흰 천 조각보들에 둘러싸인 조명이 천장에서 아래로 내려왔다 올라가길 반복한다. 전시장에 퍼지는 음악에 맞춰 춤을 추는 듯하다. 조명이 움직일 때마다 실크 천인 부드럽고 섬세한 주름이 플레어스커트 펼쳐지듯 펴졌다 오므려진다. 아침마다 활짝 피어나 사람들에게 인사하는 나팔꽃처럼, 밝은 빛을 보여주며 제 잎을 활짝 핀 모습으로 관람객에 다가갔다가, 다시 잎을 오므려 빛을 줄이고 천장으로 올라가며 관람객에게서 멀어진다. 이 조각은 키네틱 아트(움직이는 설치 작품) 예술가 ‘드리프트(Drift)’의 작품 ‘샤이라이트(Shylight)’다. 밤낮의 길이, 온·습도에 반응하면서 잎과 봉우리를 스스로 움직이는 꽃들의 개폐운동에서 영감을 받았다. 공학적 설계로 자연의 원리를 재현해냈다. 기계의 운동이면서도 자연의 원리와 서정성이 풍겨 새로운 차원의 아름다움을 보여준다. 자연의 아름다움과 인간의 기술을 융합해내는 이들은 이렇게 말한다. “기술은 자연의 진화다.” 드리프트의 아시아 첫 개인전 ‘인 싱크 위드 디 어스(In Sync with the Earth)’가 서울 용산구 이태원로에 위치한 현대카드 스토리지에서 8일 시작됐다. 드리프트는 네덜란드 암스테르담을 기반으로 활동하는 남녀 아티스트 듀오다. 근래 세계 미술계에서 가장 주목받고 있는 키네틱 아트 작가 중 하나다. 1999년 디자인 학교에서 처음 만나 여러 대화 속에서 공감을 이어오다, 2007년 아티스트 듀오를 결성하고 본격적인 작품 활동을 펼쳐왔다. 암스테르담 시립미술관, 주목받는 신진 아티스트들의 전시를 선보이는 미국 뉴욕 ‘더 쉐드’ 등에서 개인전을 열며 주목을 받았다. 조각, 설치, 퍼포먼스, 미디어아트 등 다양한 분야를 넘나들지만 특히 주목을 받은 것이 키네틱 아트 작품들이었다. 전시장에는 드리프트의 대표적인 키네틱 아트 시리즈와 조각 작품이 나와 작가의 예술 세계를 한눈에 보여준다. ‘샤이라이트’, ‘앰플리튜트(Amplitute)’, ‘프래자일 퓨처(Fragile Future)’, ‘머테리얼리즘(Materialism)’ 시리즈다. 전시장 전체가 평온한 자연의 풍경화 속에 들어온 분위기다. 가령 ‘샤이라이트’가 살아 숨 쉬는 생화의 운동감을 느끼게 해주는가 하면, 이어서 만나게 되는 ‘프래자일 퓨처’는 민들레 흐드러진 언덕 앞으로 관람객을 인도한다. ‘프래자일 퓨처’는 작가가 머무는 암스테르담 자연 속에서 민들레 꽃씨를 수확해 건조한 뒤, 꽃씨에서 한 가닥씩 떼어 전구에 일일이 연결한 작품이다. 민들레 꽃씨를 분해해 중심에 극도로 작은 조명을 심은 뒤 다시 원래 형태로 민들레 꽃씨를 재탄생시키는 셈인데, ㎜ 단위로 치밀한 설계가 요구된다. 이렇게 만들어진 민들레 꽃씨 1500개는 전시장에서 은은한 빛을 내며 공간을 황홀하게 채운다. 전시장에서 만난 드리프트 여성 멤버 로네케 홀다인은 “어린 시절에는 자연의 경이로움을 느끼지만 어른이 되면서 그런 감각을 잃게 되곤 한다. 자연의 여러 경이로운 소재들 중에서도, 민들레는 꽃이 피었다 진 뒤 씨앗이 남겨지고, 이 씨앗은 다시 날아갈 준비가 되면 스스로를 활짝 펼친다. 그저 바닥에 떨어지는 것이 아니라 바람을 타고 자유롭게 떠다니며 세상과 소통한다”고 말했다. 이들의 작업에는 자연과 기술이 공존해야 한다는 철학이 깔려있다. 자연을 섬세하게 관찰한다. 얼핏 고정된 것으로 인식되는 자연 속 곳곳에서 자연물이 살아 숨 쉬고 있음을 발견하고, 생명 운동을 반복하고 순환하는 메커니즘을 찾아낸다. 이를 다시 기술로 재현해 드러낸다. 기술의 우월성이 아니라 기술 역시 자연에서 비롯됐다고 말한다. 관람객은 자연과 기술 사이에서 연결감을 느끼게 된다. 한국을 찾은 이들은 “작품을 보고 감정적 응답이 나오는 것이 소통”이라며 “자연의 주파수를 느껴달라. 작품 앞에 오래 머물며 자연의 밸런스를 느껴달라”고 말했다. 내년 4월16일까지.

어둠은 아래로 가라앉고 그 위로 흰 양떼가 구름처럼 몽글몽글 몰려온다. 대지는 점점 밝아진 노란 빛으로 이내 가득 차오른다. 멀리 수평선이 공간을 경계지을 때까지, 땅 위가 희망의 빛으로 물들었다. 이 그림을 그린 작가는 “작업 중이던 어느 날 새벽, 이상한 소리가 나 창문을 열어봤더니 공원에 엄청나게 많은 양들이 소리를 내며 지나갔다. 어스름한 가운데 형태만 살짝 비쳤던 양떼가 지나가고 잠시 후 동이 트며 해가 떠올랐다. 양떼가 아침을 데려왔구나 싶었다. 꿈인가 싶은 장면이 너무 특별해 작업으로 남겼다”고 말했다. 서울 용산구 회나무로에 위치한 ‘지구와 사람’이 갤러리로 변신해 이현(64) 개인전 ‘색채유희’를 최근 시작했다. 이탈리아 로마에서 활동해온 이현 작가가 9년 만에 국내에서 여는 개인전이다. 신작을 포함해 약 20점을 선보인다. 이 작가는 팔강, 노랑, 파랑, 초록 등 원색의 화려한 색감으로 특유의 평온한 분위기를 만들어내는 작가다. 원색의 강렬한 색감을 쓰면서도 튀거나 다투지 않고, 스며들 듯 관람객에 온기와 생명감이 전해진다. 전시장에서 만난 작가는 “서구의 과학은 빛의 삼요소, 색의 삼요소로 각각 빨·노·초, 빨·노·파를 규명하고, 이들이 섞여 백이 되고 흑이 된다고 했다. 동양 철학에서도 이 다섯 색은 오방색으로 불리며 세계와 물질의 가장 본질을 상징하는 의미로 여겨진다. 이탈리아로 넘어가 그림을 하면서 서구 사회 속 동양인으로서 서양적인 것과 동양적인 것에 차이는 없다는 걸 발견했다. 결국 본질은 같은 것이다. 이 조그만 지구 안에서 차이는 없다는 생각을 하게 됐다”고 말했다. 이어 “회화의 가장 기본, 색의 가장 기본인 것만으로 그림을 만들어 보리라 결심했고 이탈리아의 치니(CINI)문화재단 전시 때 관람객과 교감이 가능하다는 것을 확인한 뒤 이 같은 작품을 이어어고 있다”고 덧붙였다. 자연을 표현한 원색 풍경화에선 자연이 가진 치유의 힘이 느껴진다. 작가의 경험이 자연스레 녹았다. 작가는 “나란 사람은 어두운 인간이었고 비관적이고 비판적이며 저항성이 강한 성향이었다. 이런 것들이 삶을 압도해오자 힘이 들었는데 로마의 햇빛을 만나면서 변화를 겪었다”고 말했다. 12월 31일까지.

어둠은 아래로 가라앉고 그 위로 흰 양 떼가 구름처럼 몽글몽글 몰려온다. 대지는 점점 밝아진 노란빛으로 이내 가득 차오른다. 멀리 수평선이 공간을 경계 지을 때까지, 땅 위가 희망의 빛으로 물들었다. 이 그림을 그린 작가는 “작업 중이던 어느 날 새벽, 이상한 소리가 나 창문을 열어봤더니 공원에 엄청나게 많은 양들이 소리를 내며 지나갔다. 어스름한 가운데 형태만 살짝 비쳤던 양 떼가 지나가고 잠시 후 동이 트며 해가 떠올랐다. 양 떼가 아침을 데려왔구나 싶었다. 꿈인가 싶은 장면이 너무 특별해 작업으로 남겼다”고 말했다. 서울 용산구 회나무로에 위치한 ‘지구와사람’이 갤러리로 변신해 이현 개인전 ‘색채유희’를 최근 시작했다. 이탈리아 로마에서 활동해온 이현(64) 작가가 9년 만에 국내에서 여는 개인전이다. 신작을 포함해 약 20점을 선보인다. 이 작가는 빨강, 노랑, 파랑, 초록 등 원색의 화려한 색감으로 특유의 평온한 분위기를 만들어내는 작가다. 원색의 강렬한 색감을 쓰면서도 튀거나 다투지 않고, 스며들듯 관람객에 온기와 생명감이 전해진다. 전시장에서 만난 작가는 “서구의 과학은 빛의 삼요소, 색의 삼요소로 각각 빨노초, 빨노파를 규명하고, 이들이 섞여 백이 되고 흑이 된다고 했다. 동양 철학에서도 이 다섯 색은 오방색으로 불리며 세계와 물질의 가장 본질을 상징하는 의미로 여겨진다. 이탈리아로 넘어가 그림을 하면서 서구 사회 속 동양인으로서 서양적인 것과 동양적인 것에 차이는 없다는 걸 발견했다. 결국 본질은 같은 것이다. 이 조그만 지구 안에서 차이는 없다는 생각을 하게 됐다”고 말했다. 이어 “회화의 가장 기본, 색의 가장 기본인 것만으로 그림을 만들어 보리라 결심했고 이탈리아의 치니(CINI)문화재단 전시 때 관람객과 교감이 가능하다는 것을 확인한 뒤 이같은 작품을 이어어고 있다”고 덧붙였다. 자연을 표현한 원색 풍경화에선 자연이 가진 치유의 힘이 느껴진다. 작가의 경험이 자연스레 녹았다. 작가는 “나란 사람은 어두운 인간이었고 비관적이고 비판적이며 저항성이 강한 성향이었다. 이런 것들이 삶을 압도해오자 힘이 들었는데 로마의 햇빛을 만나면서 변화를 겪었다”고 말했다. 이번 전시는 작품 속에 녹아있는 자연친화적 성격과 공간의 지향점이 어우러지는 전시다. 이현 작가가 재단법인 ‘지구와 사람’을 후원하기 위해 9년 만의 한국 개인전 장소로 택했다. 수익금을 재단에 기부할 예정이다. 1997년부터 이 작가와 교류해온 강금실 전 법무부 장관이 이사장으로 있는 ‘지구와사람’은 생태대(Ecozonic Era·생명공동체)의 문명을 지향하는 연구모임에서 출발해 2020년 설립됐다. 서울 종로구 삼청동에 사무국을 두고 연구, 강연, 세미나 등을 진행하는 학술공동체로 가동되던 것을 최근 용산 경리단길로 이전하면서 복합문화공간으로 발전시켰다. 삼청동 사무국 시절이 ‘지구와사람 시즌1’이었다면, 이제 ‘시즌2’를 열면서 공연, 미술 등 예술 활동을 겸해 누구나 접근하고 소통할 수 있는 대중적인 공간으로 만들겠단 계획이다. 미술계에 시장이 비대해지는 데 반해 담론 생산의 장이 부족한 가운데, 예술을 통해 환경·생태이슈에 전문화된 문화공간으로 기대된다. 전시 기획자로 나선 이는 대학로 유명 극단 ‘차이무’ 출신 강영덕 배우다. 재단 설립 때부터 내부 행사로 진행한 공연과 퍼포먼스, 영상 작품 등을 직접 기획, 수행해왔고 2021년 ‘펼쳐진 구’, 2022년 ‘반려 지구’ 전시를 기획하기도 했다. 강영덕 문화예술팀장은 “이번 전시는 공간과 작품의 일치를 통해 더 큰 공감을 끌어내고자 했다”고 밝혔다. 기자간담회에서 이 작가와 함께 전시 설명에 나선 강 이사장은 “인간의 삶에서 가장 중요한 것은 진리추구다. 진·선·미 중에서 선만 추구하면 역설적으로 추악해질 수 있고, 선을 상실한 채 미만 추구하면 파시스트의 아티스트가 되는 경우도 나온다. 재단은 학술공동체로 출발했지만, 진·선·미의 결합이 반드시 필요하다고 봤기에 예술과의 융합을 지향했고, 대중과 호흡할 수 있는 계기도 되길 바란다”고 말했다. 12월 31일까지.

롯데백화점은 영국 작가 알피 케인(Alfie Caine)의 개인전을 아시아 최초로 연다고 7일 밝혔다. 알피 케인은 미술 사이트 ARTSY에서 올해 컬렉터들이 가장 기대하는 작가 1위에 뽑힌 신진 아티스트다. 알피 케인은 싱글앨범을 발매한 뮤지션으로서의 이력 등 다재다능한 능력을 선보이고 있다. 특히 수 천만원을 호가하는 작품이 3배 이상의 가격에 팔리기도 하고, 세계 거장 아티스트인 데이비드 호크니와 에드워드 호퍼를 연상케 한다는 평을 받으며 세계적으로 주목을 받고 있다. 오는 9일부터 내년 2월 12일까지 잠실 에비뉴엘 6층 아트홀에서 열리는 개인전 고요의 순간(MOMENTS OF CALM)에서는 16점의 대형 회화 신작이 소개된다. 대표 전시 작품은 같은 공간에서 다른 각도를 다양하게 보여주는 작품인 ‘House on the Peninsula(2022)’, ‘Entrance Overlooking the Bay(2022)’, 그리고 ‘Bath then Bed(2022)’ 등이다. 해당 작품들은 고객들이 새로워진 색채를 더 실감 나게 볼 수 있도록 모두 실제 공간 사이즈를 연상케 하는 대형 사이즈로 제작됐다. 최근 MZ세대에게 인기인 프리미엄 리빙 브랜드 ‘프리츠 한센’, ‘한스 웨그너’ 등에서 영감을 받아 사용한 오브제들을 작품 속에서 찾아 감상하는 것도 관객들에게 또 다른 즐거움을 선사할 것으로 보인다. 이번 전시회에는 알피 케인도 직접 한국을 찾아 관객들을 만날 예정이다. 롯데백화점은 현재 본점과 잠실점 등 6개 매장에서 갤러리를 운영하고 있다. 올해만 국내외 작가 150여명의 전시회를 여는 등 아트 콘텐츠 강화에 힘쓰고 있다.

국내 대형 상업화랑인 국제갤러리가 프랑스 파리 방돔 광장에 파리 지사를 개관했다. 2일 국제갤러리에 따르면, 프랑스 파리의 방돔 광장(Place Vendôme)에 갤러리 역사상 첫 번째 해외 지사를 연다. 국제갤러리는 1982년 서울에 설립된 이래 2018년 부산점을 냈다. 파리는 세번째 거점이다. 앞으로 국제갤러리의 소속 작가 및 프로그램을 파리 현지에 보다 적극적으로 소개하고 유럽 기반 작가들과 밀도 있게 협업하는 등 유럽 미술시장에서 활동하는 데 중요한 교두보로 쓰겠다는 설명이다. 국제갤러리 파리 지사는 이우환, 하종현, 권영우, 김용익, 구본창, 로버트 메이플소프, 장-미셸 오토니엘, 수퍼플렉스 등 세계적인 국내외 작가들의 작품을 선보이며 현지 고객들과 미술 관계자들을 맞이하겠다고 밝혔다. 방돔 광장은 파리 중심부 문화예술 허브로 각광받는 명소다. 18세기 신고전주의 건축 양식을 간직하고 있으며, 세계적인 럭셔리 패션 및 주얼리의 메카로도 알려져 있다. 인근에는 루브르 박물관(Musée du Louvre), 퐁피두 센터(Centre Pompidou), 오랑주리 미술관(Musée de l'Orangerie), 쁘띠 팔레(Petit Palais) 등 프랑스를 대표하는 미술관이 자리해 있다. 우고 론디노네(2016), 알렉산더 칼더(2021)를 포함한 저명한 현대미술가들이 야외 조각 및 설치 작품을 방돔 광장에서 선보이기도 했다. 파리는 최근 제1회 ‘아트 바젤 파리+(Paris+ par Art Basel)’를 개최해 닷새 동안 4만여 관객을 동원하기도 했다. 국제갤러리는 국내 갤러리 중 유일하게 ‘아트 바젤 파리+’에 참가해 하종현, 이기봉, 양혜규 등의 작품을 전시하고 판매했다. 국제갤러리 파리 지사의 기획 및 운영을 총괄하는 송보영 부사장은 “‘아트 바젤 파리+’는 파리 미술시장의 새로운 가능성을 확인할 수 있었던 기회였다”며 “파리는 유럽 내 문화예술의 중심지로 재도약하고 있다”고 밝혔다. 이어 “한국미술의 가치를 유럽에 더욱 효과적으로 알릴 수 있는 좋은 계기가 되기를 바란다”고 밝혔다.

이페로 작가의 개인전 ‘스와이프 아웃(Swipe Out)’이 서울 용산구 용산동3가에 위치한 라흰갤러리에서 열린다. 지난 9일부터 다음달 10일까지 진행되는 이번 전시에서 작가는 회화 약 20점을 선보인다. 갤러리에 따르면 이페로 작가는 오랜 기간 그를 괴롭혀온 신체의 통증을 상쇄하기 위해 화폭을 도피처로 삼고, 작업을 통해 바깥의 모든 것으로부터 초탈하기를 염원해왔다. 기존에 작가의 작업은 음식과 밥상, 이를 매개로 성립되는 관계를 주로 탐색하고 있는데, 이는 몸을 건전하게 유지하기를 바랐던 작가가 음식으로 섭생하는 생명의 작용을 이해하고 스스로와 관객에게 ‘치유의 열쇠’를 건네주고자 했기 때문이다. 또한 모든 생명체가 음식을 섭취함으로써 생존하고 식욕으로 몸을 일으켜 세운다는 사실에 착안해, ‘생의 본능적인 의지와 욕망’의 대목들을 이와 같은 주제로부터 도출해낸 바 있다. 이번 전시에서도 작가는 그가 꾸준히 다루었던 밥상이나 구미를 자극하는 각종 음식들을 선보인다. 다만 작가의 초점은 달라졌다. 특정 음식과 미각을 시각화거나 욕구와 의지의 기호들을 왕성하게 펼쳐보이는 것이 아니라, 오히려 욕망과 의지의 탑을 쌓는 것이 얼마나 부질없는지를 보여주고 있다. 특히 작가는 ‘형체를 지우는 작업’을 통해 이와 같은 섭리를 드러내고자 한다. 가령 작업이 명료한 완성 상태에 이르렀을 때, 그는 돌연 붓질로 화면을 밀어서 지우고 사람이나 동물의 입에 음식을 한가득 물린다. 입을 지우며, 입을 없애는 것으로 표정까지 지워버린다. 전략적으로 차용한 먹거리의 모티프들을 모조리 휩쓸어 버리는 셈이다. 갤러리 측은 “모든 것이 모호해진 가운데에서 삶의 실체가 오히려 더욱 명료하게 보일 수 있다는 메시지를 던지고 있다”고 설명했다. 여백이 많은 캔버스에 물을 가득 머금은 색채를 얹는 기법이나 빠른 쾌감을 지닌 붓터치, 한지를 중첩하여 화면의 깊이감을 배가하는 것 또한 ‘지우기’의 절차에 힘을 보탠다. 더불어 작가는 무소유를 지향하는 부처의 입에 보석을 물리거나, 순수한 어린이가 강렬한 식욕을 드러내는 모습을 그리기도 하는데, 이처럼 역설적이고 해학적인 기호는 지워지기 전의 형상이 지닌 맹렬한 욕망을 관객이 즉각적으로 파악하게 만든다. 관람은 무료이며, 매주 월요일은 휴무, 일요일은 예약제로 운영된다. 화요일부터 토요일까지는 자유롭게 관람할 수 있다.

할 수 있는데도 머뭇거린다. 승리하고도 고개를 숙이고 걷는다. 성취의 월계관을 쥐고도 주춤하는 소녀 곁에서 손을 잡아주는 이는 더 크지도 작지도 않은, 그저 비슷한 체구의 또 다른 여성이다. 이 여성은 황금빛 영광과 명예의 월계관을 든 소녀를 격려하면서 끌어준다. 자신이 주인공이 아니어도 상관없는, 이 조력자 표정은 유독 더 단호하다. 두 여성의 동세(動勢)는 머지않은 파란 희망의 목적지에 금방이라도 닿을 듯 극적이다. 두 여성을 그린 그림의 제목은 모성일까 자매애일까 연대일까 아니면 내면의 또 다른 나일까. 둘의 관계는 관객의 해석에 맡기며 작가는 조금 다른 제목을 붙였다. 제목은 ‘누어 무트(Nur Mut)’. 독일어로 ‘용기를 가져(Have courage)’다. 시선마저 폭력이 되곤 했던 여성에게 정반대로 응원에 찬 시선을 보내는 전시들이 동시에 열리고 있다. 독일, 한국 작가가 각각 서울 미술 중심지인 한남동과 삼청동에서 펼치고 있는 두 전시에는 시대와 공간을 초월해서 한마음이 된 작품들이 공명한다. ◆라이프치히에서 온 화가 로사 로이 서울 용산구 독서당로에 위치한 갤러리바톤에서 독일 화가 로사 로이(Rosa Loy·64)의 개인전 ‘러키 데이스(Lucky Days)’가 한창이다. ‘누어 무트’를 비롯해 신작 14점을 선보인다. 로사 로이는 독일 구상화 작가군인 ‘신(新)라이프치히 화파’의 대표 화가다. 30여년 작품활동을 했지만 최근 여성 작가들이 재평가되면서 특히 새롭게 주목받기 시작했다. 작가가 캔버스에 담는 소재 역시 주로 여성이다. 작품 속 여성들은 자신 있고 능동적인 주체로 그려진다. 작가가 사용하는 독특한 재료인 카세인으로 화려한 색채가 유독 깊이 있으면서도 부드럽게 표현되고, 이 색채 속에 유영하듯 여성들이 배치된다. 전시장에서 만난 작가는 ‘누어 무트’에 대해 “정글 같은 시대에 용기 있게 앞으로 나아가는 것을 표현했다”고 말했다. 갤러리 측은 “로사 로이 작품 속 여성들은 화면의 중심을 지배하며 화려한 색조의 의상과 확신에 찬 표정의 인물들”이라며 “삶의 주체로서의 이상적인 사회를 위해 상조(相助)하는 여성에 대한 작가의 동경이기도 하다”고 밝혔다. 기자들과 만난 작가는 최근 여성 화가 재평가 움직임에 대한 질문에 “최근 몇 년간 달라지는 것이 느껴진다”며 “고령에 뒤늦게 발견되는 경우도 있는데, 이런 성공을 보여주는 것 자체가 어린 작가들에게도 용기를 북돋워 준다고 생각한다. 너희도 나름대로 개성을 가지고 자기 스타일을 발전시키는 것에 대해 용기를 갖고 나아가라고, 그게 우릴 행복하게 해줄 것이라고 얘기하고 싶다”고 했다. 용기와 격려, 행복을 키워드로 한 이번 전시 작품들을 선보이기 며칠 전, 마침 한국에서는 이태원 참사가 벌어졌다. 이런 비극 속에서 예술이 해야 할 일이 무얼지 묻자 그는 유독 장시간 답변했다. “한국에 오면서 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)이 풀리고 드디어 편히 여행할 수 있겠구나 하고 들떴는데 비극적 사건을 접했다. 함께 슬퍼했고, 아픔에 공감한다. 미술이나 음악, 문학 등 예술은 내면을 깊이 들여다보게 한다. 위로하는 데 시간이 많이 필요할 것이다. 고통이 쉬이 사라지지 않을 것이다. 천천히, 조금씩 그림 앞에서 우리가 같이하고 있음을 느꼈으면 한다.” ◆회복기 여성의 당당함이야말로 진짜 역사 또 다른 전시는 서울 종로구 삼청동 백아트에서 열리고 있는 한국 1세대 사진가 한영수(1933∼1999)의 개인전이다. ‘한영수 - 연분홍 치마가 봄바람에’란 전시명으로 약 30점을 선보이고 있다. 분단 전, 경기도였던 개성에서 태어나 해방과 6·25전쟁을 겪고 1999년 세상을 떠날 때까지 그는 동료 사진가들에게 “한국에 들어오는 신식 카메라를 제일 먼저 사고, 구식이 된 카메라를 제일 먼저 버린 사람”으로 회고되는 인물이다. 해외에서 유입된 잡지와 코닥 사진 연감을 보고 연구하며 사진을 익혔다. 리얼리즘 사진 연구회 ‘신선회’를 만들어 당대 사진가들과 사진예술을 이끌었고, 광고 사진으로도 성공해 대중적으로 이름을 떨쳤다. 반도체가 등장하는 삼성전자의 광고, 동트는 새벽을 배경으로 종을 치는 종근당 광고 등은 지금도 사람들 뇌리에서 잊히지 않고 있고, 한때 그의 손을 거치지 않은 광고 사진이 없다는 말도 나왔다. 그의 광고들이 잊히지 않는다면, 이번 전시에 나온 사진 작품들은 믿기지 않는다. 1950∼1960년대, 전후 처참한 폐허가 떠오르는 시기 한국 풍경, 특히 여성들이 깜짝 놀랄 세련됨과 모던함으로 표현돼서다. 이번 전시 개막과 함께 발간된 동명의 사진집에 글을 기고한 국내외 기획자들이 더 높이 평가한 가치는, 그가 단순히 세련됨을 추구한 인위적 결과로 모던함을 담아낸 것이 아니라는 점이다. 로스앤젤레스카운티미술관(LACMA) 큐레이터 버지니아 문은 “한영수는 급격하게 변화하는 사회 현실을 총체적으로 포착했다. 한국은 희생자들의 나라도 아니었고, 또한 영웅들의 나라일 필요도 없었다. 사람들은 하루하루 자신들의 삶을 살아갈 뿐이었다. 한영수를 매료시킨 것은 하루하루의 일상에서 표출되는 인간에 대한 사랑이었다”고 썼다. 한영수는 생전 사진집 ‘삶’(1987)을 펴내며 “해방의 기쁨도 잠깐, 어느 날 갑자기 이 땅에 38선이 그어지더니 1950년대는 엄청난 비극과 함께 시작되었다. 전쟁이 한창일 무렵, 나는 현역의 신분으로 최전방을 옮겨 다니며 이러한 비극을 체험해야 했고, 숱하게 많은 현장을 목격하며 분노에 떨어야 했다. 참담한 기억들이 생생한 가운데 나는 군 복무를 마치고, 전화(戰火)의 그을음이 채 가시지 않은 생활의 한복판에 서게 되었다. 그러나 이보다 더 놀라운 것은 그럼에도 ‘사람들은 살아간다’는 지극히 평범하고도 당연한 사실이었다”고 썼다. 이 서문엔 ‘회복기의 사람들’이란 제목을 달았다. 전후 한반도의 참혹함과 가난을 대상화하는 서구 또는 외부인의 포르노적 시선을 후대 한국인도 은연중 당연하게 받아들인다. 그러나 ‘리얼리즘’ 사진가가 사진 찍어 남긴 것은, 정반대로 ‘회복기’의 활기였다. 이를 발굴한 이는 딸 한선정(53)씨다. 한영수의 다섯 자녀 중 유일하게 사진을 공부한 한선정씨는 한영수문화재단을 이끄는 대표다. 아버지가 남긴 수천 컷 필름 가운데 여성을 피사체로 한 다채로운 사진을 발견하고 이번 전시를 열었다. 한영수의 시선으로 담은 회복기의 여성은 당당했다. 신문 읽기에 빠져 있는 여성(‘서울 명동’)의 모습 단 한 장만으로도 관람객에게 강렬하게 다가와 편견을 깨부순다. 한선정 대표는 ‘여성’이란 주제로 별도의 사진집과 전시를 기획하게 된 계기에 대해 이렇게 설명했다. “한영수가 남긴 흑백 다큐멘터리 사진들 속에는 다양한 장소에 있는, 다양한 나이와 다양한 작업의 여성들이 기록돼 있다. 이 여성들은 때로 놀라울 정도로 자신감이 넘치고 심지어 세련되기까지 하다. 나는 이런 사진들을 처음 본 순간부터 항상 궁금증을 가져왔다. 이 여인들은 누구인가. 한영수가 그의 카메라를 통해 선택한 이 순간들은 무엇을 보여주는가.” 그는 이내 질문을 벼린다. “당시의 여성들은 왜 이런 모습으로 기억되지 못하고 있는가.” 그렇게 이번 전시는 ‘이미지와 현실 사이의 여성들’에게 해방구가 돼준다. 각각 12월17일, 내년 1월18일까지.

기록으로만 전해지던 M2 카빈총 대한민국 1호 시제품(사진)실물이 처음 공개된다. 29일 전쟁기념관에 따르면, 오는 30일 개막하는 ‘기밀해제-국군정보사령부 총기를 보다’ 특별전에서는 정보사가 장기간 보관해오다 전쟁기념관으로 이관한 총기 52점이 전시된다. 제작 기록만 있던도 포함됐다. 박정희 전 대통령은 1970년 국방과학연구소(ADD)를 설립하고 1971년 M2 카빈총 10정, Mk2 수류탄 300발 등을 제작하라는 긴급 지시를 내렸다. 이것이 1차 번개사업이다. 이번에 공개되는 M2 카빈총은 이때 제작한 시제품 10정 가운데 하나로, 대한민국 자주국방 태동기를 대표하는 귀중한 유물이다. 마드센 경기관총(Madsen M1937) 중국 면허생산품, 이라크 타리크 권총(Tariq Pistol)을 비롯해 제2차 세계대전 당시 독일과 일본의 주력 총기부터 현대 민간 호신용 총기까지 국내에서 볼 수 없었던 다양한 총기를 만날 수 있다. 이관된 무기가 군사유물로 탈바꿈하기 위해 거쳐야 하는 보존처리 과정을 소개하며 유물 수집과 보존과학이 지닌 가치와 의미를 일깨우는 코너도 마련된다. 이번 특별전은 내년 3월 5일까지다. 매주 월요일은 휴관이며 관람료는 무료다.

#감민경을 발견하는 일 인연은 어떻게 시작하는 걸까? 언젠가 좋아했던 드라마에서 인연은 빨간 실이 맺어주는 것이라고 했다. 드라마 대사에 따르면 어느 사람이나 그 사람의 새끼발가락에는 보이지 않는 빨간 실이 매여 있다. 그리고 자신의 인연을 만나게 되는 때 자신이 보여줄 수 있는 가장 아름다운 모습으로 그 인연의 빨간 실을 잡고 서로 만나게 된다. 미술을 하는 사람으로 살면서 좋은 점은 새로운 인연을 맞이할 기회가 자주 주어진다는 것이다. 사람뿐 아니라 그림에서도 인연을 느끼기 때문인데 좋은 작품을 새롭게 만날 때의 기쁨은 감동의 크기다. 비엔날레의 계절인 가을을 보내며 부산비엔날레, 제주비엔날레를 방문한 기억을 떠올리니 거기서 빨간 실을 매고 만난 것 같은 작품이 생각났다. 부산비엔날레 본전시장인 부산현대미술관에서 본 감민경(1970, 부산)의 작품이었다. 감민경은 자기 개인의 서사와 주변에 대한 관심을 회화 또는 드로잉으로 그려내는 작가다. 그의 그림은 현실을 기반으로 삼지만 신비로운 꿈처럼 드러나 문학에서의 환상적 리얼리즘을 시각화해낸 것 같다. ‘0시의 땅’ ‘지붕 없는 기억’ ‘잃어버린 밤’ ‘혹시, 푸른 꽃이였나요?’ 등 실제로 그의 작품 제목에서는 문학적 면모가 드러나기도 한다. 작가는 1970년 부산에서 태어났으며 삶의 대부분을 부산에서 보냈다. 2016년 후쿠오카의 한 레지던시 참여를 기점으로 다른 나라와 도시를 오가며 작업을 하게 되었다. 베를린, 제주도 등 다양한 장소에 머물렀으며 최근에는 광주에 작업실을 두고 있다. 그는 더 소소를 비롯해 프로젝트 스페이스 사루비아, 갤러리조선, 퀸스틀러하우스 베타니엔 등에서 개인전을 열었다. 2022 부산비엔날레, 부산시립미술관, 화이트블럭, 오픈스페이스 배 등에서 개최한 단체전에 참여했다. 제15회 부산청년미술상, 제5회 하정웅 청년작가전 등에서 수상했으며 국립현대미술관 미술은행, 부산시립미술관, 광주시립미술관, 부산문화재단 등에서 작품을 소장하고 있다. 감민경은 군사 독재에 대항하는 시위 움직임이 남아 있던 시절 대학을 다녔다. 선배들은 시위 현장에 참여하기 위해 걸개그림을 그렸고 소집단 운동을 활발하게 전개했다. ‘제3작업실’ ‘강패’ ‘부산사람’ 등 다양한 동인에 의해 부산 미술계에는 다채로운 변화가 일어났다. 이러한 분위기 속에서 그는 의미가 있는 그림을 그리고 싶었고 그것이 조금 더 구체적으로 드러나는 작업을 해야겠다고 마음먹었다. 작가의 의미 있는 작업을 하려는 시도는 자기 주변을 둘러보고 형상적으로 그리게 했다. 당시 작업실이 있던 당감동은 주택 재개발 사업을 앞두고 낯선 장면을 보였다. 삶의 터전이었던 건물은 허물어지거나 남아 있고 나무 사이로 드러나거나 감추어졌다. 그는 눈, 사진 그리고 드로잉으로 그 장면을 모으고 파노라마로 그려 하나의 장면 또는 분위기로 잡아냈다. 풍경을 재조합하는 과정에서 그리고 지우는 행위를 반복하여 존재했던 흔적을 장면 안에 남겨두기도 했다. 서로 다른 시선이 교차하는 화면 위에서 이미지는 서로 병치하거나 어우러져 해석의 가능성을 열었다. 감민경은 풍경에 집중하는 시간을 한동안 보냈는데 레지던시 참여차 후쿠오카로 떠나며 작업에 변화가 생겼다. 해외로의 작품 운반, 보관 공간 등의 문제에서 벗어나기 위해 종이와 목탄으로 그림의 재료를 바꾸게 된 것이다. 참여한 레지던시 근처 마을 주민의 이야기를 들으며 그림 속 현실의 범위를 공간, 장소로부터 사람과 삶으로 확장하기도 했다. 과거 번성하던 시기가 돌아오기를 꿈꾸고 기다리는 마을 사람들을 담은 ‘혹시, 푸른 꽃이였나요’(2016)를 일본 화지 위에 그렸다. 독일 낭만주의 문학을 대표하는 노발리스의 ‘푸른 꽃’ 속 이상향을 찾아가는 모습을 그들에게서 본 것이다. 종이에 목탄으로 그리는 시도는 이듬해 베를린에서도 레지던시에 머무르며 이어졌다. 짐을 싸고 푸는 유목민적 생활에 처해 시작한 목탄 드로잉이었지만 손으로 그리고 문지르며 손맛의 매력을 느꼈다. 그가 베를린에서 목탄 드로잉으로 그린 소재는 주말마다 열리는 플리마켓으로부터 왔다. 오래되고 신기한 물건이 가득한 플리마켓에서 작가의 관심을 끈 것은 사적인 물건들이었다. 개인의 사생활이 담긴 사진, 편지 등이 판매되는 것이 새로웠고 작업에 활용할 생각으로 편지 한 뭉치를 사서 돌아왔다. 엄청난 이야기가 담겼을 것이라고 기대하며 번역을 기다렸는데 막상 읽어보니 그렇지 않았다. 작품을 만들기에는 미완의 자료처럼 느껴졌는데 어쩌면 삶의 모습이 그럴 수도 있겠다 싶었다. 불분명한 출처의 기억에서 비롯한 장면을 모아 ‘지붕 없는 기억’(2017)을 그려 미완의 인생을 표현했다. #기억과 신체의 경계 무너뜨리기 감민경의 작품에는 경계가 없다. 그는 캔버스와 종이, 유화 물감과 목탄 등 재료의 경계를 넘나든다. 장소와 공간, 사람과 이야기, 신체와 분위기 등 내용의 경계도 오가며 그린다. 개인적으로는 그의 탄탄한 작업 능력이 그를 경계로부터 자유롭게 한다고 생각한다. 작가의 작품 앞에 서면 그어진 선만을 보고도 ‘잘 그린다!’는 본능적이고도 직감적인 감탄사가 나온다. 상황에 따라 언젠가 다시 작업 매체와 형태가 바뀔 수 있다는 작가의 말에도 그의 작업에 관한 믿음은 어디 가지 않는다. 이러한 그림 실력을 바탕으로 최근 작가가 진행한 작업은 기억과 신체를 검은색 목탄으로 그려낸 것이 많다. 그 가운데 ‘0시의 땅’(2022)은 올해 부산비엔날레에서 선보여 관람객의 시선을 한몸에 받은 작품이다. 여기 9m에 달하는 대형 화면 위에 장면이 흩뿌려져 있다. 왼편 상단에는 위태로이 전구들이 흔들리고 그 아래 장면을 비춘다. 작은 집이 촘촘히 모여 쌓인 듯한 언덕과 펼쳐진 파밭, 그 사이에 앉아 담배를 피우는 남자의 뒷모습. 남자의 오른쪽에는 뜬눈으로 베개를 베고 누워 어딘가를 응시하는 여성이 있고 아이들은 개의치 않은 채 들배지기 놀이를 한다. 화면 오른편 하단에는 언덕 위 집처럼 보이는 집 옆으로 개천이 흐른다. 개천의 물이 쏟아지는 듯한 하수도와 머리에 꽃을 꽂은 채 앉은 여성, 각기 다른 장면은 모여 낯선 장면의 풍경을 만들어 낸다. 낯선 풍경은 묘한 분위기를 형성해 잠자는 동안 깨어 있을 때와 마찬가지로 보고 듣는 꿈의 순간으로 보는 이를 이끈다. 이 작품은 작가가 어린 시절 경험한 삶의 풍경과 사람을 담은 그림이다. 부산에서 자란 그와 주변에는 아버지가 원양 어선을 타고 나가는 경우가 많았다. 1년 또는 2년을 기다리면 어느 날 집에 돌아오셨고 그날을 기다리며 집 전구는 항상 켜져 있었다. 밤에도 새벽에도 항상 불이 들어온 집은 낮과 밤의 경계 어디에도 속하지 않는 0시의 땅이었다. 아버지가 돌아오실 때마다 가져오는 신기한 물건과 듣는 놀라운 이야기는 그 땅에 심겼다. 그리고 작가의 그림 속에서 피어올라 밤이기도 낮이기도, 낮이기도 밤이기도 한 장면으로 탄생했다. 시절을 향한 향수는 사실과 허구를 교차하는 낭만적 성향의 장면으로 이렇게 그려졌다. 감민경은 그리는 현실을 장소, 공간에서 사람, 삶으로 확장한 맥락에서 신체에 주목하는 작업도 한다. 삶의 피로가 드러나는 현실 속에서 변이하는 사람의 신체를 보고 극대화하기 시작한 것이다. 컴퓨터 앞에 앉아 화면을 바라보고 타이핑하는 생활은 사람의 등을 굽히고 목도 늘어나게 했다. 더 나은 현실을 향하려는 시도가 오히려 변형으로 돌아오는 슬픈 결말을 맞고 있는 셈이다. 작가는 최근 이러한 작업을 모아 더 소소에서 다수 선보이기도 했는데 ‘나의 지구’(2022)는 그 가운데 한 점이다. 여기에는 움푹 파인 땅 같은 표면이 있다. 수풀처럼 셀 수 없이 많은 목탄 선이 가득 찬 표면. 하지만 땅이라고 하기에는 땅보다 익숙하고 가만히 보면 거기에는 늘어진 가슴이 있다. 신체는 확대되고 낯설어진 채 가슴 아래 접힌 배의 피부와 함께 나의 지구인 몸을 있는 그대로 드러낸다. 2016년 이후 종이에 목탄 드로잉을 지속하는 작가는 여기서 처음 장지를 작업의 바탕으로 삼았다. 거칠고 질긴 장지는 상대적으로 매끄럽고 연한 켄트지와 달리 목탄이 그 위에서 잘 미끄러지지 않는다. 지우개로 흔적을 지울 수도 없어 한참을 그리고 문지르다 보면 보푸라기가 일어난다. 검은색의 강약이 만든 모노톤의 피부 표면은 만질 수 있을 것 같은 무엇이 되어 보는 이에게 다가온다.

전쟁이 터졌을 때만 인간성이 훼손되는 것은 아니다. 극한의 폭압 속에서만 인간성이 파괴되는 것은 아니다. 더 바랄 게 없는 풍요와 배부름 속에서도 야금야금 갉아 먹힌 인간성이 무너진다. 방심한 사이, 인간 사회는 짐승의 왕국이 된다. 방치된 사회의 병리현상들은 곪아 손 쓸 틈도 없이 권력을 접수한다. 수백명이 보도 위에서 목숨을 잃었는데 아무도 책임지지 않기도 하고, 가해자들의 악다구니가 더 크게 울려 세상을 압도하기도 한다. 그런 역사의 고비마다 예술가들의 작품은 죽비소리가 됐다. 이것이 인간의 행위냐 묻고, 이곳에 인간성이 있느냐고 따졌다. 그런 예술은 법정의 합리와 세상의 시시비비를 넘어 가장 근본적인 물음을 던져 가장 뿌리 깊은 성찰을 이끌어낸다. 서용선(71), 신학철(79), 오원배(69), 정현(66). 근대미술 2세대를 대표하는 이들은 바로 그런 물음을 던져온 작가들이다. 이들이 처음으로 한자리에 모여 4인전을 열고 있다. 서울 강남구 역삼동에 위치한 두남재아트센터 ‘기억의 장면들(Scenes of memory)’이다. 미술계에서 “이 넷을 한곳에 모은 것도 대단하다”는 말이 나오는 전시다. 전시는 4인이 평생 일군 화업 중 인간성과 휴머니즘을 촉구하며 시대와 호흡한 명작을 모아 꾸려졌다. 두남재아트센터와 공동 기획자 자격으로 전시를 준비한 김기라 작가는 “네 분 선생의 작품 중 제일 좋은 것을 고르고 골랐다”고 말했다. 우리나라에서 ‘역사화’, ‘역사풍경화’라는 장르를 개척하며 독보적 작업 세계를 일군 서용선의 작품은 1984년작 ‘사람들’부터 2017년 근작 종이에 그린 아크릴화 작품까지 시대별 대표작 13점이 나왔다. ‘헤겔동상’(2012-2015), ‘기총소사’(2004), ‘부역’(2004) 등, 시대적 아픔이 작가의 손끝을 통해 나와 묵직한 감동으로 유명한 작품들이다. ‘젊은 죽음들’(1997)과 ‘청령포, 절망’(1995-1996)은 최근의 비극적 참사가 연상되는 형상이어서, 아직 충격에 빠져 있는 우리에게 마치 오늘 쓴 일기처럼 생생한 슬픔으로 다가온다. ‘청령포, 절망’은 청령포 물가에 갔다가 그곳에 빠져 죽임을 당한 조선시대 단종 이야기를 듣고 “환각처럼 물에 빠진 사람이 보이는 것 같았다”는 작가가 그린 작품이다. ‘젊은 죽음들’은 1990년대, 강원도에서 간첩을 ‘소탕’한 뒤 사살해 발가벗긴 시신 사진이 신문에 게재된 것을 보고 그린 것이다. 서 작가는 “아무리 ‘북괴’라 하더라도 이념을 떠난 인간의 존엄성이 어디에 있는가 싶었다”고 당시를 떠올렸다. 한국 민중미술의 대표 주자 가운데 한 명인 신학철의 11점 가운데에선 대표작인 포토몽타주 작품들, ‘한국현대사-갑돌이와 갑순이’(1988)가 나왔다. 그러나 명성 높은 대표작을 제치고 이번 전시에서 놓쳐선 안 될 작품은 ‘비상탈출’ 시리즈다. 1973년에 그려진 이 그림 석 점은 작가를 겸하고 있는 눈 밝은 기획자들이 신학철의 작업실에서 보물찾기하듯 발굴한 최초 공개 작품이다. 무려 49년 동안 작가가 한 번도 내놓지 않고 소장하고 있었다고 한다. 1970년대 전위 미술그룹인 ‘AG(아방가르드)’ 소속이었던 신학철이 설치 작품으로 대외활동을 하면서, 한편으로 그림에서 손을 놓지 않고 그려 간직해왔다. 그린 이유와, 공개하지 않은 이유를 묻자 그는 처음에는 “당대에는 왠지 부족해 보여서”라거나 “설치를 하면서도 그림을 손에서 놓지 않고 이렇게 조그맣게 손 운동을 했었지”라며 웃어넘기려 했다. 겸손한 회피에도 관심 섞인 추궁이 이어지자, 신학철은 추가로 기억을 더듬어 “아방가르드 활동을 하면서 발상하고 제작하고 전시가 끝나면 사라져버리니 내 머릿속에 남는 게 없어 뭔가 허전했다. 아방가르드 전시 때 닭통을 만들고 닭을 넣어 유신의 캄캄함을 표현한 작품이 있었는데, 그런 갇혀 있는 느낌하고도 비슷했을 것”이라고 설명했다. 오원배는 시대 상황에 대한 예민한 인식을 바탕으로 인간 소외를 작품에 풀어내온 작가다. 그는 이번 전시를 위해 제작한 대형 신작을 전시장 초입에 걸어 네 작가의 촉수가 여전히 예민하게 건재함을 대변하려는 듯하다. 신작 ‘무제’는 코로나 팬데믹으로 마스크를 쓰고 온몸을 감춘 듯한 한 사람이 새장에서 사라진 파랑새를 애타게 부르는 풍경이 표현됐다. 바이러스를 무기로 갑작스레 찾아온 변화와 강제된 제약 속의 인간, ‘뉴노멀’이라는 새로운 표준 속에 살아남아야 하는 인간의 모습이 다양한 은유를 가진 사물들과 함께 캔버스에 담겼다. 오 작가는 “최근 2∼3년 생존을 위해 우리가 강제로 경험한 것들을 생각했다. 거리두기와 격리, 한편으론 또 디지털과 인공지능이란 신기술을 적극 활용해야 했던 시대였다. 기존 절대적 가치에는 회의가 일어났고, 비대면은 코로나와 무관하게 이제 생활 속에 받아들인 표준이 됐다. 이 모든 변화는 서서히 준비해서 겪은 것이 아니기에 적응이 힘들어 소외되는 사람들도 생겼다. 그런 새로움을 걱정하기도, 한편으론 기대하기도 하는 시대적 분위기를 의식해서 그린 것”이라고 말했다. 세 작가의 평면작품들을 이어주듯 전시장 한가운데에 놓인 입체 작품들은 ‘침목’ 시리즈로 유명한 조각가 정현의 작품들이다. 전시장에는 1989년 석고 조각 작품과 1980∼90년대 콜타르 드로잉, 2010년대 판화가 고루 나왔다. 정 작가는 인간에 대한 관심을 바탕으로, 특이한 소재를 통해 매우 강렬한 화두를 던졌던 예술가다. 철로에 깔려 십수년 기차의 하중을 견디고 난 뒤 버려지는 침목이나, 석탄을 만들고 남아 버려지는 찌꺼기인 콜타르 등 그가 재료로 삼은 것들은 쓸모가 다했다고 여겨진 것, 무언가 만들고 남은 부산물이었다. 조각에선 더더욱 쓰이지 않았던 재료다. 정 작가는 “시대가 전혀 의미가 없다고 하는 것들이지만, 그 속에도 존재의 힘이 있고, 아름다움이 있다는 걸 이야기하고 드러내고 싶었다”고 설명했다. 두남재아트센터는 2020년 개관 이후 꾸준히 한국 미술을 시대별, 세대별로 나눠 기획전을 선보이고 있다. 한국 현대미술사를 되짚어보고 세대 간 이해, 시대흐름에 대한 새로운 의미를 제기하는 담론을 만들기 위해서다. 기획자들은 자본의 중심인 서울 강남 한복판 상업화랑에서 제대로 된 한국 미술사 담론을 제시하면서 수집가들을 만나보겠다는 포부에 차 있다. 이런 기획자들의 스승이자 선배이기도 한 네 작가가 제자를 도와 취지를 부연하기도 했다. 정 작가는 “우리의 미술을 단순히 근시안적으로 보기보다 큰 흐름으로 보면서, 단색화로 대표된 시장의 대표 상품 다음에 올라올 미술은 무엇인가를 나름대로 분석해 끌어올리고 이유를 제시해보려는 시도”라며 “매우 중요한 일”이라고 했다. 서 작가는 인간 실존 또는 인간 형상을 내세운 작품들의 역사를 살펴볼 계기가 돼야 한다는 바람도 밝혔다. 그는 “한국 현대미술에서 인간을 표현하는 건 1970년대 국전에서 좌상을 선보인 것 빼놓고는, 몇몇 작가 정도밖에 기억나지 않는다. 1980년대 인간을 다룬 것도 사회나, 정권에 대한 반발이란 주제의식에서 비롯된 정도다. 세계 미술사 맥락에서 신구상의 경향과는 어떤 연관성을 가졌는지, 한국 현대미술에서 인간을 다룬 작품이 어떤 위치를 점하고 있는지 등을 따져볼 계기가 되면 좋겠다”고 말했다. 12월 20일까지.