국내 양대 미술품 경매사 서울옥션과 케이옥션이 한국 근현대미술 대표 작가들의 작품이 나오는 경매를 연이어 연다. 서울옥션은 오는 22일 경매에 김환기의 1957년작 '화실'이 출품된다고 11일 밝혔다. 김환기의 파리 시대 작품으로, 달이 뜬 하늘과 백자 항아리가 보이는 화실을 그렸다. 그림 속 이젤 위 캔버스에도 달과 항아리가 그려졌다. 김환기의 1950년대 작품 세계가 집약된 그림으로, 신세계백화점이 소장했던 이력이 있다. 경매 시작가는 16억원이다. 이날 경매에는 총 122점, 약 163억원 규모 작품이 출품된다. 이우환의 푸른색과붉은색 '점으로부터' 2점이 출품된다. 1982년 제작된 150호 크기 대작으로 시작가는각각 17억원이다. 해외 작가로는 구사마 야요이, 샤라 휴즈, 힐러리 페시스 등의 작품이 나온다. 케이옥션은 23일 열리는 3월 경매에 이중섭의 말년작인 '닭과 가족'이 출품된다고 밝혔다. 1956년 세상을 떠난 이중섭이 1954~1955년에 제작한 작품으로, 가족 하나하나가 서로 연결돼 하나의 덩어리를 이룬 구도다. 떨어져 있는 가족에 대한 사랑과 그리움을 담았다. 한국전쟁으로 피난 생활을 하던 1952년 6월, 가족들은 이중섭만 두고 일본으로 떠난다. 이중섭은 가족과 1953년 잠시 일본에서 재회하지만, 별세하기까지 다시는 만나지 못했다. 경매는 14억원부터 시작할 예정이다. 이날 경매에는 총 128점, 약 135억원 규모 작품이 나온다. 이중섭 외 한국 작가로는 이성자, 박서보, 김종학, 이건용, 하종현 등의 작품이 출품된다. 해외 부문에서는 우고 론디노네, 구사마 야요이, 알렉스 카츠, 데이비드 호크니 등의 작품이 새주인을 찾는다.

화랑미술제를 시작으로 2022년 미술시장 문이 열린다. 지난해 미술시장에 불었던 훈풍이 올해도 이어질지 미술시장을 향한 관심이 뜨겁다. 최근 1970∼1980년대 미술운동 흐름이나 1990∼2000년대 대안공간 흐름이 끊어진 가운데, 미술계를 뜨겁게 주도하고 있는 곳은 그야말로 ‘시장’이라는 평가가 나온다. 공공영역보다 시장영역이 미술계를 주도하는 일은 한국 미술사에 드물었다는 측면에서 ‘미술계의 새로운 역사’라는 시각도 있다. 이런 가운데 미술시장에는 올해 빅 이벤트도 예정돼 있다. 오는 9월 세계 3대 아트페어로 꼽히는 영국 프리즈 아트페어가 처음으로 아시아에 진출하고, 아시아 국가 중에서도 우리나라 서울에서 개최된다는 점이다. 한국 미술시장의 약점을 기회로 만들 시기라는 평도 나온다. 미술계는 주변 아시아 국가인 중국, 일본에 비해 국내 미술시장 규모가 훨씬 작은 데도 교육제도 미스매치로 미대 졸업생, 신진작가 배출이 훨씬 많은 상황이라고 이같은 현상의 배경을 분석한다. 이런 가운데 한국 미술이 세계로 뻗어 나갈 것으로 주목되기 때문에, 양적으로 많았던 한국 작가들이 세계로 진출해 해외 시장을 개척하는 동력이 될 수 있다는 기대가 생긴다. 황달성 화랑협회장은 지난 7일 화랑미술제를 앞두고 가진 기자간담회에서 “올해 미술시장 전망을 조심스럽게 예상해볼 때, 화랑미술제의 경우 지난해 매출보다 2배 증가를, 미술시장 전체 성장 측면에서는 키아프(한국국제아트페어)·프리즈 공동 개최 쯤에는 지난해의 3배가 넘을 것”이라고 말했다. 이어 “그 결과에 따라 올해가 한국 미술시장에 세계 미술시장에 우뚝서는 해가 될 것”이라고 덧붙였다. ◆서울에서 3월 사단법인 한국화랑협회 주최 화랑미술제가 1979년 최초로 열린 뒤 올해로 40회를 맞는다. 우리나라에서 가장 역사가 깊은 미술시장이다. 올해 첫 메이저 아트페어인 제40회 화랑미술제는 오는 16일 VIP관람을 시작으로 17∼20일 일반관람 일정으로 개최된다. 전통적으로 화랑미술제가 열렸던 서울 강남구 삼성동 코엑스가 아니라 올해는 세텍에서 개최된다. 코엑스 주변 컨벤션센터로 범위를 확장해 미술 축제를 벌인다는 취지로 새로운 시도를 한다. 참여 화랑 수는 역대 최대다. 총 143개 화랑이 각 갤러리스트 자존심을 걸고 대표 작가를 선보이며 치열한 안목 경쟁을 펼칠 예정이다. 작가 800여명의 작품 약 4000점이 나온다. 국제갤러리, 갤러리현대, 학고재, 리안갤러리 등 정통 메이저 화랑 외에도 갤러리 FM, 갤러리 기체, 갤러리 다온, 갤러리 밈, 갤러리 위 등 신규 화랑도 대거 참여한다. 최근 가장 구하기 힘든 작품으로 떠오른 이건용 작가의 신체 드로잉 작품이나 ‘숯의 작가’로 불리는 이배, 단색화 리더 박서보, 70년대 아방가르드 그룹 출신 하종현, 이강소는 물론, 이번 화랑미술제 개최를 앞두고 엄선한 신진작가들도 나선다. 신진작가 코너인 ‘줌인(Zoom-In)’에는 작가 446명이 지원한 가운데 심사를 거쳐 7명이 선정됐다. 김선혁, 김시원, 김용원, 오지은, 이상미, 이혜진, 전영진 작가 등이다. 특히 올해는 미술시장의 4대 주체인 작가, 화랑, 수집가, 평론 가운데 최근 평론이 약화됐다는 우려를 반영해 신진작가들과 평론가를 일대일로 매칭했다. 신진작가 작품을 단순히 소개하는 것을 넘어 평론가의 심층적인 평론을 받고, 평론가와 작가의 대담 등 부대 행사를 마련해 미술 시장 수준을 더욱 높이겠다는 취지다. 화랑미술제 운영 주체이자 오는 9월 키아프·프리즈 공동개최의 주체인 화랑협회 측은 최근 새로운 디지털 아트로 각광받고 있는 대체불가능토큰(NFT) 아트 작품 전문 아트페어인 ‘키아프 플러스’ 개최 계획도 밝혔다. 프리즈·키아프 기간, 위성 아트페어로 세텍에서 개최한다는 구상으로, 주목해야 할 미술행사가 될 것이라고 설명했다. 화랑미술제의 지난해 매출은 약 72억원이었다. ◆5월 준비하는 부산 또 다른 대형 아트페어인 ‘아트부산’도 올해 사상 최대 흥행이 기대되는 기류다. ‘아트쇼부산’ 주최인 ‘아트부산’은 오는 5월12일 VVIP 및 VIP 관람을 시작으로, 5월14∼15일 양일간 일반관람 일정으로 진행될 예정이다. 예년과 같이 부산 벡스코에서 개최된다. 국내 97개, 해외 28개 갤러리 등 국내외 최정상급 갤러리 125곳이 참여한다는 설명이다. 참가신청 기간 동안 사상 최대 규모인 272개 갤러리가 참가 신청서를 냈다고 한다. 기존에 참가했던 갤러리 중 57개 갤러리가 심사에서 탈락했을 정도로 수준이 상승했다. 전 세계 생존 작가 중 최고가 작품으로 정평이 나 있는 영국 화가 데이비드 호크니 작품이 올 예정이고, 호크니와 알렉스 카츠 전시로 유명한 시카고 리차드 그레이 갤러리가 국내 아트페어에 최초로 참가해 화제몰이를 할 것으로 전망된다. 홍콩 에이치퀀즈에 위치한 화이트스톤 갤러리, 미국 뉴욕 투팜스 갤러리도 국내 아트페어에 최초로 참가한다. 호크니와 같은 초고가 작품을 들여오는 만큼, 매출액도 예년 기록을 깰 것이란 전망이 나온다. 지난해 아트부산 매출은 약 350억원이었다.

어두운 배경이 깊이감을 더하는 화면 한가운데, 도자 꽃병이 놓여 있다. 조그만 꽃병을 압도하는 부피감을 가진 수십송이 꽃과 풀이 화면을 가득 채운다. 세상 모든 종류 꽃을 다 모아 가진 것을 자랑하듯 제각기 다른 크기와 색, 형태를 가진 꽃송이들이 활짝 피었다. 까만 배경이 꽃을 더욱 돋보이게 한다. 이런 작품, 어디서 많이 본듯 한 이라면 미술사에 관심이 있는 사람이다. 바로 17세기에 대유행한 네덜란드 정물화를 연상시키려 의도된 사진 작품이기 때문이다. 서울 성동구 성수동 갤러리 아틀리에아키에서 열리고 있는 기획전 ‘뱅가드’에서 만날 수 있는 30대 사진 작가 김시종 작품 ‘스틸라이프’(still life·정물화)다. 젊은 현대미술가인 작가가 2022년에 400년 전 정물화를 소환한 이유는 뭘까. 정물화, 영어로는 ‘스틸 라이프(still life)’, 프랑스어로 ‘나튀르 모르테(nature morte)’는 ‘움직이지 않는 생명’, ‘죽은 자연’이란 뜻이 담겨 있다. 정물화라는 장르가 만들어진 17세기 네덜란드, 화가들에게 그림을 주문하는 이들은 신흥 부르주아지였다. 종교화가 저문 뒤, 이들은 부를 과시하기 위해 수입해온 보석, 사치품들로 화가들에게 화려한 정물화를 그려달라 주문했다. 동시에 청교도 영향을 받았기에, 사치품 옆에 빠뜨리지 않고 썩은 생선, 해골 등을 그렸다. ‘죽음을 기억하라’, 메멘토모리 메시지를 남겼던 것. 김 작가는 오늘날 세태에 당시 네덜란드 정물화를 떠올렸다고 한다. 김 작가는 이렇게 말했다. “플렉스라고 하지 않나. 과시적 소비와 그걸 인증하는 이미지가 넘쳐난다. 동시에 팬데믹으로 죽음이 너무나 가까이 있다. 이 의미심장한 조합에 17세기 네덜란드 정물화가 그려지던 시기가 내게 겹쳐 보였다.” 네덜란드 정물화에 있던 해골과 생선 대신, 작가는 무당벌레, 박쥐, 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)의 숙주로 알려진 천산갑의 꼬리를 넣었다. 사진작가인 그는 유화를 그린 네덜란드 화가와 달리, 카메라를 들었다. 플로리스트 지니엠에 요청해 그림 같은 실제 꽃병과 꽃을 준비했다. 꽃신으로 한국 작품의 정취를 더하고, 박쥐, 천산갑 등의 이미지를 콜라주 해 후반작업을 거쳐 작품을 완성했다. 100호 크기 에디션 중 1번 인쇄품이 지난해 말 국립현대미술관 서울관에 소장됐다.

웹툰작가 기안84(본명 김희민)가 첫 번째 개인전을 갖는다. 기안84는 개인전을 통해 미술 작가로서의 면모를 보여줄 예정이다. 기안84는 오는 25일부터 다음달 5일까지 서울 강남구 슈페리어 갤러리에서 ‘제1회 개인전(부제: Full所有)‘을 개최한다. 기안84는 인기 웹툰 ‘패션왕’과 ‘회춘’, ‘복학왕’ 등으로 웹툰 팬들의 큰 사랑을 받아왔으며, 지난해 ‘복학왕’ 완결 이후 새로운 작업으로 미술 활동을 시작해 독자적인 예술 세계를 모색했다. 앞서 MBC 예능 프로그램 ‘나 혼자 산다’에서 여수 안도로 캔버스와 이젤을 등에 업고 그림 여행을 떠나 바다와 마주한 채 붓질에 집중한 모습이 그려지기도 했다. 기안84는 이번 전시회에서 새로운 예술적 면모와 깊은 내면이 기록된 작품들을 전달하고자 한다. 그는 작품을 통해 미술 작가로서의 성장 과정을 보여줌과 동시에 삶에 대한 작가의 치열한 고민, 인생에 대한 관찰과 통찰을 보여줄 예정이다. 전시되는 18점의 새로운 작품 중 화려한 색감과 유쾌한 캐릭터가 등장하는 ‘자화상’ 시리즈는 기안84 본인의 감정들을 과감히 표현한 작품들로 채워졌다. 독창적인 작업방식으로 만들어진 이 작품들의 감상 포인트는 흔들림 없는 균형적 붓 터치와 힘 조절이다. 작품 속에는 기안84 작가 자신이 등장해 10년간의 웹툰 연재를 통해 느껴온 감정들을 고스란히 담아냈다. 또한 기안84의 예술적 성장기에 해당하는 캐릭터 ‘우기명’을 통해 파생된 작품들도 만나볼 수 있을 예정이다. 이 작품들은 기안84의 과거 인생을 넘어 미래를 향한 이야기들을 담고 있다. 미술 작가로서의 새로운 예술적 행보를 만나볼 수 있는 이번 전시에서 기안84는 실험적 도전을 또 하나의 예술적 변모의 과정으로 승화시켰다. 기안84는 “신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 힘들었던 지난 시간에도 그림을 그릴 수 있어 행복했다”라며 “웹툰이 아닌 미술 작가로서의 재미를 느끼는 지금 이 순간이 하루하루 소중하다”라고 소감을 밝혔다. 미술 작가로서의 새로운 시작과 발전에 전념하는 기안84는 이번 첫 개인전 수익을 일부 기부할 예정이다.

#예술이 세상을 바꿀 수 있다는 믿음 올해는 제59회 베니스비엔날레가 열리는 해이다. 베니스비엔날레는 베네치아에서 2년마다 개최되는 국제 미술 전시회다. 전시의 일부를 국가관 파빌리온으로 운영해 ‘미술계의 올림픽’으로 불린다. 베니스비엔날레는 1895년 시작한 이래 줄곧 매 홀수 해에 열렸다. 하지만 이번에는 팬데믹 여파에 연기해 3년 만에 개최를 확정했다. 축제 같은 행사의 귀환을 반기며 사람들은 들뜬 모습을 보이기도 했다. 그러던 중 지난달 24일 우크라이나 파빌리온 인스타그램 계정에서 공식 성명을 냈다. 러시아가 모두의 기대를 저버리고 우크라이나를 침공, 수도 키이우(키예프)에 진입하려 한 날이었다. 우크라이나 파빌리온의 팀원들은 성명을 통해 피난에 흩어진 와중에도 예술 활동에 최선을 다할 것을 다짐했다. 그리고 전 세계 예술인들에게 우크라이나와 예술, 표현의 자유를 향한 지지를 호소했다. 우크라이나 파빌리온은 올해 베니스비엔날레에서 작품을 선보일 수 있을까? 꼭 그럴 수 있을 것이라 믿으며 그러지 못할 일이 생기지 않기를 바란다. 우크라이나 파빌리온이 우크라이나와 예술, 표현의 자유를 함께 지지해달라며 호소한 것은 예술이 가진 힘 때문일 것이다. 예술은 시각적으로 발언해 우리를 각성시키고, 사고하게 하고, 생각 또는 마음에 변화를 일으킨다. 세상을 바꾸는 일은 개인의 변화로부터 시작하기에 결국 예술은 세상을 바꾸는 첫걸음이 될 수 있다. 송창(1952~)은 이렇게 예술이 가진 힘을 보여주는 작업을 한다. 다수의 민중미술 동인전을 비롯해 서울시립미술관, 경기도미술관, 학고재 등에서 전시했다. 국립현대미술관, 서울시립미술관, 광주시립미술관 등에서 작품을 소장하고 있다. #송창의 장소와 시간이 교차하는 풍경 송창은 한국의 풍경을 그리는 작가이다. 다만, 그의 작품에서 풍경은 장소에 관한 것만은 아니다. 거기에는 늘 역사와 사건이 함께 자리 잡고 있다. 장소와 시간의 축이 교차하는 세계다. 송창은 1952년 한국전쟁의 혼란 속 전라남도 장성에서 태어났다. 전쟁 이후 폐허가 된 국토와 가난을 목격하며 성장했다. 그림에 소질을 보여 대학 회화과에 진학할 무렵에는 전후 복구가 이루어졌다. 하지만 안정 대신 또 다른 역사적 사건이 세상과 삶을 흔들었다. 민주화 운동을 저지하는 신군부에 대항하는 5·18 민주화운동이 일어났다. 조선대학교 회화과를 졸업한 작가는 지인들을 보기 위해 광주로 달려갔지만 길이 막혔다. 하루가 지나서야 도착해 마주한 모습은 상상도 못 할 정도로 처참했다. 송창은 역사와 사건, 국가권력이 사회와 개인에게 어떤 영향을 끼치는지 고민하게 되었다. 그리고 작가로서 예술적 관점에서 역사, 사회적 문제에 접근, 고찰하겠다는 생각을 했다. 5·18 민주화운동 이후 미술을 통해 사회에 발언하는 민중미술 작가들이 활발히 활동 중이었다. 민중미술 대열에 합류해 현실 참여적 성향의 동료들과 교류를 시작했다. 그중 광주의 조선대와 서울의 중앙대 출신으로 이루어진 ‘임술년’에 동인으로 참여했다. 임술년으로 불리지만 1982년 서울 덕수미술관에서 창립전을 연 이들의 전체 이름은 ‘임술년 구만팔천구백구십이에서’이다. 1982년은 임술년이었고 당시 남한 총면적은 9만8992㎢이었으니 지금, 여기라는 의미다. 지금, 여기서 시작하겠다는 마음으로 송창과 박흥순, 이종구, 전준엽, 황재형 등이 함께했다. 임술년이 모여서 하고자 한 일은 다음 창립선언문의 일부에서 볼 수 있다. “우리가 갖고져 하는 시각은 이 시대의 노출된 현실이거나, 감춰진 진실이다. 그것은 ‘인간’ ‘사물’ 또는 우리들 스스로가 간직해야 할 아픔이며, 종적으로는 역사의식의 성찰, 횡적으로는 공존하는 토양의 형성이다. 우리는 다원적인 이 시대의 모든 산물을 수용하지만, 문화의 오류를 구체적이고 명료한 언어로서 얻고져 하며, 현실에 드러난 불확실한 과도적 상황을 솔직하게 형상화 할 것이다.” 즉, 그들은 세상 속에서 노출된 현실과 감춰진 진실을 모두 그리고자 했다. 그 방법은 추상이 아닌 형상을 통한 명료하고 구체적인 시각 언어로의 표현이었다. #‘매립지-신도시’부터 ‘그곳의 봄’까지 송창은 임술년 창립전부터 본격적인 작품 활동을 시작했다. 당시 그가 작품 속에서 다루고자 한 것은 서울 변두리의 풍경이었다. 그는 대학 졸업 이후 서울 근교 학교에서 미술 교사로 일하고 있었다. 매일 출퇴근하며 바라보는 창밖 풍경은 개발도상국이 처한 씁쓸함을 자아내는 현실이었다. 이제는 부동산이 비싼 동네가 된 난지도와 개포3지구 등 쓰레기 매립지의 모습은 더욱 그랬다. 도시가 만들어 낸 쓰레기 산 아래서 원주민들은 떠나지 못한 채 살고 있었다. 시흥의 산동네와 강남의 난민 천막촌도 마찬가지였다. 아파트 개발을 위한 철거 이후 일부 원주민들은 길바닥에 나앉았다. 집 없이 잔혹한 생활고 속에 사람들은 삶과 죽음의 경계를 오갔다. ‘난지도-매립지’(1984)는 이러한 도시 변두리의 모습을 담은 작품이다. 가로 길이가 3m에 이르는 커다란 이 작품은 가까이서는 정확한 모습을 파악하기 어렵다. 점점 뒤쪽으로 발걸음을 옮길수록 눈에 들어오는 것은 화면의 왼편에 뒤엉킨 사람들이다. 화면 가장자리의 불도저와 그 아래의 경고문 ‘불도저 주변 접근 엄금(10m) 이내 마포구청장’이 무색하게 사람들은 불도저에 몸을 딱 붙인 채 뭉쳐 있다. 그 오른편과 뒤편으로는 쓰레기가 산처럼 틈도 없이 매립되어 쌓였다. 사람들이 불도저가 위험한 걸 모르지는 않을 것이다. 단지 그들에게는 나란히 서 있을 공간적 여유조차 없어 보인다. 송창은 이 작품에서 매립지 사람들이 처한 고통을 형상으로 우선 표현했다. 그들이 처한 괴롭고 고통스러운 상황은 그로테스크하게 뒤엉킨 군상의 모습으로 드러난다. 뒤엉킨 모습은 몸부림치는 모습으로 보이기도 하는데 작가는 이를 분방한 필치로 그려냈다. 그려진 사람들은 어쩐지 검붉은 색의 물감으로 타들어 가듯 칠해졌다. 한데 뭉쳐 썩어가는 쓰레기가 원주민의 삶을 태우는 상황과 맞물린다. 반면 저 멀리 보이는 신도시의 아파트는 푸른색으로 칠해졌다. 맑은 공기가 느껴져 상징적인 색의 대비적 사용을 알게 한다. 초기 작업에서 개발 도시 근경을 담은 송창은 이후 분단의 풍경을 그리기 시작했다. 한국 현대사의 비극이 분단과 무관하지 않다는 생각이 들어서였다. ‘그곳의 봄’(2014)은 분단 풍경을 다룬 작품 중 하나다. 세 개의 화면으로 분할된 구조의 대형 회화 작업이다. 왼쪽의 화면에는 묘지에 많이 핀다고 알려진 하얀 망초꽃이 햇살을 받은 노란 빛으로 칠해졌다. 가운데 화면에는 벽들이 세워져 있고 그 위로 물감 덩어리가 꽃의 형태도 전면에 뿌려졌다. 오른쪽의 화면에는 꽃나무 아래에 영국을 상징하는 견종인 래브라도 리트리버가 우두커니 있다. 송창이 그린 이 대형 작품은 유엔군 화장장 시설을 그린 작품이다. 파주와 연천, 포천, 철원 등 전쟁이 가장 또렷한 흔적을 남긴 도시를 다루며 찾아낸 장소다. 그는 벽처럼 묘사한 유엔군 화장장 시설에 놓인 조화를 두꺼운 물감층으로 그려냈다. 이를 통해 화장장의 풍경은 그림 속 풍경이 아닌 현실의 풍경으로 이어진다. 그곳의 꽃은 여기의 내가 만질 수 있는 촉감적 대상으로 나타난다. 이 조화들은 작가가 전쟁에서 비롯한 죽음에 바치는 애도의 헌화이자 시들지 않는 꽃으로 건네는 위로다. 수십 년 동안 분단 상황을 다루는 그의 작품은 전쟁이 절대 끝나지 않았음을 상기시킨다. 이를 통해 최선의 답을 위한 고민이 흐려질 무렵 그것을 다시 제기하는 역할을 한다.

단색화 VS 비단색화. 서울 종로구 삼청로 일대 화랑가에서 흥미로운 경쟁이 벌어지는 모양새다. 최근 시장 호황과 한국 미술 세계화를 계기로 우리 미술계에 중요한 한 해가 될 것이라는 기대가 나오는 가운데, 한국 미술의 대표 브랜드를 업그레이드하기 위한 움직임이 주목된다. 최근 학고재 갤러리는 ‘에이도스를 찾아서: 한국 추상화가 7인전’을 연 데 이어, 부대 학술 세미나를 열고 시선에서 비켜나 있던 근현대 추상화 작가들을 조명했다. 그간 세계 미술 시장에서 한국 대표 브랜드로 주목받아 온 단색화 외에 한국만의 추상화를 발굴해 나가기 위한 시도였다. ‘포스트 단색화’ 찾기인 셈이다. 전시에 나왔던 남도 화가 강용운을 ‘추상표현주의의 남종 산수화적 번안’으로, 액션 페인팅을 거쳐 일필휘지의 서체적 충동을 표현한 이상욱을 서양 동시대 미술을 수용하면서도 자신의 기운을 담아낸 ‘주체적 문화 번역’의 사례로 명명했다. 전시를 기획했던 김복기 경기대 교수는 세미나에서 “복합문화주의 대두 이후 지구촌 미술의 지형이 바뀌고 있다. 유일신처럼 군림했던 서양 미술 전통이 힘을 잃고 미술은 다신교의 시대를 맞고 있다”고 진단했다. 이어 “작가를 주어로 쓰는 작품 분석, 그 분석으로 저마다의 피와 살을 재구축하고 작가마다 더 적합한 형용사가 붙는 추상미술이 절실하다”며 “이것이 한국 미술의 다양성을 담보하는 일”이라고 밝혔다. 한국 미술 대변자를 찾아 학고재 공을 넘겨받은 곳은 국제갤러리다. 시장의 최고 인기작인 단색화 작가군을 내세운다. 지난해 단색화 리더 박서보 개인전을 연 데 이어, 최근 또 다른 단색화 작가군 하종현 작가 개인전 ‘Ha Chong-Hyun’(하종현)전을 시작했다. 하종현전에서 눈에 띄는 부분은 자신의 대표작 ‘접합’(Conjunction) 연작을 변화시킨 ‘이후 접합’(Post-Conjunction) 연작. 국제갤러리 전시는 ‘역시 대표주자는 단색화’라며 진화된 단색화를 보여 주려는 시도로 읽힌다. 하종현은 1935년 경남 산청에서 출생하고 1959년 홍익대를 졸업했다. 전쟁 후 가난 속에 물감, 캔버스를 살 돈이 없어 자구책으로 재료를 찾다 마대를 쓰기 시작한 것으로 유명하다. 전시장에서 만난 그가 마대를 처음 쓰게 된 시절을 회상했다. “1950∼1960년대, 내가 학교 다닐 때, 한국전쟁이 끝나고 나서 서울에 와 보니 전부 다 불타고 없는 자리에 간신히 하숙을 얻어 작품을 하던 때다. 그땐 캔버스나 물감은 국산이란 게 잘 없고 특히 물감은 전부 외국에서 들여오던 때라 비쌌다. 생각하고 생각한 게, 남대문 시장에 가서 연구를 한 거다. 천을 사 와서 캔버스를 만들어 보기도 하고 그러다가 마대를 만났다. 마대를 탈탈 털어서 보니 올이 곧고 성긴 것이, 아 이걸로 어떻게 할 수 없을까 싶더라. 이중섭도 담뱃갑 은지에 그림을 그렸잖나. 그런데 천을 사서 보니 구멍이 송송 뚫려 어떻게 할 도리가 없는 거다. 천에다 뒤에서 물감을 발라야 하니까, 뒤에서 밀어붙이는 작업을 한 거다. 그 시절, 나는 엉뚱한 짓을 참 많이 했다.” 1970년대 본격적으로 선보인 그의 ‘접합’ 연작은 올이 굵게 짜인 천 캔버스 뒤에서 유화물감을 앞으로 밀어내듯 바르는 기법의 작업이다. 기법은 ‘배압법’으로 불린다. 캔버스 앞면에는 성긴 올 사이로 유화물감이 비죽비죽 삐져나온다. 지름 2㎜쯤 될까 싶은 작고 여린 물감 기둥이 살포시 솟아난다. 이 표면은 많은 생각을 하게 한다. 시대 배경을 고려하면 거칠고 마른 표면에 잘 보이지도 않는 구멍들 틈새로 하얀 물감이 돋아나 있는 모습이, 마치 폐허가 된 땅 위에 돋아난 새싹처럼 보인다. 작가가 캔버스를 구할 수 없을 정도로 어렵게 살았던 전후 한국 땅에서도 살아 낸 사람들의 생명력처럼 다가오기도 한다. 캔버스 재료를 찾고 구하고 씨름한 작가의 집약적 노동을 떠올리면, 캔버스 표면 숱한 물감 조각들이 땀의 결정체나 빛나는 보석처럼 느껴지기도 한다. 작가는 마대 천 밖으로 기어이 밀려 나오는 물감을 보며 어떤 생각을 했을까. “뒤에서 밀어낸 물감들이 마대 형태에 따라서 이상한 형태, 꼬부라진 형태도, 굵은 것도, 작은 것도 있고 여러 형태가 나오는데, 이게 인간이다. 사람도 똑같은 얼굴이 없지 않으냐. 자기 얼굴 갖고 나온 거다. 이런 자연의 얼굴을 작품에 도입하는 게 좋겠다 싶었어. 그래서 밀어내는 작업을 했고 오늘날까지 이어져 왔으니 이렇게 한 육칠십 년 됐지 않나 싶다. 이렇게 끈질기게, 지금까지도 마대·물감과의 전쟁을 하고 있는 거다.” 이번 전시에서는 ‘접합’, ‘다채색 접합’, ‘이후 접합’ 등 세 부류 작품들을 선보인다. ‘다채색 접합’은 기존 흰색 위주 작품에서 빨강, 주황 등 다채로워진 색채를 담은 작품으로 ‘접합’의 연장선에 있다. ‘이후 접합’은 이번 전시에서 작가가 최초로 선보이는 작품이다. 기존 배압법의 원리, 작가가 유지해 온 재료와 물성에 대한 태도를 그대로 유지하면서도 아예 새로운 형태로 나아갔다. 나무 합판을 얇은 직선 형태로 자른 뒤 나뭇조각들을 일일이 먹이나 물감을 칠한 캔버스 천으로 감싼다. 나뭇조각 옆면에 물감을 덩어리째 바르고 나뭇조각을 옆으로 붙여 나가길 반복한 작업이다. 나뭇조각들 사이사이로 물감이 삐져나온다. 작품은 여기서 끝나기도, 눈이 내려 세상을 덮듯 다시 물감으로 하나의 색이 덮이기도 하고, 주룩주룩 빗금으로 할퀴어지기도 하면서 개별적으로 삐져나온 물감들이 다시 통일적으로 정리되는 듯한 표면을 만든다. 기존 ‘접합’보다 조각적 요소가 더 부각되는 세계다. 갤러리 측은 “다채색을 활용하는 시도를 통해, 오랜 시간 본인의 작업을 정의 내린 단색화라는 틀을 넘어 시대의 흐름을 담아내고자 하며, 신작 ‘이후 접합’ 연작 등은 1990년대부터 현재까지 쉼 없이 진화·확장되고 있는 하종현의 작업세계를 일괄한다”고 설명했다. 시대 배경과 꾸준하게 이어 온 집약적 노동이 그의 작품에 녹아 있고, 신작은 멈추지 않는 실험 정신을 보여 준다. 3년 만에 열리는 베네치아비엔날레 기간인 다음 달 24일부터 8월 24일까지, 이탈리아 베네치아 팔라 제토 티토(Palazzetto Tito)에서 하종현 회고전이 열릴 예정이다. 현지 비영리기관인 폰다치오네 베비라콰 라 마사(Fondazione Bevilacqua La Masa) 주최로 열리는 전시에서 한국 모더니즘의 선구자로서 그의 60년 화업이 조명된다. 전시는 13일까지.

광주비엔날레의 15년만의 한국인 예술총감독인 이숙경(53·사진) 큐레이터가 "광주정신을 탈국가적 시각으로 재조명 하겠다"는 일성을 내놨다. 재단법인 광주비엔날레는 28일 서울 중구 세종대로 컨퍼런스룸에서 감독 임명 발표 후 첫 기자간담회를 열고 내년 4월 개막하는 제 14회 광주비엔날레에 대한 구상을 밝혔다. 지휘봉을 잡게 된 이 감독은 이날 간담회에서 "코로나 팬데믹, 미국에서 벌어졌던 인종차별 반대 운동, 기후변화에 대한 커져가는 위기감, 식민지의 잔재라 할 수 있는 원주민 권리운동이 세계 곳곳에서 일고 있다"며 "이런 움직임들을 보면 전 지구, 인류의 위기가 하나의 엉킴이 아닌가 싶다"고 견해를 밝혔다. 이어 "제가 혁신적 방향의 큐레이팅으로서 생각하는 것은 이 모든 것을 하나의 엉킴으로서 다루는 것"이라고 덧붙였다. 그는 비엔날레 구성의 두가지 방향을 제시하며 "광주민주항쟁도 광주정신이라는 하나의 사상적 뿌리에서 나와 5.18로 분출된 것으로 본다"며 "그 사상적 뿌리가 무엇인지가 제 시각의 핵심"이라고 말했다. 또 "광주를 예전부터 예향의 도시라 했는데 예부터 문화와 예술이 어떤 역할을 했기에 이런 광주정신이 나왔는가, 그 문화적 맥락을 살펴보려 한다"고 말했다. 그는 또 "방법론적으로는 서구와 비서구 등 중심 대 주변의 구도와 관계가 아닌, 지역과 세계를 평등하게 보고, 전체 인류를 하나의 공동체, 지구인으로 봤을 때 우리가 어떤 연대를 가질 수 있을까 생각했다"며 "이번 비엔날레의 정신은, 광주정신의 통시대적이고 탈국가적 재조명과 재해석이 될 것"이라고 말했다. 이 감독은 △동시대적이고 탈국가적 시각을 통한 광주정신의 재조명 △행성적 차원을 통한 공동체와 연대의 재규정 △감각과 이성, 감성을 통한 체험의 현장이라는 세가지 요소로 비엔날레가 요약될 것이라며 "오는 8월쯤 참여 작가 명단을 발표할 수 있을 것 같다"고 말했다. 이 감독 임명은 외국인 큐레이터들이 주로 감독을 맡았던 최근 광주비엔날레 역사에 이례적 사례다. 이 감독은 현재 영국 테이트모던미술관 수석 큐레이터지만 홍익대를 졸업하고 국립현대미술관에서 학예사로 5년 근무한 경력의 인사다. 그는 "해외에 나가서 자기 정체성을 더 명확하게 볼 수 있게 되곤 하는데, 광주정신에 대해서도 외부에서 보기, 새 세대가 보기란 뭘지, 다른 건 뭐고 같은 건 뭘까 생각이 크다"며 서구권에서 한국인 여성 이방인 큐레이터로서의 경험 등이 전시에 녹여질 것이라고 설명했다. 한편, 광주비엔날레는 기지재단과 함께 '광주비엔날레 박서보 예술상'을 제정해 오는 제14회 광주비에날레에서 첫 시상을 할 예정이다.

홍일화 작가가 지난 7일부터 가시나무의 속성을 표현한 ‘EPINE’ 전을 열고 있다. 서울 종로구 경희궁1길 갤러리 마리에서다. 2020년 ‘임시풍경‘전에 이은 새로운 풍경시리즈다. ‘임시풍경’이 낯설고 기이한 생명체들의 비밀스러운 숲에로의 초대였다면 이번 ’EPINE’ 시리즈에서는 숲으로 가기 위한 통과 의례를 치열하게 보여준다. 전시 제목인 EPINE는 불어로 ‘가시’혹은 ‘가시나무’를 뜻한다. 가시 돋친 형형색색의 꽃을 전면 배치해 가시덤불의 속성을 정교하게 드러낸 작품 40여 점을 선보이고 있다. 홍일화는 최근 제주 원시림 곶자왈에서 생활하며 숲의 생태를 화폭에 담아왔다. 그에 따르면 더는 숲이 인간과 문명에게 그 출입구를 호락호락 내주지 않는다. 숲과 자연과 신이 하나였던 신화를 거스르고 도망쳐 나와 문명을 이룬 후 봉쇄된 성역과도 같은 천연(天然)을 찾아내기 위해 잃어버린 마법과 상상력을 ‘가시’로 무장하여 표상한다는 것이다. 커다란 나무를 감싸고 제 몸마저도 미로처럼 온전한 형체를 드러내지 않으며 엉켜있는 가시덩굴, 별처럼 반짝이는 수 억 개의 가시, 무섭게 증식해 나가는 번식력 등. ’가시’는 구체적인 실상과 함께 다양한 함의로 다가온다 그의 창작은 마주침의 대상인 가시나무를 인상적 대상으로 만든다. 사실적 가시나무가 아니라 그것과의 마주침에서 일어난 인상으로 되살려지는, 주어진 순간의 열정에 존재하는 가시나무이다. 작품 속 가시나무는 한갓 골칫거리인 교란종의 식물이 아닌, 상처의 무덤으로 이루어진 폐쇄회로 혹은 고통으로 뭉쳐진 치욕의 흔적만이 아니다. 인간이 떠나버리고 문명이 망쳐버린 숲을 마치 ‘호밀밭의 파수꾼’처럼 희생을 자처하여 다시 싹트고 움트는 산 것들이 자신의 길을 새록새록 열어가는 생명의 길을 지키는 반짝이는 숲의 정령이다. 그의 가시덩굴은 생생하여 눈물나게 아름답다가 먹먹하게 슬퍼진다. 그것은 또한 우리가 잃어버린 마법과 상상력을 되찾기 위한 가시면류관이다. 가시나무로 인해 숲이 있고, 또한 가시나무로 인해 내가 있다. 누구도 모르게 자라서 가시밭길을 이룬 가시나무처럼 내 속에 감추어진 가시나무는 내면을 향해 파고든다. 고통의 수락은 육신과 함께 살아있는 우주의 모든 것에 경배하게 한다는 것이다 홍일화는 ”세계인이 겪어내는 난세의 전염병 상황에서 전체와 개별의 고통은 숲이 겪어내는 고통의 상황과 다르지 않다. 밤이 깊을수록 낮은 숨막히게 빛나거니 가시덩굴의 포자가 늘어날수록 숲은 그 안에서 더욱 신비로울 것이다. 성성한 가시가 뾰족하게 살을 파고들려 할수록 우리의 생채기는 빨리 아물고 살갗은 안으로 단단해지기 마련”이라고 말한다. 3월 18일까지

“엄마 때도 이랬어? 아빠 저거 기억나?” 부모보다 키가 더 큰 딸이 묻는다. “이건 생각나네, 비닐우산. 여기엔 창호지 붙이고.” 사진가 한영수의 1950∼60년대를 담은 사진 작품 ‘서울’ 앞에서 대화가 오간다. ‘서울’은 백의의 세 여성이 흙바닥에 좌판을 깔고 비닐우산으로 태양을 막은 채로 쪼그려 앉아 있는 사진. 박수근 작품에 줄기차게 등장하는 도상이기도 하다. 서울 중구 세종대로, 국립현대미술관 덕수궁의 ‘박수근 : 봄을 기다리는 나목’전 현장에는 진풍경이 벌어지고 있다. 지난 22일, 폐막 일주일을 앞둔 전시장에는 30대와 60대인 가족이, 20대와 90대 관람객이 한데 붐비고 있었다. 따뜻한 대화 속에 작품 앞 관객은 쉽게 발을 떼지 못했다. 그렇게 ‘선의에 찬 인간상’(박수근에 대한 평론가 이경성의 표현, 1975)을 찾은 조용한 발길이 결국 10만을 넘겼다. 지난해 11월 11일 개막 후 이날까지, 누적 관람객은 10만1631명이라고 미술관은 밝혔다. 사상 초유의 감염병 사태로 사전예약제, 입장인원 제한이 있던 상황에서 나온 숫자다. 혐오가 세력화하는 시대, 선한 영향력을 좇는 움직임이 동시공존하고 있음이 실감 난다. ◆고난의 삶과 보편성, 그 속에서 지킨 선함 ‘국민화가’ 박수근의 삶은 고난의 연속이었다. 일제강점기에 태어나 30대에 광복 맞았다. ‘만종’을 그린 프랑스의 밀레와 같은 화가가 꿈이었지만 그림을 배우지 못했고, 집안이 어려워 중학교 진학을 포기했다. 21세에 어머니를 잃었다. 독학으로 그림을 익혀 국전에 나가 입선하고 결혼도 했지만, 행복도 잠시였다. 36세에 한국전쟁이 시작됐다. 피란 중 가족과 헤어졌고 아들(삼남)도 잃었다. 일생 강원도 양구에서 춘천으로, 금성에서 금강산으로, 평양으로, 경주로, 군산으로, 서울로 숱하게 이동했다. 그림에 집중한 서울 종로구 창신동 정착기 단 10년이 평생 중 최고로 행복한 시간이었을 것이다. 그 행복마저 좌절됐을 때, 그는 51세 나이로 세상을 떠났다. 작업실 역할을 했던 공간인 창신동 집 마루를 서울시의 도시개발로 잃게 되자 그는 과음 끝에 시력을 잃고 그 후엔 건강을 잃어 사망했다. 그에게 집은 “외출했다 돌아올 때 우리 집 용마루만 보아도 내 집이 어떻게 사랑스러운지 모른다”던 집이었다. “먼발치에서 우리 집을 바라보면서 저 집 안에 죽었다 살아온 나의 사랑하는 처자식과 동생이 있다는 생각을 하면 그렇게도 기쁠 수가 없다”(아내 김복순의 기록)던 집이었다. 피란 중 헤어졌던 아내가 목숨을 걸고 자신을 찾아오자마자 미군PX에서 초상화를 그리는 ‘환쟁이’(당시 화가를 낮잡아 부르던 말)를 자처해 돈을 모아 단 3개월 만에 마련한 기적 같은 집이기도 했다. 그의 고난은 보편적인 고난이기도 했다. 비극적 역사 속에 민중이 공유한 아픔이었다. 그는 야만적 전쟁 시대를 살면서도 타인과 공동체를 사랑했다. 그의 고난기는 이기주의를 정당화하는 것이 아니라, 이웃을 더 사랑하고 연민해야 하는 마땅한 동기가 됐다. 동시대인을 이해하고 공감하기. 이는 그의 그림에 일관되게 흐르는 정신이 됐다. 그는 생전에 이렇게 말했다. “나는 인간의 선함과 진실함을 그려야 한다는, 예술에 대한 대단히 평범한 견해를 가지고 있습니다. 따라서 내가 그리는 인간상은 단순하고 다채롭지 않습니다. 나는 평범한 할아버지와 할머니, 그리고 어린아이들의 이미지를 가장 즐겨 그립니다.” 훗날 박수근의 후원자가 되는 미국인 마거릿 밀러는 1965년 미국 잡지에 박수근을 소개하는 글에서 “고요한 아침의 나라”는 “고난과 참상의 나라가 됐다”고 서두를 연다. 이어 “한국인들에겐 아무것도 남아있지 않다. 문화와 용기 외에는. 그리고 이것들이 한국인들이 보존하려 분투하는 것들”이라고 했다. 김예진 학예사는 전시를 계기로 쓴 글에서 박완서가 박수근을 모델로 쓴 소설 ‘나목’을 인용하며 “‘어리석지 않게 선량한 눈을 하고 상심이 짙게 밴 음성’을 가진 박수근은, 전쟁의 참화를 겪으면서도 본성을 훼손하지 않고 자신의 가치를 지키려 애쓰는 인간상을 보여준다”고 설명했다. ◆“박수근 연구는 이제부터” 박수근 전시는 사진으로는 절대 표현되지 않는 원화의 질감을 느낄 기회다. 박수근 작품 특유의 오톨도톨한 질감을 두고 지금까지 학자와 평론가 등을 통해 한반도에서 났던 토기나 화강암이 연상된다는 견해가 제시되곤 했다. 그러나 전쟁 후 모든 것이 파괴되고 나무도 풀도 메마른 흙바닥의 땅이 가장 먼저 떠오른다. 그렇게 ‘무배경의 배경’은 박수근이 관찰하는 지극히 리얼한 현실이지 않았을까. 굵은 테두리 선이 아니었으면 구분되지 않았을 만큼 비슷한 구분선 안과 밖은, 그가 유난하게 그리려 한 것이 아니라, 이웃들이 황톳빛 배경에 녹아들어 있던 풍경의 일부였기 때문 아닐까. 배경과 대상을 구분하는 것이 아니라, 집도 나무도 다 파괴된 폐허의 땅에서 이웃과 공동체만이 의지할 유일한 환경이었기 때문이 아닐까 상상하게 한다. 역사적으로 국내외 전문가와 학자들은 박수근을 그가 동경했던 밀레는 물론, 빈센트 반 고흐나 디에고 리베라와 비교하기도 한다. 하지만 이 기법만큼은 독보적이다. 이번 전시는 역대 박수근 전시 중 최다 작품과 자료가 공개되는 전시다. 유화, 수채화, 드로잉, 삽화 등 총 174점이 나오고 박수근이 생전 그림을 독학하며 만든 화집, 스크랩북, 스케치, 엽서 등 약 100점이 나온다. 박수근의 전 생애를 다각도에서 살피도록 꾸며져 있기도 하다. 미군PX에서 박수근을 만나 교류했던 박완서의 소설을 통해, 박수근의 전성기 실제 서울 풍경을 보여주는 한영수의 사진 작품들을 통해 박수근과 박수근의 배경을 두루 살핀다. 엄혹한 배경 속에서도 잃지 않은 빛나는 애민정신, 몸은 고됐을지언정 전업 화가로 성장하고 재회한 가족을 부양하며 새로운 희망으로 차올랐을 미군PX 초상화가 시절과 반도화랑 시절의 분위기가 전시장에 은유적으로 구현돼 있다. 1년 준비 기간을 거쳐 ‘국민화가’의 최대규모 전시를 치러낸 김 학예사는 “박수근 연구는 이제부터 시작”이라고 말한다. 그는 “판매용 소품과 출품용 대작들로 이뤄진 400여 작품들은 그의 치열한 생존전략을 보여준다”며 “순응적인 인간상을 지나치게 강조하면 예술가로서 박수근이 시도했던 다양한 실험과 도전, 주류 화단에 휩쓸리지 않으면서 자신의 길을 고집한 뚝심 있는 태도를 놓치고 말 것”이라며 설명했다. 박수근의 동의어를 찾는다면 한국이 아닐까. 우연히도 국립현대미술관의 100번째 컬렉션이 박수근 작품이었다고 한다. 우연은 때론 운명으로 치환된다. 다음 달 1일까지.

도예가 이종능은 흙에 불의 형상을 담아내는 토흔(Tohheun)이라는 독톡한 도예 기법으로 작품 활동을 하고 있다. 토흔의 창시자로 통하는 그는 스스로 흙의 본질적인 원시성에서 색감, 질감, 형태, 그리고 행복을 찾아가는 여정의 작가라고 말한다. 그가 지난 12월부터 서울 예술의전당에서 열리고 있는 야수파의 거장 ‘앙리 마티스 Life and Joy’전에 오마주 작가로 선정되어 마티스의 작품 세계를 1250도의 불길로 새롭게 형상화한 도예 작품을 선보이고 있다. 그는 거장 마티스의 오마주 작가로 참여하게 된 데 대해 “마티스의 작품을 오마주 한다는 것은 상상하기 힘든 일이었다. 그럼에도 원초적인 흙의 질감을 간직한 토흔의 강렬한 색채와 불의 철학이 마티스의 작품세계와 공유하는 부분이 있어 용기를 내어 도전하게 됐다”고 말한다. 그는 “많은 고민의 시간을 보내고 캔버스에 물감과 색종이의 붓질과 가위질을 대신해 1250도의 불길에서 따스한 영혼이 깃든 행복감을 찾아보았다”고 고백한다. ‘마티스의 원작을 훼손하지 않고 마티스가 흙 작업을 했으면 어떤 느낌의 작업을 했을까’ 하는 생각이 도자기의 형태를 우아한 여인의 모습으로 형상화하고 그 위에 거장 마티스의 손을 잠시 빌려보았다고 한다. 그는 “뉴욕에 들를 때 마다 MOMA(뉴욕현대미술관)의 큰 벽면을 차지하고 있는 DANCE1(춤1)을 흙과 불로 재탄생시킨다는 것은 한편으론 두렵고 또 한편으로 벅찬 가슴을 쓸어내려야 할 만큼의 용기가 필요했다”고 말했다. “오마주 작업을 하는 열달의 시간 동안 예술과 철학에 대해 많은 공부와 성찰을 하게 되었다”는 그의 작품 중에 원시성의 흙이 만들어낸 색감의 ‘춤II’와 ‘분홍빛 누드’는 관람객의 시선을 끈다. ‘앙리마티스 Life and Joy’전은 원작은 물론 영상과 사진 다양한 체험을 통해 앙리 마티스의 작품 세계를 입체적으로 조망해 볼 수 있는 자리이다. 200여점에 달하는 드로잉, 판화, 일러스트, 아트북 등 그가 남긴 방대한 원화 작품이 출품된 이번 전시는 한국에서 열린 마티스 단독 전시 중 최다 작품수를 자랑한다. 이종능은 실크로드를 비롯해 캄차카반도의 화산까지 3년의 배낭여행을 통해서 다양한 도자문화를 호흡하고서 그 토양 위에 그만의 독창적인 도자세계인 토흔의 싹을 틔워가고 있다. 어떤 계파나 장르에 구애받지 않고 자신의 창작 욕구를 자유분방하게 표현하는 도예가라는 평을 듣는 그는 한국을 대표하는 도예작가로 영국 대영박물관을 비롯한 뉴욕, 도쿄, 아부다비, 두바이, 러시아 등의 세계적인 미술관에서 작품전을 열어 한국 도예의 정수를 세계에 알리고 있다. 그는 토흔에 대해 “도자기는 일반적으로 청자.백자.분청으로 구분되는데 저만의 독창적인 흙의 세계를 만들고 싶었다. 흙의 흔적, 세월의 느낌 ,간절한 기도로 표현되는 토흔은 원시성의 색감과 질감을 간직한, 눈을 즐겁게 해 주기보다는 가슴을 어루만져 주고 꿈과 희망의 메시지를 담은 세계 도자사에 없는 저만의 독창적인 흙의 세계”라고 말했다. “예술이란 부족함과 나약한 인간 내면의 절실함이 빚어낸 따스한 행복이며, 설렘은 창작의 주춧돌”이라고 말하는 그는 마티스처럼 그의 토흔 작품에 봄날의 밝은 즐거움을 담아 많은 사람에게 행복과 꿈을 전해주고 싶어한다. 대학 시절 지리산에서 만난 무지개 빛깔의 흙이 준 설렘이 40년이 지난 지금도 식지 않고 그 흙이 그가 꿈꾸는 토흔의 세라믹 로드에 길동무가 되고 있다. 이번 오마주 작품의 태토도 지리산의 오염되지 않은 원시성의 흙이었다. 전시는 4월10일까지.