캔버스 정중앙에 덩어리가 자리 잡고 있다. 무언가를 형상화한 듯하지만, 구체적이지 않다. 감각적인 색감과 과감하면서도 밀도감 높은 터치로 그려진 이 덩어리는 상대적으로 단색 같은 배경 위에서 더욱 도드라져 보인다. 하지훈의 이전 작품이 구조적 느낌이었다면, 이번 신작은 구조적 형태가 만들어지는 그 과정을 드러내고 있다. 붓으로 칠하고 손으로 뭉개면서 캔버스 위에서 벌이는 터치와 색을 뒤섞는 작업은 회화성을 더욱 부각시킬 뿐 아니라, 하나의 생명체처럼 계속 진화하고 변화하는 느낌을 준다. 작품을 바라보는 시선이 한곳에 머무르지 않고, 끊임없이 기억과 경험을 환기시키며 새로움을 찾도록 유도한다. 작품 앞에 붙잡아두는 까닭이다. 31일까지 서울 종로구 율곡로3길 이화익갤러리에서 관람할 수 있다.

회화는 지금의 날들을 기록한다. 저마다 다른 규모의 관점으로, 각자의 방식으로서다. 자신만의 표현에 가 닿고자 어떤 이는 학문을 탐구하고 다른 이는 기술을 연마한다. 누군가의 화면은 시대의 고민을 투영하고 다른 누구는 그 행위의 의미를 알고자 분투한다. 끝없이 새롭도록, 또 다르게 표현하도록. 그러나 또 다른 몇몇은 오히려 가장 사적인 세계에 몰두한다. 자신이 겪어내는 일상 규모의 서사, 소박한 날들의 정서를 채색하는 그림들이다. 가장 보편적이고도 내밀한 감정을 주제 삼는 화면 속 이야기는, 지극히 개인적이며 때로 벅차도록 서정적이다. 주유진(34)의 회화는 삶 속에서 경험한 사건 및 장면들을 나름의 방식대로 화면 위에 복기한다. 다양한 나라에서 만난 사람들, 다녀온 장소들, 그 곁에서 느낀 감정들이 작업의 소재가 된다. ◆애틋한 감정의 색채 전하는 화면 외로움과 고독 끝에 반드시 찾아오는 희망의 색채를 기억하기 위해서, 그리고 또 그에 공명하는 낯선 타인의 마음을 발견하기 위해서 그린 다정한 화면들. 춤추는 인물의 뒷모습을 묘사한 2021년의 회화는 주인공의 정체를 숨긴 채 몸의 동세 및 청량한 색채 대비를 강조함으로써 장면 속 분위기를 상상하도록 돕는다. 인물을 올려다보는 시점으로부터 애정 어린 애틋함이 배어난다. 작가는 “어디에도 내가 있을 곳이 없다는 생각이 너무 커져 견딜 수 없을 때” 완전히 새로운 장소에 머물러 보자는 생각에 해외로 나가기로 결심했다. 2016년 아이슬란드 북서부의 스카가스톤드에 위치한 네스 아티스트 레지던시(NES Artist Residency)에 입주해 작업하게 됐다. 이후 수년간 파리와 베를린, 도쿄, 뉴욕 등 해외 도시를 옮겨 다니며 작품 활동을 이어 갔다. 계획에 따른 여정은 아니었다. 각각의 도시에서 만난 사람들과의 인연이 그를 다양한 장소로 끊임없이 이끌었다. 주유진은 홍익대학교 학부를 졸업한 2013년도에 서울시립미술관과 가나아트갤러리에서 연 단체전에 작품을 선보이며 활동을 시작했다. 이후 서울, 도쿄, 파리, 아이슬란드 및 뉴욕에서 열린 단체전에 참여하며 활동 무대를 넓혔다. 2019년 뉴욕 브루클린 스쿨하우스 아트 컬렉티브에서 첫 개인전을 선보였다. 2020년 귀국하여 푼토 블루(2021, 서울), 갤러리 이알디(2022, 서울; 2023, 부산) 등에서 개인전을 개최했으며 호반아트리움(2020, 광명), 유진갤러리(2021, 서울), CDA갤러리(2023, 서울) 등이 마련한 단체전에 참여했다. ◆고독의 순간, 더 찬란한 희망의 빛 “장소를 찾지 못할 때, 장소를 잃어버렸을 때, 그리고 장소가 없다는 생각이 들 때 존재가 가장 큰 방황을 하게 되는 것 아닐까. … 그의 몸과 마음이 가장 연약할 때 한없이 강한 부드러움으로 보호받았던 최초의 기억으로, 어쩌면 사람은 그가 살아가는 모든 순간에도 본능처럼 그가 담길 수 있는 장소를 찾아 헤매는 것일지도 모른다.” 주유진의 최근 작가노트에 장소에 대한 언급이 여러 차례 등장한다. 물리적 신체와 공간을 연동시키며, 개인의 정체성 발현을 위한 필수 요건으로서 장소 및 관계의 의미를 탐구하는 면모다. 장소는 개인으로 하여금 다양한 층위의 사회적 맥락에 속할 수 있도록 연결 짓는 매개체다. 동시에 그의 말처럼 존재의 불안을 잠재우는 안전한 보금자리가 되어 주기도 한다. 화면 속 몸이 깃든 장소의 풍경은 기억에 기반한 재현인 동시에 내면의 공간을 묘사한 추상이다. 실재하는 장소에 관한 개인의 기억은 시간이 지남에 따라 지워지거나 왜곡된다. 작품 활동 초기에는 직접 방문한 장소들을 사진으로 기록한 뒤 그림으로 재현하는 방식을 고수했으나 코로나19의 유행으로 야외 활동이 제한되자 자연스럽게 기억 속 이미지에 보다 의지하게 됐다. 화면 위에 장면을 재구성하는 과정에서 객관적인 정보보다 주관적인 감정들이 우선 개입하기 시작했다. 여전히 목격한 장소의 실제 생김새로부터 단서를 얻어 최초의 구도를 잡지만, 직관과 선택에 따라 유연한 태도로 화면을 구성해 나아간다. 회화의 여정 속에서 장소의 세부 구조는 원과 호, 직선 등 기하학적 상징으로 단순화된다. 도상들은 때로 파도와 태양의 모습으로 탈바꿈하기도 한다. 실재의 정보가 탈각한 뒤 남은 빈자리는 감정의 색채로 뒤덮인다. 푸른 밤하늘 아래 작은 인물 형상 하나를 배치한 회화는 2021년부터 2023년까지 연작의 형태로 제작한 화면 중 하나다. 고독의 순간, 더없이 작게 묘사된 존재의 부피가 광활한 남청색의 우주와 극명한 대비를 이룬다. 작은 인물은 늘 화면 하단부 중앙에 자리 잡은 모습이다. 지표처럼 심어 둔 자아의 형상이 특유의 자전적인 분위기를 만들어낸다. 작가노트 가운데 아이슬란드의 해변 마을에서 지내던 당시 바다 위 수평선이 빛나는 광경을 보았던 기억을 소개하는 대목이 있다. 이내 눈앞까지 다가올 파도라고 생각했던 것이 사실은 수평선 너머 눈 덮인 산등성이에 햇빛이 반사되는 모습이었다는 이야기다. 다가올 듯 끝내 오지 않던, 다만 먼 곳에서 일렁이며 빛나기를 멈추지 않던 찬란한 능선이 마치 ‘희망’ 같다고 생각했다. 그 희망을 화면 안에 담고 싶었다. 밤바다가 어둡고 광활할수록 희망의 빛은 더욱 환하게 돋보인다. ◆캔버스 위 평면, 공명을 위한 장소 처음 서울을 떠나 머무를 도시를 결정할 당시에는 겨울에 눈이 많이 내리는 지방이기를 바랐다. 새로운 도시로 건너갈 때마다 바다와 호수가 있는 장소에 방문했다. 낯선 장소에 도달하면 꾸준히 그곳의 일출과 일몰을 보았다. 화면에 줄곧 드러나는 색채의 출처는 그와 같은 기억들이다. 그림을 그릴 때는 그것을 보게 될 이에 대해 끝없이 생각한다. 글이나 말 대신 회화의 방식으로 낯선 타인과 더 가까이 대화하고 싶다는 천진한 마음이 작업의 동기다. 바라보는 이가 누구든 그림에 담은 감정을 눈여겨보아 주기를, 귀 기울여 들어 주기를 바라는 마음에서다. “누군가가 알아듣기를 원한다는 마음 때문에” 때로 지나치게 설명적이거나 진부한 묘사가 반복되지 않게끔 언제나 스스로 경계한다. 돌가루 및 건식 재료를 표면 질감 표현에 접목함으로써 화면이 전하는 직관적 인상을 보다 다채롭게 변주하기도 한다. 주유진의 회화에서 색채는 실재를 재현하기보다 화면 전체의 정서를 조율하는 매체로서 기능한다. 색이 지닌 온도와 채색된 농도가 관객에게 전달하는 감각을 중요시하는 것이다. 자신과 타인의 시선이 잠시 한데 머물 수 있도록, 캔버스 위 평면을 하나의 특별한 장소로서 탈바꿈시키는 일이다. 그곳에 담아 둔 마음의 울림이 상대에게 가닿기를 바라보면서 말이다.

조선시대 경북에서 전국으로 뻗어나간 내방가사가 현대 대구 경북 여성들의 필치로 되살아났다. 한국국학진흥원(원장 정종섭)은 한글날을 맞아 4일부터 오는 9일까지 경북도청 동락관에서 제1회 내방가사 한글 서예 전시 ‘내방가사 아름다운 한글 서예와 만나다’와 한글 활용 디자인 공모전 전시를 연다. 내방가사는 경북 여성들이 조선 후기부터 현재까지 향유해오고 있는 고전시가의 한 장르다. 여성들이 공동으로 창작하고 낭송하면서 기록한 여성들만의 문학이다. 지난해 4월에는 아시아 태평양 기록유산으로 등재되기도 했다. 이번 전시는 한국국학진흥원이 소장한 내방가사 가운데 문화사적, 문학적 의미가 큰 작품을 선정해 대구 경북 여성서예가의 현대적 필치로 필사한 작품들로 구성됐다. 대작 1점과 족자형 42점을 만나볼 수 있다. 역대 내방가사 서예 전시 가운데 최대 규모다. ‘조손별서’는 상해임시정부의 초대국무령이었던 석주 이상룡의 부인 김우락이 지은 작품이다. 만주로 망명하면서 딸과 손녀를 못 잊어 안타까운 마음을 편지 형식으로 담고 있다. 8명의 서예가가 참여해 새롭게 완성한 8폭(70㎝×200㎝×8)의 대작이다. 족자 작품의 평균 길이도 9m에 달한다. 한국국학진흥원은 제2회 한글 활용 디자인 공모전 ‘어제 ᄒᆞᆫ글, 오늘 디ᄌᆞ인과 ᄉᆞ맛다’의 수상작 및 본심작 45점을 선보이는 전시도 함께 진행한다. 대상을 받은 황영채 디자이너의 ‘한글 젠가’는 한글 금속활자에 착안한 작품이다. 아이디어 부문 금상 ‘한글의 풍경소리’, 은상 ‘마음을 심는 신발’, ‘백성의 꿈을 피우는 한글 화분’도 한글을 활용한 아이디어가 돋보인다는 평가를 받았다. 한국국학진흥원은 수상작의 제품 출시가 가능하도록 생산업체와 제작자 사이에서 징검다리 역할도 할 계획이다. 한국국학진흥원 관계자는 “이를 통해 옛 한글 문화를 전승하고 한글이 지닌 디자인적 가치에 주목해 새 시대에 맞는 산업화 자원으로 활용해나갈 계획”이라고 밝혔다.

앙리 마티스를 작품을 자신만의 감성으로 재해석한 작품을 내놓은 김민경 작가(한국케엠케색채연구소 대표)가 오는 7일부터 28일까지 서울 용산 갤러리끼 서울(SEOUL)에서 개최되는 ‘팝the용문’에 참여한다. ‘팝the용문’은 대중문화와 순수미술을 넘나드는 포스트팝 아트전이다. 팝아트 계에서 대표하는 백사이드 웍스, 야마구치 마사토, 코닉스, 클레온 피터슨, 마유카 야마모토, 그라플렉스, 강준석, 김선우, 김민경, 에릭파커, 이경미, 옥승철, 유타카 하시모토, 문형태, 리건, 이사라, 한상윤, 순영, 이재성, 김민기 등의 작품도 함께 전시된다. 김 작가는 앙리 마티스가 1947년 이후의 행복을 주제로 한 생생하고 강렬한 색채로 된 컷아웃 기법의 작품을 재해석한 오마쥬 작품들을 선보이고 있다. 김 작가는 빛의 색상인 RGB(빨간색·녹색·파란색) 색상을 종이 위에 구현한 ‘디톡스 아트(Detox Art)’라는 새로운 장르를 시도 중이다. 명도와 채도를 동일 층위로 구성, 관람객들에게 화려하면서도 편안한 색감을 제공한다. 에너지, 행복, 기쁨, 사랑, 용기, 성취, 힐링으로 대표되는 긍정적인 메시지를 담아 내기 위해 다양한 원색을 조합해 사용하면서 색채에 김 작가만의 규칙을 적용했다. 갤러리끼 이광기 대표는 “이번 전시는 70여 년 전통을 지닌 용문시장에 젊은 작가와 컬렉터의 유입을 도모하고, 이를 통해 여러 세대가 교감할 수 있는 새로운 문화 지형을 형성하기 위해 기획했다”고 밝혔다. 한편 김 작가는 서울 건대입구에 위치한 C×C 아트뮤지엄에서 오는 12월 31일까지 열리는 마티스 서거 70주년 특별전 ‘앙리 마티스, 러브 앤 재즈(LOVE & JAZZ)’에 참여하고 있다. 또한 11월 23일 개막하는 2023 인천아시아아트쇼(IAAS)에 초대작가로 색채 미학을 선보일 예정이다. 올해 3회째인 인천아시아아트쇼(IAAS)는 국내작가 700여 명이 참가해 23일부터 26일까지 송도컨벤시아에서 개최된다.

긴 연휴, 윷놀이도 지치고 영화 관람도 물렸다면, 색다른 시도가 돋보이는 ‘젊은’ 전시회를 찾아보자. 김나현, 류은선, 이호경, 정수연, 청이인 등 여성 신인작가 5인의 기획전 ‘What-多 got-多’(왔다갔다)는 한지라는 공통 바탕재 위에 각기 다른 재료와 기법을 적용한 작품을 선보이는 자리다. 작품 이면을 동시에 조명함으로써 회화, 그중에서도 동양화에 대한 대중적 접근성을 높인다. 재료와 기법에 대한 이해가 회화에 더 성큼 다가서게 하는 조력자 역할을 할 것이라 보고, 재료 설명과 작업과정을 담은 영상, QR코드를 통한 음성해설, 작품에 사용된 도구 등을 완성된 작품과 함께 배치했다. 이는 관람객이 작품 내부로 들어올 수 있도록 보다 친근하게 길을 열어주고, 자체적으로는 동양화의 발전 가능성을 탐색하려는 시도다. 김나현은 장지에 분채와 석채를 사용하는 전통 채색 기법을 통해 기억을 이미지화한다. 안료를 입자 크기 순으로 쌓아 올리는 방식은 거듭되는 붓질을 그대로 드러내면서 화면 안에 레이어를 만든다. 붓질이 중첩되어 형성되는 모호한 형상은 가변적이고 축적되는 기억의 특성을 보여준다. 작가가 그려내는 기억은 사적인 경험과 감정에서 기인하지만 흐릿한 형상을 통해 작가가 작품 속 대상을 지시하는 것이 아닌, 감상자가 본인의 경험이나 기억으로부터 이미지를 만들어내도록 유도한다. 류은선은 소소하면서도 섬세한 일상을 포착해 수묵담채로 담아낸다. 아이에게서 보이는 천진난만 면모들에 주목하고, 제3자인 아이 모습에 본인을 투영하여 억눌린 감정을 해소하거나 자아상을 찾기도 한다. 작가가 마주한 아이는 아이를 둘러싼 어른들과 함께 삶의 의미를 만들어나가는 원동력이 된다. 일상에서 접할 수 있는 평범한 대상이지만 드물어지는 아이의 표현을 통해 도시 속 메마르고 견고한 불통의 벽을 무너뜨리는 힘을 발견하고자 한다. 이호경은 모래 알갱이로 만들어진 바탕 위에 두꺼비집을 쓸어가는 파도 소리를 시각화하여 먹으로 얹는다. 열심히 쌓아 만든 두꺼비집을 쓸어가는 파도의 소리를 채집하고 이를 가시화하는 작업을 통해 자연에 대한 공감각적 심상을 환기한다. 정수연은 장지 위에서 분채, 과슈, 아크릴 스프레이 등 혼합 매체를 활용해 유년 시절 식물과의 추억 과정을 이야기한다. 식물의 형태를 있는 그대로 그리기도 하고, 기억 속 변형을 거쳐 희미해진 모양을 그리기도 하며 과거 식물 잔상을 되짚어간다. 실재와 환영이 공존하는 초록 공간은 색감을 한 겹씩 쌓아나가 완전히 채워졌을 때 오묘함과 깊이감을 발현하며 비로소 하나의 무대로 귀결된다. 청이인은 동양 전통 회화의 대표적 소재인 산수를 건축 내부 공간에서 바라보는 현대인의 시선으로 재해석해 수묵과 채색의 조화로 구현한다. 작가가 작품에서 설정한 안정적 거리는 작가와 자연의 관계를 보여주는 매개체이자 작가와 타인의 관계가 투영된 형상이다. 동양화 재료에서 보여줄 수 있는 따뜻하고 평안한 감각은 타인과의 심리적 거리에 대한 사유를 이끌어내며, 이를 통해 자신의 안정적 위치를 모색해 나간다. ‘왔다 갔다’전은 완성된 작업을 전면에 내세우는 일반 전시 구성에서 벗어나 작품의 표면과 이면을 넘나들 수 있는 전시를 추구한다. 작가와 관람객이 함께 환유할 수 있는 경계에 질문을 던진다.

한국과 중국, 일본 3국의 종이 문화를 살필 수 있는 전시회가 한국전통문화전당에서 열린다. 전주시는 ‘2023 동아시아 문화도시 종이 문화 특별전’을 내달 7일 한국전통문화전당에서 개막해 28일까지 개최한다고 25일 밝혔다. 이번 행사는 패션과 전시, 나눔을 주제로 다양한 프로그램을 기획했다. 내달 7일에는 한국전통문화전당 야외마당에서 한·중·일 3개국 전통 종이를 활용해 만든 의상 패션쇼가 열린다. 한국 30벌, 중국 15벌, 일본 15벌 등 60벌의 의상을 무대에서 선보인다. 우리 전통 종이인 한지와 일본 전통 종이인 화지 제작 과정을 직접 볼 수 있는 시연회도 열린다. 시연회에는 전주천년한지관 박신태 초지장, 오성근 장인, 일본 시즈오카현 화지 장인 나이토 쓰네요 등이 참여한다. 같은 달 8일과 9일에는 일본 사카타 요시아키 작가의 조형 기법을 배워볼 수 있는 ‘종이 조형 워크숍’을 연다. 홍보관 2층 전시실에서는 김혜미자 색지장(전북 무형문화재 제60호)의 특별전을 10일까지 개최한다. 김도영 한국전통문화전당 원장은 “이번 특별전은 3국이 종이문화로 교류하고 소통하는 자리”라며 “전주 한지가 동아시아 종이문화의 중심으로 우뚝 서길 기대한다"고 말했다.

윤율리(35)는 지난 10여년 동시대 한국 미술 현장에서 활발히 활동해온 큐레이터다. 독일 바이에른 소재의 레겐스부르크대학교 철학과 졸업 후 귀국해 미술관학을 공부했다. 미술 분야에 관심을 기울이기 시작한 것은 학부 재학 당시 즈음이었다. 학창 시절의 친구들이 유난히 미술대학에 많이 진학하여 자연스레 미술을 가까이 접하게 됐다. 전공인 철학 분야에서 다루는 문제들이 미술의 영역에서 논의되는 방식이 흥미롭게 여겨지기도 했다. 독일과 한국 두 나라를 오가다 2010년경 이후로는 줄곧 서울에 머물렀다. 본격적으로 미술 현장에 몸담겠다고 결심한 적은 없었다. 그저 우연찮은 기회로 미술 전문지에 글을 기고하고, 때맞춰 관심 있는 전시기획에 참여하다 보니 어느덧 ‘윤율리’라는 이름 뒤에 ‘큐레이터’라는 명칭이 따라붙었다. 그가 쓴 글이 빛났고, 가담한 전시들이 주목받았다. 협력 큐레이터로서 참여한 첫 전시 ‘청춘과 잉여’(2014)를 시작으로 세종문화회관에서 연 ‘굿-즈’(2015)와 서울시립미술관의 ‘서울 바벨’(2016) 등 당시 청년작가들을 주축 삼아 진행된 주요 전시의 크레디트 목록마다 윤율리의 이름이 자주 올랐다. 대안공간 아카이브 봄의 시각예술 디렉터로 일했고, 글쓰기 회사 ‘윤율리 라이팅 코퍼레이션’의 책임 편집인으로서 프로젝트를 수행했다. “망신스러운 문법 오류, 과도한 자아 확장, 영원히 흑역사가 될 할머니 시대의 철학 용어, 각종 하나 마나 한 소리로 점철된 글쓰기로부터 당신과 당신의 비즈니스를 지켜드립니다. 더 이상 순간의 잘못된 선택으로 고통받지 마세요”라는 소개 글을 내걸고 온라인 홈페이지를 통해 각종 원고를 의뢰받았다. 국제다원예술축제 ‘페스티벌 봄’ 사무국과 국제 타이포그래피 비엔날레 ‘타이포잔치’의 출판팀, ‘아트 플랜트 아시아(Art Plant Asia, 총감독 이승현)’ 학예팀에서 근무하기도 했다. 에이전시 오로라(AURORA)의 멤버이자 큐레토리얼 플랫폼 웨스(WESS)의 공동 운영자다. 현재 일민미술관의 학예팀장으로서 근무하는 동시에 한성대학교 회화과 겸임교수로 재직하고 있다. ◆기관의 안팎에서, 오늘의 공기를 숨 쉬며 윤율리가 광화문 인근 일민미술관의 학예팀장으로 근무를 시작한 지 이제 3년차가 됐다. “미술관에 소속되기 전이나 후나 어차피 일 중독자처럼 일만 한다”고 농담조로 말하다가도 “미술관을 직장으로 삼게 되면서 전시가 어떠한 방식으로든 교육적인 역할을 해야 한다는 사실을 꾸준히 상기한다”며 진중한 직업정신을 드러낸다. 독립적으로 활동하던 시기와 달리 기관의 정체성과 소장품, 시의적 동향 등을 우선적으로 염두에 두고 주제를 설정한다. 연간 계획을 사전에 수립하고, 구체적인 일정표에 따라 체계적으로 업무를 수행한다. 미술관 특유의 환경과 자신의 기호 사이 적절한 균형을 찾아내는 일이 그에게 주어진 과제다. 최근 영국의 젊은 작가 이시 우드(Issy Wood, 30) 개인전 ‘아이 라이크 투 워치(I Like To Watch)’가 일민미술관에서 개막했다. 윤율리가 책임기획을 맡아 일민미술관 학예팀의 협업으로 마련된 전시는 회화를 중심 매체 삼아 재료 및 형식의 변주를 시도하는 작가의 작품세계를 다채롭게 선보인다. 미술관의 전시 서문에 쓰인 표현을 빌리면, 우드의 화면은 “고풍스러운 빈티지 사물, 젊은 세대가 열광하는 사치품, 성적인 은유, 스스로 겪은 이상한 순간”을 소재 삼아 “초현실주의와 결합한 새로운 리얼리즘의 전조”를 드러낸다. 리넨과 벨벳, 바닥면의 격자무늬 세라믹 타일 위에 그린 회화 작품 및 그로부터 파생된 설치와 영상 작품을 다채롭게 포괄하는 개인전이다. 개별 작품이 만들어내는 장면에 순간마다 몰입할 수 있도록 적절히 정돈된 공간 구성이 돋보인다. 이달 7일 개막한 전시는 11월12일까지 계속된다. 개막 이튿날인 8일에는 부대행사로서 아티스트 토크를 마련하여 우드의 작품세계에 관한 이해를 넓혔다. 작가 본인과 윤율리, 프라이머리 프랙티스 디렉터 김성우가 토크에 참여해 대화를 나누었다. 일민미술관에서 기획한 전시 중 인상 깊은 사례로서 꼽은 ‘다시 그린 세계: 한국화의 단절과 연속’은 지난해 10월부터 올해 초까지 진행된 기획전이다. 처음 경험한 미술관 소장품전이자 한국화를 주제 삼은 전시였기에 사전 연구의 부담이 컸다. 전시는 미술관 수장고로부터 겸재 정선, 추사 김정희, 오원 장승업, 석파 이하응의 서화를 꺼내 왔다. 퇴계 이황, 신사임당, 율곡 이이, 이순신의 것으로 알려진 작품 또한 다수 선보였다. 이어 고암 이응노, 운보 김기창, 장우성, 서세옥 등 근현대 한국화가를 호명하는 한편 박웅규, 손동현, 배재민, 박그림 등 13인의 동시대 작가를 선별함으로써 한국화단의 전통과 현대를 연결짓는 자리를 마련하고자 했다. “과거와 현재를 망라해 한국화의 시각성을 드러내는 소장품과 현대미술을 그 근거로 제시”하는 일을 통해 “우리가 당면한 미학적 현실을 새롭게 모색”하고자 하는 미술관의 소명을 밝힌 기획이다. 전염병이 한창 유행하던 2020년에는 덕수궁 야외공간에서 진행된 ‘토끼 방향 오브젝트’의 기획에 참여하기도 했다. 윤율리와 장혜정이 큐레이터로 김성희가 해외 작가 커미셔너로 참여했으며 아트 플랜트 아시아와 서울시 중구청의 주최하에 진행된 대형 전시다. 국내 동시대 작가 19인·팀과 근현대 작가 11인·팀, 해외 작가 3인의 작품을 궁 일대에 걸쳐 선보였다. 평소 일반에 공개되지 않는 궁 내외부를 미술관처럼 활용해 아시아의 근현대 및 동시대 미술사를 관통하는 시각성을 함축적으로 제시하고자 했다. 윤율리가 기획의 글에서 밝히듯 “질병이 야기한 새로운 규범은 인간의 존재론적 준거를 그 부산물로 역전시킨다. … 무엇보다 미술가의 활동은 세계가 맞닥뜨린 각종 이상징후로부터 여러 존재의 양식에 발현한 차이를 섬세히 분별하는 것”이다. 전시는 덕수궁이라는 장소가 지닌 역사적 상징성 위에 2020년의 특수한 사회적 상황을 중첩시키는 한편, 그 복합적 시공 속 “가까운 미술에서 실현된 산만한 유행과 실험”을 펼쳐 놓음으로써 관객으로 하여금 미술의 방식으로 증언된 현재의 풍경을 거닐도록 했다. ◆모두의 발돋움을 위한 전시, 그 무대가 어제보다 견고하도록 “전시는 제도적인 장치이자 무대이기도 하고 … 작가, 작품, 기관, 큐레이터, 비평가, 미술 애호가와 미술시장 종사자까지 다양한 이해관계가 한데 모여 여러 작용을 일으키는 장이기도 합니다. 이런 제도적 참여자들이 ‘다음 단계’로 계속 이행할 수 있도록 성장시키는 것이 전시의 가장 큰 목적이라고 봅니다.” 전시를 만드는 데 있어 가장 중요하게 생각하는 것이 무엇인지 묻자 위와 같은 대답이 돌아왔다. 작가를 포함하여 전시 제작에 뛰어든 모든 참여자들이 ‘다음 단계’로 나아갈 수 있도록, 전시가 견고한 발돋움판으로서 역할을 해야 한다는 것이다. 달리 말하면 윤율리에게 전시란 끝없이 연속적인 사건이다. 매번 과거보다 나은 현재의 전시를 만들기 위해 분투하는 일이다. 그래야만 그보다 더 나은 미래를 향하여 또 한 번의 발걸음을 내디딜 수 있을 것이므로. 쉼 없이 반복되는 전시의 여정 속에서, 그 시공을 기획하는 큐레이터는 “좋은 시너지를 낼 수 있는 동기를 서로 교환시키고, 한편 유무형의 자산 및 상징자본을 적절히 분배하는 역할”을 성공적으로 수행해야 한다. 하나의 전시를 위해 결성된 공동체가 건강한 체계를 갖추고, 목표를 향해 순조롭게 나아가도록 감독하고 책임지는 것이 그의 업무다. 윤율리는 전시라는 무대 위에 스스로 올라서고자 하는 큐레이터십을 경계한다. 모두의 발돋움을 지탱할 지금의 무대가 더욱 견고하도록 거듭 계획하고, 정밀하게 구축하고, 세심하게 가다듬는 일에 오롯이 진심을 다할 뿐이다.

사진작가 마틴 로머스는 인도 뭄바이 등 인구 1000만을 넘는 거대 도시의 혼잡한 교통 상황을 즐겨 찍는다. 그는 긴 시간 카메라 노출을 통해 얼핏 보면 무질서하지만 실은 그 안에 매 순간 균형이 형성되고 있는 모습을 보여 주고자 한다. 장노출이 가능한 아날로그 카메라를 메고 높은 곳에 올라간 그는 물처럼 흐르고 실처럼 이어지는 도시의 에너지를 포착한다. 작품 ‘메트로폴리스’ 시리즈 속 사람과 자동차, 버스와 기차는 자신의 고유한 윤곽을 잃어버리고 색상의 흐름으로 변환된다. 피사체의 장시간 움직임을 기록하는 사진의 특성을 활용한 것이다. 사진이 가진 ‘비포 앤 애프터’, 반복과 비교의 힘은 이리나 웨르닝의 작품에서 잘 나타난다. 2011년 시작한 ‘백 투 더 퓨처’ 시리즈에서 가족사진을 통해 사진의 고유한 힘을 구체화하고 있다. 다른 시간대에서 동일한 상황을 다시 촬영할 수 있는 가능성이다. 가족앨범에 보존되어 있던 유년기와 청년기의 사진을 고른 작가는 과거에 촬영됐던 인물들을 재소환해 10년 또는 30년 후의 모습으로 재구성한다. 이렇게 재구성된 모습은 첫 사진과 연속성을 지닌다. 그들은 모두 같은 장소, 같은 상황에서 동일한 옷과 액세서리를 걸친 채 동일한 포즈를 취하고 있다. 이 사진들은 인간적인 감정들에 대한 온화한 시선을 제공하면서도 동시에 지나간 시간의 가시적 현실을 강조하고 있다. ‘다시, 사진으로! 사진의 영원한 힘’이라는 주제를 내건 제9회 대구사진비엔날레가 22일부터 11월5일까지 대구문화예술회관을 비롯해 동대구역 광장, 대구예술발전소, 경북대미술관, 인터불고호텔, 방천시장 등 대구 일원에서 열린다. 올해 행사의 특징은 환경, 기후, 소수자, 식량, 공존, 디아스포라 등 유행처럼 반복되는 담론에서 벗어나 날이 갈수록 인간의 정신과 감각을 장악하는 사진 매체의 고유한 특성과 힘을 다룬다는 것이다. 문학이나 음악 등 다른 분야가 결코 흉내 낼 수 없는 오직 사진만이 표현해내는 ‘사진적인 사진’만을 소개한다. 마치 신체 일부처럼 되어 버린 휴대전화 카메라로 사진을 찍고, 인터넷과 사회관계망서비스(SNS)를 통해 그 이미지를 배포한다. 그렇게 생산된 사진은 복제와 재복제를 통해 무한 배포되며, 오늘날 인간의 시각 경험은 이러한 사진들로 형성된다. 실로 사진이 지배하는 환경이다. 그 환경에서 살아가는 우리는 점차 ‘사진 인간(포토 휴먼·photo human)’으로 변하고 있다. 사진 발명 이후의 인간은 시각 경험의 차원에서 사진 발명 이전의 인간과 근본적으로 구분된다. 비엔날레는 ‘증언의 힘’, ‘순간포착의 힘’, ‘확대의 힘’, ‘변형의 힘’, ‘관계의 힘’ 등 10개의 소주제로 나누어 사진 매체의 힘이 동시대 시각예술에서 어떤 양상으로 펼쳐지고 있는가를 살펴본다. 특히 사진의 원초적인 힘과 에너지가 강력하게 드러나는 작품에 주목한다. ‘광학적 무의식’의 세계, 시공간적으로 인간의 감각을 초월하지만, 카메라에는 포착되는 이미지를 선보인다. 눈에 겨우 보이는 작은 대상을 전시장 벽면 크기로 확대한 사진, 폭발하는 사물의 파편들을 순간 포착한 사진 등을 제시한다. 사진의 놀라운 마력(魔力), 에너지, 힘을 체험케 한다. 아울러 사진에 관한 근원적 질문인 ‘사진이란 무엇인가’에 대해 천천히 생각할 기회를 안긴다. 이번 전시는 보는 전시이자, 동시에 ‘사유하는’ 전시다. 김규식의 ‘진자운동실험’ 연작은 레이저가 달린 긴 막대를 회전시켜 아래의 감광판(인화지 또는 필름)에 진자운동의 궤적을 기록한 사진이다. 빛을 포착하는 사진의 독특한 힘을 활용한, 사진의 근원에 매우 가까이 간 작품이다. 작가의 말처럼 ‘원초적’이지만 역설적이게도 놀라운 미적 쾌감을 유발한다. 수없이 회전하면서 빛으로 그려낸 이 신비로운 이미지는 우주 행성의 궤적, 혹은 우주가 폭발하는 태초의 순간을 형상화한다. 몸을 주제로 한 존 유이의 작품 ‘해변의 사람들’은 우연히 탄생했다. 적당한 위치에 카메라를 놓자 근경에 있는 신체 부위와 원경의 해변에 흩어져 있는 사람들이 동일 선상에 놓이게 됐다. 엉덩이와 허리의 ‘관능’이 다른 세상에 속해 있던 무료하고 무심한 젊은이들의 실루엣과 겹치면서 갑자기 적나라해졌다. 테리 와이펜박의 작품은 대부분 꽃, 수풀, 나무 등 자연을 매우 가까이에서 관찰한 것들이다. 그는 미국 워싱턴으로 이사한 뒤 뜰에 나무와 꽃을 심었다. 10년이 지난 2016년, 새들이 많이 모여든다는 것을 알았다. 그 후로 2년 동안 매일 새들을 관찰하며 사진에 담았다. 고속 셔터로 새의 움직임을 정지시켰는데, 이때 새는 식별하기 힘든 대상으로 변한다. 순간포착은 새의 내밀한 동적 에너지를 드러낸다. 또한 장난기와 활기, 경쾌함이 넘치는, 그래서 보는 이에게 경이로움을 건네는 새의 모습을 보여 준다. 초대전인 ‘대구사진사 시리즈’에서는 광복과 전쟁을 거쳐 1980년대에 이르기까지 사진가, 사진단체, 사진사 연표를 활용해 대구사진의 힘을 입체적으로 조명한다. 영아티스트 사진전, 프린지 포토페스티벌, 장롱 속 사진전 등 전문가와 아마추어 모두가 참여하는 프로그램도 눈길을 끈다. 사진 강연 워크숍도 개최한다. 사진 탄생의 비밀, 시대별 사진 경향과 로드뷰 사진, 드론 사진, 인공지능(AI) 사진, 성형(成形)사진 등 날로 발전하는 사진의 첨단 기능도 소개한다.

소피 마르소, 피비 케이츠, 브룩 쉴즈. 1980년대에 청년기를 보낸 이들의 가슴팍에 보석처럼 박혀있는 이름들이다. ‘책받침 여신들’. 교실은 ‘여신 3인방’의 사진으로 전면을 채운 책받침이 점령했고, 거리는 온통 셋의 사진을 확대한 브로마이드가 넘쳐 났다. 이들은 당대 청춘을 상징하는 아이콘이었다. 팬들은 그 아름다움을 소비하면서 젊음의 빛나는 생명력을 한껏 누렸다. 그렇다. 이들은 그토록 빛이 났었다. 그 때 그 시절 배우나 가수들은 컴퓨터그래픽(CG) 기술 없이 오롯이 스스로 뿜어내는 매력만으로 스크린이나 무대를 장악했다. 40여 년이 흘렀어도 우리 가슴을 뛰게 했던 이들이 여전히 50, 60대 우상으로 군림하는 이유다. 작가 김상우는 화보나 책받침, 그리고 영화잡지 ‘스크린’ 등으로 접했던 ‘여신 3인방’을 화가의 시선으로 바라보고 캔버스에 불러온다. 오래된 앨범 속 사진을 꺼내 보듯, 그의 그림을 통해 그 시절 그 곳으로 아스라한 추억여행을 다녀올 수 있다. ‘젊은 날의 노트’라는 주제를 내걸고 26일까지 대구 봉산동 동원화랑에서 열고있는 김상우 개인전을 찾아가면 된다. 김상우는 극사실주의를 추구하는 작가다. 그의 작품들 가운데는 유명 인사들의 초상이 많다. 오드리 햅법, 마이클 잭슨, 매릴린 먼로 등이 대표적이다. 그는 한국의 간판급 갤러리들과 협업해왔다. 갤러리 현대나 조현화랑, 포커스갤러리 등이다. 지난해에는 갤러리 현대와 두가헌 갤러리에서 ‘매릴린 먼로 60주기 기념전’을 열었다. 두가헌 갤러리는 갤러리 현대 박명자 회장이 직접 기획해 꾸미는 공간으로 박수근, 천경자 등의 전시를 열던 곳이다.

국회에서 서울올림픽 기념하는 특별전시에서 마스코트 ‘호돌이’의 제작 40주년 기념 작품이 공개된다. 또 2002년 한·일 월드컵 당시 안정환 선수의 유니폼과 2018년 평창동계올림픽 봅슬레이 은메달의 주역 김동현 선수의 헬멧도 전시된다. 국회 문화체육관광위원회 소속 국민의힘 배현진 의원(송파을)이 국민체육진흥공단·국립스포츠박물관과 공동으로 주최하는 ‘서울올림픽 35주년 기념 특별전시’가 9월18일부터 22일까지 서울 여의도 국회 의원회관 2층 제2로비에서 5일 동안 진행된다. ‘세계는 서울로, 서울은 세계로’라는 주제로 열리는 이번 전시는 대한민국이 하계올림픽, 월드컵, 동계올림픽, 세계선수권대회와 같은 세계 4대 메가 스포츠 이벤트를 모두 개최해 ‘그랜드슬램’을 달성한 체육의 역사와 유산을 조명한다. 서울올림픽의 마스코트로 유명한 호돌이는 1983년 서울아시안게임과 서울올림픽을 대비한 마스코트 공모전에 김현 디자이너가 그린 호랑이 그림이 당선되면서 확정됐다. 이번 전시에는 서울올림픽의 성화 점화자 손미정, 유도 금메달리스트 김재엽, 탁구 금메달리스트 양영자, 복싱 금메달리스트 김광선 선수 등의 인터뷰 영상도 함께 전시된다. 또 2002년 한·일 월드컵, 2011년 대구 세계선수권대회, 2018년 평창 동계올림픽 관련 유물들도 함께 전시돼 스포츠 강국 대한민국의 발걸음을 돌아보는 계기를 제공한다고 배 의원실은 설명했다. 배 의원은 “이번 전시는 대한민국 스포츠의 뿌리와 성취, 그리고 그 이면에 있는 수많은 이야기를 공유하며, 다가오는 스포츠의 미래에 대한 통찰을 제공할 것으로 기대된다”고 밝혔다.