그야말로 위대한 걸작들의 위대한 만남이다. 현대 채색화의 무한한 확장성과 비전을 가늠해 볼 수 있는 전시회가 눈길을 끈다. 내고 박생광(1904~1985)과 우향 박래현(1920~1976)의 2인전, ‘위대한 만남, 그대로·우향’전이다. 서울 예술의전당 한가람미술관 3층 전관에 내 건 ‘위대한 만남’이란 타이틀답게 두 작가가 남긴 ‘위대한 걸작’들을 한껏 만나볼 수 있다. 박생광의 작품 181점과 박래현 작품 88점 등 총 269점이 관람객을 맞는다. 포만감을 안겨 줄 만큼 전시장을 압도하는 작품들은 마치 미술사 교과서처럼 ‘한국화란 이런 것이다’라고 설명한다. 그간 논문이나 도록 등에 소개됐지만 실물 공개는 처음인 작품이 대부분이다. 특히 보기 드문 박생광의 스케치 100점이 포함되어 의미가 크다. 작가별 특성을 고려해 관람 동선을 짰다. 박생광 작품은 십장생, 무속, 모란 등 소재별로 구분해 강렬한 인상의 채색화 작업을 중심으로, 박래현은 시대순으로 나누어 1940∼70년대의 다양한 시도와 변모 과정을 보여준다. 박생광의 작품 색채가 진한 탓에 먼저 박래현의 작품부터 감상하길 권한다. 박래현의 공간에 들어서면, 1943년 조선미술전람회 총독상 수상작인 ‘단장’, 그리고 김기창 화백과 함께 부부전에 출품했던 ‘부엉이’가 반긴다. 박 화백은 생전 “예술은 본디 마음의 휴식처를 제공하고 주변 환경을 좀 더 아름답게 발전시킬 수 있어야 한다”고 말한 것처럼 순수미술을 기반으로 장식미술과 생활미술의 경계를 넘나든다. 중남미의 토기, 아메리카 원주민의 편물, 중국 고대 청동기, 우리의 백자, 소반, 맷방석, 떡살 등에서도 고유의 아름다움을 찾아내, 작품의 소재나 부분적 문양 혹은 패턴으로 응용한 점이 이채롭다. 수간채색 기법을 활용한 특유의 번짐 효과는 시대를 넘어선 현대 미감을 자아낸다. 1967년 상파울루비엔날레 참석을 계기로 다녀온 중남미 여행과 1973년까지 뉴욕에 체류하며 익힌 태피스트리(7점)나 판화(23점) 및 콜라주(2점)도 한자리에서 비교해볼 수 있다. 우향은 평안남도 진남포의 부유한 집에서 태어났다. 1940년 일본 도쿄여자미술전문학교에 입학한 그해 조선미술전람회 창덕궁상에 이어 1943년 작품 ‘단장’으로 총독상을 받았다. 1956년 제5회 대한민국미술전람회 대통령상, 1974년 제6회 신사임당상을 수상했고, 성신여자사범대학교 동양화과 교수를 지냈다. 남편은 ‘청록산수’로 유명한 운보 김기창이다. 생전 남편과 함께 동양화(한국화)의 전통적 관념을 타파하고, 판화·태피스트리(직물공예) 등 다양한 기법과 매체를 활용해 여성 특유의 감성을 작품으로 승화시켜 주목받았다. 특히 섬세한 설채(設彩)와 수간채색, 면 분할에 의한 독창적 화면구성 등 끊임없이 조형 실험에 매진했다. 박생광은 한국 채색화의 대가로 손꼽힌다. 호는 내고(乃古), ‘그대로’라는 뜻이다. 자신의 색채와 미감이 ‘그 자체로 한국적인 정체성을 대변한다는 믿음’으로 ‘그대로’를 호로 사용했다. 진주보통학교와 진주농업학교를 다녔으며 이 시기에 한국 불교계의 거목 청담 스님을 만나 인연을 맺었다. 1920년 일본 교토시립회화전문학교(지금의 교토예술대학)에서 일본 화단의 ‘근대 교토파’ 다케우치 세이호(竹內炳鳳), 무라카미 가가쿠(村上華岳) 등에게 새로운 감각의 일본화를 배웠다. 해방 후 돌아와 진주에 머물다가 서울 홍익대에 재직하면서 진채(塡彩)를 사용해 민속, 불교, 무속 등의 다양한 한국적 소재를 독창적인 조형어법으로 재해석해 주목받았다. 그의 작품 세계는 크게 수련기(1950년대 후반기), 추상화 시기(1950년대 후반~1974년), 2차 일본시기(1974~1977년), 한국적 미감의 전성기(1977년 이후) 등으로 나뉜다. 1980년대 백상기념관(1981년)과 문예진흥원 미술회관(1984년) 전시 등을 통해 한국화단에 큰 반향과 새로운 채색화 바람을 불러일으켰다. 그의 작품들은 강렬함을 넘어 신기, 광기 어린 ‘경이로움의 채색화’로 인정받는다. 1982년 인도 성지순례를 마친 후 말년의 작품들은 ‘박생광 스타일을 완성한 대표작’으로 분류된다. 1985년 파리 그랑팔레미술관 ‘르 살롱-85’ 특별 초대전에 참여해 세계 미술계에 한국 채색화를 알렸다. 한때 ‘왜색 화가’라는 비난을 받기도 했지만, 투철한 창작 의지와 실험정신으로 마침내 확고하고 독창적인 작품세계를 이뤄냈다. 이번 전시에서는 채색화 중심의 작품을 십장생, 불교, 무속, 용과 범, 모란, 단청 등 소재별로 구분해 이해를 돕는다. 미술평론가인 아이프미술경영연구소 김윤섭 대표는 “수묵과 채색, 구상과 추상, 판화와 태피스트리 등 다양한 재료와 기법을 넘나든 박래현 화백은 ‘현대 한국화의 무한한 확장성과 비전’을, 한국적인 색감이 지닌 강렬한 인상을 독창적이고 확고한 조형언어로 재탄생시킨 박생광 화백은 ‘전통적 미감을 기반으로 한 현대채색화의 가능성’을 명징하게 보여준다”고 설명한다. 두 화가를 미술사적으로 재조명한 도록도 나왔다. 전시는 29일까지 열린다.

‘날개하트’로 알려진 작가 신소영의 개인전이 16~20일 서울 필동로 서진아트스페이스에서 열린다. 기존 날개하트 시리즈 외 ‘날개를 펼치고’ 시리즈 등 30여 점의 작품들을 선보인다. 신소영은 ‘마음’을 날개의 형상으로 표현한다. 겹겹이 포개어진 깃털들은 마치 꽃처럼 피어나기도 하고, 활짝 편 날개가 이곳저곳 이동하는가 하면, 두 개의 날개가 서로를 감싸 안으며 하트 형상을 만들어 내기도 한다. 눈으로 볼 수 없는 인간 내면의 모습, 꿈을 향한 열정과 소망, 사랑과 평안 등 섬세한 감정들을 재해석해 펼쳐내는 것이다. 날개의 조형적인 아름다움을 넘어서, 인간의 자유로운 사고와 의지를 눈앞에 그려내 보이고야 만다. 날개의 선명한 컬러감과 보색대비는 경쾌한 화면을 만들어, 결코 무겁지 않게 주제를 전달하는 심미적 힘을 배가한다. 수많은 붓질을 통해 탄생한 깃털들은 일면 가늘고 연약해 보이지만, 그 깃털들이 모여서 이루어진 날개는 날갯짓을 하기에 능히 충분하다. 이로써 작가는 보는 이의 꿈을 응원하고 사랑으로 다독이는 마음을 작품에 담아냈다.

그가 그린 그림들을 마주하면 순식간에 마음이 평온해진다. 찌든 일상을 정화하고 사념을 치유하는 힘을 지녔다. 그만의 색채가 전하는 긍정 에너지 덕분이다. 명랑하고 아늑한 인상의 화면 구성이 빼어나다. 밝음, 투명함, 그리고 비타민 같은. 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 팬데믹의 긴 터널을 지나온 이 시기, 우리 곁을 지켜야 할 그림이 아닐까. 김명식 화백의 작품 얘기다. 실제로 그의 그림은 병원, 은행, 호텔 등 대중 공간에서 널리 만날 수 있다. 노랑, 빨강, 하양, 주황, 검정, 파랑, 보라, 초록, 연분홍, 올리브 형형색색의 집들이 나란히 줄지어 서 있다. 표정에 다양한 감정을 띤 얼굴들이 모여 있는 듯하다. 누구 하나 튀지 않고 가지런하게 균형을 유지하며 서로 배려하는 모습이다. 정적인 편안함 가운데 지나치지 않을 정도의 생동감이 감돈다. 그가 지난해 그린 신작 ‘East Side-AU+2’의 첫인상이다. 이 작품 또한 그의 ‘이스트 사이드(East Side)’ 시리즈를 잇는다. 미국 뉴욕 맨해튼섬 동쪽 지역으로, 이 시리즈를 시작한 곳이다. 문화 시설들이 모여 있는 뉴욕 이스트 리버 주변 풍광을 그린 작품이지만, 이면엔 ‘인류가 함께 고민해야 할 공동체 이상주의 신념’이 담겨 있다. 서로 다른 피부를 가진 다민족 다인종 사람들이 뉴욕에서 만나 반목과 화합의 혼재로 살아가는 모습에서 착안해, 집을 의인화한 작품 시리즈를 내놓았다. 2004년 뉴욕에 머무를 때, 전철을 타고 이동하면서 창밖의 집들을 보다가 “이거다!”를 외친 뒤로 꾸준히 집들을 그려왔다. 저마다 형상들로 옹기종기 모여 있는 집들이 마치 여러 인종이 한데 어우러진 뉴욕의 모습과 닮았다고 생각한 것이다. 집들의 크기가 균등한데 색깔이 다른 것은 인종차별이 없는 평등을 말하는 것이다. 차분히 들여다보고 있으면, “싸우지 말고 똑같이”라는 작가의 외침이 들려온다. 피부색을 걷어내면 이 세상 사람들은 차이가 있을까. 제각각 환경과 사연이 다르더라도 인간 본연의 존엄성과 자존감은 평등하다. 간혹 집들의 편편한 벽면에 작게 뚫린 창문과 대문은 정다운 표정을 지은 얼굴처럼 보인다. 그 따뜻한 얼굴들의 표정엔 일상의 근심거리를 내려놓게 하는 포근함이 담겼다. 무심한 듯 여린 미소 너머에서 엄마와 형제, 친구와 이웃의 얼굴이 보인다. 따라서 궁극적인 목적은 화합과 평화 그리고 희망이다. 그의 작품 속 지붕 위 초승달이나 새벽 여명에 가려 희미하게 떠오르는 해 등은 모두 희망을 나타내는 요소들이다. 차올라 보름달이 되고, 떠올라 온누리를 비추는 빛이 될 테니. 자연과 문명 그리고 인간의 조화로운 삶을 감각적이고 시원시원한 터치로 담아낸다. 삶 속에서 그림의 선한 의지가 얼마나 긍정적인 시너지 효과를 불러일으키는지도 충분히 확인시켜 준다. 김명식 화백만큼 성실하고 부지런한 작가도 드물 것이다. 지금까지 1만여점을 그렸다. 개인전만 해도 서울과 뉴욕, 도쿄, 마이애미, 밴쿠버, 상하이 등 국내외 여러 도시에서 80회 넘게 가졌다. 1984년 신세계화랑에서 첫 개인전 이후 40여년 동안 연평균 2회씩 개최한 셈이다. 이번에 내놓은 26점도 모두 신작이다. 그의 이름이 본격적으로 알려진 것은 1990년대 ‘고데기(Kodegi Hill) 연작’부터다. 고향이었던 서울 강동구 고덕동(옛 경기도 고덕리)의 개발 이전 풍경을 모티브로 삼은 그림이었다. 이 ‘고데기 연작’은 부산 동아대 교수로 임용된 이후에도 한동안 지속되다가, 뉴욕에서의 경험이 새로운 전기를 만들어 주었다. 잘 알려졌듯 김 화백의 그림은 조용하고 차분하며, 평온하고 안정적이어서 보는 이에게 담백한 미감을 안겨준다. 이 같은 성향이 일본 팬들의 정갈한 감성을 자극했을까, 유독 일본에서 인기가 높다. 김 화백이 일본에 체류할 때 느낀 점은 “의외로 컬러가 없다”는 것이었다. “대체로 조용하고 두드러지지 않으려는 분위기였다”고 기억한다. 이때의 영향인지, 그의 그림에도 무채색 풍의 장르가 있다. 내년엔 일본의 메이저 갤러리 미조에갤러리(MIZOE Gallery)에서 초대 개인전을 연다. 도쿄와 후쿠오카에 단독 전시장을 운영 중인 대형 갤러리다. 이 갤러리에선 2011년부터 개인전을 열어와 벌써 5회째를 맞는다. 70대 중반의 나이가 무색할 정도로 그의 행보는 광폭이며, 지금도 현대적 경향이나 흐름을 놓치지 않는다. 오랜 시간 몸담았던 대학을 정년퇴임하고도 탁월한 선택을 감행했다. 퇴임한 2015년 이후로 경기도 용인에 작업실을 꾸미고 둥지를 틀었다. 스스로 도심을 떠나 자연의 품에서 다시 태어났다. 작품도 걸맞게 큰 변화가 일었다. 그림 속 집들은 이제 온통 사방이 숲으로 둘러싸이고, 너른 대지와 마주한다. 이렇게 새로 등장한 작품이 ‘컨트리사이드(Countryside)’ 시리즈다. 김 화백만의 자연에 대한 해석을 짐작할 수 있다. 전원에 매료된 녹색 위주 풍경들이다. ‘Countryside’ 시리즈는 중경(中景)에 힘을 주고 있다. 그만큼 넓은 시야가 확보됐다. 하늘 위 새의 시선을 빌어 바라본 부감(俯瞰) 시점은 한눈에 방대한 대자연의 아름다움을 만끽할 수 있도록 조율해준다. 앞쪽의 드넓은 평야를 넘어 군데군데 자리 잡은 집들은 소외되거나 외롭게 보이지 않는다. 오히려 더없이 평화롭기만 하다. 그 사이엔 반드시 길이 있다. 여기서도 이웃과 소통하는 것이다. 작품 ‘East Side’ 시리즈가 ‘인간과 인간의 관계나 소통을 강조한 삶의 이야기’였다면, ‘Countryside’ 시리즈는 ‘인간 태생의 시원인 자연으로의 회귀에 대한 서정적 고백’이다. 23일까지 서울 압구정로 청작화랑에서 관람객을 맞는다.

일본에서 온 신비한 요괴들을 천년 고도 경주에서 볼 수 있는 기회가 생겨 눈길을 끈다. 우리에게 피카츄로 익숙한 귀여운 ‘포켓몬’도 이 같은 요괴문화에 기반을 두고 있어 이런 생소한 문화를 접하거나 우리의 문화 속 요괴와 비교해 볼 좋은 기회가 될 것으로 보인다. 7일 경주엑스포대공원에 따르면 주부산일본국총영사관과 일본국제교류기금, 경주시, 한일문화포럼은 13일부터 26일까지 경주엑스포대공원 문화센터에서 ‘요괴대행진: 일본에서 온 신비한 요괴들' 전시회를 한다. 주최 측은 에마키(두루마리 그림)와 니시키에(다양한 색으로 찍어낸 우키요에 판화의 일종)를 중심으로 각종 완구나 영화를 통해 널리 알려진 일본 요괴 문화를 소개한다. 일본 요괴는 초자연적인 힘을 보여주는 캐릭터 중 하나로 각종 이야기에 등장해 사람들을 놀라게 하거나 겁을 주기도 했다. 시대가 흐르면서 점차 공포감을 주는 대상에서 장난기 많은 친구 같은 존재로 바뀌었다. 주최 측은 일본 요괴 대중화에 초점을 맞춰 신비한 요괴의 세계로 관람객을 초대한다. 요괴대행진 전시회는 그동안 이탈리아 로마에서 시작해 서울, 제주에서 열렸다. 류희림 경주엑스포대공원 대표는 "일본에는 '요괴산업'이라는 말이 있을 정도로 요괴문화가 저변에 깔려 있고 우리에게 잘 알려진 만화영화나 귀여운 '포켓몬'도 요괴문화에 기반을 두고 있다고 한다"며 "전시를 통해 일본의 요괴문화를 살펴보고, 우리 문화 속에는 어떤 요괴가 존재하는지 알아보는 계기가 됐으면 한다"라고 말했다.

BNK경남은행은 17일까지 올해 BNK경남은행갤러리 첫 대관전시 ‘홍성주 개인전’을 진행한다고 6일 밝혔다. 홍성주 개인전은 ‘리셋’을 전시 주제로 예쁜 손글씨와 시를 적은 캘리그라피 시화 작품 30점으로 꾸며졌다. 리셋(50×70㎝), 굽은 등이 굴러 간다(70×50㎝), 산에게 산이(70×50㎝), 오일장날(70×50㎝) 등 작품을 한 자리에서 만나볼 수 있다. 대다수의 작품에서는 힘든 시기를 지나 여러가지 어려운 상황 속에서도 삶을 돌아보며 스스로를 재정비할 수 있는 시간이 될 수 있기를 바라는 마음이 담겨있다. 홍성주 작가는 “누구나 공감할 수 있는 삶의 내용을 담은 시를 캘리그라피 작품에 표현했다. 현대시의 패턴을 피해 독자들에게 쉽게 다가갈 수 있는 짧고 간결한 자작시와 시조를 그려냈다”고 전했다. 사회공헌홍보부 김종학 팀장은 “지역 예술가들의 창작활동을 지원하고 지역민들의 문화활동 기회를 확대하기 위해 BNK경남은행갤러리 무료 대관 사업을 추진하고 있다. 올해 첫 대관전시 홍성주 개인전을 통해 BNK경남은행갤러리의 문을 활짝 연다. BNK경남은행갤러리에 많은 고객과 지역민들이 관심과 사랑을 보내주기를 바란다”고 말했다. BNK경남은행은 홍성주 개인전을 시작으로 2023년 상반기 BNK경남은행갤러리 대관전시를 총 6회 진행할 계획이다. 다음 전시는 노천웅 개인전, 윤호정 개인전, 진해장애인복지관 단체전, 박미숙 등 3명 단체전, 허은주 개인전 순서로 진행된다. BNK경남은행은 2023년 하반기에도 접수를 받은 뒤 BNK경남은행갤러리 대관전시를 진행할 계획이다.

‘군자는 자기수양을 지극한 마음으로 해야 한다. 자기수양 후 모든 사람을 편안하게 하는 것이다.’ ‘군자는 곤궁 속에서도 굳세지만, 소인은 궁하면 멋대로 군다.’ ‘군자는 말하고자 하는 바를 먼저 행하고, 그 후에는 자신이 행함에 따라 말하느니라.’ 전시장에 들어서는 순간, 모든 성인군자가 한자리에 모여 앉아있는 줄 알았다. 그야말로 단번에 압도되고 만다. 관람객들은 경외로운 광경에 스스로 몸가짐을 살피며 전대미문의 전시와 마주한다. 조선백자 명품을 한자리에 모은 ‘조선의 백자, 군자지향(君子志向)’에서는 국가지정문화재 59점(국보 18점, 보물 41점) 가운데 절반이 넘는 31점(국보 10점, 보물 21점)과 일본 소재 수준급 백자 34점을 포함한 총 185점을 만날 수 있다. 교과서나 각종 자료집에서 보던 작품들을 가까이서 맨눈으로 보는 것이다. 일본 소재 수준급이란 해외에 소장되어 있어 국가지정문화재가 될 수 없었을 뿐, 국보급이란 말이다. 전시는 방대한 조선백자를 총괄하여 소개하면서도 그 안에 투영된 조선의 역사와 그 시대를 살아온 사람들의 정신세계를 함께 살펴보고자 한다. 조선 사람들이 유학을 통해 이루고자 했던 것은 ‘이상적인 인간상’ 군자를 닮는 것이었다. 매일 독서와 마음을 닦는 수양은 개인의 정신을 넘어 조선 사회가 이루고자 하는 가치가 되었고, 이는 백자에 그대로 투영됐다. ‘청화백자’에서 품격과 자기 수양의 의지를, ‘철화·동화백자’에서는 곤궁함 속에서도 잃지 않는 굳센 마음을, ‘순백자’에서는 바름과 선함을 찾는 등 조선백자를 바라보는 새로운 감상법을 제안한다. 고갱이만 추려놓은 1부 전시장의 경우 관람객들이 조선백자의 아름다움과 매력에 오롯이 집중할 수 있도록 가벽을 모두 없앴다. 유리로 제작한 쇼케이스 속 작품을 다양한 각도에서 들여다볼 수 있다. 작품을 고정하는 지지대도 간소화해 가려지는 부분이 거의 없다. 전시장 입구와 내부에 설치된 영상물(리움 DID)은 한눈에 보기 어려운 백자의 무늬를 한 폭의 그림처럼 평면으로 펼쳐 보여 감상의 재미를 배가한다. 전시는 총 4부로 구성되어 있다. ‘절정, 조선백자’라는 주제를 내건 1부는 명품 왕중왕 42점을 한 공간에 모아 놓았다. 조선 초기 청화백자 중에서도 당당한 형태와 화려한 그림 장식으로 널리 알려진 ‘백자청화 매죽문 호’(국보)는 궁중 화원의 솜씨가 유감없이 발휘된 최고의 명품이다. 매화와 대나무의 활달한 표현뿐 아니라 상부와 하부의 꽃잎과 같은 보조문양, 단정한 형태와 깨끗한 흰 바탕이 조화를 이룬다. 고려의 매병에서 조선의 호로 변해가는 과도기적 특징을 보여주는 ‘백자청화 홍치명 송죽문 호’(국보)는 1489년이라는 명확한 제작 시기가 표기되어 있어 조선 전기 도자사 연구의 표준이 되는 작품이다. ‘백자철화 포도문 호’(국보)는 특유의 강렬한 색과 묵직한 힘으로 독자적인 아름다움을 선보인다. 포도와 포도잎에 응축된 색은 사대부가 즐기던 수묵화를 연상시켜 그 격조를 느끼기에 부족함이 없다. 조선 중기 철화백자가 가진 풍성한 매력을 잘 보여준다. 조선의 절제된 화려함과 창의적이고 진보적인 조형감각이 빚어낸 수작 ‘백자청화철재동채 초충난국문 병’(국보)은 조선백자에 쓰였던 모든 안료가 사용된 걸작 중의 걸작이다. 양각 기법을 이용하여 도드라진 문양들 위에 청화(산화코발트가 섞인 푸른색 안료), 철화(산화철이 섞인 붉은색 안료), 동화(산화동이 섞인 갈색 안료) 등을 곁들여 채색 장식한 백자로 학술적 가치도 높다. 한 기물에 세 안료를 쓴 예는 극히 드물다. 이 안료들은 각기 성질이 달라 가마 환경 영향을 크게 받는 등 제작 과정에서 몹시 까다로운 공정을 거치기 때문이다. 당시 도자 장식 기법 중 가장 고난도 기술이 적용된 셈이다. ‘백자 개호’(국보)는 고고한 정신세계를 추구한 성리학자들의 안목에 어울리는 엄정한 기품이 서려 있다. 조선 전기 새 왕조의 활기찬 기풍을 반영하듯 기운 넘치고 당당한 자태를 자랑한다. 18세기를 대표하는 ‘백자 달항아리’(보물)는 고결한 인품을 상징하듯 티 없이 깨끗한 아름다움을 추구한다. 2부 ‘청화백자’는 하얀 바탕에 푸른색 안료로 장식한 문양의 변화를 통해 위엄과 품격, 그리고 새로운 영향에 의해 변모해가는 혁신을 보여준다. 높이 60㎝가 넘는 크기로 용이 그려진 항아리 중 가장 큰 ‘백자청화 운룡문 호’, 상상의 꽃인 보상화를 백자의 형태에 맞추어 적절히 변형한 ‘백자청화 보상화당초문 잔받침’, 소나무와 매화의 세부 표현과 안료의 농담 활용이 뛰어난 ‘백자청화 송매문 호’ 등을 소개한다. 청화 바탕에 동 안료를 더한 ‘백자청화동채 모란문 호’는 화려함 속에서도 품격을 잃지 않는 모습이고, 민화의 대표 소재 ‘까치와 호랑이’가 등장하는 ‘백자청화 송하호작문 호’, 각진 병을 차례로 포갠 듯 특이한 형태의 ‘백자청화 서수문 각병’ 등은 새로운 문양 소재와 형태가 도입되던 당시의 변화를 알린다. 3부 ‘철화·동화백자’에서는 조선 중기 일본, 중국과의 큰 전란 탓에 청화 안료 수급이 어려워지자 등장한 철화백자 특유의 강렬함과 변화무쌍한 색 변화를 다룬다. 힘찬 용과 박력 있는 구름이 인상적인 ‘백자철화 운룡문 호’, 꽃 모양을 빙글빙글 돌아가는 선으로 그리고 뒷면에 가지와 너른 잎들을 여백을 두고 묘사한 ‘백자철화 초화문 호’ 등은 청화백자와는 또 다른 품격을 드러내 보인다. 4부 ‘순백자’는 흰 눈같이 맑고 청명하다가 우윳빛 같기도 하고 푸른빛이 반짝거리는 벽옥색을 띠는 등 순백자의 고요하게 응축된 색을 들여다보는 코너다. 조선 전기에 만들어진 ‘백자 호’는 눈처럼 흰 빛깔로 단정하고 산뜻한 순백을 보여준다. 후기의 ‘백자양각 연판문 병’은 몸체를 깎아 표현한 3중의 연꽃 잎과 음각선으로 묘사한 생동감 넘치는 잎맥이 청초한 색과 하나가 된다. 이준광 리움미술관 책임연구원은 “조선백자의 최고 명품부터 수수한 서민의 그릇까지 백자의 다양한 면모를 한자리에서 볼 수 있다”며 “백자의 진정한 매력을 ‘군자’의 덕목과 연결해 놓았다”고 밝혔다. 전시장을 돌아보고 나면 마치 수백 년쯤 거뜬히 살 것만 같은 힘을 얻는다. 5월 28일까지 서울 이태원 리움미술관에서 무료 관람할 수 있다. 관람 2주 전 미술관 홈페이지를 통해 예약해야 한다.

캔버스 위에 여린 수채 물감을 수차례 쌓아 올린 맑고도 단단한 화면. 전현선(34)의 붓은 자유롭다가도 조심스럽게, 계획적이다가도 분방하게 화폭에 흔적을 남기고 간다. 화면에 스밀 듯 떠오르고, 공중에 흩어질 듯 안착하는 생각의 모양들. 말로는 옮길 수 없어 그림이 되어야 했던 다채로운 상상들, 감정들…. 전현선은 동시대 가장 주목받는 회화 작가 중 하나다. 지난해 아트스펙트럼 2022(리움, 2022)과 제20회 송은미술대상(송은, 2020), 제6회 종근당예술지상(종근당, 2017), 제37회 중앙미술대전(중앙일보, 2015) 등에 선정되었으며 갤러리2(2022, 2020, 2018), P21(2019), 대안공간 루프(2018), 이화익갤러리(2016), 플레이스막(2015) 등에서 개인전을 개최했다. 국립현대미술관 청주관, 부산시립미술관, 수원시립아이파크미술관, 두산갤러리, 인사미술공간, 하이트컬렉션 등에서 연 단체전에 참가해 작품을 선보였다. 자신의 그림과 글을 엮어 ‘그림이 된 생각들’(도서출판 열림원, 2015), ‘붉은 모서리, 녹색 숲’(헤적프레스, 2019), ‘모든 것과 아무것도’(헤적프레스, 2022) 등의 책을 출간하기도 했다. ◆전현선의 숨 쉬는 도형들, 공명하는 모서리들 전현선이 그리는 세상은 기하학적 도형과 유기적 자연이 조화로운 균형을 이루어내는 장소다. 서로 다른 두 세계를 거듭 뒤섞고, 정돈하며 그만의 이야기를 만들어간다. 2014년을 전후하여 그림 안에 수수께끼 같은 원뿔이 나타나기 시작했다. 전현선에게 원뿔은 일상에서 마주하는 불확실성의 상징이다. 삶의 모호한 사건과 감정을 상징하는 도상이고, 언어로 규정할 수 없는 것들을 은유하는 추상이다. 원뿔은 다양한 화면 위에서 산이 되고, 원기둥이 되었다가, 여러 개의 모서리를 지닌 도형으로 변모하고는 했다. 미술에서 추상이라는 용어는 20세기 초에 처음 사용되었다. 독일의 미술사가 빌헬름 보링거(1881∼1965)의 박사학위 논문 ‘추상과 감정이입’(1906∼1907)이 중요한 계기가 됐다. 보링거는 창작자의 심리에 기반하여 미술 양식을 구분 지었다. 그는 당대의 서구 사실주의 미술이 ‘감정이입 충동’에 의해 제작되는 반면 서구 바깥의 미술은 ‘추상 충동’에 의거하여 창작된다고 했다. 후자의 대표적 사례는 이집트, 비잔틴 미술의 기하학적 표현이다. 보링거는 추상 충동이 ‘미지의 우주에 대한 불안’에서 출발한다고 보았다. 합리주의적으로 사고하는 서구와 달리 동양권이나 부족사회의 예술가들은 신비로운 영적 세계관을 유지하고 있었다. 보링거는 이들이 ‘반짝이는 마야의 베일 속 세상’을 본다고 했다. 인지 영역 너머의 초월적 존재를 염두에 두고 세상을 대한다는 것이다. 모호한 관념의 세계에 규칙과 질서를 부여하여, 불안을 떨쳐내고자 하는 심리가 추상으로 나타난다는 설명이다. 뿔과 원기둥, 다각형들이 추상 충동의 발현이라면, 그와 대조되는 자연의 유기적 형상들은 감정이입 충동에서 비롯한 표현이다. 오늘날을 살아가는 전현선의 예술의욕은 두 가지 심리의 복합 작용에 의해 생겨난다. 통제 불가능한 우주를 추상적으로 정돈하는 한편 삶의 장면을 재현적으로 포용하고자 하는 마음이다. 미지의 세상을 나름의 방식으로 이해하고, 또 한편 진실로 공명하기 위해서다. 전현선의 화면 속 기하학적 도형들은 저마다 달리 율동하는 자연의 성질 또한 품고 있다. 기하학적 우주 안에 붓으로 밀어 넣은 색채가 따뜻하게 생동한다. 반듯한 직선을 흐트러트리는 물감 자국이 현실의 우연성을 드러낸다. 고개 내민 동식물의 모습이 숨 쉬는 생명의 힘을 연상하게 한다. 나뭇가지를 닮은 옷걸이는 불현듯 한 그루 나무가 되고, 잎사귀처럼 매달린 다각형은 화가의 캔버스가 된다. 전현선의 그림 속에서 실재는 추상이 되고, 추상적인 것들은 도리어 사실적인 것이 된다. 추상이 화면을 지배할수록 붓의 온기가 더욱 돋보인다. ◆열매가 되기… 더 풍요롭게, 세상과 관계 맺기 숲속을 구르는 솔방울, 방 한편에 싹 틔운 양파 무리, 화면을 기웃대는 아보카도와 크고 작은 무화과들. 전현선의 회화에는 열매가 줄곧 등장한다. 자연의 결실들은 조각처럼 빚은 듯하면서도 결코 대칭을 이루지 않는 얼굴을 갖고 있다. 단단하게 에워싼 껍질 아래에 기특한 생명을 머금은 존재이기도 하다. 그중에서도 무화과가 가장 눈에 띈다. 주로 온난한 기후에서 열매 맺는 식물이다. 같은 품종이더라도 자라나는 곳의 기후와 식생에 민감하게 반응하여 때마다 다른 잎을 낸다. 겉모습만 보아서는 꽃을 찾을 수 없어 무화과(無花科)라는 이름을 얻었으나 사실 열매 자체가 하나의 꽃이다. 껍질로 보이는 부분이 꽃받침이며 그 아래 붉은 속내가 모두 꽃인 것이다. 송은미술대상전에 선보인 ‘열매에서 기둥’(2020) 속 거대한 무화과는 비슷한 키의 원기둥을 나란히 마주한 모습이다. ‘두 개의 기둥과 모서리들’(2021)에서는 머리만 빼꼼 내놓은 모습으로 거대한 도형들 뒤편에 숨어 우리를 지켜본다. ‘연두색 안개’(2022)에서는 과일 본연의 모습답게 탁자 위에 굴러다니며 휴식한다. 각기 다른 모양의 열매들을 매번 다른 관점에서 보고 그린 것이 특징이다. 열매들은 작가 자신의 투영이자 그가 세상과 맺는 관계의 상징이다. 식물들이 주변 환경에 따라 서로 다른 결실을 맺는 것처럼 우리를 둘러싼 세상의 온도와 습도, 영양분의 다름에 따라 관계의 모습도 달라진다. 제주의 갤러리2 중선농원에서 전현선의 개인전이 진행 중이다. ‘형태들(Shapes)’이라는 제목의 전시는 1월3일에 개막해 오는 25일까지 계속된다. ‘두 개의 기둥과 모서리들’ 연작을 포함하여 총 26점의 작품을 만나볼 수 있다. 전시의 중심 주제는 관계다. 세상의 형태들, 수많은 관계의 모양들에 대한 이야기다. 캔버스를 메운 기하학적 구조들이 건축 공간과 어우러져 그림 안으로 걸어 들어갈 수 있을 것만 같은 착각을 불러일으킨다. 각각의 장면이 연결되듯 이어지며 끝없는 확장의 가능성을 암시한다. ◆하얀 캔버스와 까만 구멍들 ‘중간에서 그리는 그림’(2022)의 화면 중앙에 비어 있는 캔버스가 보인다. 타인의 세상을 이해하고자 ‘중간’ 지점을 향해가면서 그가 손에 든 것은 캔버스다. 화폭을 받치고 선 나무 이젤의 머리맡에는 나뭇가지 여럿이 둥근 원을 그리며 떠 있다. 하얀 화면을 마주한 작가의 마음속 모양일까. 아니면 붓을 쥔 이에게 주어지는 마법 같은 순간의 상징일까. 같은 작품 우측 하단부에 까만 구멍이 있다. 토끼굴 같은 구멍은 ‘연두색 안개’의 화면에서도 유사한 모습으로 등장한다. 구멍 곁에는 움직임을 나타내는 기호처럼 몇 가닥 포물선이 그려져 있다. 빨려 들어가거나 뛰쳐나오거나, 구멍은 미지의 두 세계를 잇는 하나의 통로다. 색으로 가득한 세상 한가운데, 캔버스와 구멍의 무채색 빈자리가 눈에 밟힌다. 채우지 않은 화면이 의아하고, 어두운 굴속 이야기가 궁금하다. 아무것도 아니라서 무엇이든 될 수 있는 그 여백은 보는 이를 위해 남겨 둔 미완의 틈이 아닐까. 미지의 우주를 가린 수수께끼 베일처럼 진실 위에 한 꺼풀 덮어 놓은 것일까. 전현선의 세상 속에서 몇몇 관계는 추상이 되고 또 다른 몇몇은 재현이 된다. 알 수 없는 일들은 도형이 되고, 자신과 닮은 것들은 열매가 된다. 그러다 마주한 토끼굴 속 이야기들을 잠시 비운 채 남겨 두어도 괜찮다. 합리적인 해답을 찾지 못한다 해도 마야의 베일은, 현재의 시간은 그저 그 자체로서 반짝이니까. 궁금한 모양 그대로, 모호한 상태 그대로 나와 세상의 관계를 채색하는 일. 그렇게 자신의 우주를 이해하는 일. 신비롭고 아름다운 그림의 언어로, 물감의 온도로 전현선의 생각들이 열매 맺는다.

세상에는 온기를 머금은 수많은 단어가 있지만 그 가운데 유독 가깝고 흔해서 자칫 잊고 살기 쉬운 단어를 고르라면 바로 ‘가족’일 듯싶다. 날마다 얼굴을 마주하고 많은 시간을 공유하지만 서로 속마음을 온전히 내보이기가 구차하게 느껴지듯, 가장 익숙하고도 낯선, 가장 사랑스럽기에 가장 미워할 수밖에 없고, 서로 걱정하면서도 더욱 냉정해질 수 있는, 그래서 가장 가깝고도 먼 이름이 가족이다. 가족은 그 형성 과정이 신비하고도 자연스럽지만 서로에게 굴레가 되기도 한다. 나만의 인생이 아닌 가족 구성원 모두가 함께하는 삶이기 때문에 서로 기대만큼 서운하기도 해, 상처 주기 등을 반복한다. 그러면서도 우리는 어느새 제 자리에 와 있다. 가족이 갖는 아이러니다. 어떤 엇갈린 길을 가더라도 도착지는 하나다. 가족의 의미다. 이 시대가 간직해야 할 희망이다. 엄마가 살고 있는 집은 온통 구식과 고물뿐이다. 화장실은 툭하면 얼어붙어 볼일조차 해결하기 불편하고, 여기저기 손보고 고쳐야 할 것들만 잔뜩 쌓였다. 자식들의 성장기에는 ‘우리 집’이었지만, 하나둘씩 출가한 이후부터는 언젠가 ‘엄마 집’이 되어버린 곳, 가족 구성원 애증(愛憎)의 공간으로만 남은 곳… , 그 집에서 자랐거나 살고 있는 사람들의 이야기가 들리는 것만 같다. 맹성규, 민진영, 배지인, 임윤경, 현세진, 황예지. 여섯 작가는 그룹전 ‘K의 이름’을 통해 각자 가족 이야기를 털어놓는다. 탈(脫) 가족을 시도하거나 가족과 거리를 두는 것으로 그 너머의 세상을 바라보기도 하며, 다시 가족에게로 파고드는 시도를 이어간다. 현대사회 핵가족의 한 구성원인 K의 이름을 부름으로써 그의 존재를 확인하고, K가 궁극적으로 도달하게 될 그의 가족에 관한 숨겨진 질문에 스스로 답하기를 권한다. 당신은 누구 때문에 ‘오랫동안 구체적’으로 (마음) 아파보았는가? 그렇다면 그를 사랑한 것이다. 사랑의 최소 단위인 ‘가정’이 해체되고 있다. ‘오랫동안 구체적으로 고통받는 일’은 이제 비효율적이고 어리석은 일이 되어간다. 우리가 당연히 가족이라 생각하는 부모 역시 수십 년 전엔 서로 남남이었다. 그 두 사람이 만나 ‘오랫동안 아파한 시간’이 가족이라는 울타리를 엮어냈다. 그리고 우리들 대부분은 그 속에서 보호받고 성장했다. 그 인고의 순간이 모여 ‘사랑’이 되었다. 맹성규는 목사인 아버지가 세운 ‘세계로교회’ 건축물을 본떠 세계 여행용 어댑터를 만들었다. ‘세계로 트래블 어댑터’의 구조는 종교적 슬로건인 ‘세계로’가 해체되어 통상적 의미의 ‘세계로’로 재구성되는 과정을 보여준다. 대만에 거주하는 아버지의 어댑터 사용 영상을 앞뒤로 배치함으로써 자신의 성장 배경이 된 교회 건물과 아버지의 세계관을 해체, 재조합, 변형하고자 시도한다. 관람자는 아버지가 해석한 어댑터 영상과 작가가 해석한 어댑터 영상을 겹쳐서 바라봄으로써 ‘세계로’가 갖는 아버지-아들의 관점 사이에 서게 된다. 자궁을 뚫고 뻗어 나온 광선과 자궁 주변을 일정한 간격을 두고 맴도는 형상은 작가 민진영 자신의 고단한 싸움과 오버랩된다. 민진영은 연약한 한 인간의 성장을 위한 긴 여정을 위대함의 선상으로 끌어올려 놓았다. 공동체 안에서 살아가는 개인의 지혜를 ‘연민’에서 찾을 수 있다고 보는 작가의 시선과 연결된다. 자신의 경험적 서사를 담은 ‘Between roof and roof’, 트레싱지를 겹쳐 환부를 가리고자 시도한 드로잉 연작을 통해, 타인의 고통을 바라보는 관점을 제안하면서 동시에 자신의 고통 역시 치유하고 있다. 배지인은 가족사진을 들여다본다. 모두 12살 이전의 사진들이다. 누군가의 집, 한구석에서 발견할 수 있을 법한 앨범 속 사진들이 조금은 왜곡되거나 가려진 채로 그려졌다. 추억의 장면들을 선명하게 밝히거나 흩트리면서 자신의 기억을 찾아간다. 가족으로부터의 독립을 원했지만, 결국 도착한 곳은 가족이었다고 말하는 작품 ‘꺼지지 않게 조심해’에는 언제든 찾아갈 수 있는 안식처이지만 동시에 불안이 사그라지지 않는 대상들이 가득하다. 인물은 모두 가족, 또는 가족처럼 가까운 이들이다. 작가는 이들의 얼굴을 선명하게 묘사하거나 알아볼 수 없게 지우는 과정을 통해 ‘가족’과 ‘가족처럼 가까운 이들’의 경계를 흐린다. 임윤경은 ‘이름던지기’에서 자신의 가족과 함께 공놀이 퍼포먼스를 진행한다. 관람자는 각각의 등장인물이 서로의 호칭을 호명할 때 그들이 가족인 것을 알게 된다. 가족 구성원으로서의 역할이 한 개인으로서의 삶보다 우선하는 현재의 가족 구조 안에서, 작가는 가족주의를 걷어내고 개인으로서 자신의 이름을 찾을 수 있을지 질문한다. 그리고 가족 구성원 사이의 거리에서 개인의 자리 찾기와 균형 잡기를 위해 서로의 이름 던지기를 제안한다. 현세진은 ‘지우고 그리고 지우기-나의 방’에서 이혼한 부모 각자의 집에 있는 자신의 방 평면도를 겹쳐 그렸다. 엄마의 집에 있는 작가의 방과 아빠의 집에 있는 작가의 방의 중첩된 구조는 이혼한 부모를 가진 자신의 상황을 나타낸다. 전시장에 횟가루로 그려 겹쳐진 도면은 넘어다닐 수 없는 단단한 벽을 상상하게 하지만, 이는 단지 가루로 그려진 선일 뿐이기도 하다. 작가는 전시 기간 동안 관람자들이 경계를 흩트리거나 선명하게 그릴 수 있도록 작품에 참여시킨다. 가족의 단절을 바라보는 그들의 관점을 드러내게 할 것이다. 이러한 과정을 통해 작가는 부모의 이혼으로 인한 구조적, 심리적 변화를 재해석할 수 있는 작가 나름의 경계를 찾아간다. 황예지는 ‘파파 papa’에서 ‘아빠’를 인터뷰한다. 아빠는 말하지 못할, 또는 충분히 설명할 시간이 부족한 사연에도 딸이 이해할 수 있도록 차근차근 대답해 나간다. 아빠는 딸에게 자신을 온전히 보여주고자 하고, 딸은 오롯이 아빠에게 집중하고 있다. 관람자는 화면 속 ‘파파’를 보고 있지만, 어느새 아빠의 살기 위한 투쟁과 역경을 경청하고 있는 딸의 얼굴을 상상하게 된다. 그의 작업으로부터 가족과 유대하는 방식을 배운다. 각자에게는 힘든 세상이지만 함께할 때 발휘되는 가족의 연대가 무엇인지, 그것이 어떻게 이 가족에게 가능한 것인지 생각하게 한다. 아빠의 “반갑습니다”라는 인사가 우리에게 실마리를 던지고 있다. 서울 금천구 범안로 아트센터 예술의시간에서 4월1일까지 관람객을 맞는다.

날씨나 기후변화를 촬영해 멋진 예술 작품으로 승화시킨 사진이나 영상 가운데 훌륭한 작품을 고르기 위한 온라인 투표가 실시돼 눈길을 끈다. 특히 투표자들 가운데 100명을 선정해 소정의 상품을 주며 누구나 투표에 참가할 수 있다. 기상청은 오는 12일까지 ‘제40회 기상기후 사진·영상 공모전’ 수상작을 뽑는 온라인투표를 진행한다고 2일 밝혔다. 공모전은 지난 1월19일부터 2월19일까지 한 달간 열렸다. 많은 사람들이 일상 속에서 포착한 기상 현상을 사진과 영상으로 담아 지원했다. 공모 주제는 ▲일상 속 신비로운 기상·기후 현상 ▲기후변화로 인한 현상 또는 기후 위기로 보이는 모습 ▲가뭄과 홍수, 대설, 태풍, 지진 등으로 인한 자연재해 현상 ▲날씨와 함께 살아가는 우리들의 모습 등이었다. 투표는 ‘기상기후사진영상 공모전 홈페이지’에서 진행되며 투표자 중 100명에게는 소정의 상품을 준다. 현재 심사위원 심사로 추려진 입상 후보작은 사진 37점과 영상 3점이다. 사진 중엔 총 7점이 대상(환경부장관상), 금상, 은상(2점), 동상(3점) 입선 등으로 시상되며, 영상은 특별상으로 시상한다. 수상작은 오는 16일 발표될 예정이다. 매회 수상작은 세계기상기구(WMO)의 다음 해 기상 달력 사진 공모전의 후보로 출품된다. 우리나라는 매년 입상작을 배출해 왔다. 지난해에는 2023년 달력 10월의 표지로 선정된 바 있다.

한국 풍경화의 거장 고(故) 강길원 화백의 1주기를 맞아 그의 예술혼을 기리는 추모전이 7일부터 4월 10일까지 서울 강남구 신사동 가로수길 아트강스페이스(ARTKANG Space)에서 열린다. 1939년 전남 장흥에서 출생한 강 화백은 1958년 광주사범학교를 거쳐 1958년 조선대 미술대학에 장학생으로 입학했다. 서양화단의 거목 오지호, 임직순 등을 사사하며 20대 약관의 나이에 당대 최고의 관전인 국전시대 스타로서 인정받았다. 오랜 역사를 자랑하는 목우회, 현대사생회, 조미회 등의 원로로 활동했다. 제주대학교, 공주대학교 미술과 교수를 지낸 구상시대의 대표적 작가다. 강 화백은 늘 현장을 찾아가 자연의 미적 요소를 찾아내고 그 순수자연의 미적 요소를 화폭에 옮겨왔다. 그는 생전 언론 인터뷰에서 “평생을 그림 그리며 오직 순수자연에 머물며 자연과 호흡해 왔고 자연으로 인해 살아있다는 사실을 긍정하게 되고 자연미와 동질성을 갖고자 했다”고 밝혔다. ‘가을 찬가‘, ‘서귀포의 야망‘, ‘캘리포니아 해변‘, ‘거제도의 여름바다‘, ‘조치원의 과수원‘, ‘금수강산’, ‘봄의 노래’, ‘진도풍경’, ‘한라산 축제’ 등 다수의 작품을 남겼다. 특히 그는 독창적인 화풍 ‘역원근법’을 개척해 화단의 주목을 받았다. 대표작 ‘칠두마의 휴식'은 국내는 물론 해외에서도 호평을 받았다. 이번 전시회를 마련한 부인 서양순 화백은 “(강 화백은) 20대 최연소 국전 추천작가가 될 만큼 맹목적인 노력과 풍부한 색채 미감으로 동서양을 막론한 현실풍경을 작가 정신으로 풀어낸 구상시대 대표작가”라며 “작고한 지 1년여 시간이 흘러 그를 회상하기 위해 작품을 시대별로 재구성해 추모전을 열게 됐다”고 말했다. 전시회 공간 아트강스페이스는 강 화백의 작업실을 개조해 새롭게 문을 연 공간이다.