관객을 뚫어져라 쳐다보는가 하면, 호기심 가득한 눈으로 어딘가를 응시한다. 자기만의 세상에서 여유를 부리는, 그의 작품 속 동물들은 싱그러운 식물과 함께 밝은 색채로 표현되어 있다. 약육강식의 세계에서 벗어나 서로에게 편안하게 의지하는 이들의 모습은 따스한 정감으로 다가온다. 이는 자연의 본모습이자 작가와 우리 모두를 비추는 자화상이다. 작가 남지형은 물고기, 나비, 각종 식물 그리고 동물 등을 작품마다 등장시켜 관람객에게 이들이 인간과 항상 맞닿아 있으며 우리는 그들과 공존해야 한다는 메시지를 상기시킨다. 극사실주의 묘사와 정교한 붓질이 돋보이는 그의 작품들은 동물과 자연의 아름다움을 생생하게 담아낸다. 어린 시절, 수족관에서의 추억을 투영한 ‘Fishbowl’ 시리즈, 동물권 침해와 생태계 파괴에 맞서 인간에게 필요한 자세가 무엇인지를 묻는 ‘Symbiosis’ 시리즈, 아티스트 자신을 작품 속 동물에 빗대어 표현해 인간과 자연의 경계를 허물고 하나로 연결되어 있음을 암시하는 ‘Pot’ 시리즈 등으로 인간과 자연의 아름다운 하모니를 꿈꾸는 작가의 바람을 단호히 전하고 있다. 인간과 모든 생명체의 균형적 관계성 탐구에 몰두해 온 작가는 이번에도 멸종위기 동물들과 반려동물을 모티프로 한 신작들을 소개한다. 전시 제목 ‘Life Bowl: 공생’은 다양한 문화가 그 고유한 특성을 잃지 않은 채 조화를 이룬다는 ‘Salad Bowl(샐러드 볼)’ 이론에서 가져왔다. LG유플러스 마곡 사옥 로비 라운지에 조성된 열린 문화예술공간 갤러리C에서 6월30일까지 무료로 볼 수 있다.

노란빛을 발산하는 원형의 발광다이오드(LED) 고리를 든 채, 지구를 딛고 우뚝 선 곰이 가장 먼저 반긴다. 높이 4m의 스테인리스 스틸 조각 ‘꿈 바라보기’다. 조각가 양태근(중앙대 미술학부 교수)이 꿈을 지키는 수호자이자 동반자로 곰을 형상화한 작품이다. 이는 25∼28일 나흘 동안 서울 코엑스(COEX)에서 ‘새로운 꿈’을 주제로 내걸고 조각, 부조, 유리공예 등 입체 작품 중심의 아트페어(미술품 장터)를 펼치는 ‘조형아트서울(PLAS 2023)’에 가면 만날 수 있다. PLAS 2023의 시그니처 성격을 띤 작품으로, 행사장에 들어서면 곧바로 보이는 곳에 자리 잡았다. 올해로 8회째를 맞는 PLAS에는 청작화랑, 갤러리 가이아, 2448 아트스페이스, 비앙갤러리, 아트스페이스 호화 등 국내 85개 갤러리와 해외 7개국 11개 등 96개 갤러리가 참여해 작가 800여명의 작품 3500여점을 선보인다. 캐나다의 아트 밴쿠버, 토론토 SUNNY, 대만의 Der-Horng 갤러리, Caves Art 등이 부스를 내고 포진했다. PLAS는 대만의 ‘One Art 타이베이’, 아트 밴쿠버와 전략적 협력 관계를 맺고, 양국의 아트페어에 상호 교차 참여하는 등 문화 교류를 꾀하고 있다. 이에 따라 PLAS에는 대만 갤러리 네 곳과 캐나다 화랑들이 참여해 파트너십 관계를 굳건히 다지는 중이다. 대부분의 아트페어는 회화 위주로 진행된다. 드로잉, 판화 등 평면 작품의 수요가 많고, 호응도 크기 때문이다. 이에 반해 PLAS는 조각을 중심에 두고 꾸준히 한국 입체미술의 판로를 확장해 왔다. 야외 조각 공원에 가야 접할 수 있는 대형 작품들을 실내 아트페어에서 감상할 수 있다는 점도 PLAS의 매력이다. 대형 조각을 설치하려는 기업이나 기관이 작품들을 한곳에서 직접 보고, 선택할 수 있는 플랫폼으로 자리매김한 이유다. 신준원 PLAS 대표는 “조각 중심의 페어답게 참여 갤러리 모두가 크든 작든 입체 작품을 선보일 것”이라며 “물론 회화 드로잉 등 평면 작업도 함께 출품된다”고 설명했다. 청작화랑은 세종대왕상 조각가로 알려진 김영원의 회화작품을 시작으로 김경자의 그림, 김성복의 조각상과 고성희의 유리조각, 그리고 대리석과 유리를 결합시킨 작품으로 유명한 신재환의 조각품들을 펼쳐 놓는다. 갤러리 가이아는 김명진, 반미령, 알레스 카츠 등의 작품을 전시하고, 2448 아트스페이스는 달항아리 최영욱과 이영섭, 가국현, 유선태 등의 작품을 소개한다. 비앙갤러리도 견제에 나선다. 야오이 쿠사마, 데이비드 호크니, 이우환, 전광영 등 스타 작가들의 작품으로 부스를 꾸민다. 아트스페이스 호화는 안소현의 ‘정류장’, 김수연 ‘Sweet home’ 등을 출품한다. 신진 조각가를 발굴해 한자리에서 선보이는 특별전 ‘뉴 드림’에는 33인의 새 얼굴이 참가한다. 전국 14개 대학 조소 전공 교수로부터 추천받은 젊은 작가들로 홍익대, 이화여대, 중앙대, 동국대, 성신여대, 부산대, 전남대, 전북대, 충남대, 동아대, 신라대 등에서 참여한다. 현장에서는 관람객의 인기 투표가 진행되며, 가장 많은 호응을 얻은 작가 2인에게는 국내외 갤러리 전시 기회가 주어진다. PLAS 측은 이번 신진 작가 33인 조각전에 대해 “세계적인 경기침체로 미술시장에도 여파가 있고, 특히 젊은 작가들의 어려움이 더 클 것으로 예상돼 기획한 것”이라고 귀띔했다. ‘뉴 드림―6인6색’전도 특별전 형식으로 열린다. 회화, 부조, 입체, 믹스트미디어 한국화, 디자인 등 각 분야에서 독특한 작업을 펼쳐온 6명의 작가가 작품을 발표한다. 최창임, 박수진, 이기라-윤슬, 이철수, 김희진, 박태욱이 연출한다. 한편 올해 VIP 라운지에서는 김현정, 김선우, 신필균 작가가 특별전을 펼칠 예정이다. PLAS 2023은 정운찬 동반성장연구소장이 조직위원장을, 손성례 청작화랑 대표가 운영위원장을 맡고 있다.

서양화가 정순원의 전시회가 5월 31부터 6월 6일까지 서울 종로구 인사동 토포하우스에서 열린다. 37년 간의 화가와 직장(언론사)의 겸업 생활을 마무리하고 10년 만에 갖는 개인전이자 생애 15번째 전시회다. 이번 전시에서 작가는 블루(blue)와 그린(Green) 의 흔적들을 화면에 펼치고 있다. 블루(청색)는 다양한 함의(含意)를 지난 색으로 ‘피카소 블루’ ‘나티에 블루’ ‘조토 블루’ 등에서 보듯 화가의 이름으로 불리며 많은 화가가 사랑했던 색(色)이다. 정순원은 "나의 블루는 거짓 자아를 내려놓은 마음 깊은 곳 사색의 색일 수 있다"고 한다. 터치 또한 그동안 추구했던 에너지 넘치는 기운생동의 붓질이 아니라 회화에서 부드러운 색의 변화를 표현할 때 사용하는 스푸마토 음영법(회화에서 색깔과 색깔 사이의 경계선을 명확히 구분하지 않고 부드럽게 하는 음영법)을 사용하여 요란한 이미지와 디지털 언어 속에 지쳐있는 도시인에게 잠시의 '쉼'을 줄 수 있을 듯 하다. 많은 화가가 추구했던 블루를, 정순원도 그만의 Z-blue를 향하고 있다. 정순원은 오랫동안 추상미술을 고수해온 작가로, 추상적이긴 하나 서구의 추상처럼 논리적이기보다는 직관적이라는 평을 듣고 있다. 이영재 미술평론가는 ”(작가는) 서양의 미니멀리즘과 달리 그의 그림은 추상과 구상의 개념이 애당초 존재하지 않았던 동양적 감각을 재해석하고 있다”고 설명한다.

성균관대가 학교 박물관과 동아시아학술원 존경각(尊經閣)이 소장한 국가지정문화재 보물 등 주요 유물 120여점을 한자리에 모은 ‘성균관의 보물’ 특별전을 23일부터 선보인다. 총 3부로 구성된 전시는 조선 성종 때인 1475년 설립된 우리나라 최초의 대학 도서관 존경각의 보물로 시작한다. 대표적으로 지난해 4월 보물로 지정된 조선 초기 간행물 ‘춘추경좌씨전구해’가 소개된다. 이 책은 역사서 ‘춘추(春秋)’의 주석서로 간행 과정과 참여한 인물 등의 기록이 자세하게 남아 있어 중요한 자료로 평가된다. 조선 후기 지리학자 김정호가 만든 ‘대동여지도’도 귀중한 자료로 꼽힌다. 존경각은 1861년 목판본을 소장하고 있는데, 바닥과 한쪽 벽면을 활용해 지도를 입체적으로 세워 전시해 눈에 띈다. 여류 문장가인 사주당 이씨가 1800년 저술한 태교 책 ‘태교신기(胎敎新記)’ 또한 비중 있게 다룬다. 이번 전시에서 가장 주목할 전시품인 ‘근묵(槿墨)’은 2부 ‘박물관의 보물’에서 볼 수 있다. 위창 오세창이 80세가 되던 해인 1943년에 완성한 서첩으로 보물로 지정 예고됐다. 고려시대부터 조선시대에 이르는 명사 1136명 가운데 정몽주가 쓴 간찰(편지), 퇴계 이황의 시, 추사 김정희의 편지 등 71명의 필적이 이번 전시에서 공개된다. 오세창이 1911년 엮은 또 다른 서첩 ‘근역서휘(槿域書彙)’와 근묵의 표지를 나란히 볼 수 있는 것도 이번이 처음이다. 또한 박물관이 소장한 보물인 ‘김천리 개국원종공신녹권’과 우암 송시열이 남긴 글씨, ‘백제의 미소’로 불리는 충남 서산 마애여래삼존상 탁본 등도 볼 수 있다. 옛 유물에 집중하는 듯한 전시는 마지막 3부에서 색다른 시도를 선보인다. 국내외 미술계에서 주목받는 김택상, 박종규, 김근태, 김춘수 등 4명의 작가는 박물관이 소장한 도자기를 현대적으로 해석한 작품을 통해 한국적 아름다움을 다채롭게 드러낸다. 전시는 내년 3월31일까지 성균관대 박물관 기획전시실에서 볼 수 있다.

디지털 시대에 공정과 평등의 중요성을 역설한 예술가 스테파니 딘킨스가 제1회 LG 구겐하임 어워드를 받았다. LG와 구겐하임 뮤지엄은 19일(현지시간) 제1회 LG 구겐하임 어워드 시상식을 열고 딘킨스에게 상을 수여했다. LG 구겐하임 어워드는 혁신적인 작업 활동으로 현대미술의 지평을 확대하는 데 기여한 예술가에게 수여하는 국제 예술상이다. 딘킨스는 스토니브룩 뉴욕주립대 교수로 20년 넘게 첨단기술을 이용해 다양한 예술적 실험을 해온 인물이다.

지난해 11월 연희동의 조용한 골목 어귀에 미술 전시 및 연구 공간 ‘스페이스 애프터(Space Æfter)’가 문을 열었다. 영단어 ‘after’의 고어(古語)인 ‘æfter’는 낡은 것과 새로운 것 사이 분류를 뛰어넘는 결합과 종횡의 역사를 상징하는 기표다. 한국 미술사의 궤적과 오늘날 미술 현장의 역동성을 떠올리게 하는 동시에, 오랜 주민의 삶과 젊은 방문객의 하루가 교차하는 연희동 환경과도 어우러지는 이름이다. 이곳의 운영자는 미술비평가 구나연(47)이다. 한국예술종합학교 미술원 미술이론과에서 예술사 및 전문사 학위를 취득한 후 2008년 제1회 인천문화재단 플랫폼 문화비평상을 받으며 미술비평가로서 활동을 시작했다. 포스트모던 이후의 문제의식에 대한 관점을 담은 비평집 ‘표류의 미술’(2018)을 펴냈다. 현재 홍익대학교 예술학 박사과정 수료 후 스페이스 애프터를 운영하고 있다. 큐레이터나 갤러리스트가 아닌 비평가가 운영하는 장소이기에 전시와 비평의 균형적인 관계를 구축하는 데 주안점을 둔다. 스페이스 애프터는 동시대 한국 미술에서 비평의 역할이 무엇인지에 대한 질문에 회답하고자 마련한 공간이다. 오늘의 미술이 짚고 넘어가야 할 비평적 쟁점을 연간 기획 주제로 정해 두고, 기다란 비평문을 쓰는 마음으로 일련의 전시를 선보인다. 각각의 전시마다 도록을 발간하는 대신 1년간 활동에 관한 고찰을 글로 엮은 비평서 출간을 목표하고 있다. ◆동시대 미술의 ‘물질’에 관해 구나연은 2018년 책에서 저항의 담론이 더 이상 존재하지 않는 동시대 미술계의 모습을 ‘표류’의 상황에 빗대었다. 스페이스 애프터는 구나연이 표류의 바다 위에 띄운 고요하고 굳센 섬이다. 항로 없는 항해 끝에 도달한 이 거처는 작품과 전시, 비평의 지속적인 논의가 이루어지는 장을 표방한다. 정형화한 관습으로부터 한 걸음 떨어져 나와 마련한 작은 숨구멍과도 같은 장소다. 2022년과 2023년을 관통하는 첫 번째 주제는 ‘물질’이다. 동시대 철학의 화두이기도 한 ‘새로운 물질성’을 염두에 둔 개념이다. 신체 기관의 물질성이 감각과 사유, 정신을 만들어낸다는 점을 상기하면 물질이란 그 자체로서 경이로운 존재다. 미술의 영역에서 새로운 물질성을 탐구하는 시도는 작품의 물질성만큼이나 물질 자체의 행위성과 그것이 매개하는 신체 감각 및 정서의 움직임에 주목한다. 물질의 역량과 행위성에 주목하는 존재론은 우리로 하여금 인간중심주의적 시각으로부터 벗어나 보다 겸허한 세계관을 구축하도록 돕는다. 주제는 ‘인류세’ 및 팬데믹(감염병 세계적 대유행) 이후의 반성적 사유와도 연관성을 띤다. 인류세란 지구에 축적된 인류 활동의 부산물을 새로운 지질시대로서 설명하는 개념이다. 팬데믹 이후 인간과 자연의 관계를 재고하는 시도 또한 활성화했다. 스페이스 애프터의 개관전 ‘와일드 와일드 매터(Wild Wild Matter)’는 작가 이소요와 고등어의 2인전으로서 ‘신체’를 핵심어 삼아 열렸다. 전시에서 이소요는 자신의 박사 과정 연구를 위해 필라델피아 외과대학 내 뮈터박물관 유물 보존사로 일한 경험을 소재로 제작한 작품을 선보였다. 박물관이 소장한 다수의 액침 표본은 미비한 보존 처리 탓에 유리병 안에서 서서히 부패 및 분해되고 있었다. 이름 없는 신체 조각에 폐기 결정이 내려지면 하수관을 통해 자연으로 돌려보내는 절차가 수행됐다. 해당 경험에 대한 기록 및 표본들로 구성된 작품은 인간 의지 바깥에서 순환하는 물질들의 생태계를 상상하도록 한다. 지난 3월에 연 ‘노 지오그래피(No Geography)’는 박형렬과 최선의 2인전으로 마련됐다. ‘매개’를 주제어로 삼았다. 그중 최선의 출품작은 강원 고성 앞바다에서 채취한 소금을 재료로 사용해 제작됐다. 12년 전 일본 요코하마 해변에서 시작된 연작이다. 바다와 토양, 빗물과 산 등 자연 풍경에 내재한 보이지 않는 물질 요소를 소금 결정체로 상징해 드러낸다. 지난 11일에 개막해 다음달 4일까지 계속되는 단체전 ‘고스트 라이트(Ghost Light)’는 ‘빛’의 개념에 주목해 구자명, 손창안, 안진균의 작품을 선보인다. 사진 및 디지털 장치 등에서 신호이자 정보로서 역할을 하는 빛과 이미지의 관계를 고찰하는 작품들을 만나볼 수 있다. 스페이스 애프터는 일련의 전시를 통해 미술이 물질로서 존재하는 방식 및 작가가 물질에 접근하는 방식을 다각도로 고민한다. 위의 세 전시가 환기하는 신체와 매개, 빛 등의 열쇠말은 모두 우리가 감각하는 세상의 물질성을 드러내는 동시에 ‘물질로서의 미술’에 관한 비평적 고민을 담은 단서다. 미술은 언제나 물질적 신체를 경유해서만 제작되고, 인지된다. 하나의 작품은 작가와 관객, 창작과 비평, 과거의 역사와 현재의 시공을 연결 짓는 매개로서 기능한다. 빛은 우리가 몸담은 시공을 비추어 현재의 물질 세계를 구성한다. ◆미술 속 비평의 맥박을 감지하기 “저와 비슷한 시기에 비평 활동을 시작해 현재까지 활발한 활동을 하고 있는 비평가들이 공통적으로 가진 문제의식이 있는데, 그것은 비평의 반복적이고 정형화된 소비입니다. (…) 작가와 전시를 뒷받침하기 위해 원고 청탁이 오고, 요구된 분량만큼 써서 20여년간 변한 적 없는 원고료를 받으며 지내는 것입니다. 문제는 이런 수동적인 비평 소비 속에서, 정작 적극적인 비평적 담론과 전망을 전개할 기회도 장소도 없다는 점입니다. 언제나 전시 리뷰나 작가의 작품 해석과 분석 등, 특정 틀 안에서 공허한 비평 활동이 반복되고 있는 것입니다. 그러나 저는 미술 비평의 힘과 매혹에 대한 확신을 갖고 있습니다.” 구나연이 스페이스 애프터 개관을 결심한 것은 미술 현장 속 비평의 역할에 관한 문제의식 때문이다. 국내외를 막론하고 근현대 미술사를 이끈 것은 비평의 힘이었다. 낯선 창작에 주목하고, 다학제적 사고 및 관점을 모색하면서 한 시대의 미술이 다음으로 나아갈 동력을 마련하는 것이 비평의 역할이다. 그러나 실제 현장의 제도 안에서 그 입지는 축소하는 양상이다. 비평적 담론이 부재한 미래를 우려하는 까닭은 창작이 한시적 유행과 상업적 의도에 치중하는 방향으로 변질되기 쉬운 탓이다. 작가로 하여금 진취적 고민과 창의적 실험을 펼칠 수 있도록 기반을 다지기 위해서는 진중한 연구 및 비평 활동이 반드시 뒷받침되어야 한다. 스페이스 애프터는 전시를 통해 오늘날 미술의 존재 이유 및 비평의 역할을 거듭 질문하고 나름의 해답을 찾아내고자 한다. 창작의 언어와 비평의 언어가 차곡히 포개지는 잠시의 시공을 창조함으로써다. 구나연은 “비평가들이 자신의 비평적 논지를 설정하고 이를 평론과 함께 전시할 때, 후행적 비평이 선행적 변화를 생산할 수 있는 메커니즘과 그 장소를 만들고자 한 것”이라고 설명한다. 관습적이고 부수적인 글쓰기로서의 비평을 지양하되 전시의 시작과 끝을 아울러 비평적 활동이 살아 숨 쉬는 장소를 마련하고자 한 것이다. “맥박 없는 후행으로서의 비평을 경계하며” 전시의 손목 언저리에서 비평의 생동감을 짚어낼 수 있도록 말이다. ◆오늘의 ‘새로움’에게 미술의 존재 이유를 묻기 표류하는 미술의 바다 한가운데 작은 조각배처럼 띄운 구나연의 전시 공간이 세 번째 노 젓기를 이제 막 시작한 참이다. 독일의 미술비평가이자 철학자인 보리스 그로이스의 말처럼 새로움은 늘 과거와 미래 사이에 있다. 새로운 것의 가치는 언제나 오래된 것에 기반해, 그에 대해서만 낯설도록 드러난다. 새로움을 필연적으로 좇는 미술의 언어는 지나온 역사 속에서 지금의 향방을 모색하고, 굳은 껍질로부터의 탈피를 통해 변신한다. 오래된 알파벳을 의도적으로 취하는 스페이스 애프터의 이름처럼 구나연은 오늘의 미술에 내재한 직관과 사유를 통해 미술의 존재 이유에 관한 근원적 물음에 접근하기를 시도하고 있다. 스페이스 애프터는 연중 전시 외 다양한 부대 행사를 준비 중이다. 여름에는 동시대 한국 미술의 비평적 생태계를 논의하는 라운드 테이블을 마련할 예정이다. 오는 9월에는 조형의 기본 단위인 ‘선(線)’을 주제로 회화의 원초적 물성을 탐구한다. 11월에는 ‘책’을 도구 삼아 동시대 미술의 변화를 논의하고자 한다.

‘친근한 자연과 전통을 그렸다, 예술의 시정(詩情)을 느끼게 한다, 사유의 순간으로 초대한다.’ 김환기의 그림이 우리 마음을 앗아가는 이유다. 전문가들이 꼽는 3대 강점이다. 전통부터 현대까지 두루 아우르는 그의 40년 작품 세계를, 최근 리노베이션을 마친 호암미술관이 규모와 격조를 갖춰 온몸으로 품었다. 1년 반, 결코 짧지 않은 시간 동안 내부와 외부, 과거와 현재, 사람과 건축을 유연하게 연결하고 편의와 개방감을 확보한 모습으로 거듭난 호암미술관이 재개관에 맞춰 수화 김환기(1913-1974) 전을 마련했다. ‘한 점 하늘 김환기 a dot a sky_kim whanki’라는 주제를 내걸고, 18일부터 9월 10일까지 관람객을 맞는 대규모 회고전이다. 유화와 드로잉, 신문지 작업, 스케치북, 찰흙으로 만든 조각까지 120점을 선보인다. 그가 쓰던 화구, 24살 청년시절의 사진, 작품에 대한 구상이나 고민을 기록한 작가 수첩, 지인에게 띄운 편지, 애장했던 도자기 등 100여 건의 자료도 처음 공개된다. ‘점으로 수렴된 40년 추상 여정’을 끊김 없이 쭈욱 따라가며 관람하는 구성이어서 비교적 이해가 쉽다. 1, 2층 전관에서 그가 한국적 추상에 대한 개념과 형식을 구축한 후 치열한 조형실험을 거쳐 점화에 이르는 과정의 변화와 연속성을 살펴본다. 시대별 대표작은 물론, 도판으로만 확인되던 여러 초기작들과 미공개작들이 보는 재미를 배가한다. 김환기는 20세기 한국 미술사에 ‘추상’이라는 새 장을 연 선구자다. 일본 유학을 떠나 입체주의와 초현실주의, 구축주의 등 당시 전위미술인 추상사조를 익히고 1937년 귀국한 뒤 명실상부 한국 최초의 추상화가가 됐다. 1930년대 후반은 그가 한국의 전통과 자연에 눈을 뜨기 시작한 시기다. 민족예술 계승을 주창한 김용준, 이태준, 최순우 등과 교류하며 전통미술에 대한 식견을 키우고, 자연과 전통의 현대적 표현을 목표로 추상에 매진했다. 김환기는 전쟁 직후의 열악한 사회문화 조건 속에서도 우리 미술의 발전과 국제적 성장을 꿈꾼 리더이기도 했다. 동시대 미술과의 조화로운 융화와 동참을 열망하면서 스스로 국제 미술계에 도전한 그는 전통에 근간한 자신의 예술을 굳건히 지키고 한편으로는 미술 조류의 변화를 흡수하면서 집요하게 작업을 전개해 나갔다. 그의 한결같은 예술 여정을 이끈 것은 우리 것에 대한 굳은 신념과 자신감, 절망을 극복하는 인내였다. 50세에 건너간 뉴욕에서 김환기는 무수한 이방인 무명작가의 한 사람이었지만, 자신만의 독창적 예술을 찾기 위해 치열하고 꾸준하게 조형실험을 이어갔고, 만년에 이르러 자연과 인간, 예술에 대한 동양적 사유와 관조를 담은 전면점화에 도달한다. 그의 점화에는 1930년대부터 이어져온 그의 추상 여정이 함축되어 있고, 그 작은 점 하나하나에는 자연과 인간, 예술을 포함하는 보편적 세계에 대한 확장된 사유가 담겨 있다. 이번 회고전 제목 ‘한 점 하늘’은 이같은 김환기의 40년 예술 세계 특징을 표출하고 있다. 달을 바라보며 달항아리를 그리고 별을 바라보며 고국과 친구를 그리워하던 그에게 하늘은 예술의 원천인 동시에 자연과 삶, 세상을 함축하는 개념이기도 했다. 관람은 2층에서 출발한다. 김환기의 예술이념과 추상형식이 성립된 1930년대 중반부터 1960년대 초까지의 작업이다. 이 무렵 그는 한국의 자연과 전통을 동일시하며 작업의 기반을 다지고 발전시켜 갔다. 달과 달항아리, 산, 구름, 새 등의 모티프가 그림의 주제로 자리잡으며 그의 전형적인 추상 스타일로 정착되어 가는 과정을 볼 수 있다. 지정문화재로 등록된 국립현대미술관 소장 ‘론도’(1938)를 시작으로, 김환기 특유의 한국 추상 서막이라 할 수 있는 ‘달과 나무’(1948), 도자기로 가득찬 성북동집 작업실 선반을 연상시키는 ‘항아리’(1956), 시간을 초월한 자연과 예술의 영원성을 표현한 ‘영원의 노래’(1957), 전통미술양식과 점화의 씨앗이 함께 공존하는 ‘여름달밤’(1961) 등과 만난다. 특히 그의 유일한 벽화대작 ‘여인들과 항아리’(1960)는 이번 전시를 계기로 발견된 작가 수첩에서 제작연도가 확인됐다. 1층으로 내려오면, 그가 뉴욕 이주 이후 지속적으로 변화를 시도하며 국제 무대에서도 통할 새로운 추상 세계를 찾아가는 과정이 보인다. 그는 뉴욕 시기 초기까지 이어지던 풍경의 요소를 점과 선에 흡수해 추상성을 높이고 다채로운 점, 선, 면의 구성으로 작업을 시도한 끝에 마침내 점화에 확신을 얻는다. 1969년과 1970년 사이 전면점화의 시대에 돌입한다. 달과 산 등 풍경요소들이 선과 점, 색면으로 대체되는 ‘북서풍 30–Ⅷ–65’(1965), 김환기의 점화를 처음으로 알린 ‘어디서 무엇이 되어 다시 만나랴 16–IV–70 #166’(1970), ‘우주’라는 별칭으로 사랑받고 있는 ‘5–IV–71 #200’(1971), 동양적 세계관을 엿볼 수 있는 ‘하늘과 땅 24–Ⅸ–73 #320’(1973)등을 비교해 보면, 점화의 변화 과정을 단번에 느낄 수 있다. 세상을 뜨기 한달 전, 죽음을 예감한듯 그린 검은 점화 ‘17–VI–74 #337’(1974)로 마무리된다. 삽화와 기고문이 꼼꼼히 정리된 스크랩북, 파리 개인전의 방명록, 문화예술인 160명이 이름을 올린 1974년 추도식 팸플릿 등 에도 눈길이 머문다. 태현선 리움미술관 소장품연구실장은 “한국 현대 미술의 역사이자 상징같은 존재로서 ‘고전’을 만들고자 했던 그의 바람대로 김환기의 예술은 오늘날에도 공명한다”며 “그러나 그를 수식하는 최근의 단편적 수사들은 김환기의 예술세계를 다시 한번 총제적으로 살펴볼 필요성을 일깨운다”며 이번 회고전에 의미를 부여한다.

양양 선림원지 출토 금동보살입상이 5년간 보존처리를 마치고 최초로 특별 전시된다. 불교중앙박물관은 부처님 오신 날을 맞아 오는 12일부터 6월25일까지 특별전 ‘명작 : 흙 속에서 찾은 불교문화’(포스터)를 개최한다. 전시회에서는 경주, 삼척, 군위, 함안, 양양 등에서 발굴된 문화재를 통해 신라 불교문화를 소개한다. 특히 이번에 처음 전시되는 양양 선림원지 출토 금동보살입상은 화려한 영락장식, 광배에 조각된 섬세한 문양으로 신라 불교미술의 명작으로 꼽힌다. 전시구성 중 1장과 2장에서는 신라 사찰 건축에 사용된 다양한 형태의 기와와 전돌, 사찰 내외를 장식한 장엄한 다채로운 장신구가 선보인다. 3장에서는 절터 발굴조사에서 출토된 다양한 재료와 크기의 불상을 전시한다. 4장에서는 1300년 전 신라 사찰에서 스님들이 사용한 생활용기나 생활용품을 소개한다. 5장에서는 경주지역 출토품과 군위, 삼척, 함안에서 출토된 불교문화유산을 서로 비교할 예정이다. 이 외에도 군위 인각사지와 삼척 흥전리 사지에서 출토된 완형의 통일신라 정병 4점이 처음으로 한자리에 모인다.

부산현대미술관(관장 강승완)은 5일부터 8월 27일까지 기획전 ‘포스트모던 어린이 2부: 까다로운 어린이를 위해 특별한 음식을 준비하지 마세요’를 개최한다. 업체eobchae, 토담, 파라 아타시, 울랄라 이마이 등 국내외 43명(팀)의 작가가 참여해 회화, 조각, 뉴미디어 등 다양한 장르의 작품 173점을 선보인다. ‘다양한 인간(어린이)존재 형태의 공존이 가능함’을 이야기 한다. 지난 4월 말에 막을 내린 ‘포스트모던 어린이’1부가 근대의 보편타당이라는 개념이 어떻게 어린이를 훈육으로 억압했는지를 고찰했다면 2부는 보편타당과의 거리를 두며 규칙과 규율의 해체에 대한 상상적 상황을 드러낸다. 개막에 맞춰 5∼7일 사흘간 참여 작가 고요손과 음악가 김도언의 조각 활용극 ‘하얀 빛의 실오라기와 하늘 사자’를 무대에 올린다. 간식 먹기, 구슬치기, 새총 쏘기 등 놀이와 행동을 다양한 형태의 조각품과 연결해 색다른 경험을 선사한다. 지하 1층 책그림섬에서는 어린이의 불안과 내면 세계를 탐구하는 ‘절대 보지 마세요! 절대 듣지 마세요!’ 등 16권의 도서를 소개하는 서가 프로그램 ‘80억 개의 우주’를 진행한다. 6월말부터는 ‘꼼지락’, ‘어린이 대상 도슨트’ 프로그램을 진행, 어린이의 내면을 들여다보고 수많은 가능성을 모색한다. 모든 전시는 무료로 관람할 수 있다. 관람 시간은 오전 10시부터 오후 6시까지다. 매주 월요일은 휴관. 부산현대미술관 누리집(https://www.busan.go.kr/moca/index)을 참고하면 된다.

자연은 본질 그 자체여서 위대하다. 예측할 수 없으나 다음을 기대하게 만드는 것 또한 자연의 매력이다. 그야말로 꾸밈이 없어서 더 마땅히 아름답다. 동시대를 살아가는 회화작가 유정현, 이이정은, 노현우 3인이 각자 경험한 자연의 에너지를 독창적이고 개성 강한 필치로 캔버스 가득 풀어놓았다. 서울 종로구 삼청동 갤러리 진선은 올해 첫 전시 주제를 ‘꾸밈없어 더 마땅한; Nature Itself’라 잡고, 이들의 시선을 소개한다. ◆묘사하기보다는 ‘우연’을 통해 발현 ― 유정현 “돌발적이고 우연적인 상황에 제 스스로를 놓이게 해요. … 지우고 혹은 닦아내고 뿌리고 뭔가 긁어내고 얼룩을 만들고, 이 같은 우연성을 캔버스 위에 적극적으로 개입시키죠. 그래서 묘사하지 않는 방식으로 나만의 새로운 형상을 찾아내는 거예요.” 유정현은 붓질의 속도감, 운동성, 압력과 같은 물리적인 속성들이 가져다주는 긴장감에 중점을 둔다. 그의 회화 속 자연의 형상은 뚜렷한 계기나 의도에 의한 것이 아니라 자연스레 저절로 나타난 것이다. 계획하지 않고 변화를 도모하는 작가의 작업 방식은 그대로 자연의 성질과 닮아 있는데, 우연히 몰두한 추상에서 예사스런 식물의 형상이 드러나기도 한다. 이는 단순히 특정 대상을 묘사하기보다는 그리는 과정 속에서 우연히 발견된 형상에 몰입하다 보니 구상과 비구상의 경계선에서 자연의 형태가 발현되는 것이다. 작가는 캔버스 위 빠른 속도로 그어낸 붓질, 그로 인해 생기는 기포와 얼룩들, 애써 만든 붓질을 닦거나 지우는 방식, 이미 그려낸 형상을 다시 물감으로 덮는 것과 같은 일련의 과정들을 쉴 새 없이 반복한다. 작가는 이러한 과정을 통해 그만의 조형적 선택들을 적극적으로 수렴하면서 캔버스 위로 필연적인 형상들을 품어낸다. ◆망설임 없는 터치로 생명을 부여 ― 이이정은 “살아 있는 것을 표현하고 싶은데, 평평하게 그린 그림은 느낌의 한계가 있었어요. 좀 더 입체적인 작업이 필요하다고 생각했죠. 회화이지만 무엇인가 사물화시키고 싶어서 더 튀어나오게 듬뿍 칠하기도 하고 덜 튀어나오게 바르기도 해요.” 그의 회화는 저마다 자유로이 살아 있는 것들을 담아낸다. 하늘을 날아다니는 새, 봄에 피어 올라오는 아지랑이, 시원한 바람에 가지를 늘어뜨리고 바람에 몸을 맡긴 버드나무라던가 작가가 직접 보고 살갗으로 느낀 자연을 과감하고 망설임 없는 붓 터치로 표출해낸다. 이러한 작업은 버려진 폐광촌이 자연의 끈질긴 소생력으로 치유되는 것에 매료되면서 시작됐다. 자연의 생동감을 표현하기 위해 물성을 한껏 끌어 올리면서, 회화이지만 동시에 입체성을 띤 독자적인 화풍으로 이어갔다. 이번 전시작은 야생성을 두드러지게 표현하기 위해 쌓아 올린 물감을 한 꺼풀 벗겨내는 새로운 방식이 더해졌다. 자연은 작가에게 살아 있음을 생생하게 느끼게 해주는 매개체이자 에너지다. 작가는 추상과 구상의 경계를 넘나들며 자연을 캔버스에 담아내고, 그 응집된 자연의 에너지는 화면을 뚫고 보는 이에게 전달된다. ‘이정은’이라는 이름이 하도 많아서 앞에 다를 ‘이(異)’ 자 하나를 붙였다고 귀띔한다. ◆‘평온’, ‘순수’, ‘정화’ 풍경화의 힘 ― 노현우 “소재를 찾기 위해 여행을 자주 가는데, 예상치 못한 장소에서 저를 사로잡았던 풍경, 그 장면을 옮기는 겁니다. 그 당시 공기, 바람, 그리고 구름의 움직임 같은 것들. 그 장소에서 오로지 저만 느꼈던, 내 기억 속 그날의 감정을 되새김질하면서 복원해냅니다.” 그의 풍경을 마주하면 마음은 순식간에 평온을 얻는다. 일상에 찌들어 잊고 살던 순수와 선함을 되찾게 된다. 정화된 자신과 만나는 것이다. 담백하게 고즈넉하다. 서정적인 음악이 떠오르는 그의 회화는 풍경화를 넘어 기록 행위이기도 하다. 작품 제목은 화면 속 장소와 시간 등 방문 정보(시간, 온도, 방문날짜 등)로 이루어져 있다. 마치 일기를 쓰듯 그때를 회상하며 순간의 감정과 느낌을 캔버스에 끄집어낸다. 풍경의 시작점은 그의 러시아 유학시절부터다. 한국에서 볼 수 없었던 산 없이 탁 트인 들이나 호수, 사람의 손이 거의 닿지 않은 순수한 자연을 아무런 선입견 없이 차분하게 보고 그렸다. 타국에서 느꼈던 이방인의 공허함을 자연이 위로해 주고 채워 주었던 경험의 기록이다. 그것이 그대로 지금의 풍경작업이 됐다. 작가는 자신의 기억 속으로 관람자를 초대하고자, 자신이 느꼈던 감정을 보다 잘 전달하기 위해 사실적 표현이라는 수단을 선택했다. 예민할 만큼 섬세한 그의 표현력 덕분에 평면을 넘어 현장감을 느끼기에 충분하다. 14일까지 관람할 수 있다.