디자인 역사에서 황금기로 기록된 1920∼1960년대 오리지널 가구 디자인을 볼 수 있는 전시가 열린다. 서울디자인재단은 오는 8일부터 동대문디자인플라자(DDP)에서 ‘20세기를 매혹시킨 디자인 가구’전을 개최한다. 21일까지 DDP 갤러리문과 살림터 1층에서 동시에 선보인다. 1920년대부터 1960년대까지 인기였던 모던 디자인 정수가 녹아 있는 빈티지 가구 컬렉션을 보여 줄 예정이다. 세계적인 오리지널 디자인 컬렉션을 보유한 6개사 디자인갤러리가 한자리에 모였다. 대중에 공개된 적 없는 오리지널 디자인 빈티지 가구 소장품도 다수 출품된다. 이탈리아의 디자인 거장 에토레 소트사스가 1972년 인도에서 영감을 받아 극소량 제작한 카나페 소파의 실물이 공개된다.

국립고궁박물관은 7월의 큐레이터 추천 왕실 유물로 ‘고종과 명성황후의 혼례 때 사용한 비녀 목록을 적은 기록’(사진)을 선정했다고 3일 밝혔다. 이 기록물의 표지에는 ‘보잠발기(寶簪件記)’라는 제목이 붙어있다. ‘보잠’은 보배로운 비녀를 의미하며, ‘발기’는 주로 왕실 의례에 쓰이는 물품 등을 작성한 목록을 일컫는다. 한자로는 각 건(件)에 대한 기록이라는 의미에서 ‘건기(件記)’라고 표기한다. 한글로 작성된 이 기록물은 두툼한 붉은색 종이를 아코디언 식으로 접어 만들었다. 직사각형 형태의 첩 표지는 직물로 만들어졌고, 종이 표면에는 물품 목록을 바르게 쓸 수 있도록 일련의 표시를 한 뒤 흐트러짐 없이 글을 쓴 점이 눈에 띈다. 별도로 부착된 쪽지인 ‘첨지’에는 ‘병인년 가례’라는 표현이 있는데, 1866년 고종과 명성황후의 가례(왕실 가족의 혼례)에 쓰였던 비녀 등을 작성한 기록물임을 알 수 있다고 박물관 측은 전했다. 기록물은 4일부터 박물관 왕실의례 전시실에서 공개할 예정이다. 국립고궁박물관 누리집(gogung.go.kr)과 문화재청·국립고궁박물관 공식 유튜브 채널에서도 해설 영상으로 전시물을 볼 수 있다.

올해 상반기 국내 미술품 경매시장의 매출 규모가 1400억원대로, 지난해에 이어 미술시장의 열기가 지속된 것으로 나타났다. 2일 한국미술시가감정협회가 발표한 ‘미술품 경매시장 상반기 결산’에 따르면, 총 거래액은 1446억원으로 지난해 상반기(1438억원)와 같은 수준으로 집계됐다. 상반기 기준 총 거래액은 2018년 1030억원에서 2019년 826억원, 2020년 490억원 등으로 감소세를 보이다가 지난해 1438억원으로 반등한 바 있다. 다만, 총 출품작은 1만5766점으로 지난해(1만6822점)보다 1000여 점 줄었으며, 낙찰작도 1만296점으로 지난해(1만999점)보다 700여 점 감소했다. 낙찰총액 1위는 200억원을 기록한 이우환 작가로 3년 연속 1위를 지켰다. 한국미술시가감정협회 김영석 이사장은 “올해 상반기 경매시장의 출품작과 낙찰작이 크게 줄었음에도 낙찰액은 늘어나 작품별 평균 낙찰가격은 큰 폭으로 상승했다”며 “이는 미술품에 대한 투자심리가 여전히 지속되고 있음을 보여준다”고 설명했다.

당대 세계 최고 화랑으로 손꼽히는 미국 가고시안 등 유력 갤러리가 서울에 온다. 오는 9월 2∼5일 서울 강남구 삼성동 코엑스에서 세계 3대 아트페어 ‘프리즈 서울(Frieze Seoul)’과 키아프가 공동개최되는 가운데, 프리즈 측 참여 갤러리와 주요 프로그램이 29일 공개됐다. 갤러리현대, 학고재 등 국내 화랑 10여곳이 프리즈의 문턱 높은 심사를 통과했다. 프리즈가 아시아에서 열리는 것은 이번 서울행사가 처음이다. 이번 프리즈에는 20여개국 110개 갤러리 참여가 확정됐다. 미국 가고시안, 스위스 기반 하우저앤워스, 미국 뉴욕 3대 화랑인 데이비드 즈워너, 벨기에의 악셀 베르보르트 갤러리 등 세계 최정상급 화랑이 포함됐다. 가고시안은 장 미셸 바스키아, 앤디 워홀, 제프 쿤스, 데미안 허스트 등 세계적 작가가 거쳐 갔거나 소속된 곳이다. 또 글래드스톤, 쾨닉갤러리, 페이스갤러리, 패로탕, 타데우스로팍, 에스더쉬퍼, 화이트큐브 등이 부스를 차린다. 국내 화랑으로는 프리즈마스터스에 참여하는 학고재, 갤러리현대와 프리즈 메인섹션에 아라리오갤러리, 갤러리바톤, 조현갤러리, 국제갤러리, 리안갤러리, 원앤제이갤러리, 피케이엠갤러리 등이 부스를 차린다. P21, 휘슬 갤러리는 포커스아시아 코너에 참여한다. 국내 최대 화랑 가나아트는 이번 프리즈에 참가 신청서를 냈으나 탈락한 것으로 알려졌다. 한 화랑가 인사는 “충격”이라고 말했다. 가나아트 관계자는 “탈락 사유에 대해서는 프리즈 측으로부터 통보받은 바 없어 알지 못한다”며 “키아프에서 더욱 기획력 있게 전시를 준비할 계획”이라고 밝혔다. 가나아트는 프리즈와 공동개최로 같은 장소에서 동시에 열리는 키아프에는 참가할 예정이다. 한편 9월 2일 프리즈·키아프 개최에 앞서, 다양한 사전행사도 관심을 받는다. 프리즈는 사전행사 ‘프리즈 위크(FRIEZE WEEK)’를 8월29일부터 본 행사가 종료되는 9월 5일까지 진행한다. 프리즈는 “아트선재센터, 스페이스케이, 국립현대미술관, 서울시립미술관 등에서 다양한 프로그램을 선보일 계획”이라고 공개했다가, “본사의 영어 자료를 잘못 번역하는 실수였다”며 관련 내용을 철회했다. 영국 프리즈와 한국 키아프가 공동개최되는 가운데, 국공립미술기관인 국립현대미술관과 서울시립미술관이 프리즈 측 행사에 동원된다면 논란이 일 수 있다. 키아프는 9월 1일부터 서울 학여울역 세텍에서 ‘키아프 플러스’ 아트페어를 개최할 예정이다.

색채추상 화가 김가범(사진)의 개인전이 30일부터 다음 달 10일까지 서울 종로구 삼청로 금호미술관에서 개최된다. 지난 수년간 사랑받은 한국의 ‘산’을 모티브로 삼아 산의 형태와 기운들에 오롯이 집중하여 작업했던 ‘Mountain’ 시리즈와는 다르게, 이번 개인전에서 김 작가가 선보일 작품들은 작가의 신작 ‘Untitled(무제)’ 시리즈 20여 점으로, 비교적 단순화된 색면 추상에 가까운 느낌으로 작업한 근작 시리즈의 연장선으로써, 전시회를 방문하는 관객들을 더욱 넓은 개념의 세계로 이끌어줄 수 있는, 확장되고 포괄적인 에너지를 전달할 예정이다. 김 작가는 하나의 작품을 두고 수십, 수백 번 칠하고 긁고 벗겨내고, 다시 덮어 칠하는 과정을 반복하며 작품을 완성한다. 이번 개인전에서 작가가 선보이는 블루 계열의 500호 작품을 보면, 한없이 드넓은 바닷속의 모습을 상상해볼 수도 있고, 검정 계열의 바탕에 새하얀 터치가 포인트로 들어간 1000호 사이즈 작품 앞에 서면, 광활한 우주 속에서 여유롭게 유영하는 느낌마저 든다. 하나하나의 작품이 모두 작가의 숙고와 반복적 시행착오를 통해 탄생한 작품이기에 관객은 그 깊이를 더욱 공감하고 즐길 수 있을 것이다. 그녀의 작품을 자세히 들여다보면, 원색의 물감을 아낌없이 짜내어 나이프 터치로 과감하게 작업한 캔버스 속 묵직한 마띠에르 질감은 서양의 과감한 운동성과 뚜렷한 첫인상이, 한편으로는 거대한 색면 뒤에 조심스레 자리 잡은 세심한 형형색색의 터치들은 한지를 잘게 오려 붙여넣은 듯한, 한국화의 터치를 현대적으로 재해석한 느낌도 풍긴다. 여러 가지 색을 고루 섞되 과하지 않게 하나의 느낌으로 녹여낸 작품은 디테일과 간결한 모습이 두루 공존하는 그녀의 모습과도 닮은 면이 있는 듯하다. 김 작가는 이번 작품들을 준비하며 “ 마음속에 있는 느낌을 관객에게 전달하기에는 작은 캔버스로는 부족하다는 느낌이 계속 들어 더 큰 사이즈의 작품에 도전했다. 앞으로도 내 힘이 닿는 한 큰 작품을 시도하면서 작가 스스로는 한계에 도전해보고 싶다”고 밝혔다. 아침 일찍부터 작업실에서 캔버스를 멀리 두고 한참을 고민하고, 그 생각을 나이프 끝에 담아 캔버스 앞으로 다가가 과감한 터치를 이어나가는 작가는 또한 “이번 전시회를 통해 나의 시간과 고민을 담은 에너지를 관객들과 함께 공유할 수 있는 계기가 되었으면 한다”고 말한다. 미술평론가 홍경한씨는 김 작가의 이번 신작을 두고 “그의 작업에는 무언가를 표현하려는 욕구로 가득한 예술가로서의 일상과 살아오며 겪어야 했던 삶의 단락에 관한 애증 등이 복합적으로 녹아 있다”라며 작가의 의지를 높이 사기도 했다. 40대라는 비교적 늦은 시기에 붓과 나이프를 들었지만, 갈수록 과감해지는 그녀의 작품과 전시 활동을 보고 있자면 그녀의 의지는 여느 청년화가 못지않아 보인다. 비단 이번 전시뿐만 아니라 다음번의 작품들이 벌써 기다려진다.

전쟁기념관은 주한멕시코대사관과 함께 6·25전쟁 멕시코 참전용사 특별전 ‘나는 한국에서 돌아왔다’를 28일부터 9월 28일까지 개최한다고 27일 밝혔다. 전시회에는 참전용사가 직접 그린 기록화, 부상 소식이 담긴 전보 등 유물과 그에 담긴 참전용사의 사연이 소개된다. 28일 오전 11시에 열리는 개막식에는 이상철 전쟁기념관장, 박민식 국가보훈처장, 브루노 피게로아 주한 멕시코 대사, 정탁 포스코 사장 등이 참석한다. 6·25전쟁 물자 및 재정지원국인 멕시코는 공식 전투부대 참전국은 아니지만, 당시 미국과 멕시코 간 체결된 병역협약에 따라 멕시코인들이 미군에 복무했다. 6·25전쟁 중 미군으로 참전한 멕시코인 또는 멕시코계 미국인은 10만 명 이상으로 추정된다. 미국에 이어 두 번째로 큰 규모이다. 이들 중 555명은 미군에서 훈장을 받는 등 6·25전쟁에 기여한 바가 크다고 전쟁기념관은 설명했다. 특히 멕시코 참전용사 시에라 바르보사 로베르토, 페르난데즈 알마다 알베로 헤수스, 로사노 부스토스 안토니오와 참전용사의 유족이 참석한다. 2013년부터 6·25 참전용사 기념사업을 펼쳐온 포스코가 멕시코 진출기업으로서 이번 전시회와 참전용사·유족의 한국 방문을 후원했다.

울산시립미술관은 백남준 탄생 90주년을 기념한 특별기획전 ‘21세기 천지창조 시스틴 채플’을 오는 7월17일까지 제2전시실에서 개최한다고 26일 밝혔다. 시스틴채플(사진)은 1993년 베니스 비엔날레 독일관 작가로 참가한 백남준에게 황금사자상을 안겨준 작품이다. 16세기 시스틴 채플이 미켈란젤로의 ‘천지창조’ 등을 통해 종교적 환영을 물감으로 보여줬다면, 백남준의 시스틴 채플은 40여대의 프로젝터가 만들어내는 다양한 이미지와 소리로 3차원 공간을 가득 채운다. 오늘날 가상현실(VR)이나 확장현실(메타버스)을 예견한 작품으로, 백남준 특유의 선구적 시선과 함께 그가 창조한 시간과 공간의 변주를 온몸으로 체험할 수 있다. 베니스 비엔날레 전시 후 철거됐던 시스틴 채플은 30년 만에 복원돼 울산시립미술관 소장품이 됐다. 특별전에서는 70∼80년대 백남준의 대표작품을 함께 만나볼 수 있다. 1973년 작품인 ‘글로벌 그루브’, 위성 3부작 ‘굿모닝 미스터 오웰(1984년), ‘바이 바이 키플링’(1986년), ‘세계와 손잡고’(1988년) 등이다.

#바르셀로나 화가 기욤 티오 기욤 티오(Guim Tio·1987)는 스페인 출신으로 국제 미술계에서 주목받는 작가 중 한 명이다. 바르셀로나에서 태어난 그는 바르셀로나대학교에서 회화를 전공하며 그림을 그리기 시작했다. 졸업 이후 프랑스 파리, 독일 등 유럽 동시대미술의 격변지로 떠나지 않고 바르셀로나에 남아 작업을 이어가고 있다. 그래서 그의 그림 속에는 바르셀로나의 폭양 아래 드러나는 특유의 색감이 담겨 있다. 같은 도시 출신의 호안 미로 작품과 마찬가지로 온기를 지닌 생동감이 느껴진다. 작가는 2012년 바르셀로나 미셀라니아 갤러리(Micscelanea Gallery)를 시작으로 이탈리아, 대만 등에서 개인전을 개최했으며 대만에서 특히 큰 인기를 얻었다. 이후 2015년 브뤼셀 전시를 시작으로 네덜란드, 중국 등에서 열린 단체전에 참여했다. 최근 서울의 아트사이드 갤러리에서 개인전 ‘선데이(Sunday)’를 마련, 시원한 풍경을 전시해 국내 관람객으로부터도 사랑을 받았다. 기욤 티오의 그림을 처음 만날 때 눈에 들어오는 것은 화면을 채운 색 면들이다. 그의 그림은 멀리서 보면 넓은 색 면 조각들이 모여 조각보처럼 캔버스를 구성한 듯 보인다. 가까이 다가가면서 색 면을 만들기 위해 여러 차례 오간 붓의 흔적과 레이어를 발견하는 것은 또 다른 재미다. 이러한 색 면 기반의 화면 구성은 그의 초기 작업인 ‘매거진(Magazine)’ 연작부터 보였다. 그는 작업 초기에 지금 주로 그리는 풍경 작업이 아니라 인물을 다루는 일을 많이 했다. 패션 잡지 등에 등장하는 인물의 얼굴 위에 파스텔 또는 오일 물감을 칠하는 식이었다. 남성의 얼굴은 여성의 얼굴로 재구성되었고 코는 빨간색으로 다시 칠해졌다. 이목구비가 명확히 드러났던 구체적 대상은 이를 통해 색과 붓의 흔적을 통해 미지의 인물로 태어나게 되었다. 도발적인 동시에 독특한 작가 작품 특유의 정체성이 나타나기 시작한 연작이었다. ‘매거진’ 연작이 사람들의 눈길을 잡은 것은 이와 같은 작품 특성이 형성한 비현실적 장면에서 오는 매력이었다. 이러한 매력은 그가 인물 연작에 이어 시작한 풍경 연작에서도 드러나기 시작했다. 작가는 2010년대 중반부터 풍경을 그리기 시작했다. 본래 주요 대상이었던 인물은 풍경 속에 작은 존재로 그려져 떠도는 듯 화면 곳곳에 나타나기 시작했다. 그는 이 새로운 연작에 ‘비현실적 공간(Unreal Spaces)’이라는 이름을 붙였다. 이 작품들을 선보인 대만의 이리 아트(Yiri Arts)에서는 새로운 작업과 관련하여 다음과 같이 그 내용을 설명했다. ”집, 별, 사막-그들을 아름답게 만드는 것은 보이지 않는 것입니다.” 작가는 초상화 작업을 사랑하지만, 숨바꼭질을 하듯 그의 인간 본성에 관한 이해는 얼굴을 묘사하는 것을 넘어섭니다. 사람들은 아름답지만 불안전한 것들에 시각적으로 공명에 깊이 빠져들게 됩니다. 그리고 기욤은 한 명의 관찰자입니다. 그의 작업 과정은 포착된 것을 버려 균형을 창조하는 하나의 의식입니다.” 즉 기욤 티오의 작업은 인간 본성에 관한 이해를 바탕으로 인물에서 시작해 풍경 그리고 그것들이 공존하는 장면에 이른 세계다. #고요하고 담담한 풍경으로의 다이빙 기욤 티오는 2017년부터 본격적으로 풍경 작업을 시작한 것으로 보인다. 미술 비평가이자 독립 큐레이터인 기셀라 칠리다(Gisela Chillida)는 그의 작품의 주제가 인물에서 풍경으로 초점을 옮긴 것을 다음과 같이 설명한다. 과거 인물을 다루었던 작업이 ‘우리는 어디서 왔을까?’에 관한 숙고였다면 풍경 작업은 ‘우리는 어디로 가고 있을까?’에 관한 작업이라고. 그래서 그의 풍경화는 사진처럼 포착된 과거의 풍경도, 고개를 올려 바라보는 현재의 풍경도 아닌 현재로 당겨진 미래의 풍경이다. 그래서 그것을 보고 있으면 관람자는 언젠가 방문했던 장소를 기억하기보다 언젠가 방문할 장소를 상상하게 된다. 상상은 우리를 일상에서 벗어나게 하며 마음껏 숨 쉬고 나르게 한다. ‘엑스쿠르시오(Excursio)’(2022)는 이렇게 보는 이를 상상의 세계로 이끄는 작품 가운데 하나다. 카탈로니아어인 ‘Excursio’는 한국어로 ‘소풍’을 의미한다. 여기에는 완만한 경사의 동산들이 펼쳐져 있고 그 동산들은 끊어지지 않고 계속되어 멀리 보이는 설산(雪山)으로 향한다. 동산들은 각기 다른 모습을 보여주는데 장면의 시작처럼 보이는 하단의 동산은 초록빛으로 칠해졌다. 들꽃이 떨어진 뒤 남은 짚은 풀잎들이 가득할 것 같은 들판의 모습이다. 그 뒤로 보이는 동산은 노란빛에 녹색이 옅게 비추어 안개 나무로 뒤덮인 듯하다. 동산들 사이에는 침엽수 나무가 군데군데 솟아올라 자칫 단조로울 수 있는 화면에 재미를 준다. 그리고 이러한 풍경을 더 흥미롭게 만드는 것은 동산 사이 작게 보이는 어떤 존재다. 가까이 얼굴을 화면 쪽으로 내밀어 보면 그건 붉은 티셔츠를 입고 설산 방향으로 걸어가는 사람이다. 소풍을 홀로 떠난 사람이다. ‘비스테스(Vistes)’(2022)도 마찬가지로 동산들이 화면을 둘러싼 그림이다. 대신 여기에는 동산 가운데 너른 호수가 등장한다. 소풍을 떠나 산을 천천히 걸어 오르던 사람도 여기서는 멈추어 호수를 바라본다. 같은 옷을 입고 있어 동일 인물로 생각되는 이 사람은 여기서 후드 티셔츠 모자를 머리에 뒤집어쓰고 주먹을 쥔 채 물을 마냥 바라본다. 깊고 잔잔한 호수 그리고 그것을 가만히 서서 바라보는 사람은 고요를 전해주는데 고요는 늘 일상과 멀리 있기에 꿈같이 느껴지는 장면이다. 앞의 두 그림이 정적이었다면 ‘데 카프(De Cap)’(2022)는 상대적으로 역동적이다. 호수인지 바다인지 알 수 없는 너른 물이 펼쳐진 전면. 그 뒤로 낮은 산들이 자리 잡아, 완만한 곡선들의 만남과 멀어짐을 보여주고 그 위로는 물색과 같은 하늘색. 공기마저 멈춘 듯한 이 조용하고 잠잠한 상태에 몸을 던져 뛰어드는 사람이 있기 때문이다. 잔뜩 앞으로 쏠린 그의 몸동작은 온 힘을 다해 물로 뛰어들었을 것을 알게 한다. 그런데도 몸 모양을 온전히 반영한 그림자는 물이 잔잔하고 파도 치지 않는 상태를 보여줘 그의 다이빙이 안전할 것이라는 믿음을 준다. 그가 몸을 던진 풍경으로의 다이빙은 위험을 감수하지 않아도 되는 자유만이 오롯이 존재하는 모습이다. 기욤 티오의 최근 작품들은 광활한 자연 속에 작은 인간을 배치하는 방식을 취한다. 때로는 사람이 실제 비율보다 훨씬 더 작게 그려진 듯도 싶다. 그러나 작은 크기의 인간은 나약해 보이기보다 자연에 스며든 듯한 느낌을 준다. 커다란 흐름과 장면을 거스르지 않고 그 안에 존재할 뿐이다. 기욤 티오의 작품에서 체험하는 평화로움은 여기에서 기인하는 것 같다. 그의 그림은 시간이 갈수록 수직보다 수평적 선과 구도를 더 많이 보여준다. 수평선은 일반적으로 보는 이에게 안정감을 준다고 알려졌다. 이렇게 안정감을 주는 선과 형태의 구성에 그는 앞서 언급한 온기를 지니면서도 생동감이 느껴지는 색을 더한다. 요소들은 어우러져 그림 안에 조화와 균형을 만들어내고 포근하면서도 감각적인 분위기로 이끈다. 이러한 작가의 능력은 자기 작품을 설명하는 작가 노트에서 쓴 “피부에서 나는 유화 재료의 냄새” 등의 문장에서도 볼 수 있다. 작가의 감수성은 섬세한 지각과 표현력에서 계속해서 흘러나온다.

“바라볼 때마다 변하는 것이 산이다. 결국 산은 내 앞에 있는 것이 아니라 내 안에 있는 것이다.” 산을 주요 모티프로 창발적인 색면 추상의 아름다움을 보여주는 한국 근대 추상미술의 거장 유영국이 올해 작고 20주기를 맞았다. 이를 계기로 열린 회고전이 서울 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리에서 한창이다. 유영국이 사용한 색채의 경이로움에 주목하며 ‘컬러스 오브 유영국(Colors of Yoo Youngkuk)’이란 제목으로 선보이고 있다. 국제갤러리 K1, K2, K3 전관에 걸쳐 대표적 회화작품 68점과 드로잉 21점, 아카이브 자료 등을 모아 마치 미술관 같은 전시로 꾸려졌다. 이용우 홍콩중문대학교 문화연구학과 교수가 초빙 큐레이터로 참여해 전시를 꾸몄다. 이번 전시는 전시 공간 모두를 활용하면서 공간별로 유영국 작품 세계의 핵심 요소를 꼽아, 공간별로 또렷하게 개성을 드러내고 있어 눈길을 끈다. 화사하고 쨍한 원색의 색감, 고루 균형잡힌 색채 감각, 주요 모티프인 산의 푸른 색감과 형태가 남아있는 작품, 캔버스 표면에 두꺼운 마티에르를 드러내며 물성을 표현한 작품 등 추상화 선구자로서 여러 면모를 하나씩 차근차근 들여다보도록 이끈다. 서울 삼청동 거리가 창밖으로 보이는 K1 1층 방은 작가 대표작 및 초기작을 중심으로 유영국 세계관 압축판을 보여주면서 관람객에게 유영국을 소개하는 안내서가 된다. 이어 K1 안쪽에 위치한 전시장에는 고유의 색채와 추상 구도를 통해 독자적 미학과 스타일을 구축하기 시작한 1950∼1960년대 초중반 작품을 모았다. 두꺼운 마티에르가 인상적인, 유화의 물성을 강조하는 작품들이다. K2에서는 1970∼1990년대까지 전업작가로 활동하며 집요하게 천착해온 점, 선, 면, 형, 색이라는 기본적인 조형 요소를 토대로 자기만의 스타일을 구축하기 시작한 모습을 보여준다. 색채와 구도의 완급을 통해 자연의 원형적 색감을 심상으로 환기시키는 추상화들로, 강렬하고, 원초적이면서도 완벽한 균형의 에너지로 채워진다. 1층에서는 여린 노란색을 칠한 배경에 붉은 계열 대표작을 걸고, 2층에는 에메랄드빛 벽에 초록색과 파란색이 유영국 특유의 색채 에너지를 발산하는 대표작을 걸었다. 이런 섬세한 작품 배치 덕에 3개 관을 돌며 수십개 작품을 감상하는 관람객이 잠시도 지루할 틈이 없다. K3에서는 기하학적 추상과 조형 실험이 절정에 달했던 1960년대 중후반 및 1970년대 작품이 전시를 마무리짓는다. 생전 “내 작품은 내가 죽은 뒤에야 팔릴 것”이라고 말했으면서도, 말년에 전업작가로서 드디어 자신감을 채우고 작품에 가장 온전히 집중했던 시기 작품들이다. 특히 초록, 파랑, 군청색 계열의 추상화들로 전시장이 채워졌는데, 전시장에 들어서는 그간의 흥분이 가라앉고 차분해지는 느낌이 든다. 마치 뜨거운 열정을 가라앉히고 자신의 작품 세계를 깊이 있게 들여다보고 차분하게 집중했던 시기 작가 태도가 전시 공간에 담긴 듯하다. 이용우 초빙 큐레이터는 “제작 연도로는 후대 작품들이지만, 유영국의 화업에서 가장 ‘젊은 작품’이 무엇이냐고 묻는다면 바로 이곳의 1960∼1970년대 작품들을 꼽고 싶다”며 “유영국이 작가로서 가장 의기가 넘쳤던 시기의 작품”이라고 소개했다. 이번 전시는 유영국의 대표작을 풍부하게 선보이는 것은 물론 알찬 아카이브가 조화돼 관람객이 전시장 곳곳에서 새로운 발견을 할 수 있도록 이끈다. 가령, 유영국만의 ‘색면’에 익숙한 관람객이라면 이번 전시에서 ‘선’을 발견하는 새로운 기쁨을 맛볼 수 있는데, 그건 바로 이번 전시에 나온 사진 작품 덕이다. 유영국의 1940년대 사진 작품들은 그간 만나볼 기회가 거의 없던 작품들이어서 그 자체만으로도 드문 관람 기회다. 그런데 K2에서 사진 작품들은 색면추상 회화 작품들과 함께 전시되면서 특별한 영감을 준다. 유영국 작품에서 두꺼운 마티에르 위에 성글고 뻑뻑하게 그어진 선들이 사진작품들 속 돌부처를 보고 나니 달리 보인다. 두껍고 단단한 마티에르, 그 위에 성글게 그어진 물감의 질감들이 바로 이 오돌토돌한 돌의 표면과 비슷하다는 사실을 발견하게 돼서다. 그간 색면에 가려져 관심을 덜 받았던 요소인데, 사진과 함께 보니 유영국이 직접 열심히 사진기에 담은 돌의 질감이 눈에 들어오면서 작품의 선처리도 한층 흥미롭게 보인다. 작가가 실제로 돌의 표면 질감을 작품에 들여오려 한 것인지 명확하게 알 수는 없다는 게 갤러리와 큐레이터 설명이지만, 전시는 이처럼 관람객이 작가와 작품에 대해 끊임없이 스스로 새로운 점을 알아채거나 상상하도록, 그러면서 작가에 대한 이해가 더욱 깊어지도록 이끈다. 유영국은 올해만 해도 국립현대미술관과 국립중앙박물관에서 열리고 있는 이건희 컬렉션 전시, 서울 종로구 부암동 서울미술관에서 열리고 있는 소장품 전시 등 여러 한국근현대 미술을 다루는 인기있는 전시들에서 수차례 관람객과 만난 바 있다. 이 때문에 자칫 익숙하고 지루하게 느껴질 수 있을 법한 전시였는데, 섬세하고 다양한 아카이브 덕에 유영국의 세계에 새로운 공기를 돌게 한다. K2에서 작은 크기의 소품들을 모아 볼 수 있다는 것도 특별한 기회다. 그간 미술관의 여러 단체전에서는 주로 대작 위주로 선보여왔기 때문이다. 갤러리 관계자는 “소품전은 1980년대 한 화랑에서 열렸던 전시 이후로 아마 처음일 것”이라고 말했다. 8월 21일까지.

490여년 전 그려진 조선시대 독서당계회도가 22일 공개됐다. 문화재청과 국외소재문화재재단이 지난 3월 미국 경매에서 매입한 환수문화재다. 두 기관은 이날 국립고궁박물관에서 기자간담회를 열고 비단에 수묵채색으로 그려진 전체 크기 가로 72㎝, 세로 187.2㎝인 독서당계회도를 공개했다. 중종(中宗, 재위 1506∼1544)이 사가독서(賜暇讀書)한 관료 모임을 기념하여 제작된 그림인데 사가독서란 젊고 유능한 문신에게 휴가를 주고 공무 대신 학문에 전념하게 한 인재 양성제도다. 현전하는 16세기 독서당계회도는 모두 3점인데 이번에 공개된 그림은 실경산수로 그려진 계회도 중 가장 이른 시기 작품이다. 가운데 우뚝 솟은 응봉(鷹峰, 매봉산)을 중심으로 한강변의 두모포(豆毛浦) 일대가 묘사돼 있다. 지금의 성동구 옥수동 지역이다. 중앙부에는 강변의 풍경과 누각이 자리 잡고 있고, 강변에서 이어지는 길을 따라 올라가면 안개에 가려 지붕만 보이는 독서당(讀書堂)을 확인할 수 있다. 독서당은 중종 12년(1517년) 두모포에 신축돼 사가독서에 사용된 곳으로, 임진왜란 중 소실될 때까지 학문 연구 등 기능을 담당한 곳이다. 계회는 독서당이 바라보이는 한강에서 관복을 입은 참석자들이 흥겨운 뱃놀이를 하는 모습으로 표현됐다. 실제 참석자 이름과 계회 당시 관직명 등을 통해 제작연도를 파악할 수 있다. 조선 초기 산수화의 면모를 보여주는 수작이라는 점에서 높게 평가된다. 제작연도는 1531년으로 추정된다. 제작연도를 알 수 있는 작품이 희소하다는 점에서도 가치가 높다는 설명이다. 이번에 돌아온 독서당계회도는 국내 학계에서는 알려져 있던 유물이나 국외로 반출된 경위는 알려지지 않았다. 당초 소장자이던 간다 기이치로가 사망한 뒤, 유족에게서 입수한 다른 소장가가 갖고 있다가 경매에 내놓은 것으로 알려졌다. 간다 기이치로는 교토 국립박물관장을 역임한 일본의 동양학자다. 오는 7월 7일부터 9월 25일까지 국립고궁박물관 특별전시실에서 열리는 ‘나라 밖 문화재의 여정’ 전시에서 일반에 공개될 예정이다.