디스트릭트의 거대한 파도, 데이비드 호크니의 떠오르는 태양이 등장했던 코엑스 전광판에 이번에는 강이연 작가의 기후위기를 주제로 한 작품이 등장한다. 문화체육관광부와 한국문화예술위원회는 지난 1일부터 오는 3월 31일까지 서울 강남구 삼성동 코엑스 K-POP 스퀘어에서 ‘예술로 치유 프로젝트’의 일환으로 미디어아트 특별전을 개최한다고 5일 밝혔다. 미디어아티스트인 강이연 작가의 작품은 매일 오전 6시부터 오후 11시까지 약 20회 송출된다. 이번에 나온 작품은 ‘0.4’라는 제목으로, 인류와 자연에 대한 고찰을 바탕으로 코로나바이러스에서 시작해 기후위기 전반에 대한 문제의식을 담고 있다. 작가는 코로나 바이러스가 각 사회가 지닌 사회적, 정치적, 경제적, 인종·계층적 문제점들을 작품을 통해 표출했고, 인류와 지구간의 불편한 관계들을 적나라하게 드러냈다. 작품은 신비한 생명력이 물씬 풍기는 청량한 숲속부터 인류가 일으키는 파괴적 이미지까지 이어진다. 인간만을 대상으로 하는 치유는 더이상 가능하지 않으며, 인류를 치유하고 자연을 치유하는 것이 우리의 미래를 가능하게 할 것이라는 의미다. 강 작가는 “2022년의 시작과 함께 시작되는 이 프로젝트가 우리를 포함하는 생물권(biosphere)의 치유를 향한 아주 작은 발걸음이 되기를 바란다”고 전했다. 강 작가는 서울대에서 서양화 학사를, 캘리포니아대학교 UCLA에서 디자인·미디어 아트 석사를, 영국 왕립예술학교 Royal College of Art에서 박사 학위를 마쳤고, 2020년에는 글로벌 현대미술 프로젝트 ‘Connect, BTS’에 유일한 한국 작가로 참여했다.

얇은 스케치 종이를 꺼낸 그가 기억을 풀어내며 보았던 공간을 쓱쓱 그려낸다. 그가 순간을 포집해 기억에 담기 시작하는 때는 그동안 알고 있던 것들이 이전과는 다르게 보이는 찰나다. 이따금 멈춰 서게 만드는 모든 장면을 착실히 기억하고, 기어이 그려내는 것이다. 애니메이션 감독 겸 일러스트레이터 이규태가 ‘순간의 기억 The Memory of a moment’이라는 주제로, 이렇게 그려낸 그림들을 한자리에 모아 선보이고 있다. 내년 2월 20일까지 서울 용산구 알부스갤러리에서 관람객을 반긴다. 그의 그림들은 익숙한 장소에서 문득 떠오르는 낯선 감정들, 또는 장면의 변화를 결코 지나치는 법 없이 긴 시선으로 마주한다. 그렇게 장소와 장소, 기억의 장면들을 그의 페이지에 고스란히 담아낸다. 그 안에서 작가가 경험한 감정을 공유하고, 그만이 가진 색채를 자연스레 발견할 수 있다. 펜이나 색연필 같은 단순한 재료만으로도 우리의 눈을 붙잡을만큼 따뜻하고 아름다운 메시지를 전한다. 이번 전시에는 지금까지 이어온 활동의 결과물과 함께 다수의 신작들이 얼굴을 내밀고 있다. 그동안 공개되지 않았던 원화들을 비롯해 수작업으로 그린 수많은 컷들이 대형 LED와 디지털 프레임을 통해 겹겹이 모여 움직이는 새로운 미디어 작업을 감상할 수 있다.

“조물주는 만물을 만들었지만 이름은 붙이지 않았습니다. 자연 그 자체가 곧 추상인 셈이지요. 저는 단지 자연의 여러 현상들에서 발견하고 선택하고, 이를 다시 고치고 보탤 뿐입니다.” 대표적인 단색화 작가 권영우(1926∼2013) 개인전 ‘Kwon Young-Woo’가 서울 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리에서 열리고 있다. 전시에서는 권영우의 상징적 작품인 백색 한지 작품들과 함께, 대중에게 처음 공개되는 색채 한지 작품들이 나온다. 전시장 1층에서 먼저 관람객을 맞이하는 작품들이 바로 색채 한지 작품. 1989년 파리에서 귀국한 직후의 작품들이다. 먹색의 컬러감이 분명한데, 작가가 그은 선과 형태의 테두리는 흩어지지 않고 단정하다. 서양의 과슈(gouache)와 동양의 먹을 혼합해 새로운 재료를 만들어낸 것이다. 획마다 각각 다른 비율로 혼합하면서 미묘한 색감의 차이를 만들어냈다. 먹은 번지면서 물기와 함께 확산해 가는 반면, 불투명 수성 안료인 과슈는 스스로 응결한다. 서로 역작용하는 두 재료의 특성으로 인해 화면엔 잔잔한 여운이 흐른다. 작가는 “남들은 과슈다, 먹이다 구별을 하는데 나는 그런 구별 자체를 안 하고, 그냥 검정색이다 하고 여긴다”고 했다고 한다. 2층에서 만나는 1980년대 파리 거주 시기 한지 작품들은 권영우의 유명한 개성적 작품들로 아우라를 풍긴다. 권영우의 파리 시기 대표작은 올해 세계적 미술관인 프랑스 퐁피두센터에 소장되기도 했다. 동양적 재료로 서구 사회 한복판에서 현대적 조형언어를 구축해낸 힘이 고스란히 느껴진다. 또 패널에 한지를 겹쳐 발라 기하학적 형상을 구현한 작품들에서는 한지를 놓지 않은 그의 집요함, 부단한 실험의지가 담겨있다. 그의 작품들에서는 조르주 브라크의 ‘파피에 콜레(papier colle)’나 루치오 폰타나의 ‘공간 개념(Concetto spaziale)’ 시리즈가 연상되기도 한다. 한지를 이용한 세련되고 현대적인 백색 화면에는 전후 추상의 수용에 직면해 전통의 현대화라는 맥락에서 당대의 시대적 과업을 이행하고자 했던 그의 노력과 열정이 담겨있다. 그는 “전통 문제만 하더라도 이것은 그 자체를 길이 보존하고 계승하는 것보다 새롭게 이어 나가야 하는 것이 진정한 의미라고 생각한다”고 말하며 동양화 서양화 구분 자체를 넘어서는 작가로 스스로 이정표가 됐다. 내년 1월30일까지.

AI(인공지능)와 VR(가상현실), AR(증강현실), 메타버스, NFT(대체 불가능한 토큰)까지. 급변하는 디지털 환경, 기술 혁명 뒤에 또 혁명이 벌어지는 세상 속에 정신이 혼미하다면, 차분히 역사를 돌아볼 때다. 미래에 대한 답을 구하는 이에게 유일한 참고서는 과거이기 때문이다. 광주시립미술관에서 기술 발전과 예술의 상상력이 상호작용해온 역사를 돌아보는 전시가 열리고 있다. 미디어아트의 대표적 기관 독일 칼스루에의 ‘예술과 미디어센터’(ZKM·Center for Art and Media Karlsruhe) 소장품 약 100점으로 꾸민 ‘미래의 역사 쓰기 : ZKM 베스트 컬렉션’ 전시다. 광주시립미술관과 ZKM이 공동 주최해 미디어아트 거장들이 남긴 역사적 작품들을 한자리에서 볼 수 있도록 구성했다. ZKM은 독일 건축사가 하인리히 클로츠가 1989년 설립을 추진, 1997년 개관한 미디어아트 기관이다. ‘디지털 바우하우스’라는 별칭을 가졌다. 미디어아트가 시작된 이래 지금까지 약 60년간 이뤄진 관련 연구와 창작, 전시, 아카이빙을 하고 있으며 20, 21세기 작품 약 1만점을 소장하고 있다. 이번 전시에는 게리 힐, 스타이나, 우디 바슐카, 마리나 아브라모비치, 빌 비올라, 백남준, 브루스 나우만, 제니 홀저, 제프리 쇼, 토니 오슬러 등 64명의 작품 96점이 나온다. 전시는 예술에 새로운 기술을 이용한 선구자들을 소개하면서 시작된다. 이어 기술과 매체의 발전이 미디어, 신체, 초상, 풍경을 인식하는 우리의 시각 범위, 감수성을 어떻게 변화시켜나갔는지 보여준다. 이어 미래엔 어떤 매체가 우리를 어떻게 변화시킬지 엿본다. 그 마지막 자리를 ZKM의 NFT소장품 석 점이 차지하고 있는 점이 흥미롭다. ZKM은 이미 2017년 NFT를 소재로 전시를 하고, 소장품으로 작품을 기관에 들이기 시작했다고 한다. 전시 개막을 맞아 한국을 방문한 ZKM의 테크니션 크리스티앙 롤케는 “디지털작품은 얼마든지 복제될 수 있고 여기저기 불법적으로 유통될 수 있는 한계가 있었는데, NFT는 그걸 보완하는 시스템으로서 기능한다”고 말했다. 이어 “그게 반드시 필요한 것이냐는 물음이 제기될 수 있지만, 그런 물음은 시기상조”라며 “모든 기술은 처음에 만들어진 이후에는 다양한 실험, 가지고 노는 작업들이 선행돼야 하고, 컴퓨터나 인터넷이 그랬듯이 그 실험들이 진전될 수 있어야 한다”고 말했다. 또 “회화는 작품이 있고 그 뒤에 작가의 서명이 있다면, NFT 작품은 서명 그 자체가 작품이 되는 경우로, 서명과 작품이 분리되지 않는다는 점이 흥미롭다”고 덧붙였다. 역시 전시장에서 만난 ZKM 큐레이터 클라라 룽게는 “NFT는 새롭게 등장한 예술 매체이고, 분명 동시대 오늘날 예술가들이 그것을 이해하려 시도하고 접근하고 실험 중인 것을 알고 있기 때문에 ZKM의 설립 정신에 충분히 부합한다고 생각해 소장품에 포함시켰다”고 밝혔다. 역사 속에서 새로운 기술의 발전은 새로운 미학의 발견이었다. 전시는 발견한 미학을 보여주고, 발견될 미학을 관람객 몫으로 남긴다. 신기술, 신매체가 갓 나왔을 때 가졌던 전위적 아우라가 사라진 예술작품에 이제 무슨 의미가 있느냐는 의문이 들지 모른다. 그러나 전위의 아우라는 클래식의 위엄으로 전환되기도, 대중화된 생활 기술이 되어 일상 속에 키치로 남기도 한다. 최신 버전 플레이스테이션이 있어도 수십년 전 문구점 앞 오락기를 그리워하는 사람들이 그러하듯, 미디어아트계의 고전이 된 작품들이 관람객에게 여전한 소구력을 가진다. 내년 4월 3일까지.

28일 서울시 종로구 서울역사박물관 분관인 딜쿠샤(Dilkusha)에서 열린 <딜쿠샤 컬렉션-추억과 기억, 메리 린리 테일러의 그림>전을 찾은 시민들이 3‧1 독립선언서를 해외에 알린 앨버트 와일더 테일러의 부인 린리 테일러의 그림 전시물을 살펴보고 있다. 1917년부터 1942년까지 남편과 함께 한국에서 살았던 메리 린리 테일러는 자신들이 살았던 집에 페르시아어로 '기쁜 마음'이라는 뜻의 '딜쿠샤(Dilkusha)'라는 특별한 이름을 붙인 장본인이기도 하다. 내년 6월 26일까지 열리는 이번 전시는 온라인 예약을 통해 관람할 수 있다.

얇은 스케치 종이를 꺼낸 그가 기억을 풀어내며 보았던 공간을 쓱쓱 그려낸다. 그가 순간을 포집해 기억에 담기 시작하는 때는 그동안 알고 있던 것들이 이전과는 다르게 보이는 찰나다. 이따금 멈춰 서게 만드는 모든 장면을 착실히 기억하고, 기어이 그려내는 것이다. 애니메이션 감독 겸 일러스트레이터 이규태가 ‘순간의 기억 The Memory of a moment’이라는 주제로, 이렇게 그려낸 그림들을 한자리에 모아 선보이고 있다. 내년 2월 20일까지 서울 용산구 알부스갤러리에서 관람객을 반긴다. 그의 그림들은 익숙한 장소에서 문득 떠오르는 낯선 감정들, 또는 장면의 변화를 결코 지나치는 법 없이 긴 시선으로 마주한다. 그렇게 장소와 장소, 기억의 장면들을 그의 페이지에 고스란히 담아낸다. 그 안에서 작가가 경험한 감정을 공유하고, 그만이 가진 색채를 자연스레 발견할 수 있다. 펜이나 색연필 같은 단순한 재료만으로도 우리의 눈을 붙잡을만큼 따뜻하고 아름다운 메시지를 전한다. 이번 전시에는 지금까지 이어온 활동의 결과물과 함께 다수의 신작들이 얼굴을 내밀고 있다. 그동안 공개되지 않았던 원화들을 비롯해 수작업으로 그린 수많은 컷들이 대형 LED와 디지털 프레임을 통해 겹겹이 모여 움직이는 새로운 미디어 작업을 감상할 수 있다.

건칠 기법이 만들어낸 피부가 거칠다. 환한 인공조명 아래, 처절함은 유독 적나라하다. 예수상이 매달려 있는 모습은 소름이 끼친다. 조각 주변에 걸려 있는 사진 속 이 예수상의 모습은 확연히 다르다. 서광이 비치는 듯한 주황빛 배경을 뒤로하고, 예수상은 하늘로 떠오르고 있는 듯하다. 눈앞 현실에서 죽어가는 조각상이 사진 프레임 속에서 부활하는 것처럼 보인다. 한 교회가 제작을 의뢰해놓고 너무나 누추하다는 이유로 반려해 평생 작가의 작업실에 있었다는 조각상, 한국 근대 조각의 선구자 권진규(1922∼1973)의 ‘십자가 위 그리스도’다. 권진규와 패션 사진계 톱급 포토그래퍼가 만난 전시 현장의 풍경이다. 서울 종로구 삼청로 PKM갤러리에서 ‘불멸의 초상 : 권진규×목정욱’전이 PKM갤러리에서 열리고 있다. 권진규는 일제강점기 함경남도 함흥에서 태어나 일본 도쿄 무사시노미술학교 조각과에서 조각을 익혔다. 해방 후 당대 서구 추상조각 유행을 타지 않고 한국적 리얼리즘을 추구하며 구상조각에 몰입했다. 진흙을 굽는 테라코타와 옻을 이용하는 건칠 기법을 통해 한국적 방식, 한국적 재료를 추구했다. 자신의 얼굴을 소재로 한 자소상과 여인상, 동물상, 예수상, 불상 등을 제작했다. 목정욱은 패션사진계 톱급으로 꼽히는 포토그래퍼다. 세계적인 패션잡지나 명품사와 작업하고 방탄소년단의 ‘타임지’ 표지 촬영 등을 진행하는 등 K팝 스타들과도 작업해온 사진작가다. 전시는 권진규의 조각작품 8점과, 6개월간 이 조각작품들을 연구하고 촬영한 목정욱의 사진 약 30점을 선보인다. 갤러리 측은 권진규의 조각이 근대의 선구적 작품이라는 역사적 평가에 머물게 하는 것이 아니라, 현대와 끊임없이 호흡하고 있는 작품으로 보여주고 싶어 순수예술과 상업사진을 영역을 넘나들고 있는 동시대 작가와의 협업을 시도했다고 한다. 권진규는 한창 작업을 할 나이 51세에 스스로 목숨을 끊은 비운의 조각가로도 불리나 그의 조각에 남겨진 예술혼은 여전히 생생하고 강렬하다. 목정욱은 그 ‘에센스’(핵심)을 담아내는 데 집중했다고 한다. 강렬한 눈매 속에 깊은 고독과 갈망이 담긴 듯한 테라코타 자소상을 촬영하던 어느 날은 몸이 아플 정도로 그 기세가 전해지는 느낌을 받았다고 한다. 30일까지.

웃기면서도 슬퍼서 ‘웃프다’. 밀레니얼이라는 그럴듯한 이름 뒤에 ‘현실은 시궁창’이었던 자조세대는 새로운 말을 만들어냈다. 자조세대의 ‘웃픈’ 정서 그대로를 예술로 승화한 청년 예술가들의 전시가 열리고 있다. 대구미술관 ‘유머랜드 주식회사’다. 대구미술관이 개관 10주년을 맞아 으레 개인전이나 연합전 형식으로 열리던 청년 작가 전시 ‘Y 아티스트 프로젝트’를 주제전으로 기획해 선보였다. 웃음 속에 뼈가 있는 요즘 청년 세대 특유의 유머를 주제로 삼았다. 김영규, 이승희, 이준용, 장종완, 최수진 30대 작가 5명이 사회와 예술의 면면을 젊은 감각과 유머로 보여준다. 그 가운데서도 청년 예술가로서 마주하는 사회적 현실을 말하는 작품들이 유독 눈에 띈다. 오직 그들만이 말할 수 있는 진짜 현실 이야기여서다. 김영규 작가는 인터넷 강의 형식을 차용해 미술, 자본, 개인의 관계에 대해 보여준다. ‘아트페어 작가로 살아남기’, ‘연봉 1억 미술작가 되기’, ‘성공한 예술가 욕 안 먹고 살아가기’ 등으로 미술작가가 사회적 명예와 경제적 성공을 얻는 방법에 대해 강의한다. 영상작품 ‘미술왕 인강시리즈 - 연봉 1억 미술작가 되는 법 책 발간’ 등에서 작가가 직접 족집게 1타 강사처럼 변신해 능청스럽게 연기한다. 그 가운데서도 그가 작품으로서 만든 책 ‘연봉 1억 미술작가 되는 법’에는 ‘우리 모두 부자가 될 수 있다’, ‘누구도 말해주지 않던 천기누설’ 등 풍자적 부제를 단 표지가 눈길을 끌고, 마음껏 펼쳐보고 만져볼 수 있는 책 형태의 예술작품이라 신선하다. 책에서는 가령 노골적으로 잘 팔리는 그림이란 무엇인지 설명하며, ‘잘 팔리는 주제’와 ‘안 팔리는 주제’를 정리해준다. 잘 팔리는 주제로 자연, 약간의 우울한 감성, 어린시절의 기억, 처절한 청춘에 대한 응원, 왠지 한국적인 것 등을 꼽는다. 반대로 안 팔리는 주제로는 한쪽으로 치우친 정치적인 것, 계몽주의적인 것, 지나치게 철학적인 것, 과거의 잘못 등을 써내려간다. 사유하고 성찰하게 하는 미술이 아니라, 인테리어 장식품으로 미술을 대하는 수준에 머물고 있는 한국의 현실을 꼬집는다. 그의 작품은 기발한 아이디어에 웃음이 나지만, 미술이란 무엇인가 본질적인 질문을 하게 한다. 여러 공들인 작품들 중에서도 가장 눈에 각인되는 작품은 아이로니컬하게도 종이에 붓으로 건성건성 몇자 적은 듯한 이준용 작가의 작품이다. ‘천천히 미술을 그만 둔다’라는 열 글자가 점점 엷어지는 수채화 물감으로 적혀 있다. 이 작가는 이 작품을 자신의 학교 졸업작품전에 내놓았다는 설명에 관람객의 마음은 더욱 ‘철렁’ 하고 떨어진다. ‘미술’이라는 단어 자리에 자신의 업을 넣다 보면, 꿈과 현실의 괴리, 또는 누구나 갖고 있는 자신의 업의 현실에 대해서도 생각하게 된다. 청년 예술가로서의 실존적 고민 외에도 작가들은 다양한 고민들을 유머러스하게, 또는 마치 한편의 블랙코미디처럼 펼쳐낸다. 일상에서 마주하는 불합리, 사회의 구조적 모순이나 행태 등을 특유의 감각으로 꼬집는다. 가벼운 마음으로 작품을 접하며 웃게 하면서도 어느 작품보다 처절하고 직설적으로 무거운 질문을 던지고 있다. 26일까지.

“여러분들에게 마법의 순간은 언제 입니까?” 코로나19 탓에 모든 게 위축된 시기. 김영화 화백이 무너진 일상에 힘겨워하는 이들의 마음을 치유하고 위로하며 희망 메시지 전하기에 나섰다. 그의 작품들은 하나같이 ‘자연·공(空)·감(感)’을 떠올리게 한다. 하늘과 땅의 만남, 하늘과 바다의 만남, 그리고 하늘과 땅과 바다의 만남. 삼단으로 나뉜 화면은 색채의 대비와 융합에 의해 미묘한 어우러짐을 낳는다. 하늘과 땅과 바다와 만물이 어우러지는 춤이자 교향악이며 색채들의 속삭임이자 은밀한 사귐이다. 산인가 하면 산이 아니고, 바다인가 하면 바다가 아니다. 삶을 명상하게 하는 작품들. 화면을 가르는 긴 수평선 사이로 색들이 길을 만들고 물길을 내어 오솔길도 되고 강물도 되는 마법을 부린다. 화폭은 강렬하고, 풍부해서 어딘지 모를 깊은 힘과 기를 뿜어낸다. 절제되어 있는 색채는 단순하면서도 역동적이다. 그가 말 하는 마법의 순간은 검은 먹 색감 속에 고요히, 때로는 강렬하게 움직이고 있다. 그것은 파동이기도 하고 힐링이기도 하고, 사랑이 흐르는 듯하다. 격렬한 움직임 후에 다가오는 절정. 비어있는 공간과 채워진 공간 사이에서 이를 지켜보는 이는 시각적 자극 이상의 사유와 감정을 얻게 된다. 그것은 희망, 사랑 혹은 물질계를 벗어난 안락함이다. 작가는 자연의 균형을 수평에서 찾는다. 늘상 관찰하고 탐구하며 그 안에서 사물과 형상의 본질을 그려낸다. 같은 색이라지만 어떤 직관의 시간과 만나느냐에 따라 여러 감정으로 폭넓은 스펙트럼을 형성한다. 그렇게 생성된 또 다른 대상들, 아득히 멀어지는 수평의 산과 바다, 이들은 화면 너머 향수를 불러온다. 작품을 응시하면 비움과 채움, 그리고 명상이 반복된다. 마음의 고통에서 벗어나 아무런 왜곡 없는 순수한 마음 상태로 돌아가는 초월(transcendence)의 감성을 겪어보도록 유인한다. 작업실 창으로 마주하는 새벽녘의 기운과 노을의 빛들이 실제 자연보다 강렬한 색채로 물들어 자연 그 자체와 공감하게 한다. 복잡한 자연의 여러 형상들을 시간에 녹여낸 작업들은 변화에서 멈춤으로, 명상과 선으로 이어져 결국 숨겨진 마음 속 형상들을 다시 수면 위에 떠오르도록 한다. 붓이 지나간 자리는 변화무쌍한 자연을 화폭에 반듯하게 옮겨놓은 듯 세련된 감각으로 빛난다. 감상미학의 본질은 편안함에 있다. 강한 대비 가운데서 오는 편안함, 색과 색의 조화에서 오는 관계에 대한 이야기들, 작품 속에서 새롭게 창출된 빛은 구조 속에서 간명해진다. 작가가 자연의 근원에 한 발짝 더 다가간 작업의 결과물이다. 하늘과 바다, 산과 인간이 어우러진 천지인의 조화에 초점을 맞춤으로써 회색 콘크리트 건물에 온기를 입히는, ‘생(生)을 부여하는 아티스트’로 거듭난다. ‘공감(共感)하여 공존(共存)하라’는 모티브 속에서 따스함을 드러낸 다양한 수평의 자연이 우리 안에서 조응하여 명상하게 되는 이른바 ‘入場(그림에 들어가는)의 시선’과 만나게 되는 것이다. 심상을 따뜻하게 만드는 공감의 색채들은 도시 속 인간에게 돌려주는 자연치유라 할 만하다. 22~26일 서울 삼성동 코엑스 서울아트쇼에서 그가 말하는 마법의 순간을 만나 볼 수 있다. 1층 홀 A 74번 부스다. 김 화백은 홍익대 미술대학 및 동대학원을 졸업하고 58회의 개인전을 열었다. 백제 제25대 무령왕 표준 영정을 제작(국가지정 99호)했다. ‘골을 푸는’ 골프그림으로도 유명하다.

광화문(光化門)은 대한민국 현대사에서 정치와 행정의 중심지였고, 수많은 사건을 현장에서 지켜본 목격자였다. 광복 이후 76년이 흐르는 동안 경관이 수시로 바뀌고, 많은 이야기가 켜켜이 쌓였다. 대한민국역사박물관은 현대에 광화문이 겪은 변화상을 재조명하는 특별전 ‘공간으로 보는 한국 현대사, 광화문’을 17일부터 내년 3월31일까지 기획전시실에서 개최한다고 16일 밝혔다. 전시는 크게 4부로 나뉘며, 대체로 시간순으로 광화문을 설명한다. 각각의 소주제는 ‘다시 찾은 광화문’, ‘광화문 거리 개발과 건설’, ‘광화문 거리의 현대적 재구성’, ‘광화문 공간의 전환’이다. 현재 세종대로 좌우에 호위하듯 서 있는 건물들이 세워진 연유를 흥미롭게 소개한 점도 이번 전시의 특징이다. 예전에 정부 청사로 사용된 대한민국역사박물관과 미국대사관은 광화문 현대화의 상징 건물로 1961년 준공됐다. 미국대사관 맞은편 세종문화회관 자리에는 1972년 화재로 소실된 시민회관이 있었다. 시민회관은 이른바 ‘우남회관’으로 알려진 이승만 대통령 기념관으로 지어졌으나, 1960년 4·19 혁명이 일어나면서 용도가 바뀌었다. 광화문에서 빼놓을 수 없는 조형물인 충무공 이순신 동상은 1968년 4월 들어섰고, 1980년대에는 교보빌딩과 KT 광화문지사인 국제통신센터 등이 생겨났다. 김권정 대한민국역사박물관 학예연구사는 “광화문에서는 민주주의를 향한 정치적 열정이 표출되고, 경계를 넘나드는 다양한 문화 활동이 펼쳐졌다”며 “광화문이 현대사에서 중요한 현장이자 대표 상징 공간이었음을 재발견하고자 했다”고 말했다. 이번 전시는 서울역사박물관이 열고 있는 ‘한양의 상징대로, 육조거리’, 국립고궁박물관이 진행 중인 ‘고궁연화’(古宮年華)와 연계됐다. 세 박물관을 돌며 전시를 보면 조선시대부터 현대까지 광화문과 경복궁 일대의 역사적 흐름을 한눈에 파악할 수 있다.