제주도립미술관은 23일부터 7월21일까지 이건희컬렉션 한국 근현대미술 특별전 ‘시대유감(時代有感)’을 연다고 22일 밝혔다. 시대유감전(展)은 국립현대미술관의 이건희컬렉션 지역순회전으로, 격동의 한국 근현대 역사와 시대 속 여러 감정의 결정이라 할 수 있는 작품들을 통해 시대를 초월해 작가와 관람객이 함께 호흡한다는 의미를 담고 있다. 국립현대미술관이 소장하고 있는 이건희컬렉션 50점을 중심으로 한국 근현대미술을 대표하는 작가 40명의 작품 86점을 선보인다.

흑백사진은 내면을 들여다보는 힘을 가졌다. 컬러의 시각적 자극을 걷어냄으로써 빛과 어둠이 지어내는 심오한 세계로 진입할 수 있다. 수묵화에서 추구하는 유현(幽玄·이치나 정취가 알기 어려울 정도로 깊고 그윽하며 미묘함)의 경계에 들어설 수 있는 것이다. 흑백은 빛과 어둠을 상징한다. 빛과 어둠은 창조신화의 출발점이기도 하다. 세상이 열리는 날, 그곳엔 빛이 있었고, 그 빛은 어둠에 의해 존재를 드러냈다. 사진작가 최영진은 하늘로 시선을 옮겨 도시인이 놓치고 있는 구름 풍경을 응시한다. 구름에 가리는 해를 바라보면서 셔터를 누른다. 하늘이 열린 곳이면 그게 도시던 시골이든 바다든 산이든 개의치 않는다. 특정한 날을 잡아 놓고 촬영하는 게 아니다. 그에게 촬영은 일상이다. 도심 한복판에서 하늘을 촬영하는 게 낯설어 보이지만 습관처럼 해와 구름을 포착한다. 집 작은 마당이나 골목 조그만 창가에서도 해와 달이 보이면 카메라를 잡는다. 그렇게 30여 년 시간이 쌓였다. 그는 해를 촬영하는데, 기어이 흑백필름을 쓴다. 해와 구름이 그 대상이므로, 아름다움을 포착한다면 컬러 필름이나 디지털 사진이 나을 법하다. 그러나 그에게 해는 눈에 보이는 아름다움의 대상이 아니라 ‘사색’, ‘사유’다. ‘철학’인 것이다. 흑백이라고 해서 아름다움을 구현해내지 못한다는 말이 결코 아니다. 그가 애초부터 아름다움을 겨냥해 찍지 않았다는 뜻이다. 결과물은 구름사진이지만 사실 초점의 대상은 해다. 해를 정면으로 바라보는 건 눈부심을 극복해야 하는 일인데 사실 이는 퍽이나 무모하다. 실제로 한쪽 눈에 백내장이 왔을 만큼 많은 시간 해를 쳐다봤다. 초점을 잡으려면 피할 길이 없다. 하지만 장시간 노출을 통한 해 바라보기는 색다른 사진을 보장한다. 프레임 중앙에 해가 자리하는 구도가 이를 말해준다. 해를 응시하는 사이에 시시각각 그 모양을 바꾸는 해구름은 일반 구름사진과는 다른 결과물을 내놓는다. 해를 피하지 않고 정면으로 맞서는 상황에서 붙잡아낸 이미지는 확실히 다르다. 때로는 지독한 역광으로 인한 플레어를 동반하기 십상이다. 그러나 때에 따라선 작품에 플레어를 적극 이용하기도 한다. 최영진의 22회 개인전이 27일까지 서울 마포구 합정동 리서울갤러리에서 열린다. 그는 새만금, 해변, 서울 변두리, 경동시장 등 풍경을 담아 그 이면을 고찰하는 사진과 해, 꽃, 새, 돌 등을 포착해 명상으로 이어지는 작업을 해온 중견 작가다. 국내에서도 활발히 활동하지만 영국 유명 갤러리 소속 작가로도 유명하다. 세계적인 컬렉터들이 그의 작품을 소장하고 있다. ‘The Sun’(더 선·해)이란 주제를 내세운 이번 전시회에서는 일련의 해를 찍은 사진들로, 작가가 한 번도 발표하지 않은 미공개 작품들을 공개한다. 촬영과 인화 과정에서 난도 높은 작업을 극복한 작가는 이번 작품들을 통해 특유의 깊이와 사색의 세계를 폭넓게 드러내 보인다.

‘고봉밥’과 ‘호박’. 작가 홍형표가 즐겨 쓰는 소재다. 그는 한국적인 소재로 관객의 가슴을 흔들고 적시는, 따뜻한 작가군에 포함된다. 홍형표가 그린 고봉밥은 가난했지만 넘쳤던 사랑, 아주 작은 행복, 그리고 창창한 앞날을 향한 희망, 어린 시절의 추억 등을 가득 담고 있다. 바라보기만 해도 뿌듯한 그의 고봉밥에는 긍정적이고 뜻깊은 명언들이 수북이 쌓여 있다. 성경을 비롯해 법정 스님, 정명 스님, 도올 김용옥 선생 등의 어록에서 가져온 구절들을 손으로 하나하나 새겨 넣은 것이다. 작가 자신을 상징하면서 의인화한 호박도 눈여겨보아야 한다. 빨강, 파랑, 분홍 등 원색을 과감히 써가며 전통적인 먹선의 문인화풍 회화 요소를 결합해 독창적 양식의 매력적인 그림을 그려내고야 말았다. 고봉밥은 ‘미생예찬’, 호박은 ‘인생의 관계성’이란 타이틀로 발표되고 있다. 제작방식은 둘 다 동일하다. 굵은 커피 마대자루 같은 천에, 혹은 캔버스에 혼합물감을 두텁게 얹고, 이를 갈고닦아 완성한다. 도공이 도자기를 굽는 심정으로, 조각가가 조형물을 만들 듯이 닦고 문지르기를 반복한다. 기존의 기득권과 매너리즘을 과감히 던져버리고 현대화된 문인화를 개척하는 것이다. 수더분한 옆집 아저씨 같은 작가는 “쌀과 아름다움(美)을 합친 것이 풍요다. 풍요의 기반은 먹는 것, 그것이 바로 미(味)다. 그래서 타이틀이 ‘미(米)생예찬’일 수도, ‘미(美)생예찬’일 수도 있다”면서 “우리 사회공동체는 한솥밥을 함께 먹는 것이다. 우리가 서로 함께할 때 비로소 아름다움으로 다시 돌아온다”고 말한다. 홍형표는 오랜 시간 서예, 문인화, 한국화의 다양한 장르를 거치면서 문인화가로 이름을 알렸다. 전통적인 재료를 넘어서, 캔버스에 아크릴과 테라코타를 부려 고봉밥을 짓는 작가로 업그레이드해 돌아왔다. 좀 더 대형화된 최근 신작들은 그 깊이를 더한다. 그의 초대전 ‘미생예찬’은 30일까지 서울 종로구 인사동 구구갤러리에서 열린다.

이중섭(1916∼1956)이 그린 ‘시인 구상의 가족’(사진)과 앙리 마티스의 아티스트북 등이 경매에 나왔다. 케이옥션은 24일 서울 강남구 신사동 본사에서 이중섭이 1955년 시인 구상(1919∼2004)에게 준 ‘시인 구상의 가족’을 비롯해 130점, 약 148억원 상당 미술품을 경매한다고 12일 밝혔다. 김환기(1913∼1974)의 그림들도 수십억원대에 출품됐다. 세상을 떠나기 1년 전인 1973년에 그린 뉴욕 시대 점화 ‘22-X-73 #325’는 35억원에 경매가 시작된다. 프랑스 파리로 떠나기 이전 시기인 1955년 제작한 ‘산’은 경매 시작가가 20억원이다. 해외 미술품으로는 앙리 마티스(1869∼1954)의 1947년작 아티스트북 ‘재즈(Jazz)’가 눈에 띈다. 노년기 건강이 나빠지며 대형 판화나 유화 작업을 할 수 없게 된 마티스는 가위와 풀, 핀을 이용해 20점 작업을 완성하고 이를 판화로 제작한 뒤 판화집을 펴냈다. 추정가는 9억5000만∼12억원이다. 출품작은 13일부터 24일까지 케이옥션 전시장에서 무료로 볼 수 있다.

◆믿음에 대하여 온전히 알지 못하는 세계에 대한 막연한 불안과 공포는 사람들로 하여금 절대적인 구원의 존재를 갈망하도록 만든다. 그 존재는 삶의 단계에 따라 부모와 스승의 이름으로, 동료와 벗의 이름으로, 때로는 신의 이름으로 우리에게 온다. 신앙은 언어로써 전파되었다. 음성으로, 문자로, 또는 그림으로 그 형태를 달리하며 듣는 자의 머릿속을 울리는 미지의 목소리로써 수 세기간 다양한 문화권을 아우르며 전승되었다. 목소리를 실어 나르는 매체가 무엇이든 그 울림을 받아들여 내면에 새기도록 하는 것은 언제나 청자의 신체이거나 정신이다. 그러니 신이 가라사대, 귀 있는 자는 들으라. 이동혁(38)의 개인전 ‘귀 있는 자(Has an Ear)’가 5월11일까지 삼청동 갤러리 기체에서 열린다. 김성우(43) 큐레이터의 기획으로 이동혁의 근작 회화 20여 점을 선보이는 전시다. 모태신앙으로 유년기부터 종교를 가까이 한 작가는 지난 수년간 전국 각지의 폐허가 된 교회를 방문하여 무너진 건물의 잔해를 회화의 화면 위에 담아 왔다. 한때 신성한 빛으로 가득하던 장소의 쓸쓸한 잔해를 디디고 이내 조각난 신전의 검은 껍데기를 성상처럼 묘사하면서, 그 모든 신비는 언제 어디로 떠나갔는지 궁금해했다. 그러나 더이상 목격되지 않는 절대적인 무엇의 부재로부터 내심 안도하기도 했단다. “발화가 불가능한 상태인 존재로서 지칭되는” 듣는 자의 귀는 사실 자신이 추구하는 진실에 따라 듣고 싶은 것을 듣는다. 두려움에 떠는 자, 확신하는 자, 의심하는 자의 영혼을 지나는 소리가 저마다 그 울림을 달리하는 탓이다. 그리하여 보이지 않는 믿음과 잡히지 않는 소망을 쌓고 무너뜨리는 것은 늘 인간사에 의한 것이다. 신자가 떠난 예배당에는 어김없이 현실의 먼지가 자욱이 내려앉는다. ◆진실에 대하여 ‘주어진 페이지(Given Page)’(2023∼2024) 연작의 화면 위 말과 양, 일곱 개의 촛대, 붉은 천과 기도하는 손, 천사의 날개 등 상징적인 도상들이 서로 기이하게 뒤엉킨 모습으로서 등장한다. 주로 성경 내용에 기반을 둔 이동혁의 도상들은 형태와 구조의 변형에 따라 오래된 상징성으로부터 이탈한다. 전시를 기획한 김성우 큐레이터에 따르면 “전쟁과 기근, 죽음 등을 상징하며, 하나님의 심판과 인류 역사의 종말을 예고하거나, 순결과 승리, 정의를 나타내며 최종적인 승리와 구원의 메시지를 전달하던 말의 도상은 다른 사물이나 동물의 형상과 뒤엉키고 어두운 배경의 심연으로 고개를 숨기며, 심지어 다른 화면에서는 그 동세만을 일부 다시 드러내는 식으로 출현한다. 이 과정에서 공동이 합의해 온 상징적 가치는 무의미해지고, 의미가 모호한 허물로만 남겨진다.” ‘주어진 페이지 1’(2024)과 ‘주어진 페이지 19’(2024) 등 다각도에서 포착한 여러 대상의 모습을 하나의 덩어리로 결합해 묘사한 전체의 형상은 신화적이고도 서사적인 이야기 구조를 연상시킨다. 한편 ‘주어진 페이지 15’(2024)에서와 같이 특정 장면을 여러 캔버스 위에 분절하여 묘사한 구성은 극도의 근접화면을 관객 앞에 내보임으로써, 구조적 외양을 낯설게 하는 동시에 대상에 내재한 정서를 강화한다. 예컨대 깍지 쥔 손의 형태는 일그러지고 뒤엉켜 본연의 생김새로부터 멀어지는 한편 오직 열망에 가까운 믿음을 암시하는 정동적 덩어리로서 남겨지는 것이다. 일련의 연작 화면 위에 반복적으로 등장하는 금빛 촛대의 도상은 화면 내부를 분할 및 구획하는 구성 요소이자 복수의 화면을 외부적으로 연결 짓는 복선으로서 역할한다. 촛대는 매번 상이한 방향과 거리에서 바라본 모습으로 묘사되어, 현상을 대하는 관점에 따라 진실은 매번 다르게 목격된다는 사실을 은유적으로 드러낸다. 작가의 말에 따르면 “회화의 화면이 어떠한 사건을 목도한 한 발화자, 즉 작가의 증언이라면, 그 화면을 대하는 또 다른 청자, 즉 관객이 화면을 바라보며 새로운 해석을 해내는” 과정의 형상화인 것이다. 보는 이의 관점에 따라, 듣는 이의 입장에 따라 진실은 때마다 달리 진술된다. ◆회화에 대하여 이동혁은 전시에 선보인 근작이 “글이 번역되는 과정에서 발생할 수 있는 변주에서 착안”한 것이라고 설명한다. 성경이 그렇듯 원문을 다른 언어로 옮겨 내는 번역의 과정에서 필연적으로 탈락되거나 변형되었을 의미의 가능성을 주지하면서 그러한 번역의 행위를 회화의 방식으로 재현해 보이는 시도다. “글에 묘사된 정확한 상황이나 의미를 고정된 하나의 이미지로 전달하기보다 복수의 화면이 맺는 관계를 통하여 의미가 재맥락화 되는 부분에 초점을 잡고 작업”했다. 그의 붓은 색채를 거듭 문대어 형상 속에 새겨 넣으며 지나는 궤적마다 모래알 같은 흔적들을 남기고 간다. “어둠 속에서 손을 더듬어 형태를 확인하는” 마음으로 그린 화면은 마치 흙을 빚어 바른 듯이 촉각적이다. 표면과 무디게 마찰하듯 밀어내는 붓질은 미끈한 윤기를 휘발시키고 짙은 안료의 색채를 화면 깊이 물들인다. 믿음에 의문을 표하기 위하여, 진실의 이면을 돌아보기 위하여 이동혁이 선택한 발화의 매체는 회화다. 시각미술은 번역된 문자에 비해서도 무척이나 더 넓은 해석의 여지를 지닌 특별한 언어다. 이 감각의 번역본들은 대조할 원본을 눈으로 확인할 수 없는 터라 오역과 의역을 바로잡을 여지조차 없다. 다만 열린 해석의 다양성 탓에, 그러한 회화가 무엇을 말하고자 하든 화면은 이미 청자를 위하여 오롯이 남겨진 페이지이다. 마치 듣는 자의 귀가 스스로 신의 메시지를 해독하듯이, 누구나 다르게 증언하는 각자의 진실이 결국 그 자신에게는 진리이듯이. 이동혁은 1985년 인천에서 태어나 홍익대학교 미술대학 회화과를 졸업한 후 동 대학원에서 석사 과정을 수료했다. 갤러리 기체(2024, 서울), 에이라운지(2022; 2020, 서울), 학고재 디자인 프로젝트 스페이스(2018, 서울), 스페이스 나인(2018, 서울)에서 개인전을 개최했고 갤러리 기체(2023; 2021, 서울), 뉴스프링프로젝트(2023, 서울), 아트스페이스 호화(2023, 서울), 갤러리 구조(2023, 서울), 학고재(2021, 서울), 드로잉룸(2021, 서울) 미메시스 아트 뮤지엄(2015, 파주), 갤러리 이마주(2013, 서울), 대안공간 루프(2012, 서울) 등이 개최한 단체전에 참가했다. 박미란 큐레이터, 미술이론 및 비평

장막을 걷고 어둠 속으로 들어가 보면, 전시관 4개 벽면에 투영되는 영상 속에서 불꽃을 둘러싼 채 춤을 추는 의식이 펼쳐진다. 12명의 타악기 연주자와 18명의 남녀 무용수들이 강렬한 사운드와 춤사위로 관객을 압도하다가 마침내 신비로운 황홀경에 도달한다. 이들의 의식은 불꽃이 타버리고 해가 뜨면서 막을 내리지만, 바로 또 밀려오는 어둠과 함께 다시 시작된다. 삶과 죽음의 연약한 경계를 탐색하는 스위스 작가 우고 론디노네의 작품 ‘BURN TO SHINE’(번 투 샤인, 빛나기 위해 타오르라·2022)이다. 프랑스계 모로코인 안무가 푸아드 부수프와 협업한 이 퍼포먼스 영상은 아프리카 마그레브 지역의 전통 의식과 현대무용을 결합한 것으로, 그리스 신화 불사조를 연상시키면서 변화에 대한 욕망을 표출하고 있다. ‘BURN TO SHINE’을 주제로 내건 우고 론디노네의 개인전이 9월18일까지 원주 오크밸리 뮤지엄 산에서 열린다. 작가가 국내에서 선보이는 최대 규모의 전시회다. 뮤지엄 산은 미술관의 갤러리 세 곳은 물론, 백남준관과 야외 스톤가든까지 할애해 조각, 회화, 설치, 영상 등 40여 점의 작품을 소개한다. 전체가 하나의 포괄적인 작업으로, 작가가 지난 30여 년 동안 끊임없이 성찰해 온 삶과 자연의 순환, 인간과 자연의 관계, 그리고 이로써 형성되는 인간 존재와 경험을 토로한다. 삶의 순환에 대한 사유는 작가의 또 다른 작품 ‘너의 나이, 나의 나이, 그리고 태양의 나이’(2013∼현재)와 ‘너의 나이, 나의 나이, 그리고 달의 나이’(2020∼현재)로 이어진다. 미술관 1층과 2층, 동일한 구조의 전시관에 마련된 두 작품은 각각 태양과 달을 상징하며 화음과 불협화음으로 공명한다. 이는 전시가 열리는 지역의 어린이들(3∼12세)이 그린 그림과 함께 완성되는 참여 작품이다. 원주시 어린이 1000명이 그린 2000장의 회화로 구성된 것이다. 동심을 반영해 마치 어릴 때 개구멍을 통과하듯 몸을 허벅지 높이 아래로 낮춰야만 입장할 수 있게 해놓았다. 다소 불편할 수 있으나 막상 숙이고 들어가면 웃음이 번진다. 자연을 통한 정신적 사유를 추구하는 작가의 시도는 ‘수녀와 수도승’ 연작에서 정점에 이른다. 백남준관에 들어서면 4m 높이의 ‘노란색과 빨간색 수도승’이 원형의 천장에서 내려오는 자연광 아래 중세 시대 성인(聖人)의 엄숙함으로 관객을 맞는다. 그러나 무릎을 꿇고 기도하기보다는 함께 걷거나 한 곳을 바라보고 나란히 앉아 얘기를 나누고픈 심정이 든다. 야외 스톤가든에도 3m가 넘는 6점의 수녀와 수도승이 거닐고 있다. 빨간색과 검은색, 보라색과 파란색, 초록색과 노란색 수녀 3점, 검은색과 초록색, 파란색과 하얀색, 노란색과 주황색 수도승 3점은 관람객들이 ‘인생샷’을 남기는 핫플레이스다. 모두 석회암 모형을 기반으로 주조된 청동 작품들이다. 작가는 “자연석을 아름다움과 사유의 대상으로 감상하고 탐구하려는 시도”라며 “본다는 것이 물리적인 현상인지 혹은 형이상학적인 현상인지 상관치 않고, 그것이 어떤 느낌인지 어떤 의미인지를 찾으려는 조각”이라고 설명한다. ‘수녀와 수도승’ 연작이 바라보는 이들에게 순수한 색채와 형태, 규모에 완전히 몰입되는 감각적 경험과 더불어 동시대적 숭고함을 선사한다는 것이다. 푸른색 유리로 만들어진 11점의 말 조각 시리즈도 관객을 반긴다. 세계 각지 바다의 명칭을 제목으로 삼는데 우리나라 ‘황해’(yellow sea)도 있다. 작품 중앙에는 하늘과 바다를 구분하는 투명한 수평선이 가로지른다. 물, 공기, 흙, 그리고 불이라는 4원소의 결합체다. 완벽하게 마감된 유리 표면을 넘어 무한한 공간을 향해 나아가는데, 전시장 곳곳에 시시각각 변화하는 푸른빛을 비추며 ‘빛의 풍경’을 창조하는 프리즘이 된다. 여기에 수직적이고 불투명한 관객의 존재는 마치 환영과 같은 말 사이를 누비고 다니면서 극적 대비를 이루게 된다. 전시관의 벽면을 빙 두른 해와 달 회화 시리즈는 시간의 흐름을 그만의 시적인 감성으로 담아내며, 일몰과 월출의 풍경을 보색으로 이루어진 3색 수채화로 포착한다. 2023년 9월10일부터 21일까지 작업이 완성된 날짜가 제목이 된 12개의 작품은 사적인 일기이자 삶의 기록으로 관객과 마주한다. 인간 본성에 대한 작가의 광범위하고 관용적인 시각은 회화, 조각, 설치, 영상 퍼포먼스 등 폭넓은 매체를 통해 표현된다. 그의 작업은 파리 퐁피두 센터, 런던 화이트채플 갤러리, 시카고 아트 인스티튜트, 로마 현대미술관, 빈 벨베데레 궁전미술관, 프랑크푸르트 쉬른 쿤스트할레, 제네바 미술역사박물관, 뉴욕 스톰 킹 아트센터 등에서 널리 소개한 바 있다. 2007년에는 제52회 베니스비엔날레 스위스 국가관을 대표했다. 뮤지엄 산(Museum SAN)은 공간(Space), 미술(Art), 자연(Nature)을 뜻한다. 노출 콘크리트 등 미니멀한 건축물의 대가 안도 다다오가 해발 275m 산자락에 전체 면적 2만2000평 규모로 설계했다. 빛과 공간의 예술가 제임스 터렐의 별도 작품관을 완성하며 2013년 5월에 개관했다. 이후 5주년을 기념해 명상관을 열었고, 지난해 8월 두 번째 명상 공간인 ‘빛의 공간’을 공개했다.

‘국내 최초의 아트페어’ ‘미술시장의 바로미터’ 2024 화랑미술제가 3일 VIP 프리뷰를 시작으로 7일까지 5일간 서울 코엑스(COEX) C, D홀에서 열린다. 42년 역사와 전통을 내세우는 국내 최장수 아트페어로, 한 해 미술시장을 가늠하며 흐름과 경향을 전망한다. 올해엔 156개의 국내 상위 갤러리가 참가한다. 기성작가의 작품뿐 아니라 신진 작가들의 재기발랄한 작품들도 함께 선보인다. 화랑미술제의 특징은 모든 회원사에 동일한 크기의 부스를 제공, 평등한 기회를 부여한다는 것이다. 부스당 6명 이하로 출품작가 수를 제한해 나열식 전시가 아닌, 세심한 구성을 꾀한다. 신진작가 특별전 ‘ZOOM-IN(줌-인)’, 미술시장의 각 분야 전문가와 함께하는 토크 프로그램 ‘ART&ARTIST TALK(아트 앤드 아티스트 토크)’ 등은 챙겨 볼 만한 프로그램이다. ◆주요 참가 갤러리 동시대 미술의 흐름을 소개하며 문화 허브 역할을 하는 국제갤러리는 영국 현대미술가 줄리안 오피의 ‘Long hair two shopping bags.(롱 헤어 투 쇼핑 백스)’를 앞세운다. ‘걷기’라는 일상적 행위를 묘사하는 연작 중 하나로, 인물들의 보편적인 움직임 속에 담긴 자연스러운 형태와 색의 아름다움을 포착한다. 뉴욕을 기반으로 활동하는 한국계 미국 작가 바이런 킴이 본능적이자 몰입적으로 물의 감각을 담아낸 ‘B.Q.O. 43’도 선보인다. 지난해 프랑스 최고 영예의 ‘레지옹 도뇌르 훈장’을 수상한 장 미셸 오토니엘의 ‘Passiflora(패시플로라)’도 만나볼 수 있다. 추상미술의 저변을 확대하고 실험미술을 진행해온 갤러리현대는 다양한 매체를 통해 예술의 근원적 정의를 탐구하는 1세대 행위예술가 이건용과 실험미술의 주역으로 꼽히는 이강소의 작품으로 승부한다. 젊어진 화랑미술제의 기조에 맞춰 기성 화랑들이 젊은 작가들을 내세우는 점도 주목할 만하다. 아시아, 유럽, 미국을 넘나들며 문화 교류를 도모하고 있는 금산갤러리는 지난해 Kiaf SEOUL(키아프 서울)에서 게임, 체험형 구조물 등의 아트 컬래버레이션으로 색다른 즐거움을 선사한 윤필현의 위트 있는 작품을 다시 한 번 전면 배치한다. 옛것과 새것의 교감에 관심을 기울여온 학고재도 이우성, 장재민, 지근욱, 김은정 등 현대미술의 새로운 장을 열어가는 프론티어들과 함께한다. 장기적인 플랜으로 잠재력 있는 젊은 작가들을 지속적으로 지원하는 원앤제이 갤러리는 김수영, 서동욱 등 전속 작가들 띄우기에 나선다. 갤러리위는 최근 회화와 실크스크린을 접목한 작품으로 주목받으며 매번 솔드아웃을 기록하는 고스, 허필석 등의 작품을 진열한다. BHAK는 손에 새겨진 지문, 손금, 손등의 주름을 모티브로 삼아 정체성을 시각화하는 순재와 민킴 등 신진 작가를 소개하면서 백남준 등 거장의 작품을 동반해 다양한 미적 취향을 만족시킬 예정이다. 한 명의 작가를 집중 조명하는 갤러리도 눈에 띈다. 젊은 작가 인큐베이터 역할을 하며 차세대 미술 리더 성장에 기여하고 있는 PKM 갤러리는 ‘붓질’이라는 근원적인 행위를 통해 회화의 본질을 탐구하는 신민주의 솔로 부스를 마련한다. 동시대 미술의 다양성에 기여하고 있는 더페이지갤러리는 재료의 고유한 물성을 드러내는 데 중점을 두고 미니멀리즘 추상 조각 작업을 해온 박석원의 공간을 꾸며 그의 대표작 ‘적의(積意)’ 등을 선보인다. 갤러리마크는 스페인 출신의 다원 예술가 하비에르 마틴을 단독으로 소개한다. 갤러리세줄은 한지와 먹이라는 대표적인 한국적 요소를 주재료로 다루는 차계남의 대형 작품들을 전시한다. 우손갤러리는 넓은 색면과 점, 선 등의 요소를 자유자재로 섞어 화면을 구성하는 허찬미의 ‘Vase(꽃병)’를 내놓는다. 일본 현대미술 작품들도 한자리에 모인다. 국내외에서 다양한 기획전을 진행하는 가나아트는 1990년대 이후 일본미술을 대표하는 화가 히로시 스기토의 개인전을 준비한다. 추상 회화에 대한 앞선 안목의 전시를 열어온 조현화랑은 일본 모노하 운동을 이끈 기시오 스가의 작품을 출품한다. 갤러리조은은 지난해 Kiaf SEOUL에서 매진을 기록하며 국내에 데뷔한 다쓰히토 호리코시의 신작을 소개한다. 갤러리밈은 일본 미술전문지 ‘미술수첩’이 ‘일본작가 100인’에 선정한 가이토 이쓰키의 작품을 선보인다. 2010년대 이후 개관한 갤러리들의 부스를 돌아보는 것도 흥미롭다. 리서울갤러리는 지난해 ‘하트시그널4’ 출연 이후 활발히 작품 활동을 전개하고 있는 이후신과 김자혜 등의 신작을 알린다. 이유진갤러리는 일상생활에서 마주한 대상을 스냅사진처럼 표현하는 전병구, 익숙한 풍경을 특유의 붓터치로 추상화하는 김혜나 등 신진작가와 함께 현대미술의 흐름을 발 빠르게 소개한다. 현대미술 패러다임에 대한 심층적인 분석과 이해를 통해 정체성을 확립한 갤러리바톤은 신예 노은주의 작품을 출품한다. 갤러리이배는 미국 이주 후 10여년간 여러 곳을 오가며 다양한 지질 환경과 자연경관에서 영감을 받은 유명균의 작품세계를 펼쳐 보인다. G갤러리는 페어 기간 중 개인전을 개최하는 홍정표의 작품을 동시에 선보인다. 서정아트는 창조의 근원인 흙을 재료로 삼는 오다교, 이미주 등을 소개한다. 다양한 미술 시스템에 대한 현장 경험을 기반으로 보다 다각적인 콘텐츠 개발을 시도 중인 스페이스 윌링앤딜링도 김혜원, 손지형 등 젊은 전속 작가들의 작품을 전면에 내세운다. ◆주요 프로그램 5회차를 맞은 신진작가 특별전 ‘ZOOM-IN(줌-인)’은 회화, 조각, 설치 등 다양한 장르에서 활동하는 만 39세 이하 작가들을 대상으로 한 화랑미술제의 작가 발굴 프로그램이다. 공모에 응한 570명의 지원자 가운데 곽아람, 김보경, 김한나, 송지현, 심예지, 이성재, 이호준, 장수익, 최명원, 최혜연 10인이 선정됐다. 현장에서 관람객 투표와 전문가 심사를 합산해 최종 ‘2024 ZOOM-IN 어워즈’의 수상자 3인이 가려지고, 상금과 특별 프로모션 혜택이 제공된다. 4∼6일 D홀 토크라운지에서 진행되는 ‘ART&ARTIST TALK’는 미술시장의 균형 잡힌 성장과 올바른 컬렉팅 문화 형성에 초점을 맞춘다. ‘크리스티 홍콩’의 정윤아 부사장이 국내외 미술시장 트렌드를 살펴보며 컬렉팅 가이드를 제시하고, 이유경 변호사가 미술세법, 진흥법, 문화재 보호법 등 미술과 관련된 법률 이슈를 다룰 예정이다. 김영애 이안아트컨설팅 대표는 패션과 아트, 닮은 두 산업 간의 융합을 주제로 컬래버레이션 사례와 브랜드 컬렉션 등을 소개한다. 평론가들과 줌인 선발 작가들의 대담도 진행된다. 모든 토크 프로그램은 한국화랑협회 유튜브 채널을 통해 생중계된다.

◆흑연으로 그린 신비의 세계 새까맣게 반짝이는 어둠이 한편에 내려앉은 종이 위에서 임선구(33)의 이야기가 시작된다. 주재료인 흑연은 신비로운 대지를 파헤쳐 강을 내듯 완강한 의지로서, 또는 바람 따라 흔들리는 나뭇가지의 결을 좇듯 유연한 태도로서 화면을 채워 나간다. 흑연에 점토를 섞어 만든 심지를 기다란 나무 안에 품은 연필은 그리기의 기초 도구다. 그렇듯 겸허한 재료의 가능성을 시험하며 작가는 매번 다른 힘과 속도로, 매번 낯선 마음으로 종이 위에 흑연을 가라앉힌다. 임선구는 자신의 작업이 종이와 흑연을 이용하여 “사적 경험과 공적 사건 간의 미묘한 관계를 엮어 다양한 층위의 드라마를 만드는” 과정이라고 설명한다. 작가는 두 재료를 꾸준히 사용하는 한편 표현에 있어 다각도의 변주를 선보여 왔다. 작품 활동 초기인 2018년의 ‘이상하고 평화로운 날들이었다’ 연작은 자신의 유년기 기억과 구전 설화 등의 소재를 차용하여 서사적인 내용을 펼쳐 내는 데 집중하는 모습을 보인다. 동시에 평면 위에 연필로 그림 그리는 힘의 강약을 조절하면서 흑연이라는 재료로 구현할 수 있는 다양한 표현의 가능성을 드러내 보이고자 했다. “흩어지고 날아가는 기억 파편들과 손가락 사이로 빠져나가는 흑연 입자들을 종이라는 연약한 바탕 위에 안착”시키는 일이다. 오일 파스텔 등 색채를 가진 재료를 화면에 접목하여 서로 다른 성질의 안료가 뒤섞이며 번지고 밀리는 흔적을 대비하기도 했다. 때로 화면 속 유기적으로 관계 맺는 도상들의 움직임은 영상 애니메이션의 형태로 번안되었다. 임선구는 인천에서 태어나 서울과학기술대학교 조형예술과를 졸업한 뒤 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 서울시립미술관 세마(SeMA)창고(2022), 드로잉룸(2022), 학고재 디자인 프로젝트 스페이스(2019), 갤러리 조선(2019)에서 개인전을 선보였으며 신한갤러리, 양주시립미술창작스튜디오, 두산갤러리, 학고재, 드로잉룸, 공간서울 등에서 연 단체전에 참여했다. 인천아트플랫폼 14기(2023), 양주시립미술관 창작스튜디오 7기(2022) 레지던시에 입주해 작업했다. 올해에는 ‘2024 금호영아티스트’에 선정되어 오는 5월10일부터 6월16일까지 금호미술관에서 개인전을 갖는다. 전시명을 ‘축성법(築城法)’이라고 짓고 ‘A Castle Built of Dust(캐슬 빌트 오브 더스트, 먼지로 세운 성)’이라는 영문 부제를 덧붙였다. “그간 흩어지고 사라지는 삶 주변부의 시시콜콜한 이야기들을 흑연이라는 물성으로 조율해왔다면, 이번 전시에서는 늘 밑바탕이 되어 왔던 종이가 전시 공간의 주인이 됩니다.” ◆종이로 지은 성: 평면에서 입체로 흑연의 특성을 효과적으로 드러내기 위해 임선구는 줄곧 종이를 회화의 지지체로 삼아 왔다. 캔버스 천에 비하여 가볍고 연약한 종이는 흑연 가루가 두껍게 발릴수록 젖은 듯 울기도 하고 종종 찢어지거나 구겨지기도 한다. 2022년 두산갤러리 서울에서 진행된 단체전에서는 그러한 종이의 속성을 숨기기보다 고스란히 드러내고자 나무 틀에 표구하지 않은 상태로 벽면에 길게 늘어뜨리는 방식을 선택했다. 종이의 본성을 내보이는 데 의미를 두기 시작하면서 의도적으로 찢긴 종이를 콜라주 형식으로 덧대어 붙이는 표현을 시도하게 됐다. 작은 돌멩이 등의 오브제들을 끌어와 화면의 질감 및 높낮이를 다양화하는 실험 또한 병행했다. 같은 해 서울시립미술관 세마창고에서 열린 개인전 ‘보이지도 않는 꽃이: 발자국을 발굴하기’에서는 주로 평면 지지체로 여겨지는 종이를 입체적 요소로서 재해석하고자 하는 시도를 본격화했다. 가상의 신화를 현실의 공간 속에 재연하듯 과감하게 찢어 붙인 종이로 거대한 부엉이와 나비, 전설 속 동물들, 그리고 그들이 서식하는 숲의 나무와 같은 형상을 만들어 냈다. 전시 공간 가운데 제단처럼 융기한 구조물을 설치하여 그것을 딛고 올라선 관객들로 하여금 주위를 다양한 높이에서 조망할 수 있도록 했다. 화면 속을 유영하던 신비한 도상들은 이제 화면 바깥의 세상에서 더 큰 존재감을 드러내는 실체로서 현현한다. 최근 임선구는 그간 쌓아 온 서사적 도상들을 화면 내에 간직하는 동시에 재료의 물성을 극대화하여 드러내는 실험에 적극적으로 임하는 면모다. 그 시도의 일환으로서 직접 수제 종이를 제작하여 지지체로 활용하기 시작했는데, 근작 ‘벽장 안의 눈’(2023)이 대표적 사례다. 조각적 형태로 변모한 반(半)입체 화면은 역사 속에서 발굴된 유물의 생김새를 연상시킨다. 종이를 두껍게 쌓아 돌처럼 단단하게 굳혀서 틀을 마련하고 상단에 그물 모양으로 재단한 종이를 대어 상자와 같은 형태를 만들었다. 종이 그물 안쪽을 유심히 들여다보면 상자 내부 벽면에 부착한 흑연 그림들을 발견하게 된다. ‘벽장 안의 눈’이라는 작품명이 암시하듯, 어둠 속 어렴풋이 떠오르는 미지의 얼굴들이 바깥세상의 우리를 거꾸로 응시하는 모습이다. (…) 출처가 다른 종이 잔해들은 결국 사라져버릴 어제의 시간처럼 부서졌다가 다시 경화되어 일어서기를 반복한다. 여전히 위태롭게 서로를 의지하는 종이 벽에는 날카로운 칼날에 잘게 찢긴 모서리 사이를 축축한 진흙으로 메우고, 수십 번 주물러 뭉그러진 덩어리에 형태를 부여하는 행위가 녹아 있다. 누군가에겐 소문이 되고, 다른 이에겐 사건이 되며 나와 타자 사이를 경유하던 이야기들은 이제 벽장 안으로 들어가 그곳이 자신의 무덤인 양 박제된다. - 성을 짓는 방법에 관하여, 임선구(2024) ◆가장 연약한 것들로부터… 언젠가 임선구에게 무엇을 그리느냐고 묻자 “기억의 거름망에 걸러지고 남은 찌꺼기 같은 것들”이라는 답이 돌아왔다. 종이에 흑연을 매장하듯 까맣게 몰아붙이는 과정 끝에 살아남은 몇몇이 그 세계의 주인이 됐다. 무척 내밀한 기억, 비밀스러운 상상에서 출발하여 지극히 주관적인 방식대로 자라나 온 그의 화면은 문자 그대로 조금 더 두텁고 묵직한 실체가 되어 간다. 가장 익숙하고 일상적인 재료를 매체 삼아 그것이 지닌 고유한 물성을 재차 탐구하며 끝내 자신만의 새로운 세계를 일구어내는 일이다. 다가오는 5월의 개인전에 관하여 그가 말하기를 “작업 안에서 시끄럽게 이야기했던 많은 이미지는 벽 뒤로 숨거나, 드로잉 북 안으로 들어가고 전면에 세워지는 성벽들로 그 내부의 서사들을 가늠해보는 전시가 될 것 같습니다. 종이뿐만 아니라 가벼운 물성을 가진 모든 재료를 뭉쳐 만든 벽들이 20점 내외로 디스플레이될 예정이에요. (…) 긁어모은 땅, 언덕들, 무너지는 산, 짐승과 새의 얼굴을 빌린 종이 드로잉들이 각각 ‘이야기 형태소’가 되어 벽장이라는 단어들을 만들고, 이제 이 울퉁불퉁한 종이 벽장의 외곽을 연결해 울타리와 벽이라는 문장으로 이어보려 합니다.” 연약한 필선이 짙게 쌓여 까마득한 산과 강을 이루고 가벼운 종이가 거듭 뭉쳐 굳건한 성벽이 된다. 구전된 이야기들, 전염된 소문들, 신비한 상상들을 묻어 둔 종이 위의 검은 대지가 삼차원 공간을 향하여 자신의 몸을 일으킨다. 겹겹이 축적되어 단단해진 몸으로 전시 공간 벽면에 걸린 임선구의 화면이 마치 그 자체로서 진실이 된 하나의 설화 같다. 박미란 큐레이터·미술이론 및 비평

‘이 좋은 인연으로 인하여 우리 주상 전하께서 성수만세하시고 자손이 하늘과 더불어 끝이 없으시며 또 성렬인명대왕대비 전하께서 성수 무병하시고 만세하시길 바라며 이에 마음을 다하였으니, 부처께서 이 속마음을 비춰 주실 것입니다.’(‘영산회도’ 중) ‘영산회도’는 자색 비단 위에 금선으로 영축산에서 설법하는 석가모니여래와 권속들을 그린 불화다. 그림 중앙 하단 순금으로 쓰인 발문에 따르면, 이 그림은 1560년 성렬인명대왕대비가 임금과 본인의 무병장수를 빌고, 왕실의 후사가 이어지길 바라는 마음을 담아 조성한 것이다. 성렬인명대왕대비는 명종의 모후이자 조선시대 최강 불교신자인 문정왕후(1501∼1565)다. 문정왕후는 어린 나이에 보위에 오른 아들을 대신해 1545년부터 10년간 수렴청정했고, 1563년까지 섭정으로 정사에 관여했다. 개인 입장에서 불교미술품을 조성한 비빈들과 달리, 문정왕후는 통치자의 위치에서 정책적으로 불교중흥을 꾀했다는 차이가 있다. 성리학의 나라 조선은 불교를 엄격히 통제했으나 왕실 여성들은 누구보다 적극적으로 불교를 지지했다. 사관과 유생들은 “암탉이 새벽에 울면 집안이 망한다”는 ‘서경’의 구절을 인용해 왕실 여성들의 불사를 줄기차게 비판했다. 하지만 역설적으로 여성의 참여가 활발했던 ‘암탉이 울 때’에 불교 교단은 조선에서 목소리를 낼 수 있었고, 품격 있는 불화와 불상을 대규모로 만들어 냈다. 종묘를 받들고 후손을 이어가는 일은 왕실 여성들의 가장 큰 의무였으므로, 왕의 무병장수와 아들을 비는 이들의 발원에는 기복을 넘어서는 공적 측면이 있다. 호암미술관은 ‘진흙에 물들지 않는 연꽃처럼(Unsullied, Like a Lotus in Mud)’이란 제목을 내걸고 6월16일까지 동아시아 불교미술을 본격 조망한다. 한국, 중국, 일본 3국의 불교미술에 담긴 여성들의 번뇌와 염원, 공헌을 들여다보는 자리다. 전시 제목은 ‘숫타니파타’(부처의 말씀을 모아 놓은 최초의 불교 경전)에서 인용한 문구로, 불교미술을 후원하고 제작했던 ‘여성’들을 진흙에서 피되 진흙에 물들지 않는 청정 ‘연꽃’에 비유했다. 1세기쯤 부처의 가르침이 동아시아로 전해진 이래 여성은 불교를 지탱한 옹호자이자 불교미술의 후원자 또는 제작자로서 기여해왔다. 당시 여성들은 불교를 통해 소원을 빌고 이루어가는 성취감과 이로 인해 쌓은 공덕을 타인에게 돌리는 고귀한 기쁨을 알아 갔다. 이번 전시는 사회와 제도의 제약에서 벗어나 ‘자기’로서 살고자 했던 당대의 여성들을 찾아간다. 그동안 불교미술에서 주목받지 못했던 여성에 초점을 맞췄다는 점에서 차별화된다. 이승혜 큐레이터는 “동아시아 불교미술 속에서 불교는 여성을 어떻게 바라봤는지, 그리고 여성은 불교에서 어떤 가능성을 봤길래 맹렬히 불교에 귀의했는지, 두 가지 질문에서 시작한 전시”라고 귀띔했다. 1, 2부로 나뉜 전시는 불교미술 속에 재현된 여성상을 살피고 불교미술품의 후원자와 제작자로서 여성을 조명한다. 1부에서는 다양한 불전도(佛傳圖·석가모니의 일생 중 중요 이야기를 시각적으로 풀어낸 그림)에 묘사된 어머니 이미지의 여성, 집착과 정념의 근원으로 간주했던 여성의 몸이 불화에서 묘사되는 방식, 여러 관음보살상과 보살도에 나타나는 여성형 관음보살, 승리의 여신이자 만복을 준다는 ‘마리지천’처럼 한국불교 속 여신 신앙의 일면 등을 살핀다. 2부에서는 숭유억불 정책 속에서도 적극적으로 불교를 지지했던 왕실 여성들이 후원자로 나서 조성한 불화나 불상, 머리카락을 바쳐 불보살의 형상을 수놓은 자수 불화 등을 볼 수 있다. 2년여간 준비 기간을 거친 이번 전시는 국내외 27개 컬렉션이 소장한 불화와 불상, 사경(寫經·불교 경전을 옮겨 적는 작업이나 그러한 경전), 나전경함(두루마리 형태의 불교 경전을 보관하던 상자), 자수, 도자기 등 다양한 장르의 불교미술품 90여건을 한데 모았다는 점에서 눈길을 끈다. 국내 소장품으로는 리움미술관을 비롯해 국립중앙박물관, 불교중앙박물관 등 9곳 소장처의 국보 1건(장곡사 금동여래좌상 복장물)과 보물 10건 등 40건이 출품됐다. 이 중에는 16세기 ‘궁중숭불도’ 등 ‘이건희 컬렉션’ 9건도 포함됐다. 해외에 있는 불교미술품도 한국을 찾았다. 미국 뉴욕의 메트로폴리탄미술관과 보스턴미술관 등 미국의 4개 기관과 영국박물관 등 유럽의 3개 기관, 도쿄국립박물관 등 일본의 11개 소장처에서 빌려온 일본 중요문화재 1건, 중요미술품 1건 등 52건이 포진했다. 15세기 조선 불전도 세트인 ‘석가탄생도’(일본 혼가쿠지 소장)와 독일 쾰른동아시아미술관이 소장한 ‘석가출가도’도 챙겨볼 만하다. 석가모니 탄생을 전후한 여러 장면과 출가를 묘사한 불화로, 일본과 독일에 떨어져 있던 두 불화를 이번에 처음으로 한자리에서 선보인다. 메트로폴리탄미술관 소장품인 조선 시대 불화 ‘석가여래삼존도’와 국립중앙박물관 소장품인 보물 ‘약사여래삼존도’도 이번 전시에서 처음 만났다. 문정왕후가 조성해 1565년 점안한 400폭 불화 중 일부다. 리움미술관 소장품인 ‘감지금니묘법연화경 권1∼7’ 역시 주목할 만하다. 진한국대부인 김씨(辰韓國大夫人 金氏)가 충혜왕(1315∼1344)의 영가천도(靈駕薦度·죽은 사람의 영혼을 극락세계로 보내는 것)를 기원하고 충목왕(1377∼1348)과 그 모후를 축원하고자 1345년 조성한 ‘법화경’ 사경으로, 보존 상태가 양호하다. 호암미술관 측은 “고려 후기 최고위층 여성 신도가 분명한 동기로 발원한 사경이라는 점에서 값지다”며 “막대한 재원과 뛰어난 장인이 투입돼 제작된 고려 사경의 걸작”이라고 설명했다. 백제 ‘금동 관음보살 입상’을 비롯해 ‘감지금니묘법연화경 권1∼7’ 등 9건은 국내에서 일반에 처음 공개됐다. 메트로폴리탄미술관의 ‘석가여래삼존도’ 등 해외 소장품 47건도 한국에서는 처음 전시되는 것이다. 일본 규슈국립박물관 소장품인 ‘구상시회권’과 혼가쿠지 소장품 ‘석가탄생도’ 등은 5월5일까지만 공개된다. 일본민예관 소장품 ‘구마노관심십계만다라’ 등은 5월7일부터 볼 수 있다. 전시 기간 화∼금요일 매일 두 차례 서울 리움미술관과 용인 호암미술관 간 무료 셔틀버스가 운영된다. 버스는 홈페이지에서 예약 후 이용할 수 있다.

주한 프랑스대사관 비즈니스프랑스가 주관하는 ‘프렌치 아트 오브 리빙 2024’ 전시가 4월 3일과 4일 이틀간 프랑스대사관저(서대문구 서소문로 43-12)에서 열린다. 프렌치 아트 오브 리빙(French Art of Living)은 프랑스의 하이엔드 디자인과 헤리티지를 대표하는 브랜드를 큐레이션하는 전시다. 프랑스 가구협회 (GEM), 프랑스에끌라 (Francéclat), 살아있는 문화유산 기업(EPV) 위원회의 지원을 받아 매년 전세계 주요 도시에서 열린다. 한국에서 개최는 올해가 처음이다. 첫 서울 전시의 부제는 ‘Echos France – Korea, 한국에 울려퍼지는 프랑스의 메아리’다. 한국 전통건축의 현대적 해석으로 평가받는 프랑스대사관저에 모던 프렌치 리빙 제품을 조화롭게 배치하여 상호작용하는 모습을 보여준다는 의미다. 주한 프랑스대사관은 한국 현대 건축의 선구자 고(故) 김중업의 대표작이다. 특히 대사관저는 도자기와 옹기로 만든 모자이크 벽화가 있는 발코니부터 전통 문양, 고가구, 재불 작가 작품으로 장식한 살롱과 다이닝까지 양국의 문화가 공존하는 장소다. 공간 연출을 맡은 디피제이파트너즈㈜의 다비드-피에르 잘리콩(David-Pierre JALICON) 대표는 이같은 관저 실내외를 적극 활용한다. “한국의 환경과 일상 생활에 어우러진 프렌치 아트 오브 리빙이라는 전시 컨셉과 김중업 선생의 대사관 설계 철학이 일맥상통한다.”며 이번 행사가 갖는 의미를 짚었다. 이번 전시로 소개하는 브랜드는 총 9곳으로 ▲끌로드도조메(Claude Dozorme, 커트러리) ▲논상레종(Non Sans Raison, 테이블웨어) ▲라껑슈(Lacanche, 전기 오븐 레인지) ▲리네로제(Ligne Roset, 가구) ▲바카라(Baccarat, 크리스탈) ▲아틀리에사방(Ateliersavant, 오브제) ▲페르몹(Fermob, 아웃도어 가구) ▲피레넥스(Pyrenex, 베딩) ▲하빌랜드(Haviland, 테이블웨어)의 다양한 제품을 관저 곳곳에서 만날 수 있다. 전시 방문은 초청 및 4월 1일까지 온라인 사전 등록을 거쳐 가능하다. 한편 전시 이틀간안 세계 최대 국제 프랑스어 방송 네트워크인 TV5 MONDE의 취재가 진행되며, 현장은 추후 비즈니스프랑스 유튜브 채널(Business France Asie du Nord-Est)을 통해 영상으로 재공개할 예정이다.