#김보희의 눈 안의 풍경 같은 장면을 보아도 더 아름답게 감각하는 사람이 있다. 여행을 떠난 길, 눈앞 바다에 윤슬이 펼쳐졌을 때 똑같이 카메라를 꺼내어 찍어도 유독 반짝이게 그 빛남을 담아내는 사람. 그래서 나는 그것들을 그 사람의 “눈 안의 풍경”이라고 부른다. 화가 김보희(1952~)의 작품 속에서는 김보희 눈 안의 풍경들이 있다. 전통 한국화를 기반으로 서양화 재료를 수용하여 자기만의 화법을 구축한 작가는 구상 풍경 회화의 대가로 불린다. 이화여자대학교 동양화과를 졸업했으며 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 이화여자대학교 교수로 30여년간 재직했으며 박물관 관장을 역임했고 현재는 명예교수다. 김보희는 동양화 전공 선생님을 만나며 그림을 시작했다. 자연스럽게 자기도 동양화를 그리게 되었고 채색화에 관심이 갔다. 해방 이후 채색화는 1970년대 천마도 등이 발견되기 이전까지 일제의 잔재로 여겨졌다. 전통 회화에 자주 등장하는 수묵은 민족적이며 채색은 왜색이라는 이분법적 사고가 팽배했다. 채색화 그리는 것을 선생님은 만류했지만, 그는 채색화 작품을 국전에 출품했고 특선을 받았다. 월전미술상을 받기도 했으며 1986년에는 경인미술관에서 열린 ‘채묵의 가능성’ 전시에서 대표 신예 작가로 선정되어 일찍이 주목받았다. 1980년부터 국내외에서 20여회의 개인전을 열었으며 금호미술관(2020), 경기도미술관(2015), 국립현대미술관(2014), 뮤지엄 산(2014), 서울시립미술관(2007), 세종문화회관(2009) 외 유수의 기관 전시에 참여하는 등 활발한 작품 활동을 지속해오고 있다. 작가의 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관 등 여러 미술 기관의 컬렉션에 소장되어 있다. 2020년 금호미술관 개인전 당시에는 30분 이상 줄을 서서 관람하는 모습이 연출되어 세간의 관심을 모았다. #자연을 붓으로 그리는 일 김보희는 작업 초기인 1970~80년대 동양화의 외연 안에서 다양한 대상을 그렸다. 관조적인 시선으로 주변 인물 또는 정물을 사실적으로 묘사했다. 20대에 양수리에 있는 가족을 방문하며 자연을 화폭에 담기 시작했다. 풍경 속에는 다양한 색이 있었고 그것을 그리는 일은 전과 다른 생기를 주어 빠져들게 되었다. 1990년대에 제주도로 여행을 가며 그는 자연 그리는 일에 더 즐거움을 느꼈다. 바다가 끝도 없이 넓게 펼쳐진 것이 좋아 그것이 커다랗게 존재하는 화면을 만들었다. 푸른색이 가득 찬 화면 한가운데 그어진 줄은 수평선이 되어 하늘과 바다를 구분했다. 바다 그림을 그릴수록 거기에 자기 삶을 비추어 들여다보는 의미가 생겼다. 작가는 2000년대 들어 제주도 남쪽에 작업실을 마련했다. 제주에는 바다는 물론이고 들판을 비롯해 작업실 테라스에서 보는 정원까지 그림의 소재가 넘쳤다. 그림을 그리기 위해 그것들을 오래 들여다보며 2010년대 들어서는 전에 보지 못하던 것들을 보게 되기도 했다. 바다와 들판을 관망하던 넓은 시선과 더불어 그 안의 개별 존재를 살피는 세심한 눈을 가지게 된 것이다. 자연에 대한 경외를 강조하던 작품은 자연의 본질을 들여다보며 씨앗과 열매, 식물의 부분 등을 다루게 되었다. 씨앗 한 톨을 세로 160㎝, 가로 130㎝의 화면에 터질 듯 가득 채워 그려서 선보였다. 통통한 씨앗은 막 터지고 줄기가 나올 것 같은 모습으로 보는 이에게 강력한 생명력을 전한다. 최근 그는 다시 자연 풍경과 더불어 일상을 그리기 시작했다. 이국적인 숲을 그린 ‘The Days’(2011-2014), 작업실 정원 풍경을 담아낸 ‘The Terrace’(2019), 중문의 사계절을 담은 ‘중문’ 시리즈 등을 발표했다. ‘The Terrace’의 경우 다시점의 적용이 인상적인데 그의 새로운 것을 향한 여전한 시도를 알게 한다. 김보희는 동양화를 작업의 기조로 삼는 동시에 그것의 동시대적 확장성을 위해 탐구해왔다. 세필을 사용한 채색 수묵으로 섬세하게 표현하는데 한지가 아닌 캔버스 천 위에 그리는 식이다. 가끔 채색이 끝난 후에는 바니시를 발라 코팅 처리하며 색이 더 선명하게 드러나게도 한다. 동서양 회화의 전통 양식에 관한 작가의 오랜 분석과 체득은 이 결과를 조화롭게 완성한다. 이와 같은 그의 작품 세계를 두고 미술사학자 김미경은 1990년대에 이미 다음과 같이 쓴 바 있다. “한편 그의 작품을 어떤 장르라고 말해야만 할 것인가. 그것은 중국 남화나 북화 같은 기법적 전통 영역의 한계를 뛰어넘었으며 수묵화나 채색화, 동양화나 서양화라는 구태의연한 구분을 초월한다. 중요한 것은 작가 정신이 얼마나 발현되는가이며, 동시대에 사는 사람들에게 어떤 폭으로 공감대를 형성할 수 있는가이다.” 긴 시간 줄을 서더라도 관람자들이 그의 작품을 감상하기 위해 기다리게 하는 힘은 여기서 올 것이다. 그리고 그 힘은 시간이 지날수록 더 빛을 내는 듯싶다. #여름의 바다, 숲, 이내 김보희의 작품은 따듯한 남쪽 제주를 그리기 때문인지 항상 여름 같다. ‘Towards’(2022)는 우리가 여름날 기대하는 바다의 모습을 그대로 보여주는 작품이다. 여기에는 에메랄드빛 바다와 파란 하늘이 펼쳐져 있다. 제주의 바다는 바닥에 무엇이 있는지에 따라 그 색이 달라진다. 현무암이 깔린 바다는 짙은 푸른색을 띠고, 모래가 있는 바닥은 에메랄드색을 보여준다. 맑은 하늘과 밝은 해는 바다의 곱고 짙은 에메랄드색을 더 눈에 띄게 한다. 날씨가 좋아 물결이 잔잔하게 이는 장면에서는 고요와 안온 그리고 평온이 전해진다. ‘Towards’(2022)는 제주의 바다에서 고개를 돌리면 볼 수 있는 숲을 그린 작품이다. 화면 속에는 열대 야생의 숲이 가득 그려져 나타난다. 키가 크고 덩치가 크며 넓은 잎을 가진 모습은 열대 지방의 모습인 것을 알게 한다. 짙은 녹색의 사용에서 높은 기온에 무더우면서도 숲의 그림자에 서늘한 야생의 느낌이 그대로 전해진다. 작가는 이러한 숲 작업을 할 때는 경험에 상상을 더하기도 한다고 밝힌 바 있다. 제주의 자연에 호주, 피지섬 등을 여행하며 본 자연을 혼합하여 새로운 숲을 만드는 것이다. 화면에서 전해지는 이국적이며 환상적인 느낌은 현실과 환상의 만남에서 기인한다. ‘Jungmoon Street 201905’(2019)는 작가가 최근 새롭게 시작한 ‘중문’ 연작 가운데 하나다. 노을이 진 뒤 푸르스름한 기운이 남은 이내의 시간, 자동차가 지나치는 중문의 한 도로를 그린 것이다. 도로를 가운데 두고 길가에 늘어서 야자수 사이 저 멀리 바다와 하늘 그리고 수평선이 있다. 정년 이후 제주에 정착한 그는 반려견 산책을 위해 중문에 자주 나간다. 중문으로 가는 길 차 안에서 바라보는 바깥 풍경은 어느 순간부터 화폭에 들어오기 시작한 이유다. 작가는 이 연작을 두고 한 인터뷰에서 노을 지는 풍경이나 자동차가 지나가는 모습을 보며 인생에서 스쳐 간 것들을 떠올렸다고 고백한 바 있다. ‘Jungmoon Street 201905’에 그린 중문 한 도로의 모습은 자연을 담은 앞선 두 ‘Towards’ 연작과 다르게 느껴질 법도 하다. 하지만 거기에는 여전히 김보희 눈 안의 풍경이 있고 거기서 풍기는 특유의 분위기는 여전하다. 일찍이 바다의 수평선에 자기를 투영해 본 작가는 지천명(知天命)의 나이에 접어들며 씨앗과 열매, 작은 식물 등을 화면에 담았다. 이제 더 흐르며 그는 노을과 이내의 시간 속에서 지난 삶의 모습을 반추해 본다. 김보희가 그리는 풍경은 삶의 모습과 맞닿아 있는 풍경인 것 같다는 생각이 든다. 그래서 그의 눈 안의 풍경은 자기만의 것이며 누구도 대체할 수 없는 아름다움을 전해 감동을 가져오는 것이다.

경주세계문화엑스포는 솔거미술관 소장작가인 소산 박대성 화백이 미국에서 자신의 첫 전시회를 개최했다고 21일 밝혔다. 지난 17일부터 캘리포니아 로스앤젤레스 카운티미술관(LACMA)에서 열리고 있는 이번 전시는 ‘박대성: 고결한 먹과 현대적 붓’을 주제로 오는 12월 11일까지 열린다. 이번 전시는 현대적 주제를 서예를 보는 듯한 선으로 동서양의 미학을 담아 그려낸 박대성 화백의 대형 수묵화 6점을 비롯한 8점의 작품이 전시됐다. 전시회가 열리는 LACMA은 미국 서부 LA의 환태평양 지역에 위치하고 있으며, 인류 6000년 역사의 예술적 표현을 조명하는 14만 7000점 이상의 수집 규모를 갖춘 미 서부 최대 미술관이다. 경주세계문화엑스포는 LACMA 최초의 한국 수묵화가전과 박대성 화백을 통해 솔거미술관을 미주지역에 널리 알리는 계기가 될 것으로 기대하고 있다.

하늘에서 선녀가 내려와 목욕하고 간다는 우리나라 설화를 그도 알까. 덕수궁 한편, 숨어있듯 자리한 연못에 프랑스 현대미술가 장미셸 오토니엘이 펼쳐낸 설치 작업 ‘황금 연못’은 선녀가 놓고 간 천상의 보석들을 보는 듯하다. ‘황금 연못’은 스테인리스 스틸에 금박을 입힌 작품들로, 연꽃이 핀 듯 수면 위로 솟아올라온 설치물 ‘황금 연꽃’ 2점과 ‘황금 장미’, ‘장미꽃 봉오리’, 연못 중앙 작은 섬에서 자라고 있는 소나무에 걸려 있는 설치물 ‘황금 목걸이’ 3점으로 이루어져 있다. 연못 수면 위로 작은 어리연꽃이 뒤덮여 특별한 도화지가 된다. 비가 오는 날 연꽃들은 입을 다물어 수면은 초록으로 빼곡해지고 해가 나면 연꽃들이 입을 벌려 본연의 노란색을 드러낸다. 그 가운데 금빛 꽃잎으로 피어나는 오토니엘 작품은 아름다움의 절정에 이른 덕수궁 여름 풍경을 화려하면서도 조화롭게 꾸민다. 오토니엘 ‘황금 연못’ 주변으로는 덕수궁 돌담길과 궁궐 돌, 기왓장이 차분하게 눈에 들어오면서 도심 한가운데 시공간을 초월하는 신화적 공간을 연출한다. 서울시립미술관이 ‘장미셸 오토니엘:정원과 정원’을 개최하고 있다. 서울시 중구 덕수궁길에 위치한 서울시립미술관 서소문본관 1층 전시장과 미술관 건물 앞 야외 조각공원, 덕수궁 내 연못에 조각과 설치, 회화 등 74점을 선보인다. 오토니엘 개인전으로는 2011년 프랑스 퐁피두센터 전시 이후 최대 규모라는 설명이다. 그는 동시대 대표적인 프랑스 현대미술가로 인도 유리공예인들과 협업해 만드는 유리구슬, 유리벽돌 작품이 세계적으로 유명하다. 프랑스 루브르박물관이 오토니엘 평면 작품 ‘루브르의 장미’를 영구소장하고 있는데, 루브르가 현대미술가 작품을 영구소장키로 결정한 것은 이때가 최초였다. 프랑스 베르사유 궁전 정원과 연못에도 그의 조각 작품이 영구 설치돼 있다. 이 역시 프랑스에서는 특별한 기록이다. 베르사유 궁전 정원에 설치물이 들어선 건 1700년대 프랑스 국왕 루이 16세 시절 이후 최초다. 전시는 그의 상징인 유리구슬, 유리벽돌 작품이 미술관 실내전시장을 중심으로 펼쳐진다. 그 가운데 일부 구슬이 슬그머니 밖으로 굴러나와 스스로 정착한 것처럼, 미술관 주변 야외를 꾸민다. 전시는 자연스럽게 공간 경계를 넘나든다. 특히 대표적 서구 궁궐 건축물과 연못에서 펼쳐냈던 작품이 고스란히 한국 궁궐과 연못에 펼쳐진 모습은 색다른 매력을 뽐낸다. 동서양 전통 풍경과 작품 어우러짐을 비교하게 돼 흥미롭다. 전시장에서 만난 오토니엘은 왜 덕수궁을 택했는지, 덕수궁 안에서도 왜 이 연못을 전시장으로 택했는지 묻는 질문에 이렇게 답했다. “덕수궁에 처음 왔을 때 굉장히 한적함을 느꼈다. 참 걷기 좋은 곳이구나 생각했다. 여러 내적인 움직임, 명상하는 시간을 갖기에 참 적합한 장소라는 생각이 들었다. 오래 머물면서 주변을 감상하고 싶다는 마음이 들었고 연못 주변을 돌면서 시간을 충분히 갖고 싶어졌다. 특히 이 연못은 무언가 내밀한 공간이란 생각이 들었다. 덕수궁이라는 역사적 공간 안에 또 다른 별개 공간이 있다는 느낌을 받았다. 덕수궁 중에서도 내밀하게 다가오는 공간을 일부러 선택했다.” 이어 그는 “한국 정원이 갖고 있는 어떤 시적인 느낌이 있다. 고즈넉하고 시적인 분위기에 제 작품이 스며들 수 있으면 좋겠다. 커다란 설치물로 힘을 과시하고 싶은 마음은 전혀 없었고, 사람들이 이 연못을 돌며 마치 자연과 대화하듯, 은밀하고 살며시 포개져 있는 제 작품과 조화를 느끼길 바랐다. 덕수궁이 갖고있는 역사적 의미를 알고 있기에 이곳에 제 작품을 설치할 수 있어 너무나 큰 영광으로 생각한다”고 덧붙였다. 덕수궁 연못 한가운데에는 사람들이 들어갈 수 없는 작은 섬이 있다. 그는 “제게는 이 연못 한가운데 있는 작은 섬이 마치 보물섬처럼 느껴진다”고도 했다. 새로운 나라를 향한 꿈과 좌절이 깃든 대한제국 황궁 덕수궁의 역사에, 작가 개인이 가진 서사가 묘하게 공명하기도 한다. 그는 상처를 아름다움으로 승화하고 극복한 작가로 잘 알려져 있다. 성소수자인 그는 젊은 시절 사제와 사랑에 빠졌고, 사제는 끝내 목숨을 끊었다. 오토니엘의 탐미주의는 내면의 상처를 치유하고 승화하는 데서 나와 유독 깊은 울림을 선사한다는 평을 듣는다. 그가 이번 서울 전시를 준비하며 주목한 소재는 자두꽃(오얏꽃) 문양이었다. 궁궐 등 한국의 전통 건축물 곳곳에서 찾아낸 자두꽃 문양이 매우 인상적이었다고 한다. 이에 새로운 평면작품 ‘자두꽃’ 연작을 이번 서울 전시에서 선보였다. 루브르 박물관에 영구소장돼 화제가 됐던 작품 ‘루브르의 장미’를 변형시킨 자매 격 작품이어서 ‘자두꽃’에 담긴 작가의 애정과 의미가 남다르게 전해진다. ‘루브르의 장미’는 2019년 파리 루브르박물관 유리피라미드 개장 30주년을 기념해 프랑스 정부 의뢰로 오토니엘이 제작한 작품이다. 2년간 루브르박물관 소장품을 살펴보며 박물관 상징이 될 소재를 찾았고, 오토니엘이 페테스 파울 루벤스의 회화 ‘마리 드 메디치와 앙리 4세의 대리 결혼식’(1622∼1625)에서 화면 정중앙 인물들의 발밑에 떨어진 장미를 포착했다. 이 장미에서 받은 영감을 추상적 형태로 백금박 바탕에 검은색 잉크로 그려냈다. ‘자두꽃’은 마찬가지로 백금박 바탕을 캔버스에 칠한 뒤, 자두꽃의 꽃잎을 표현하는 붉은색 잉크와 꽃가루를 상징하는 노란색 잉크를 사용했다. 꽃가루 흩날리는 듯한 노랑의 움직임이 캔버스 위에서 특유의 에너지를 낸다. 미술관 측은 “오토니엘이 덕수궁에 스민 한국적 정서를 이해하는 동시에 관람객에게 자두꽃이 상징하는 생명력과 저항, 끈기, 부활 이미지를 전하려 했다”고 설명했다. 미술관은 덕수궁 관람 후 서소문 본관 야외 조각공원을 거쳐 전시실로 이어지는 관람동선을 추천한다. 8월7일까지.

김종수 작가는 도시의 나무를 주로 그린다. ‘도시 나무’를 주제로 그림을 그리는 것은 척박한 도시 환경에서 자연의 생명력에 관한 연구이고 표현이라 말한다. 도시 나무는 회색 도시와는 전혀 어울리지 않게 매연과 소음과 현란한 불빛 속에서 그 생명이 다하는 날까지 최선을 다하며 생존한다. 더욱이 매년 인간들에 의해서 전지 작업을 당한다. 그런데도 도시 나무들은 1년 사이 절단된 흉터를 새살로 감싼다. 꿋꿋하게 그 자리에 버티고 있다. 작가에 따르면 도시 나무는 도시 인간의 은유적인 표현이기도 하다. 작가는 도시의 나무, 그 중에서도 소나무를 통해서 세파의 고달픔 현대인의 고뇌를 이겨내는 방법을 제시하고 있다. 도시의 나무가 자연의 이치대로 최선을 다하며 살 듯이 도시의 인간들도 각자 자기만의 삶을 꿋꿋하게 살아가라는 메시지를 그의 작품들은 보여준다. 그의 일관된 주제의 작품 ‘도시나무’를 감상할 수 있는 ‘김종수 초대 개인전’이 20일부터 다음 달 2일까지 사울 인사동 G-ART 갤러리에서 개최한다. G-ART 미술단체가 서울 인사동에 G-ART 갤러리를 연 기념으로 그를 첫 초대작가로 선정해 이번 기획전을 마련했다. 김종수 작가는 한국미협회 부이사장과 (사)한국전업미술가협회 자문위원, 성북미술협 고문, 현대사생회 고문, 신기회 회장 등을 역임했다. 개인전 25회를 비롯해 수많은 국내외 아트페어와 그룹전에 발표한 한국 현대화단의 중견작가다.

몽골의 대표적인 중견 화가 부흐샨다스 다바아삼부의 ‘여성, 본성의 아름다움 (Woman, nature beauty)’를 주제로 한 전시회가 20일부터 26일까지 7일간 서울 인사동 인영아트센터에서열린다. 몽골 국립 문화예술대학과 대학원을 졸업한 부흐샨다스는 몽골뿐 아니라 미국, 프랑스, 유네스코 등에서 작품 전시회를 연 몽골의 대표적인 화가다. 국내에서는 2007년부터 그의 작품들이 소개되기 시작했다. 몽골 예술계에서 특수한 지위를 창출해낸 작가로 통한다. 현대 예술의 다양한 디자인 방식, 강렬한 색채의 조합, 캐릭터 등을 통하여 자신의 작품 세계를 학습하고 구현해낸다. 그의 작품 초점은 여성의 초상화와 여성 신체가 갖는 아름다움이다. 이는 자연의 일부로서의 인간에 대한 철학적 표현이라고 할 수 있다. 부흐샨다스는 “초상화와 신체의 모습, 여성의 아름다움은 중세로부터 시작하여 후기 르네상스, 고전주의, 제국주의를 아울러 현대로까지 이어지는 전 시기를 관통해 예술에서 나타나는 주제이자 인간 존재의 눈과 마음에 기쁨을 주는 소재”라고 말했다. 여성의 이미지를 작품의 중점에 두는 것은 작가로서의 역량을 강화하는데 큰 보탬이 되고 색채와 이미지의 수준을 제고하는데 큰 도움이 된다는 게 그의 설명이다. 이번 전시에서는 여성적 상냥함과 우아함, 기쁨 및 슬픔으로 가득한 감정적 표현을 담은 다양한 작품들을 감상할 수 있다. 전시회는 몽골 거주 한인 에나꼴레 장지홍 회장의 후원으로 (주)선비코리아에서 주관하고 있다. 신종 코로나바이러스감염증(코로나19) 여파로 부흐샨다스는 방한하지 못하고 에나꼴레 장회장이 방한해 개관식에 참석한다.

세계 디자인 트렌드를 오프라인 공간에서 만날 수 있는 ‘디자인 매거진 라이브러리’가 동대문디자인플라자(DDP)에 개관했다. 디자인 분야의 국내 잡지 33종, 해외 잡지 74종 등 107종의 매거진이 매월 업데이트 된다. DDP를 운영하는 서울디자인재단은 13일 매거진 라이브러리 개관 포럼 및 간담회를 열었다. 이날 간담회에는 이경돈 서울디자인재단 대표, 노준의 토탈미술관 관장, 전 월간 <디자인> 편집장 박인석 한국예술종합학교 교수(미술원), 박인학 월간인테리어 발행인, 이영혜 디자인하우스 대표 등 11명의 매거진·디자인 전문가가 참석했다. 재단 측은 매거진 라이브러리에 대해 “시대를 역행하는 문화적 실험”이라 소개하며 “팬데믹을 거치며 나타난 차가운 정보 교류에 지친 사람들에게 오감으로 느끼는 따뜻한 인간미를 더한다는 취지”라고 밝혔다. 도서관(라이브러리), 기록관(아카이브), 박물관(뮤지엄)을 더한 신개념 복합문화공간인 ‘라키비움’으로 잡지 열람 외에도 관련 정보와 전시, 북토크 등이 열릴 예정이다. 오픈 기념으로 잡지를 접하는 주요 공간인 미용실 콘셉트의 포토존도 조성했다. 개관에 맞춰 열리는 첫 전시는 국내 주요 잡지를 주제로 한 ‘기록에 머물다, Stay with the Record 전’이다. 서울 시민들의 당시 생활사와 시대별 디자인 트렌드 및 디자인 이슈 등을 엿볼 수 있다. 매거진 라이브러리에는 △그래픽 △산업디자인 △건축 및 인테리어 △뷰티·패션 △라이프스타일 등 디자인 관련 분야 107종의 국내외 매거진이 구비돼 있다. 종합디자인 전문지

, 영국의 전통과 파격을 만날 수 있는 을 비롯해 그래픽, 건축, 인테리어 등 다양한 분야의 세계 여러 나라 디자인 잡지를 볼 수 있다. 국내 잡지로는 1977년 1월 창간, 안상수 디자이너가 아트디렉터로 참여해 국내 디자인 담론을 주도한 격월간지 <꾸밈>부터 국내 인테리어 분야의 귄위있는 공모전 중 하나인 ‘한국인테리어 디자인 대전’을 개최해 온 <월간 인테리어>, 국내 대표 디자인 트렌드 전문지로 자리매김하고 있는 <월간 디자인> 등 한국 디자인 발전에 기여한 잡지가 가득하다. 이경돈 대표는 “매거진 라이브러리는 국내외 디자인 역사를 한눈에 볼 수 있는 소 박물관이자 디자인이 우리 생활에서 얼마나 큰 비중을 차지하는지 경험할 수 있는 공간”이라며 “이곳을 채울 매체인 잡지는 발행 시 분야별 최신 콘텐츠를 가독성 높게 가공할뿐 아니라 정보의 밀도나 범위가 뛰어나고, 보는 이를 즐겁게 하는 다양한 판형과 레이아웃을 갖고 있다”고 설명했다. 매거진 라이브러리는 시민 누구나 무료로 이용 가능하고, 오전 10시부터 오후 8시까지 운영된다. 설날, 추석 등 명절 당일만 휴관한다. 자세한 사항은 DDP 홈페이지에서 확인할 수 있다.

최고가 한국 작품 김환기의 ‘우주(05-Ⅳ-71 #200)’가 해외 컬렉터가 아닌 국내 기업인 김웅기 글로벌세아그룹 회장 소장으로 밝혀졌다. 글로벌세아그룹은 12일 서울 강남구 대치동에 미술관 S2A 개관 소식을 알리며 ‘우주’의 소장 사실을 밝혔다. 이 작품은 2019년 11월 홍콩 크리스티 경매에서 8800만홍콩달러, 약 132억원에 낙찰된 작품이다. 미국 뉴욕 전성기 시절에 그린 김환기의 대표적인 푸른 점화다. 한국 작품으로서는 처음으로 100억원을 돌파한 기록을 썼고, 최고가 작품 기록은 지금까지 깨지지 않고 있다. 당시 ‘문화재급’으로 가치가 높은 미술 작품이 해외 메이저 경매에 나왔다는 사실만으로도 관심이 높았고, 자칫 해외로 나가게 되면 국내 전시가 영영 쉽지 않을 수 있다는 우려도 나왔다. 낙찰자 신상과 국적 등이 일절 공개되지 않던 와중에, 국내에서는 낙찰자를 자처하는 제3의 인물까지 나타나 혼란이 일기도 했다. 약 3년 만에 공식 확인된 소장자는 글로벌세아그룹 김웅기 회장이었다. 미술관 관계자는 “평소 한국 현대미술에 애정을 갖고 있던 차에, 자칫 ‘우주’가 해외로 빠져나갈 수 있다는 세간의 우려를 듣고 경매 대행을 통해 응찰에 나섰던 것으로 알고 있다”고 전했다. 글로벌세아그룹의 미술관 S2A는 13일 기자간담회를 열고 개관 기념 전시를 시작한다. 개관전은 현대 미술의 세계적인 거장 구사마 야요이 기획전이다. 그룹 소장품과 김 회장 개인 소장품 등으로 꾸며진다. 구사마 작품 가운데 국내 최고 낙찰가를 기록한 ‘호박(PUMPKIN)’을 포함해 약 40점이 나온다. 역대 구사마 개인전 중에서는 대규모 전시다. S2A 측은 “김 회장은 김환기 ‘우주’를 비롯해 국내외 현대미술 대표 작품을 다수 소장하고 있다”며 “지속적인 컬렉션 소개로 많은 사람들이 좋은 작품을 감상할 수 있는 기회를 제공해 나가고, 미술관이 문화예술 공유의 장으로 자리매김하도록 할 것”이라고 밝혔다. 향후 미술관의 정체성에 대해서는 “국내외 젊고 유망한 작가를 발굴하고 적극적으로 소개해 나갈 것”이라고 밝혔다.

단단한 콘크리트 벽에 나지막이 걸려 있는 직사각형 나무 틀 형태의 조각들이 걸려 있다. 마음에 창이 난 듯, 작품은 관람객을 차분한 호흡으로 이끈다. 작품은 지하에 위치한 전시장, 땅속 벽에 뚫린 숨구멍 같다. 중견 조각가 나점수(사진)의 개인전 ‘무명(無名) - 정신의 위치’가 서을 종로구 통의동 아트스페이스3에서 열리고 있다. 전시장에는 신작을 포함한 그의 나무조각 작품 약 20점이 설치됐다. 그는 끌이나 톱 등 목수들이 쓰는 각종 도구로 나무에 홈을 파내 추상조각 작품들을 만든다. 특히 나무가 자연스럽게 스스로 갈라진 부분을 남겨두고 주변을 파내, 나무의 갈라짐이 부각되게 양각되게 만든 작품(‘무명 - 정신의 위치·2020)을 자신이 가장 좋아하는 작품, ‘인생작’으로 꼽는다. 강하면서도 약한 나무는 조각하는 동안 잘못 건드렸다가는 전체가 예기치 않게 쫙 갈라져 조각 전체를 망치게 된다. 나뭇결을 이해해야하고, 밀도에 예민해야 하며, 약한 부분을 배려해야만 한다. 그에 맞춰 조각하는 손과 몸의 속도, 압력을 조절해야 한다. “약함을 배려하지 않으면 전체가 깨져버립니다. 마치 사회 공동체와도 같지요. 조각이 삶과 닮아있습니다.” 전시장에서 만난 작가 말이다. 그는 나무에서 세상과 삶을 본다. 조각 소재를 나무로 삼은 것에서부터, 반복적으로 홈을 파는 수행적 행위까지, 자기만의 생각과 의미를 키워왔다. 깊어진 사유를 입 밖으로 꺼낼 때마다 철학하는 예술가 면모가 엿보인다. “조각은 문맹자가 읽는 글과 같아요. 나무 갈라짐 안에는 사계절이 있어 매력적인 소재로 다가왔죠. 나무 뒤틀림은 그러면서도 예상 가능해요. 뒤틀리는 데 신뢰가 있죠. 추상조각을 하는 이유 중 하나는, 나도 모르고 너도 모르는 건데, 이게 뭘까 생각해보게 하는 것, 10분이고 20분이고 그 작품 앞에서 사유하도록 일으키는 것, 그렇게 ‘괄호’를 친 어떤 것이 예술이고 철학이라고 생각해요.” 16일까지.

MBTI 성격검사처럼 조사하듯 나오는 질문에 하나하나 답하며 클릭을 이어간 끝에 전시장 벽면 대형 화면에 결과가 나왔다. ‘연기. 세상은 무대이며 모든 사람은 그저 무대에 등장했다 퇴장하는 연기자다. ―윌리엄 셰익스피어.’ 의외의 결과에 놀라움도 잠시, 다음 설명을 읽어 내려가보니 이내 고개가 끄덕여진다. ‘실용적이고 창조적이며 여럿이 할 수 있는 차분한 정신적 활동을 원하는 당신에게 어울리는 취미는 연기입니다. 연기는 꼭 직업적 수단으로 삼기 위해서만 하는 활동이 아닙니다! 자신감을 심어주고 무대에서 말하는 연습을 해주며 자세와 발성도 좋아지는 훌륭한 취미입니다. 지자체의 시민대학에서 연극반을 수강해보세요!’ 부산시립미술관의 ‘나는 미술관에 ○○하러 간다’ 전시장. 선우훈 작가의 디지털드로잉 및 인터랙티브 웹사이트 작품 ‘시험시간’은 관객 참여형 작품이다. 관람객 각자가 적성검사나 성격검사 하듯 선우훈 작가가 설계해놓은 질문에 답하다보면, 내게 딱 맞는 여가활동을 알려준다. 자기만의 답을 받아든 관람객들은 ‘이런 것도 여가가 될 수 있구나’, ‘나보다 나를 더 잘 아네’ 하는 표정으로 깨알같은 재미를 즐긴다. 화면에는 참여한 관람객들이 받아든 결과가 차곡차곡 누적돼 연기 581명, 미식 1009명, 요리 1358명, 역사 공부 1776명, 버드워칭(새 관찰) 280명, 양봉 1614명 등 약 70개 취미와 통계가 실시간으로 업데이트된다. 부산시립미술관에서 열리고 있는 ‘나는 미술관에 ○○하러 간다’가 지역사회에 화제를 일으키고 있다. 평균 수명과 여가 시간이 늘어나는 것은 이미 마주한 현실. 그러나 늘어난 여가시간을 제대로 보낼 줄 모르는 우리에게 진정한 여가를 탐문하자고 제안하는 전시다. 전시장에 들어서면 맨 처음 만나는 인트로 섹션은 문제의식을 누구에게나 쉽고 친절하게 전한다. 예술그룹 옵티컬레이스의 ‘천태만상 인생순삭’(2022) 작품이다. 통계청이 5년마다 실시하는 생활시간조사 결과(2019)를 24시간 시간표 중 수면, 학습, 가족돌보기, 일, 여가활동 등으로 구분하고, 연령별 성별로 벽면에 그래픽화했다. 인상적인 건 어느 연령, 어느 성별에서나 절대적으로 많은 여가시간을 차지하는 ‘TV시청’ 시간이다. 우리의 빈약한 여가 현실을 여실히 보여준다. 그래픽 옆에는 누구나 공감할 세태가 위트 있게 나열됐다. ‘티비보다 인생순삭/게임하다 인생순삭/유툽보다 인생순삭/애키우다 인생순삭/시험보다 인생순삭/검색하다 인생순삭/돈벌다가 인생순삭/악플달다 인생순삭/인별그램 인생순삭……’ 전시는 시의적절한 문제의식과 다양한 흥미를 충족시키는 작품, 알찬 프로그램에 높은 시민 참여도까지 삼박자를 고루 갖췄다. 전시에는 여가를 둘러싼 현상과 추이를 다채로운 방식으로 제시하는 작품들이 출품됐고, 부산의 문화예술인들이 참여하는 프로그램을 진행한다. 선우훈과 옵티컬레이스를 비롯해 안은미, 일상의실천, 조영주, 김세진, 윤필남, 이한수, 전소정, 제니퍼 스타인캠프, 짐 다인 등 13인(팀)의 작품이 관람객을 맞는다. 하지만 전시 핵심은 작품이 아니라 활동이다. 관람객이 작품과 호흡하며 전시장에서 벌이는 활동은 배움클럽, 명상클럽, 드로잉 클럽 등 5개 클럽 틀거리 안에서 진행되는 관객 참여 프로그램은 약 100차례에 달한다. 전시 제목 속 ‘○○’라는 빈칸을 상상하고 채워보도록 유도한다. 미술관에 ‘관람’하러 간다는 통념과 제한을 넘어, ‘요가’하러 간다, ‘체조’하러 간다, ‘명상’하러 간다, ‘숨쉬러’ 간다, ‘춤추러’간다 등으로 빈칸은 무엇이든 될 수 있다. 김종학의 회화 ‘바다’ 앞에서 매트를 깔고 요가를 하거나, 이우환의 조각 및 설치작품 ‘관계항-침묵A’(2015) 앞에 방석을 놓고 명상에 빠져든다. 안은미의 영상 및 설치 ‘자화자찬’ 속에서 춤을 출 수도 있다. 황서미 학예사는 “동시대 미술관이 다양한 경험을 나누는 사회적 공간으로 변모하고 있다는 점과 동시에 여가에 주목하면서, 미술관만의 대안적 여가를 제공하는 프로그램형 전시다. 미술관이 양방향 소통공간이 돼야 한다는 생각으로 기획했다”며 “문지영 작가가 직접 강사로 나서는 드로잉 클럽이 인기”라고 전했다. 서울시청 앞 프라자 호텔에 방을 잡고 광화문 시위를 여가 삼는다는 어르신들에게, 스마트폰의 노예가 돼 휴대폰을 만지작거리지 않으면 잠들지 못하게 된 직장인들에게, 유튜브 동영상이 아니면 아무것도 해독할 줄 모르는 어린이들에게 부디 다른 여가 활동이 있다면 정말로 얼마나 좋을까. 삶의 질은 더 높아질 것은 물론, 사회는 한층 성숙해질 것이다. 기혜경 관장은 “100세 시대가 도래하면서 여가 시간을 어떻게 잘 보내야 할지에 대한 고민은 전 세대에게 주어진 문제”라고 했다. 10월16일까지.

#오딜롱 르동의 신비로운 세계 오딜롱 르동(Odilon Redon, 프랑스, 1840∼1916)은 프랑스 상징주의 미술의 선구자로 일컬어지는 화가다. 같은 해에 태어난 인상주의 작가 모네(Claude Monet)만큼 대중에 널리 알려지지는 않았지만 현대미술의 선구자 뒤샹(Marcel Duchamp)이 영향을 받았다고 언급했을 정도로 그의 작품 세계에는 특별한 무엇이 있다. 그 무엇은 작가 개인의 상상력이 만들어 낸 것으로 꿈같이 비현실적이고 흐릿하지만 쉽게 잊히지 않는 인상이다. 르동은 보르도에서 성공한 부모 아래 태어나 부유하게 자란 것으로 알려졌다. 하지만 부유함이 행복은 아니기에 도처에 슬픔과 우울을 경험케 하는 상황이 펼쳐져 있었다. 일찍이 부모와 떨어져 외삼촌이 있는 농장에서 자랐는데 그 이유가 가정 문제에 있었다고 추측되기 때문이다. 훗날 화가는 자기 작품에서 전해지는 슬픔과 어둠이 있다면 이 시절이 근원일 것이라 말한 바 있다. 부모로부터 버려진 듯한 느낌과 사랑받지 못한 어린 시절의 기억은 오래 이어진 듯싶다. 르동은 열 살이 되자 집으로 돌아갈 수 있었고 한동안 안정적인 생활을 했다. 학교에 다녔고 문학, 음악에 관심을 가졌으며 미술로 상을 받았다. 청소년기에 들어서는 스타니슬라스 고랭(Stanislas Gorin)으로부터 미술 수업을 듣기도 했다. 수채화가로 알려진 그는 그림 그리는 법 외에도 들라크루아 등 당대 주요 작가들을 알 수 있는 기회를 마련해 줬다. 완벽한 구도 등에 천착하는 일에서 벗어난 낭만주의적 작품들은 감흥을 일으켰다. 줄곧 미술을 배웠지만, 대학에 진학할 때는 아버지의 권유로 건축 공부를 시도할 수밖에 없었다. 국립미술학교인 에콜 데 보자르 건축과에 지원했지만 안타깝게도 떨어져 귀향했다. 고향에 돌아온 뒤 그림을 다시 그렸고 에콜 데 보자르에서 미술을 가르치던 제롬(Jean-Léon Gérôme)의 화실에 들어갔다. 제롬은 아카데미즘으로 알려진 회화의 전형을 다루던 작가였는데 이는 르동과 맞지 않아 다시 한번 고향으로 돌아왔다. 두 번의 실패를 경험했으나 꼭 나쁘지만은 않았던 듯싶다. 아카데믹한 회화 수련에 지쳤기 때문인지 새로운 매체들을 다루기 시작했기 때문이다. 조각, 판화 등 입체와 양감이 있는 것들을 손에 익히며 새로운 시도를 했다. 시도의 과정에서 판화를 배우기 위해 판화가 로돌프 브레스댕(Rodolphe Bresdin)을 만났다. 브레스댕은 꿈과 강박을 자유롭게 검은 잉크로 판화 작업 하는 작가였는데 큰 영향을 주었다. 본격적으로 작품 활동을 펼칠 무렵이 되었지만 시대 상황이 돕지 않았다. 프랑스와 프로이센의 전쟁이 일어나며 청년 르동도 군에 징집되어 전쟁터에 나갔다. 6개월에 걸친 전쟁이 끝난 뒤에 자유를 찾았고 본격적으로 작가로 살기 위해 파리로 이주했다. 당시 파리는 외젠 오스만(Georges Eugene Haussmann)의 도시 대개조를 거쳐 현대라는 시간으로 재탄생한 직후였다. 도시와 문화는 급변했고 앞서 언급했듯 모네 등은 전에 없던 인상주의 작품을 선보여 주목받았다. 흥미로운 점은 르동이 이러한 집단적 움직임을 목격하면서도 전혀 다른 독자적 작품 세계를 구축했다는 것이다. #부드럽게 번지는 어둠과 밝음 르동은 현대라는 시간이 도래하며 화가들이 전과 다른 방법으로 그림에 현실 세계를 담아내려 집중한 빛, 평면성 등이 아닌 것에 주목했다. 그는 목탄 드로잉을 하거나 판화를 찍어 내는 방식으로 비현실적인 세계를 검은색으로 표현했다. 외부보다 내부를 살피고 순수한 색의 사용으로 정신적인 것을 전달하려는 시도였다. 작품을 발표하기 시작한 초기 20여년간 이 특성은 특히 두드러지게 드러났다. 작가는 자기의 이 시기를 ‘누아르’(Noir)라고 불렀는데 이는 프랑스어로 검은색을 의미한다. 르동의 누아르는 전후 파리에서 활동을 시작한 1870년대 초반 곧바로 사람들의 눈길을 끌지는 않았다. 1870년대 후반 ‘물의 수호신’(Guardian Spirit of the Waters, 1878)이라는 작업이 주목받으며 그의 작품 세계는 알려지게 되었다. 가로세로 약 40㎝ 크기의 종이에 목탄 등으로 그린 이 그림은 크기는 작지만 강렬한 인상을 남긴다. 그림의 하단에는 배가 뜨고 갈매기가 나는 바다가 있고 그 위로 넓게 하늘이 펼쳐졌다. 넓은 하늘에는 거대한 형체가 떠 있는데 커다란 눈을 가지고 바다를 내려다보는 얼굴이다. 얼굴이 몸체 없이 하늘에 둥둥 떠 있는 기이한 장면이지만 커다란 눈에서 신성한 분위기가 풍기는 ‘물의 수호신’은 새로운 것이었다. 이 그림이 알려지며 이듬해에 그는 석판화 작품집을 출판했다. 그 안의 석판화는 200여점이나 되었는데 보통의 상상을 뛰어넘는 장면들이 그려져 있었다. 사람의 머리, 눈, 귀 등이 잘린 것처럼 나타나거나 동물과 식물의 부분을 조합한 기괴한 생명체를 포함한 식이었다. 석판화 작품집 속의 그림들은 르동의 상상력이 어디서 기인한 것인지 궁금증을 가지게 하는데 사실 그것은 현실과 무관하지 않다. 당시 프랑스에서 활발하게 논의된 진화론 등이 작가의 내면과 상상을 거쳐 상징적 장면으로 탄생한 것이기 때문이다. 세기말을 앞두고 이성에 반감을 느끼며 무의식 등에 관심을 가지던 이들과 그는 맥락을 같이했다고 볼 수 있다. 꿈 같은 비현실적이고 몽환적인 형상과 분위기를 형성하게 된 배경이다. 르동은 검은 그림을 그리면서도 색조가 전해지는 듯한 표현력으로 사람들을 놀라게 했다. 그리고 1890년 중반부터 유채 물감과 파스텔로 작품에 색을 사용하기 시작하며 이 능력은 더 빛을 발했다. ‘꽃병(분홍 배경)’(Vase of Flowers(Pink Background, 1906)은 이 시기 그의 작품 모습을 알게 한다. 여기에는 벽과 바닥을 구분할 수 없는 자욱한 분홍색을 배경으로 삼은 화병이 놓여 있다. 백색에 섬세한 그림이 그려진 화병에는 화려하게 꽃다발이 담겼는데 다발 속 색의 배치가 아름답다. 꽃 그림은 그의 작품 세계가 급변한 듯 보이게 하는데 사실 그렇지는 않다. 오히려 ‘꽃병(분홍 배경)’은 르동이 밝힌 자기 예술 세계의 지향인 “보이는 것의 논리를 보이지 않는 것을 위해 배치하는 것”을 명확히 밝히는 작품이다. 이외의 꽃 그림에서 실내에 놓일 법한, 화병 주변 나비가 날아다니는 모습 역시 그의 상상력이 그림에서 여전히 중요한 부분임을 알게 한다. 르동은 꽃 그림을 그린 이후 종교, 신화를 주제 삼아 그리기도 했다. ‘아폴로의 전차’(The Chariot of Apollo, 1905∼1916)는 이러한 모습을 보여 주는 대표적인 작품이다. 그는 빛과 시의 신인 아폴로가 전차를 모는 모티프를 수십 번이나 그렸다. 이 버전에서 그는 지상의 모습을 생략해 마차가 끝없는 하늘을 가로질러 경주하는 것처럼 보이게 만들었다. 그 과정에서 물리적인 거리감과 방향감각을 잃게 되고 감각의 착오는 환영을 불러일으킨다. 르동이 그림에 색채를 사용하게 된 것에는 다양한 이유가 있다. 그리고 그 가운데는 예술실험뿐만 아니라 개인적인 삶과 관련한 이유도 있다. 1889년 쉰 살이 다 되어 갈 무렵 그는 뒤늦게 아들을 얻었는데 이때부터 마음에 평화를 느꼈다. 심리적 안정은 새로운 시도를 위한 여유를 만들어 줬고 색을 화면에 가져왔다. 같은 내용을 다루고 같은 삶을 살더라도 그것은 어두운 검정이 될 수도, 찬란한 색이 될 수도 있다. 지난한 장마의 흐림 속에서 빛을 보는 것도 마음의 상태에 달렸다.