 사람의 마음에 따라 모양이 수도 없이 다르게 보인다. 그의 그림도 마찬가지다. “관람객의 심상에 따라 저마다 달리 느꼈으면 좋겠어요.” ‘목인천강(木印千江)’이라는 작품명으로 활동하는 작가 장태묵의 뜻이다. 물에 꽃잎이 내려앉은 모습, 수면에 거꾸로 비친 나무 등 그의 작품들은 보는이들이 작품 너머 보이지 않는 풍경까지도 상상 할 수 있도록 꾀하는 ‘확장성’을 지니고 있다. 그의 실제 그림을 보면, 빛에 의해서 또는 바라보는 각도에 따라 색감과 형상들이 움직이는 것만 같은 착각을 불러일으키는데, 이는 자연이 쉼 없이 움직이고 있는 것처럼, 자신의 그림 또한 자연과 결코 구분되지 않도록 표현하려는 작가의 의도에 의한 것이다. 작가는 투명한 물을 표현하기 위해 횐색 물감 쓰기를 최소화했다. 색이 느껴지지 않도록 아주 옅은 물감에 물을 많이 섞어 겹쳐 찰하기를 반복했다. 놀랍게도 그의 작품 속 풍경은 실제 풍경이 아니다. 자신만의 압축방법으로 마음속에 투영시킨 풍경들이다. 지난 수십년 동안 아름다운 풍경을 다 가지려는 마음에 열심히 사진을 찍어왔는데, 어느날 집에 돌아와 그날 보았던 풍경을 떠올려보니 가슴에 남아있는 게 없다는 것을 깨달은 이후로는 촬영 대신 그냥 멍하니 바라보며 온전히 가슴으로 느끼는 시간을 누렸다. 이렇게 얻게 된 작가 내면의 풍경 모습인 것이다. 나뭇잎을 흩날리는 바람, 투명한 공기속의 꽃향기, 수면을 일렁이며 반짝이던 햇빛 등 시간의 흐름과 계절의 변화에 따라 끊임없이 움직임을 멈추지 않던, 보이지 않는 풍경들이다. 작가 장태묵의 초대전이 ‘목인천강(木印千江)-꽃피다’라는 주제를 내걸고, 19일부터 8월14일까지 안양시 만안구 예술공원 안 두나무 아트큐브에서 열린다. 작가가 온몸으로 느꼈을 풍경들이 40여 점의 작품에 담긴 채 관객을 맞는다. 홍익대학교 서양화과와 같은 대학 미술대학원 회화과를 졸업한 장태묵은 계명대학교 미술대학 회화과 교수로 재직중이다. 2011년 프랑스 밀레미술관에서 동양인 처음으로 특별 초대전을 가졌다. 밀레미술관, 국립현대미술관, KBS미디어센터, 제비울미술관, 르네상스호텔, LG그룹, 세르비아대사관, KBS대구방송총국, 프랑스대사관, 네팔영사관, 대전검찰청, 튀니지대사관, 외교통상부, SK그룹, BNK부산은행 등에서 그의 작품을 소장하고 있다.

◆연결과 동시에 분리된 경계 수풀 한 더미를 사이에 둔 하늘 위에 해와 달이 또렷이 뜬다. 이재석(35)은 낮밤을 동시에 품은 이 풍경에 ‘연결과 동시에 분리된 경계’(2022)라는 이름을 붙였다. 전경을 점령한 것은 텐트의 뼈대를 이루는 가느다란 쇠기둥과 팽팽하게 당겨진 로프들이다. 비틀대는 자세로 뿌리내린 여섯 개의 골조가 복잡하게 중첩된 탓에 천을 씌워 각 텐트를 완성하기란 어렵게만 보인다. 서로 단단히 묶인 선들은 하나의 연결된 덩어리인 한편 각자의 독립된 몸으로서, 장면을 꿰매듯 엮어내는 동시에 수많은 조각으로 분열시킨다. “군용 텐트를 순서에 따라 조립하며 그 구조의 안팎에 놓인 ‘나’에 대해 고민했다. 텐트를 이루는 부품들은 단독으로서는 쓸모없는 존재다. 개별 부품들은 비상시 설치와 운반에 용이하도록, 가장 효율적으로 전체에 기여할 수 있도록 여러 차례 자신의 모습을 정제했을 것이다.” 3년 전 그와 나눈 짧은 대화록 중 일부다. 이재석은 군용 사물들에 자신의 신체를 빗대어 보는 방식으로 회화의 소재를 구축해 왔다. 입대 후 겪은 부상의 경험이 그로 하여금 신체의 구조를 기계에, 또는 크고 작은 사회적 유기체에 투영하도록 이끌었다. “완성된 텐트에서 가장 중요한 기능을 하는 천이 마치 사람의 피부 같았다”는 말이나 “얇은 막으로 내면을 숨긴 채 외부 세계와 상호작용하는 텐트의 형상이 유기체의 몸처럼 느껴졌다”는 고백에 비추어, 앞서 언급한 회화작품 ‘연결과 동시에 분리된 경계’의 화면 속 완성되지 못한 텐트의 앙상한 골격은 불완전한 개인의 표상일 터다. 무너질 듯 가까이 기대도 끝내 서로의 살이 맞닿지 않는, 필연적으로 외로운 존재들의 초상이기도 하다. 끈끈하게 얽힌 듯 보이나 결국 각자의 영역에 발을 디딘 채 저마다의 그림자를 상상하는 여섯 개의 쇠기둥들. 화면 상단 좌우에 뜬 해와 달의 형태가 대칭을 이룬다. 수풀 속에서 엿본 두 시간의 지평은 이어진 동시에 나누어진 채로, 땅 위에 버티고 선 현재의 몸들을 얼마간 고립시킨다. 기하학적 형태의 부품으로 은유된 몸은 다시금 보다 보편적이고 관념적인 도상으로 재해석되며 의미를 확장한다. 차갑고 예리한 뼈대를 드러낸 텐트는 피부 아래 불안과 고독의 정서를 암시하는 한편 역설적으로 자연을 품은 산등성이의 모습이나 밤하늘에 그어 둔 별자리의 형태를 떠올리게도 하는 것이다. 쇠기둥의 꼭짓점이 별처럼 빛난다. ◆현실의 중력 바깥에서 여울지는 천 아직 조립되지 않은 은유의 조각들이 회화의 시공을 유영한다. ‘공간구조’(2023) 연작의 화면 속 해는 가라앉아 달이 되고, 달은 떠올라 해가 된다. 땅에 깊숙이 박혀 있던 쇠말뚝은 본연의 자리에서 수직으로 부상하며 텐트의 붙잡힌 살갗을 가벼이 놓아 준다. 상처 입은 몸으로 하여금 유연한 생명력을 회복할 여지를 갖도록, 정교한 건축이 되지 못한 천으로 하여금 그저 흩날릴 자유를 되찾도록 말이다. 구조를 올곧게 지탱하던 힘의 사라짐에 따라 흰 천은 배의 돛처럼 여울진다. 이재석의 화면 속 자연의 모습은 어딘가 생경하다. 아마도 처음부터 무엇도 자연이지 않아서, 그리고 동시에 모든 것이 자연이라서 그렇다. 따뜻한 인간의 골격을 차디찬 쇠기둥에 투영하는 시도는 한편으로 일련의 비인간적 체계로부터 유기적 자연의 원리를 발견하고자 응시하는 것이다. 초현실주의자의 태도를 닮은 관념의 세계 속 군용 텐트의 표피는 피부였다가 산등성이가 되고, 미지의 우주가 되고, 다시 커다란 바다가 된다. 극도로 정제된 형태와 색채의 도상들은 서로의 영역을 침범하지 않으며 반드시 제 윤곽 내에 머무른다. 이 섬세한 요소들은 주변부에 최소한의 그늘만을 드리우며 오직 자신의 양감을 호소하는데, 저마다의 생김새가 너무나 사실적이어서 도리어 비현실적인 분위기를 자아낸다. 우리가 발 딛고 사는 현실세계의 대상들과 무척 닮은 한편 익숙한 물리적 법칙에 조금씩 어긋난 방식으로서 평면 위에 배열된 탓이다. 오래된 삽화처럼, 구체적인 우화처럼, 신비로운 증언처럼 말이다. 이재석은 1989년 대전에서 태어났다. 목원대학교 서양화과 졸업 후 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 갤러리 바톤(2023), 챕터투(2023), 디스위켄드룸(2022), SeMA 창고(2021), 학고재 디자인 프로젝트 스페이스(2021), 아트 스페이스 128(2020), 갤러리 밈(2020), 이응노미술관 신수장고 M2(2018)에서 개인전을 선보였다. 그간 아트센터 화이트블럭(2024), 울산시립미술관(2023), 일민미술관(2023), 광주시립미술관(2022), 스페이스K(2020), 대전시립미술관(2019) 등 주요 미술관이 개최한 단체전에 참여했으며, 2022년부터 2023년까지 화이트블럭 천안창작촌 레지던시에 입주하여 작업했다. 올해 쉐마미술관과 대전시립미술관에서 개최되는 전시에서 작품을 선보일 계획이다. 국립현대미술관 미술은행, 대전시립미술관 등의 기관이 그의 작품을 소장 중이다. 박미란 큐레이터, 미술이론 및 비평

날개 윗면이 진한 청색을 띠고 테두리가 검은 ‘울릉범부전나비’, 갯까치수염, 섬괴불나무, 왜젓가락나물…. 화산 활동으로 생성된 이후 육지와 한 번도 연결된 적이 없어 ‘동해의 갈라파고스’로도 불릴 정도로 고유한 생태계를 유지하는 울릉도와 독도의 참모습을 만날 수 있는 전시(포스터)가 서울에서 열린다. 동북아역사재단은 서울 영등포 타임스퀘어 지하 2층 독도체험관 기획전시실에서 ‘동해의 갈라파고스, 울릉도와 독도’ 전시를 연다고 14일 밝혔다. 사진이나 영상으로만 접할 수 있었던 울릉도·독도의 새, 곤충, 식물, 해양생물 등을 실물 표본으로 경험할 기회다. 이달 16일 개막하는 전시는 크게 세 부분으로 구성된다. ‘하늘의 주인, 새’를 주제로 한 전시 영역에서는 동아시아와 대양주를 잇는 철새들의 이동 경로로서 울릉도와 독도가 갖는 의미에 주목한다. 독도의 상징이라 할 수 있는 괭이갈매기를 비롯해 천연기념물이자 멸종위기종인 흑비둘기, 새매 등 다양한 새들의 표본을 선보인다. 울릉도와 독도 땅에 살고 있는 고유종 식물과 곤충들도 주목할 만하다. 육지와 연결되지 않았던 섬에서는 고유한 생태계가 형성되는데, 울릉도 역시 마찬가지다. 울릉도에서 자생하는 식물 가운데 36종이 울릉도 고유종으로 알려져 있다. 전시장에서는 섬개야광나무, 섬괴불나무, 섬현삼 등의 식물과 울릉도에서 처음 발견된 것으로 전하는 울도하늘소, 울릉범부전나비 등 여러 곤충 표본을 볼 수 있다. 전시는 12월 8일까지.

인천공항이 신진작가들의 미디어 전시장으로 탈바꿈한다. 예술경영지원센터(예경)는 한국공항공사와 함께 10일부터 인천공항 이용객들에게 미디어아트를 전시한다. 예경과 공사는 지난 1일부터 김포와 김해공항에 전시를 시작했고 이번에는 인천공항에서 ‘기기 밖의 유령(Ghost Out of the Machine)’을 주제로 국내 미술계의 떠오르는 대표 작가 8명(팀)의 작품 16점을 전시한다. 마치 하늘을 잇는 항공망처럼, 도시, 사람, 건물은 네트워크로 연결되어 그 안에서 살아가는 존재들은 새로운 아이덴티티를 생성하고, 이전과 다른 새로운 유형의 아이덴티티를 ‘유령’이라는 은유로 접근한 전시다. 세계 최대 규모 공항답게 전시는 입출국장, 탑승동 등 총 9개의 장소에 펼쳐져 여행객들의 눈길을 사로잡을 예정이다. 추수 작가의 ‘달리의 에이미’(사진), 상희 작가의 ‘원룸바벨’, 김희천 작가의 ‘더블포저’, 전소정 작가의 ‘싱코프’ 등의 작품들을 공항 곳곳에서 만나볼 수 있다. 인천공항 전시 현장에서는 도슨트 투어와 증강현실(AR) 작품을 활용한 이벤트가 열린다. 김포·김해공항 전시는 10월 말까지, 인천공항 전시는 11월10일까지 이어진다.

작가 김희연은 기차역 등의 건물을 동양화의 평면적인 기법과 서양화 재료의 다채로운 질감으로 그려내 익숙하면서도 낯선 풍경을 생성한다. 길을 거닐다가 불쑥 작가의 시선을 사로잡은 장소의 인공물과 자연물을 조합해 담아내는 것이다. 각 물체가 가진 고유한 색, 그리고 주변 물체와의 상호작용, 세월의 흔적을 동양화 특유의 담담한 화풍과 서양화의 화려한 색채로 표현해 정적이면서도 동적인 미묘한 분위기를 자아낸다. 김희연(1985)은 서울대 동양화과 졸업 후 한국예술종합학교 조형예술과 전문사 학부에서 동양화를 전공했다. 이경하는 목탄으로 그린 배경 위에 사람·사물을 유화물감으로 배치한다. 이는 관객이 대상에 몰입케 하고, 그림 속 이야기에 녹아들게 한다. 목탄으로는 공간, 유화물감으로는 그림 속 대상을 그린다. 재료의 극적 대비감 속에서도 배경과 대상이 조화롭게 어우러지도록 균형감을 유지함으로써, 시나브로 관객이 작품의 일부가 되어 캔버스의 틀을 넘어선 공간 모습까지 상상하게 만든다. 관객의 마음에 기억의 자국을 깊숙이 남기고야 마는 것이다. 이경하(1976)는 이화여대 국문과를 거쳐 서울대 서양화과 학·석사를 졸업했다. 이현우는 자주 보던 주변의 어떤 공간이 특별하게 여겨진 찰나, 작가의 눈에 비친 남다른 빛깔을 포착해 이를 캔버스에 옮김으로써 특정 순간에 영속성을 부여한다. 쉽게 볼 수 있는 일상 속 주변 모습에서 작가가 직접 마주한 어떤 특별한 순간을 평면적으로 꾸밈없이 표현해 낸다. 오랜 시간을 들여 사진이 아닌 그림으로 옮겨내는 과정을 통해 작가의 주관적 시선과 내면의 감정을 관객에게 오롯이 전하는 것이다. ‘본다는 것’과 ‘보이는 것’, ‘일상’과 ‘특별함’의 의미를 고찰하게 한다. 이현우(1990)는 한국예술종합학교 조형예술과에서 예술사와 전문사를 마쳤다. 서울 강남구 청담동 청화랑은 휴가의 계절 7월에 김희연·이경하·이현우 3인전 ‘저마다의 시선’으로 본격적인 여름맞이에 나선다. 작가의 감정과 기억 속에서 재창조된 풍경을 캔버스 가득 펼쳐 보인다. 전시는 9일부터 27일까지.

“뭐야? 꼬마 아이들이 끄적거린 건가?” 작가 이명미(74)는 마치 유아기의 어린아이가 그렸을 법한 과감한 화면을 시도하는데, 이는 그 자체로 ‘이런 그림도 현대미술에선 통한다’를 입증한 파격적이자 선언적인 전위다. 그는 이우환, 박서보 등과 함께 1970년대 한국 실험미술운동 1세대 작가에 속한다. 당시 전위예술은 지극히 남성중심의 미술운동이었던 탓에 소수의 여성작가만 활약했다. 설치나 퍼포먼스가 주류를 이루던 경향 속에서도 이명미는 70년대와 80년대, ‘여성작가’가 견뎌야 했던 근대와 현대 두 세계의 패러다임을 일관된 주제와 어법으로 지금껏 풀어오고 있다. 이명미는 한국현대미술사 속에서 ‘여성작가’의 역할과 계보를 연구할 때 첫 번째로 꼽아야 하는 몹시 중요한 인물이다. 작품 속 소녀의 흐릿한 눈과 간단한 코, 그리고 그려지지 않은 입…, 우리가 찾고자 하는 진실이 항상 눈앞에 있으면서도 결코 잡히지 않는 것처럼, 그의 드로잉은 우리에게 끊임없이 질문을 던진다. 그는 대상이 인식되기 직전의 찰나를 포착해, 우리가 익숙하다고 생각하는 것들의 본질을 교란시킨다. 그래서 그의 작품은 단순히 그림이 아니라 평소 우리가 놓치고 있는 세계의 미묘한 변화를 깨닫게 하는 통찰의 도구가 된다. 전시장에 들어서면 그의 그림 속에 숨어있는 수많은 이야기가 우리와 숨바꼭질을 벌이는 느낌이 엄습한다. 그의 드로잉은 단순한 선과 색의 조합이 아니라, 우리가 한눈을 팔 때마다 형태가 바뀌고 새로운 의미가 드러나는 미로와도 같다. 작가는 날마다 드로잉을 통해 꾸준히 변화하는 세계를 탐구한다. 그의 작품 속에서는 모든 것이 조건에 따라 움직이고 뒤바뀌며, 고정된 형태라곤 하나도 없다. 마치 우리가 무엇인가를 정의하려 할 때마다 그것이 살짝 비껴가는 것처럼, 이명미의 드로잉은 경계 사이에서 생동감 넘치는 춤을 춘다. ‘숨바꼭질: Hide and Seek(하이드 앤드 식)’이라는 문패를 단, 이명미의 특별한 드로잉전이 27일까지 서울 강남구 청담동 피앤씨갤러리 서울에서 열린다. 그의 작품이 가진 위트와 철학을 드로잉을 통해 선명하게 드러내며, 관람객에게 새로운 시각적 경험을 제공한다. 이번 전시는 작가가 추구하는 경계의 미학을 알리고 나선다. 드로잉은 그의 가장 가깝고도 신선한 끄적임으로, 일상을 떠도는 재료들 가운데서 생생한 감각과 풍부한 지각을 순식간에 낚아채는 최전선의 현장이다. 어린 시절 친구들과의 숨바꼭질 놀이처럼, 관람객을 끊임없이 움직이고 생각하게 만든다. 이명미의 독창적인 시선을 타고 경험해보지 못한 미지의 세계로 모험을 떠난다. 그의 드로잉 속 숨바꼭질은 일상 속에 숨겨진 보물을 발견하고, 이미 익숙해진 것들을 다시 보게 만들며, 끊임없이 움직이는 세계의 아름다움을 새롭게 일깨운다.

“지방 중소도시에서 미술계의 거장들 작품을 직접 감상할 기회를 갖다니 감동 입니다” 6일 충남 아산 모나밸리(MONA VALLY)에서 열리고 있는 '2024 모나밸리 국제아트페어' 전시장을 찾은 시민들의 목소리다. 아산·천안 시민들과 미술애호가들은 작품에서 눈을 떼지 못하며 “말로 형용하기 벅찬 행복감을 맛 봤다”고 말했다. 평택에서 왔다는 한 관람객은 “이번 기회를 놓치면 언제 내가 피카소 그림을 직접 감상할 기회를 가질 수 있겠느냐”며 “안 보면 손해라는 생각에 친구들과의 주말 나들이 장소를 다른 곳에서 이곳으로 변경했다”고 말했다. 19세기 미술계 거장들의 명화(明畵)를 비롯해 국내 유명 작가 200여명의 작품 1500여점이 모나밸리에서 공개돼 관람객의 발길이 이어지고 있다. 4일 시작한 이번 아트페어는 7일까지 나흘간 계속된다. 반 고흐·피카소·샤갈·바스키아·키스해링·잭슨폴록 등 거장들의 시대를 초월한 걸작들을 한자리에서 감상할 수 있는 특별한 기회다. 대한민국 추상미술의 선구자라 할 수 있는 김환기·유영국을 비롯해 모던아트의 정착과 확산에 기여한 권옥연·김흥수 등 국내 작가들의 대표작이 전시된다. ◇충남 아산의 빛나는 민간 복합문화공간 모나밸리 2019년 개관한 모나밸리는 순수 민간자본으로 조성한 복합문화공간이다. '자연과 함께할 수 있는 전시, 공연, 휴식'을 테마로 1만여 평 부지에 조성했으며 모든 세대가 다양한 문화를 즐길 수 있는 프리미엄 힐링 공간 창조를 목표로 하고 있다. 물과 빛, 소리가 어우러지는 감성 가득한 공간이다. 다양한 조형물이 즐비한 공간 자체가 예술품처럼 느껴진다. 이곳에서는 실력을 갖추고 도약을 꿈꾸는 무명 뮤지션들의 공연이 자주 열린다. 모나밸리에서 행사 이벤트로 이들을 초청해 공연 기회를 갖도록 하는 것은 실력 있는 뮤지션들의 성장을 돕기 위함이다. 예술을 통해 누구나 소통하고 공감할 수 있는 축제의 장을 지향하는 모나밸리는 이번 행사기간 야외 가든에서 맥주 페스티벌도 함께 진행하고 있다. 이곳 가든에서는 저녁이면 통기타, 재즈, 밴드, DJ 공연 등 다양한 문화예술공연을 함께 진행하고 지역 상품 판매 부스도 운영하고 있다. ◇윤경숙 대표 “관객들에 행복감 줘서 내가 더 감사하고 행복 ” 행사를 기획하고 총괄한 모나밸리 윤경숙(66) 대표는 “‘미술계 거목 인사와 그의 지인들과 소장자들의 도움으로 명작 전시를 이룰 수 있었다”고 말했다. 그러면서 서울 등에서 이곳으로 작품을 옮겨오는 과정은 행정구역이 변경될 때 마다 경찰서끼리 수송 경호를 인수인계하는 은행 현금 수송차보다 더 삼엄한 경찰의 호위 지원이 있었다고 소개했다. 그는 “어릴적 가난한 환경으로 미술가의 꿈을 이룰 수 없었지만, 성공한 사업가인 남편의 도움으로 16년전부터 미술가의 길을 걸어오고 있다”며 “돈을 좋은일 하는데 쓸려고 버는 것, 행복해하는 관람객들 모습에서 제가 더 큰 행복감과 감사함을 느낀다”고 말했다.

작가 양대원은 ‘동글인’이라는 캐릭터를 등장시켜 각각 페르소나를 입힌 채 살아가는 현대인들의 모습을 상징적으로 그려낸다. 중국 변검의 가면이 떠오르기도 한다. 동글인의 용모는 직접적인 감정이나 기분을 숨긴 채 변장하고 있는 듯 하지만, 작품 속에 표현된 상징적 매개체 및 동글인의 구도, 다양한 제스처들은 복합적인 감정들을 과감하면서도 재치 있게 녹여낸다. 지난 30년 동안 고유한 작품세계를 구축해오고 있다. 작가 이예린은 과거와 현재의 경험들이나 관심사들을 바탕으로 자신을 투영해 순간의 감정을 ‘소녀의 시선’으로 담아낸다. 일반 팝아트에서 자주 보아온 만화같은 캐릭터와는 다르다. 그가 그려내는 소녀에게서는 어떠한 특성이 두드러지지 않은 채 관객이 상상하고 생각할 공백이 남는다. 이번 전시의 신작에서는 ‘완벽’에 관해 깊이 있는 해석을 시도한다. 완벽과는 자칫 거리감이 느껴지는, 러프한 스케치 선이 강조된 소녀들이 등장하며 완벽한 초상에 대해 자유롭게 해석할 수 있는 방향을 제시한다. 사회적 관계망을 통해 무수히 많은 감정들을 이야기하는 양대원, 이예린 작가 2인 기획전 ‘PERFECT PERSONA 완벽한 페르소나’가 서울 강남구 역삼동 맨션나인에서 23일까지 열린다. 본인에게서 비롯될 수도, 타인으로부터 기인할 수도 있는 다양한 감정들은 사회적 요구로 인해 변질되어 여러 자아들로 분화되며 가면을 덧입기도 한다. 두 작가는 현대인의 가면, 페르소나 이면에 포착된 인간내면 속 본능, 그리고 근원적 감정들을 아이코닉한 캐릭터를 내세워 표출해낸다.

한국편집기자협회(협회장 김창환, 이하 협회)와 종로문화재단(이하 재단)이 언론의 중심 종로 광화문광장 놀이마당에서 한국편집기자협회 창립 60주년 기념 특별전 ‘언론의 지평’이 개막했다. 2일 오전 11시 열린 개막식에는 정문헌 종로구청장, 김승모 종로문화재단 대표이사, 정희택 세계일보 사장, 황정아 더불어민주당 대변인, 이진석 문화체육관광부 차관보, 라도균 종로구의회의장, 박종현 한국기자협회장 등 100여명이 참석해 자리를 빛냈다. 또한 글씨당 김소영 작가의 화려한 퍼포먼스를 시작으로, 테이프 커팅, 기념 촬영이 진행됐으며, 김창환 협회장 주도하에 참석한 내빈과 시민들을 대상으로 도슨트를 진행해 눈길을 끌었다. 이번 전시는 총 3개 섹션으로, 협회 60주년에 걸맞게 전시물을 ‘60’이라는 숫자를 형상화하여 배치했다. ‘편집기자, 언론의 지평을 열다’ 섹션에서는 편집기자의 역할, 협회 연혁 및 활동 등을 소개하고, ‘종로, 언론의 지평이 열린 도시’ 섹션에서는 종로 속 언론사, 언론 속 종로 등 언론의 중심이 된 종로를 집중 조명했다. 마지막 섹션 ‘지평을 열어온 사람들’에서는 한국편집기자의 60년 발자취를 한눈에 볼 수 있는 한국편집상 수상 지면과 53개 회원사 대표작이 전시됐다. 이밖에도 레터링존 메시지 적어보기, 나만의 헤드라인 만들기 등 다채로운 체험이 열리며, 해시태그 #한국편집기자협회 #종로문화재단 #언론의지평과 함께 SNS에 사진을 인증하면 소정의 선물을 지급한다. 김창환 편집기자협회장은 “이번 60주년 특별전은 신문이라는 기록물의 가치를 전하고 언론의 의미를 되새기며, 무엇보다 언론의 최전선에서 묵묵히 최선을 다하고 있는 편집기자의 역할을 알리는데 초점을 두었다”라며 “함께 공감하고 기억해 미래를 준비하는 밑거름이 되길 바란다”고 말했다. 정문헌 종로구청장은 “한국 언론의 주요 활동 무대인 종로에서 언론의 꽃 편집기자의 작품을 전시할 수 있게 되어 영광이다”라며 “대한민국의 시작이자 미래, 원점과 지향점을 대표하는 종로에서 뜻깊은 시간 보내시길 바란다”고 말했다.

◆고요한 울림의 화면 윤형근(1928∼2007)은 자신이 “잔소리를 뺀 외마디 소리를 그린다”고 했다. 땅의 다색(茶色)과 하늘의 청색(靑色)을 크게 개어 물들인 획을 바라보고 있자면 그 한 음절 소리가 들리는 것만 같다. 화면에 스민 물감의 자취는 사사로운 소음을 지운 침묵 가운데 고요하게 번지는 거대한 울림에 다름없다. 윤형근은 1970년대 한국 화단의 주류를 이룬 ‘단색화’의 흐름 속에서 주요하게 호명되는 작가다. 그는 하늘과 땅을 상징하는 빛깔로 문과 같은 형상을 그려 두었다는 의미로서 ‘천지문(天地門)’을 작업의 명제로 삼았다. 각 화면은 바닥에 천을 펼친 뒤 넓은 붓으로 다색의 획을 긋고, 다시금 청색의 획을 덧칠하기를 반복한 결과물이다. 더디게 마르는 유채 물감은 서로 스미고, 번지고, 뒤섞이다 이내 먹처럼 검은 빛깔을 띠게 된다. 물감의 농도와 그리는 힘의 세기, 붓의 크기와 반복의 횟수에 따라 획은 매번 다른 번짐의 흔적을 만들어낸다. 그리하여 땅과 하늘은 나뉜 경계가 어디인지 알 수 없도록 모호하게 합일된다. 지난달 29일 서울 PKM갤러리에서 막을 내린 전시 ‘윤형근/파리/윤형근’은 그의 생애 두 번에 걸친 파리 체류 시기에 주목했다. 각각 1980년대 초와 2000년대 초에 제작된 화면을 전시 공간 안에 병치하여 20여년의 시차 간 변화의 궤적을 살피고자 한 의도다. 전시에서는 첫 번째 파리 시기 한지에 그린 비교적 작은 규모의 연작과 두 번째 파리 시기 대형 캔버스로 옮겨온 과감한 표현의 결과물을 두루 선보였다. 유채 물감을 일관된 재료로 취하고 있음에도, 양 시기 화면은 서로 다른 지지체에 투영된 획의 다름을 가시적으로 드러낸다. 전자의 획은 한지를 바탕 삼아 번짐의 효과를 극도로 강조한다. 짙은 곳에서 옅은 자리를 향해 말갛게 퍼져 나가는 물감의 궤적이 먹의 농담을 연상시킨다. 1980년대 초 윤형근은 물감과 바탕재 사이 상호작용을 탐구하는 데 천착했다. 색면(色面)과 여백 사이의 탄력과 긴장을 주제로 삼는 한편 기둥 간 관계를 재설정하여 문의 형상을 이루던 구도로부터 벗어나는 등 표현 및 구성상의 실험을 거듭했다. 한편 후자의 대형 캔버스 화면에서는 밑작업을 하지 않은 리넨 천 위에 덧입힌 두꺼운 획의 물성이 강직하게 드러난다. 윤형근은 1990년대 이후 기법의 변화를 통하여 획의 번짐을 의도적으로 통제하기 시작했는데, 2002년의 인터뷰에서 그 이유에 대해 “마지못해 번지는 것이 오히려 긴장감도 오고 간결해져서”라고 밝힌 바 있다. 그에 따라 화면은 한층 단정한 모습을 띠며, 다색과 청색이 더욱 확신에 찬 기세로서 뚜렷한 하나의 몸을 이루게 됐다. ◆여백, 무한한 생성의 장 붓이 지나지 않은 자리에는 묵직한 여백이 놓인다. 미술평론가 이일(1932∼1997)은 한국의 단색화가 ‘정신적 차원에서의 자기 환원’을 시도한다는 점에서 서구의 모노크롬과 구별된다고 했다. 그는 1975년도에 쓴 윤형근 회화론에 ‘텍스처로서의 여백’이라는 제목을 붙였는데, 색면과 여백이 단지 채움과 비움의 대비로서 존재하지 않으며 양자가 동질의 공간성을 지닌다는 의미를 함축한 표현이다. 색면은 여백에 스미고, 여백은 색면을 품어 안는다. 미술평론가 오광수(1938∼)는 윤형근의 작품으로부터 행위를 무위로, 물질을 정신으로 환원시키는 단색화 특유의 기조를 보았다. 나아가 그의 회화가 무위자연의 태도로 자연을 대하는 노자의 도(道) 개념과 맞닿아 있음을 역설했다. 윤형근의 화면 속 채움과 비움의 공존은 모든 형상을 무위의 상태로 돌려놓으며 명상적 정서를 불러일으킨다. 필묵을 연상시키는 붓질과 여백을 포용하는 화면 구성은 그의 화면에 녹아든 동양 미학 및 정신을 암시한다. 윤형근은 화면 속 모든 불필요한 것들을 걷어내고 “시처럼 외마디 소리에 담을 수 있는” 회화를 추구하였다. 시어의 운율을 가다듬듯 색면과 여백의 관계를 조율하며, 발화와 침묵의 언어를 동등하게 중요시하는 태도로서다. 그의 화면 속 여백은 채워진 면적에 하릴없이 침식당하지 않으며 살아 있는 무한의 공간을 향하여 열려 있다. 구체적인 물질이나 현상으로서 드러나기 이전의 원초적 상태로서, 그 모든 것을 탄생시키기 위한 최초의 근원이자 가능태로서 말이다. 윤형근은 1957년 홍익대학교 미술대학 서양화과를 졸업한 후 1962년 ‘앙가주망전’(중앙공보관)을 통하여 한국 화단에 등단했다. 1966년 신문회관에서 첫 개인전을 개최한 이래 ‘상파울루 비엔날레’(1969, 1975), ‘카뉴국제회화제’(1976), ‘파리국제현대미술제’(1978) 등 당대 주요 국제전 및 ‘앙데팡당’, ‘에꼴 드 서울’을 포함한 주요 국내전에 참여했고 1978년 한국미술대상전 대상, 1990년 제1회 김수근 문화상(미술 부문)을 수상했다. 1992년 영국 런던 테이트 리버풀의 단체전에 출품했고 1993년 뉴욕 소호의 도널드 저드 파운데이션에서 개인전을 개최했다. 1994년에는 텍사스 마파의 치나티 파운데이션에서 개인전을 열었으며 1995년 제46회 베니스비엔날레 참여작가로 이름을 올렸다. 단색화에 대한 재조명 시도가 본격화된 2010년대 중반 이후 블럼앤드포 갤러리(뉴욕 2015), 사이먼 리 갤러리(런던 2016, 2018), 데이비드 즈워너(뉴욕 2017, 2020, 파리 2023), 국립현대미술관(서울 2018), 포르투니 미술관(베네치아 2019), 헤이스팅스 컨템퍼러리(헤이스팅스, 영국 2023) 등 국내외 유수의 기관이 그의 개인전을 개최했다. 전속화랑인 PKM갤러리가 그의 개인전을 선보인 것은 이번이 다섯 번째다. 현재 베니스비엔날레 한국관 30주년을 맞아 베네치아 몰타기사단 수도원에서 진행 중인 전시 ‘모든 섬은 산이다’(4월19일∼9월8일)에서도 윤형근의 작품을 만나볼 수 있다. 박미란 큐레이터, 미술이론 및 비평