스페인 작가 하비에르 카예하 작품이 국내 미술품 경매에 처음으로 등장했다. 미술시장이 호황인 가운데, 미술시장 양대 경매사인 케이옥션과 서울옥션은 5월 정기 경매에서 다양한 작품을 선보인다. 서울옥션은 ‘눈이 큰 아이’로 유명한 스페인 작가 하비에르 카예하의 원화를 포함해 총 92점 작품을 오는 24일 서울 강남센터에서 진행하는 5월 경매에 내놓았다. 추정가로는 약 172억원 규모다. 하비에르 카예하의 원화 ‘세임 올드 스토리’(Same Old Story·사진)의 시작가는 9억원이다. 국내 경매시장에서 카예하의 판화나 토이 작품은 출품된 사례가 있지만 원화가 경매에 오르는 것은 이번이 처음이다. 반스, 유니클로 등 글로벌 브랜드들과의 협업을 통해 대중에게도 친숙한 작가다. 케이옥션은 오는 25일 서울 강남구 신사동 본사에서 여는 5월 경매에서 총 115점 105억원어치(추정가 기준) 작품을 선보인다. 천경자가 맏딸을 생각하며 그린 것으로 알려진 작품 ‘여인’을 비롯해 이성자의 1967년작 ‘끓어오르는 바람’에 관심이 모인다. 각각 추정가는 6억∼9억원, 4억5000만원이다.

매년 상반기 열리는 주요 아트페어인 아트부산이 방문 10만회, 매출 746억원의 기록을 올렸다. 17일 아트부산 측에 따르면, 지난 12∼16일에 열린 부산 벡스코에서 열린 이번 미술품 전시·판매 행사에서 4일간 방문객의 입장 횟수가 약 10만2000회인 것으로 집계됐다. 행사장에서 나갔다가 다시 들어오는 경우도 횟수에 포함된다. 첫날인 12일 VIP프리뷰에만 1만2000회 입장이 있었던 것으로 집계됐다. 매출은 약 760억원으로 추정됐다. 매출은 133개 갤러리가 아트부산 운영위 측에 제출한 매출 결과, VIP클럽의 구매 정보, 미술 거래 플랫폼 아트시(Artsy) 뷰잉룸 상에 노출된 판매 현황, 아트부산 운영위 관계자들이 행사 기간 현장을 돌며 고가 주요 작품들 판매 현황을 수시로 확인한 내용을 종합해 추산한다. 아트부산 측은 통상 참여 갤러리의 매출 결과 공유가 정확한 수치를 보증하는 것은 아닐 수 있어, 집계액이 보수적으로 잡힐 것으로 판단한다. 아트부산 측은 당초 관람객 10만명, 매출 650억원을 예상치로 내놓은 바 있어, 이번 결과는 보수적 추정치임에도 예상을 뛰어넘는 수치다. 오프라인 문화행사에 대한 갈증과 최근 이어진 미술 시장 저변 확대 등이 영향을 미친 것으로 보인다. 아트부산 측은 “미술 시장의 호황에 힘입어 참가 갤러리 수가 전년 대비 20% 정도 늘어남에 따라 방문객 수도 자연스레 증가한 것으로 보인다”고 밝혔다. 특히 이번 행사에는 시장의 블루칩으로 꼽혀온 단색화 작품 비중은 확연히 줄어들고, 다양한 연령대의 방문객, 다양한 가격대 작품, 다양한 취향의 작품이 고루 등장한 점도 눈에 띄었다. 국내에서 열리는 국제아트페어 최초 참여 갤러리인 미국 그레이 갤러리가 내놓은 피카소, 리히터 40억∼50억원 상당의 최고가 작품은 행사 기간 관심이 집중됐지만, 판매되지는 못했다. 부스 중앙에서 눈길을 잡았던 호주 작가 하우메 플렌자의 청동 두상 작품이 5억 원대에 판매됐고, 전체 행사장 중앙에 배치됐던 영국 출신 작가 데이비드 호크니의 가로 길이 8.7미터 대형작품도 십수억 원대 판매된 것으로 알려졌다. 아트부산 측은 “그레이 갤러리의 피카소 작품 ‘남자의 얼굴과 앉아있는 누드’(1964)의 경우 일정상 페어에 방문하지 못한 컬렉터들의 문의가 이어지며 현재 예약된 상태로 애프터세일 가능성까지 매우 높은 상황”이라고 밝혔다. 이 밖에 타데우스 로팍은 약 8억원에 달하는 안토니 곰리의 신작 스탠딩 조각과 알렉스 카츠, 이불, 맨디 엘사예의 작품을 판매했고, 로버트 라우센버그를 포함해 에밀리오 베도바, 미구엘 바르셀로 등 국내에서 생소한 작가들을 국내 시장에 소개했다. 탕 컨템포러리 아트는 우 웨이의 작품을 모두 판매했고, 아이 웨이웨이의 행잉맨을 2억 원대에, 자오자오의 회화 2점을 각 1억 원대에, 주진스의 작품 대부분을 판매하는 등 큰 성과를 기록했다. 국내 메이저 갤러리인 갤러리현대는 정상화, 이강소, 이건용, 김민정의 작품을 첫날 모두 완판했고, 국제갤러리는 유영국의 작품을 14억대에, 하종현의 접합 연작을 8억 원대에, 우고 론디노네의 대형 페인팅 작품을 3억원대에 판매하는 등 성과를 올렸다. 학고재의 김현식 작가 입체회화 9점의 연작도 새 주인을 찾았다. 갤러리 구조는 이세현 작가의 페인팅 작품을 국립현대미술관에 판매했다. 아트부산 특별전(Experiment)에 전시된 오스틴 리의 상징적인 대형 회화작품도 지역의 주요 프라이빗 컬렉션에 소장됐다고 아트부산 측이 전했다.

이형구는 20여년 전 미국 예일대 대학원 조소과 유학 시절, 지하철 안에서 손잡이를 잡고 서 있다가 자신의 손이 주변 다른 사람들 손보다 유독 작다는 것에 눈길이 갔다. 아마도 비교 대상은 서구 남성이었을 것이다. 작가의 생각은 ‘내 손을 크게 키울 수 없을까’라는 데로 이어졌다. 페트병들을 오리고 이어 붙여 손에 끼우는 장갑 형태를 만들고, 돋보기처럼 특정 부위를 과장돼 보이게 하는 굴절 장치를 더했다. ‘디 오브젝투얼스(The Objectuals)’ 연작의 시작이었다. 신체 일부를 변형하고 과장하게 보이도록 하는 기구들을 만들어 몸의 한계를 벗어났다. 자신의 몸을 원하는 모습으로, 원하는 기능을 하도록 보조장치들을 발명해나갔다. 손이 커보이는 장갑, 눈이 커보이는 헬멧 등이 탄생했다. 이형구는 인간의 사상사에서 대접받지 못한 신체에 주목한 작가로, 또는 인간의 변형 욕망을 표출한 작가로 주목을 받았다. 기계와 기술로 신체를 연장하고 변형, 재창조하는 포스트휴먼담론 표현으로도 읽혔다. 작가는 자신의 발명품들로 눈이나 손 등이 과장된 작품들에서 애니매이션 캐릭터들을 떠올리고는 새로운 작품을 이어갔다. ‘아니마투스(Animatus)’ 시리즈다. 작가가 어린 시절 봤던 미국 만화 영화 속 주인공들을 소재로 마치 해부학자나 고고학자가 된 듯 만화 캐릭터들의 골격 구조를 상상하고 드러냈다. 신체를 탐구하는 그의 상상력과 호기심은 마르지 않았다. ‘겹눈을 가진 곤충이 될 수 없을까’, ‘양 측면에 눈이 있는 물고기들은 앞을 어떻게 볼까’. 그의 실험은 계속됐다. 기수가 말을 타고 한몸처럼 우아하게 달려가는 마장마술 풍경을 보고는 아예 자신이 말이자 기수가 되기도 했다. 영상 작품 ‘메저(Measure)’ 속 작가의 은발은 말의 꼬리로 연장돼 야무지게 찰랑대고, 이형구의 발에서 나는 또각또각 소리가 말발굽 소리처럼 들린다. 그의 실험들은 국내외 주목을 받았다. 주목되는 신진작가 발굴 성격의 전시들인 국립현대미술관 ‘젊은 모색’전, 삼성 리움미술관 ‘아트스펙트럼’전에 이어 2007년 이탈리아 베니스 비엔날레 한국관 개인전, 2008년 스위스 바젤 자연사박물관 전시 등 활발한 활동을 선보였다. 이형구의 작품은 최근 여러 이름 난 전시들에서도 종종 볼 수 있었지만, 이번 전시는 큐레이팅 특색이 유독 돋보인다. 작가의 대표 연작들을 모아 해당 작품들을 가장 극적으로 보고 느낄 수 있도록 공간이 구현됐다. 다른 시리즈로 넘어갈 때마다 새로 만나는 공간들 간 대비, 전시 전개의 기승전결이 뚜렷하다. 큐레이팅을 따라 관람객도 이형구의 예술세계를 그야말로 ‘종횡무진’하게 된다. 전시장 입구 로비에서 설치조각 ‘핑크 베슬’을 통해 인간 몸 일부를 풍경처럼 보이게 함으로써 작가 특유의 ‘신체 소우주론’을 암시하며 전시가 시작되더니, 관람 코스의 절정에 ‘케미컬(Chemical)’시리즈가 펼쳐진 코너에서는 그야말로 작은 우주 공간을 펼쳐낸다. 벽도 천장도 바닥도 모두 흰색으로 칠해져 경계선이 희미해진 공간에 신체 내부, 내장 기관이 연상되는 형태의 작품들이 부유하고 있다. 안내에 따라 신발을 벗어 놓고 전시장에 들어선다. 예상 못한 ‘맨발 관람’에 당황은 잠시일 뿐이다. 발을 내딛는 순간, 관람객의 감각이 발끝부터 예민하게 살아난다. 자유가 된 발로 작품들 사이를 마음껏 거닐다보면 어느새 소우주를 즐기게 된다. 김경미 학예사는 “처음엔 흰 바닥을 어떻게 보호할까 대책을 궁리하다가 관람객이 신발을 벗도록 했는데, 하고보니 일종의 ‘입장 효과’가 있는 걸 확인했다. 입장하는 순간부터 관람객의 집중력과 감각이 극대화된다”고 설명했다. ‘케미컬’ 연작을 관람하는 방과 극적으로 대비되는 공간은 전시 초반 ‘아니마투스’ 연작의 방이다. ‘케미컬’ 연작 방과는 정반대로 바닥, 벽, 천장이 새까맣게 칠해진 공간에 이번엔 만화 캐릭터들의 골격 조각들이 둥둥 떠있다. 제리를 잡으러 앞발을 들고 뛰는 톰은 그대로 멈춰 화석처럼 변한 듯하고, 쿠피와 도널드덕, 트위티, 실베스타, 벅스버니가 만화 속 역동적 자세를 취하고 있다. 가상의 자연사박물관에 찾아온 듯, 또는 엑스레이 촬영을 하는 시선으로 세계를 보는 듯, 인간이 보지 못한 새로운 차원의 세계를 보는 듯해 다양한 시각 상상을 하게 한다. 인간의 눈과 시각, 인지능력에 끊임없이 새로운 가능성을 부여하려해 온 작가의 호기심이 전시 방식에도 그대로 담겼다. ‘아니마투스’ 시리즈들은 죽어 화석이 된 형태처럼 검은 배경에 뼈를 드러낸 것인데, 가상의 캐릭터들이 마치 한때 살아있는 생명들이었던 것인 양 전제하고 보니 삶과 죽음이 역설적으로 교차한다. 작품은 실제 동물의 뼈처럼 생생하고 세밀하다. 작가가 보조 10명과 1년을 작업해 한 마리를 완성했을 정도로 공력이 들었다고 한다. 전시를 보고 나면 ‘몸 쓰는 작가 이형구’를 넘어 ‘역지사지하는 지구인 이형구’를 만났다는 생각이 든다. 예술이 뛰어난 상상력으로 근미래를 보여주는 역할을 한다면, 이형구의 예술은 근미래를 보여주는 것을 넘어 다가오는 시대에 갖춰야 할 태도로까지 나아간다. 인류는 다르게 생긴 것을 차별을 정당화하는 근거로 삼아왔다. 신체의 차이가 인종주의나 성차별주의의 근간이 됐다. 흑인이나 여성, 장애인, 어린이나 노인이 열등한 존재로 여겨졌다. 열등한 신체부위를 과장하려는 욕망을 포착해 시작된 이형구의 세계는 성찰적 태도를 바탕으로 우등한 하나의 신체 기준을 해체하고 다양화하는 것으로 나아간다. 인간의 곤충 되기, 물고기 되기, 말 되기, 동물 되기를 실험해온 이형구의 세계를 보며 그간 포스트휴먼 담론에 대한 선구자적 시선을 읽어왔다면, 이번 전시에서는 그 세계의 바탕에 역지사지와 공감력이 있었던 것이 아닐까 하는 생각에 이른다. 왜 지금 이형구일까를 생각하다가 성큼 다가오고있는 포스트휴먼시대, 그의 태도를 재발견하는 전시다. 8월7일까지.

대표적인 조각 중심 아트페어인 조형아트서울이 제 7회 행사를 오는 26일부터 연다. 16일 조형아트서울(PLAS) 운영위에 따르면, ‘조형아트서울2022’는 ‘새로운 희망(New Hope)’를 주제로 서울 강남구 삼성동 코엑스 1층 B홀에서 26∼29일 열린다. 청작화랑과 웅갤러리, 두루아트스페이스, 갤러리가이아, 갤러리 오앤송파리 등 94개 갤러리가 참여한다. 해외 4개국 갤러리 5곳도 참여한다. 작가 약 700명의 조각과 회화 작품 2500점을 선보인다. 조형아트서울은 그간 높이 3미터 이상 대형조각이 실내에 설치되는 진풍경을 연출해왔다. 올해 행사에서도 김성복, 권치규, 김경민, 박찬걸, 소현우 5명 작가가 5개 대형 작품을 선보일 예정이다. 전시장 입구에는 소현우 작가의 높이 3미터의 ‘꿈의 안내자’가 설치된다. 대형 오르골처럼 회전하는 대형 작품이다. 박찬걸 작가의 ‘비너스의 탄생’은 산드로 보티첼리의 1484년 회화를 재해석한 구상 조각이다. 높이 5미터의 스테인리스스틸 작품이다. 김경민 작가 ‘첫만남’은 실제 사람 크기로 벤치를 겸하는 작품이 나온다. 권치규의 높이 5미터 ‘이수목’은 관람객이 마치 나무그늘 아래 앉듯이 앉아 쉴 수 있는 조각품이다. 특별전에서는 황주리, 성동훈, 다발킴, 김홍년 작가가 회화와 조각이 어우러진 풍경을 연출할 계획이다. 27∼29일에는 조각 작품 시장 확장을 모색하는 세미나도 열린다. 한국 조각의 정체성 정립과 세계화 전략, 메타버스에서 입체라는 조형언어의 가능성 등을 주제로, 김성호 강원국제트리엔날레 예술감독과 김성복 성신여대 미술대학 조소과 교수, 김윤섭 한국미술경영연구소 소장, 권도균 아트스페이스 H 대표, 조은정 미술평론가, 홍지석 단국대 교수가 참여한다. 이번 행사에서는 갤러리들이 출품할 조각 작품 리스트를 사전에 받아 호바문화재단에 전달, 현장에서 구매가 이뤄질 수 있도록 기업과 연계 기회도 제공된다. 조형아트 측은 공공미술용 대형 조각 작품 뿐 아니라 작은 조각 작품들도 일반 관람객들에게 판매가 늘고 있다고 설명했다. 신준원 조형아트 대표는 “지난해 6회 행사에서 방문 관람객 약 3만7000명, 매출 45억원이 집계됐는데 올해는 4만명, 60억원을 예상한다”고 밝혔다.

#키 작은 파리의 화가, 툴루즈 로트레크 툴루즈 로트레크(Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec Monfa, 1864∼1901)는 남프랑스의 도시 알비(Albi)에서 태어났다. 툴루즈와 함께 옛 미디피레네 지역의 유명한 도시로, 유네스코 세계문화유산에 등재된 곳이다. 옥시타니 지방 타른주의 주도로 대주교좌가 자리 잡은 중요한 도시이기도 하다. 붉은 벽돌로 지어진 대주교 궁전인 베르비궁과 생트세실 대성당 때문에 ‘붉은 도시’로 불린다. 베르비궁은 현재 로트레크의 그림을 전시하는 앙리 드 툴루즈 로트레크 박물관으로 사용되고 있다. 로트레크의 부모는 알비에서 영향력이 막강한 알퐁스(Comte Alphonse) 백작과 툴루즈 로트레크(Adele de Toulouse-Lautrec) 백작이었다. 둘의 맏이로 태어난 로트레크는 집안의 권력과 부유에도 일찍부터 고난과 함께했다. 병약했으며 성장이 더디었고 10대에 넘어져 다리뼈가 부러진 이후 하반신이 자라지 않았다. 당시 귀족 간 근친혼의 영향으로 뼈가 약한 상태였을 것으로 추측되고 있다. 결국 그는 키 150㎝ 정도에 다리는 짧고 상체는 큰 체형으로 지팡이에 의지해 뒤뚱거리며 평생을 살았다. 전원에서 생활하는 귀족 삶의 즐거움에는 잘 가꾸어진 정원 산책, 승마, 사냥 등이 있다. 하지만 로트레크의 몸은 이를 허락하지 않았고 그는 교양 생활에 집중할 수밖에 없었다. 다행인 것은 이 과정에서 그림을 자연스럽게 접하게 되며 타고난 재능을 발견했단 점이다. 그림을 그리기 위해 관찰하며 생각하고, 화면에 붓질하는 것은 큰 즐거움이었다. 본격적으로 화가 수업을 받기 위해 파리에 갔고 초상화로 유명한 레옹 보나(Leon Joseph Florentin Bonnat)의 화실에 입성했다. 역사화로 알려진 페르낭 코르몽(Fernand Cormon)의 화실에서도 5년여간 머물렀다. 로트레크에게 파리는 알비에서는 만날 수 없는 사람과 분위기를 만나는 세계였다. 근대화의 한가운데서 대도시가 가진 혼란과 흥분은 전에 경험하지 못한 것을 눈앞에 펼쳤다. 카페, 술집, 댄스홀이 언덕에 위치한 몽마르트르는 더욱 그랬다. 스무 살이 되던 해에 그는 작업실을 몽마르트르로 옮겼다. 거기서 다양한 계층의 사람들과 다른 장르의 예술가들을 만났다. 귀족, 좌파 지식인, 서커스 단원, 창녀 등을 비롯해 화가 피에르 보나르(Pierre Bonnard), 에두아르 뷔야르(Jean-Edouard Vuillard) 등과 어울렸다. 그들과 전시장에 몰려다니고 카페에서 토론하며 새로운 예술의 실험에 심취했다. 기괴한 복장으로 가장무도회를 열고 모델과 생활하는 등 파리의 스펙터클을 온몸으로 체험했다. 파리의 흥미로운 장면에 항상 자리한 그는 예술가부터 대중까지의 인기를 모두 얻었다. 작품을 활발히 전시했으며 모리스 조앙(Maurice Joyant) 등 화상을 통해 팔기도 했다. 20여년이 채 되지 않는 시간 동안 737점의 회화, 275점의 수채화, 5000여점의 드로잉, 40여개의 판화 및 포스터 등을 제작한 것은 당시 파리의 사람들이 그 또는 그의 작품을 얼마나 원했는지 알게 한다. 하지만 그 스펙터클 가운데서 얻은 알코올 중독과 매독 등으로 건강을 잃었다. 요양원에 입원했으나 37세의 이른 나이에 세상을 떠났다. #캔버스 위 회화부터 종이 위 판화까지 로트레크는 그림을 그리기 시작할 때 알비에서 보는 장면 중 사람에 집중했다. 그가 사는 거대한 성 안에는 가족을 비롯해 하인 등 다수의 사람이 살았고 눈앞에서 움직였다. 같은 사람도 시시각각 다른 포즈와 표정을 보여 주었고 이를 포착, 표현하는 것은 흥미로운 일이었다. 실제로 그는 당시 가족 관리 영지 셀레랑에서 일하던 청년 루티(Routy)를 여러 번 그린 바 있다. 루티가 야외의 담벼락에 앉아 나무를 깎고 있는 전신 그림도 모자를 쓴 채 어딘가를 응시하는 표정의 얼굴을 그린 그림도 존재한다. 때에 따라 달라지는 하나의 대상을 그리는 일은 인상파적 빛과 색채를 알게 했다. 그는 루티 그림에서처럼 사람을 그리며 초기부터 편견 없는 시선을 보였다. 귀족이 아니어도 농부, 하인 모두 그의 화면에서 주인공으로 다루어졌다. 물론 근대에 들어서 계층 인식이 달라지고 그림에 현실을 반영하는 등 사회적 움직임과 변화가 있었던 것은 사실이다. 하지만 그는 이보다 철저히 관찰자의 입장에서 인물에게 집중해 외모뿐 아니라 성격적 개성까지 표현하고자 했다. 그의 그림 속 인물이 때로는 캐리커처처럼 느껴지는 이유는 바로 여기에 있다. 로트레크는 파리에 와서는 몽마르트르에서 만난 친구들을 모델로 삼아 그렸다. ‘므시외 숲의 정원에 있는 여자(Woman in the Garden of Monsieur Forest)’(1889∼1891)는 이러한 그의 시선을 보여 주는 그림이다. 므시외는 프랑스어에서 Mr.(미스터)를 뜻하는 말이며 여기서 정원을 소유한 므시외는 페르(Pere)로 알려졌다. 모델 역할을 하는 여인은 구겨진 핑크 블라우스를 입고 입술을 앙다문 채 눈썹에 힘을 주고 정면을 응시하고 있다. 움직이기 편하게 하나로 묶은 채 앞으로 넘겨진 헤어스타일에서 그가 노동하는 사람이라는 것을 알 수 있다. 여기서 그는 정원의 단풍을 배경으로 몽마르트르의 이웃들을 앉혀 놓고 그림을 그렸다. 1889년부터 1891년까지 야외(plein-air)에서 그림을 그리는 인상주의자들의 작업 방식을 실험하기 위해서였다. 이를 ‘임포지션’(impositions: 부과)이라고 부르며 스스로 부과한 연습을 통해 빛에 따라 달라지는 인물의 모습을 화면에 담아내려 애썼다. 그림에서 보이듯 로트레크의 작품에서 사람에 대한 묘사는 매우 선형적이다. 수많은 선이 만들어 낸 인물의 모습은 섬세함과 생동감을 동시에 느끼게 한다. 그는 이를 위해 가는 선과 붓질로 화면을 완성했는데 칠해지지 않은 빈 곳들이 생기는 이유다. 로트레크는 화면에 등장하는 인물 외에 매체를 선택하는 데도 편견이 없었다. ‘물랭루주: 라 굴뤼’(Moulin Rouge: La Goulue)(1891)는 회화, 조각으로 일컫는 전통 미술 매체가 아닌 석판화로 제작한 것이다. 세로 길이 190㎝에 네 가지 색상으로 인쇄한 이 대형 판화는 물랭루주로 사람들을 모으는 광고 효과를 동반했다. 핵심적인 특징을 중심으로 단순하게 대상을 그려 먼 곳에서도 눈에 띄는 결과를 가져왔다. 다양한 모습과 글자들을 크고 작게 배치해 공간감을 부여하는 동시에 흥 나는 물랭루주의 분위기를 형성한 것이 탁월하다. 판화 작업은 회화 작업과 다른 방향성으로 그려지고 다른 목적을 수행한 것으로 보인다. 하지만 그의 시도는 훗날 인쇄 기술의 발전 속에서 순수미술로의 가능성을 확보한 판화 작품에 영향을 끼쳤다. 거기까지 가기 전에 뭉크(Edvard Munch)가 석판화를 제작하는 데도 로트레크의 석판화 작업 영향이 컸다고 한다. 그의 예술 세계 안에서 ‘물랭루주: 라 굴뤼’ 등의 판화 작업을 함께 살펴보는 이유들 가운데 하나다. 2019년 말 팬데믹(감염병 대유행) 발발 이후 미술에는 NFT(대체불가능토큰) 아트가 등장했다. 등장 초기에는 그 지속성에 관해 반신반의하는 이들도 많았지만, 최근 베네치아에서 국제 NFT 전시회가 열리고 미술계 주요 인사들이 참여하는 대담 등을 보고 있으니 NFT 아트는 파고를 넘어선 듯싶다. 목적지까지 안전하게 도달하는 데는 시간이 더 걸리지 않겠느냐는 생각이지만 훗날 그 역할이 무엇이 될지는 모를 일이다.

◆미술 시장 활황 타고 아트페어 두 개 열려 12일부터 15일까지 부산 수영구 벡스코(BEXCO)에서 열리는 아트부산 행사에 처음 한국에서 선보이는 해외갤러리 20여곳을 비롯해 134개 갤러리가 참여해 미술작품 약 5000점을 소개한다. 전시기획서, 부스디자인 계획 등을 두고 심사를 거쳐 엄선된 갤러리들이다. 이 가운데 최대 관심은 올해 부산에서 아시아 시장에 처음 발 디딘 미국 화랑 ‘그레이 갤러리’ 부스다. 게르하르트 리히터의 1984년도 작품과 1964년 피카소 작품을 들고 나왔다. 두 작품은 각각 50억원대, 40억원대로 초고가 작품이다. 2018년 데이비드 호크니 작품도 수십억원대 고가 작품이다. “이 가운데 한 작품만 팔려도 아트페어 하루 장사는 끝난다”는 말이 나온다. 특별전도 주요 볼거리다. 장 프루베, 백남준, 오스틴 리 등 소위 ‘미술관급’ 작가의 14개 전시가 한자리에 모인다. 아트페어는 미술시장의 트렌드를 판단하는 주요 가늠자이기도 하다. 아트부산 측은 “MZ세대 등 영 컬렉터들의 적극적인 미술시장 참여로 소비계층이 눈에 띄게 달라졌다”며 “비교적 안전한 작품을 구매하고 소장품을 오픈하지 않았던 기성 컬렉터와는 달리, 영 컬렉터들은 실험적이고 개성 있는 작품을 구매하는 데 과감하고 컬렉팅을 소통한다”고 소개했다. 또 “딜러나 갤러리 조언이 없어도 자기 취향에 맞는 작품을 구매하거나 스스로 공부해 컬렉팅 한다”고 덧붙였다. 올해 행사는 지난해 기록한 역대 최대 매출인 350억원 기록을 깨고 600억원에 달할 것으로 주최 측은 예상하고 있다. 롯데백화점·롯데갤러리가 올해 처음 시도하는 ‘롯데 아트페어 부산 2022’는 아트부산보다 이틀 먼저 시작됐다. 지난 10일부터 오는 14일까지 일정으로 부산 해운대구 달맞이길 시그니엘 부산에서 열리고 있다. 12개 화랑 부스와 19개 라이프스타일 브랜드 및 특별전 코너가 마련됐다. 반가사유상 미니어처로 이례적인 인기를 끈 바 있는 국립박물관문화재단, 한국공예·디자인문화진흥원도 참여했다. 제1회 행사 같지 않게 안목이 남다르고 준비가 잘돼 있다는 평이다. 국내외 미술계에서 잔뼈가 굵은 김영애씨가 롯데갤러리를 책임질 임원으로 지난해 영입되면서 아트페어 준비에 공들인 것으로 보인다. 참여 화랑 수는 12개로 적지만, 국내외의 실력자로 이름난 갤러리들이 각자 집중하는 작가들의 개성 있는 작품들을 내놔 전시장이 꽉 차 보인다. 싱가포르 갤러리인 해치아트 프로젝트, 베이징과 홍콩 등에 지점을 갖고 있는 아시아 글로벌 갤러리인 탕 컨템퍼러리아트, 한옥 호텔 40년 경력으로 내공을 쌓은 락고재 부스가 시선을 잡는다. 두손갤러리의 심문섭, 갤러리 아트링크 백남준, 인터아트채널의 전광영 작품들은 감상만으로도 즐겁다. 단색화 거장 박서보와 이탈리아 리빙 브랜드 알레시가 협업해 만든 한정판 와인오프너와 ‘물방울 화가’ 김창열과 덴마크 오디오 브랜드 뱅앤올룹슨의 협업 작품은 이번 아트페어를 통해 부산 내에서 실물이 처음으로 공개됐다. ◆곳곳 볼 만한 전시 풍성 아트부산을 찾은 방문객이라면 놓치지 말아야 할 전시들도 함께 예술벨트가 되고 있다. 부산시립미술관 ‘한국현대미술작가조명’시리즈의 네 번째 주인공으로 이형구 개인전이 한창이다. 지난해 11월 서울 한남동 리움에서 열린 ‘인간 7개의 질문’전을 찾은 방탄소년단의 멤버 뷔가 인증샷을 찍어 자신의 소셜미디어 계정에 올렸던 만화캐릭터 골격 작품을 기억하는 이라면, 우리나라 대표 작가 이형구를 제대로 공부해 볼 좋은 기회다. ‘몸’을 주제로 지난 20년간 다채로운 작품을 펼쳐온 작가의 작품 약 100점이 전시된다. 오는 15일 종료를 앞두고 있는 스위스 출신 세계적 작가 우고 론디노네 개인전을 아직 보지 못했다면, 이번 부산 방문이 기회다. 미국 뉴욕 롱아일랜드 매티터크에서 본 노을을 묘사한 수채화 작품들로, 우고 론디노네의 상징적 회화작품들이다. 부산 수영구 국제갤러리 부산점에서 열린다.

상반기 최대 미술품 전시 및 판매 행사인 아트페어 ‘아트부산’에 국제 미술계 유력 인사들이 총출동한다. 아트부산 측은 5일 본행사와 더불어 국내외 문화예술계를 대표하는 명사들을 초청해 현재 미술계의 트렌드를 살피고 예술이 우리 삶에 미치는 영향과 다양한 미술 담론에 대해 이야기하는 ‘아트부산 컨버세이션스’ 프로그램을 진행한다고 밝혔다. ‘아트부산 컨버세이션스’는 오는 13일부터 15일까지 총 12개 강연으로 벡스코 제1전시장 3B홀에서 열린다. 주된 강연은 미술계 새로운 분야로 떠오른 NFT(대체불가능토큰) 예술이다. 13, 14일 양일간 아라리오갤러리 출신의 홍익대학교 문화예술경영대학원 주연화 교수와 NFT 아티스트이자 기획자 케니 섹터, 한국 NFT 아트 작가 미스터미상 등이 참여한다. 아트부산 측은 “국내 NFT 아트 씬을 리드하는 키 플레이어들이 참여할 예정”이라고 밝혔다. 구스타프 클림프 NFT를 발행한 벨베데레 미술관 CFO인 볼브강 베르크만과 비플(Beeple)의 크리스티 세일을 기획한 크리스티 디지털 세일 총괄 디렉터 노아 데이비스 등 NFT 아트계를 개척하고 만들어 온 해외 작가 및 업계 전문가들도 참여한다. 14, 15일에는 아티스트와의 대담이 진행된다. 강이연 작가의 강연과 중국 반체제작가로 불리우는 자오자오, 포브스 선정 30세 이하 리더에 이름을 올린 일본 작가 에가미 에츠가 베이징의 아트신에 대한 대화가 준비됐다. 14일에는 안토니 곰리가 ‘지속가능한 미래를 향한 미술: 탄소 발자국’을 주제로 온라인으로 강연한다. 15일에는 아트부산 2022 특별전 참가 작가이자, 뉴욕을 기반으로 미디어아트 작품 활동을 펼치고 있는 오스틴 리가 온라인으로 강연한다. 세계 미술계에서 떠오르는 작가로 주목되고 있는 하디 팔라피셰, 스페인 출신 세계적인 공공미술 조각가 하우메 플렌자도 예술 세계를 설명한다. ‘아트부산 컨버세이션스’는 관람객에 한해 무료로 진행된다. 사전신청은 아트부산 공식 웹사이트에서 가능하다. 아트부산은 오는 12일 VIP프리뷰를 시작으로 열리며, 13∼15일 일반관람이 진행된다. 부산 BEXCO에서 21개국 133개 갤러리가 참여한다.

“이 문을 지나면, 수집품이 가득한 저의 집으로 들어갑니다. 저의 집을 소개합니다.” 한 컬렉터(미술품 수집가)가 친절하게 안내한다. 명과 암 사이, 복잡다단한 평가 속에서도 그는 분명 대한민국 사람들 삶에 막대한 영향을 끼친 인물이었다. 동시에 보통 사람들은 가 닿을 수 없는 위치에 있던 사람이었다. 그런 고 이건희 삼성 회장이 사후(死後) 친절한 이웃이 돼 국민을 초대한다. 국립중앙박물관과 국립현대미술관이 이건희 컬렉션(수집품) 기증 1주년 기념전을 열면서 이 특별한 전시장을 ‘한 수집가의 초대’라는 형식으로 꾸몄다. ◆기업인 아닌 ‘컬렉터 이건희’ 집으로의 초대 서울 용산구 서빙고로에 위치한 국립중앙박물관에서 ‘한 수집가의 초대’ 전시가 최근 시작됐다. 지난해 7월 국립중앙박물관과 국립현대미술관에서 시작된 이건희 컬렉션 첫 공개 이후 기증품을 소개하는 두 번째 전시다. 양대 기관과 광주시립미술관, 대구미술관, 박수근미술관, 이중섭미술관, 전남도립미술관이 기증받은 작품 총 295건 355점을 출품한다. 이 가운데 309점이 지난해 1차 이건희 컬렉션 전시 때는 없던 신규 전시품이다. 이번 전시는 관람객이 마치 어느 컬렉터 집을 초대받아 둘러보는 것처럼 꾸며졌다. 미술 애호가들 사이에서는 컬렉터가 자신의 집에 지인들을 초대해 작품을 보여주고 함께 감상하는 이벤트를 갖곤 한다. 이를 연상하게 되는 기획이다. 가상의 인물이라지만 그는 분명 이건희 회장이며, 그의 집에 방문한다는 상상으로 시작되는 낯선 친밀감부터가 색다른 경험이다. 이수경 국립중앙박물관 학예연구관은 “고인의 수집품은 호암미술관과 리움미술관에서 활용됐고 국내외 여러 기관 특별전에 출품됐는데도 여전히 ‘비장(祕藏)의 수집품’으로 여기는 사람이 많다”며 “이건희 수집품을 향한 세간의 이해에 착안해서 ‘수집가의 집’이라는 개념으로 전시를 준비했다”고 소개했다. ◆하이라이트는 정약용·모네 한국 근대 조각 거장 권진규의 테라코타 작품 ‘문’이 손님을 맞이한다. 마지막은 비디오아트 거장 백남준의 설치작품 ‘브람스’가 배웅할 때까지, 선사시대부터 현대에 이르는 방대한 작품 중 명작 아닌 것은 없다. 전시장은 예술의 힘과 인류 문화에 대한 자부심으로 넘실거린다. 그 가운데서도 박물관 측은 하이라이트로 정약용의 서예작품과 모네의 회화작품을 꼽는다. 정약용 서예 두 점은 ‘정효자전’과 ‘정부인전’이다. 1811년 강진에서 유배 중인 처지에도 정약용은 이웃 한 가족을 위해 서예 작품을 남겼다. 강진에 살던 정여주라는 인물이 먼저 세상을 떠난 아들 죽음을 안타까워하며 아들의 생전 효행에 대해 글을 지어 달라고 부탁했다. 또 홀로 된 며느리가 자녀를 키우는 이야기도 기록으로 남겨달라 청했다. 이는 각각 ‘정효자전’과 ‘정부인전’이라는 기록이 된다. 두 작품 모두 비단에 먹으로 쓰였는데 실물 공개는 처음이다. 이 학예연구관은 “전해지는 정약용 작품 대부분이 주로 편지인데, 편지는 빠른 필치로 쓴 반면, 이 글씨는 작품을 위해 정자로 쓴 것이어서 정약용 필치 특징으로 꼽히는 균제미(均齊美·균형이 잡히고 잘 다듬어진 아름다움)가 잘 드러나 특히 작품 가치가 높다”고 설명했다. 서양현대미술품 중 기증 당시부터 관심이 집중됐던 모네의 ‘수련이 있는 연못’도 드디어 모습을 드러냈다. 인상주의 화파 창시자인 프랑스 화가 클로드 모네 일생 중 절정기에 그린 그림이다. 모네는 대상을 똑같이 묘사하는 기존 구상화와 달리, 빛에 따라 달라지는 대상의 인상을 포착한 새로운 양식을 만들어낸 미술사의 인물이다. 1893년부터 1926년까지 자신의 장원 연못에 핀 수련 연작 약 250점을 제작했다. 1908년 시력이 급속도로 나빠지기 시작했고 이어 아내와 아들을 떠내보내며 작업을 하지 못할 정도로 좌절했다. 절망을 딛고 다시 수련 연작을 그리기 시작했는데 이때를 모네의 부흥기로 꼽는다. 이번 전시에 나온 ‘수련이 있는 연못’(1917∼1920)이 바로 이 부흥기에 그려진 작품이다. 화면에서 수평선이 없어지고 인상주의적 모호함은 더욱 깊어져 훗날 추상화 출현을 예고한 그림으로 평가된다. 모네의 이번 작품만큼은 비슷한 크기와 제작시기인 또 다른 ‘수련이 있는 연못’ 작품이 2021년 뉴욕 소더비 경매 기록이 있어 대략이나마 경제적 가치를 가늠해본다. 당시 낙찰가는 약 789억원(7040만달러)이었다. ◆귀중한 국보·보물 국가지정문화재도 다수 포함됐다. 국보 6건 13점, 보물 15건 20점 등 총 33점이 나왔다. 지난해 공개된 국보 정서필 인왕제색도와 함께, 새로 선보이는 국보와 보물은 불교미술과 전적 등으로 다양하다. 국보 ‘일광삼존상’(삼국시대 6세기)은 큰 광배 하나에 보살입상과 비구상 두 구가 배치된 불교미술품이다. 삼국시대 보살입상 특징이 잘 드러나고 보살의 신성한 기운이 섬세하게 표현된 명품으로 꼽힌다. 수양대군이 편찬한 석보상절과 1449년 세종이 편찬한 월인천강지곡을 하나로 엮어 만든 책인 ‘월인석보 권11’(조선1459년·보물), 불교 교리서인 ‘초조본 현양성교론권11’(고려11세기·국보) 등 시대를 초월한 지혜와 가르침의 집적물들도 만날 수 있다. 보물 ‘삼현수간첩’(1599년)도 빼놓을 수 없다. 조선시대 학자들이 글을 주고받으며 우정을 나눈 흔적 속에서도 깨달음이 현현해서다. 이 책 속 1581년 11월 송익필이 이이에게 보낸 글에는 “형님께서 대제학으로 임명되고 앞으로 재상이 될 것이라고 들었습니다.(중략) 행동거지를 바르게 하고 사소한 것이라도 이익을 도모하거나 공을 세우겠다는 생각은 말아야 합니다”라고 쓰였다. “정말 중요한 이야기들이 잘 보존돼 있다”며 ‘삼현수간첩’의 이 대목을 강조한 이 학예연구관은 “지금 공직에 들어서는 분들에게 꼭 드리고 싶은 말”이라고 말했다. ◆갈 길 먼 이건희 컬렉션 이번 2차 전시에 나온 신규 전시품 309점, 지난해 1차 전시에 국립중앙박물관과 국립현대미술관이 공개한 전시품은 127점. 여기에 광주, 대구, 강원, 제주, 전남지역 공립미술관이 받은 작품 102점을 합해도 지금까지 이건희 컬렉션이라는 이름하에 전시된 총 작품 수는 538점이다. 기증된 이건희 컬렉션은 총 2만3283점 가운데 약 2%에 불과하다. 기증받은 양대 기관은 아직도 기증품 확인, 등록 작업에 한창이다. 이재호 국립중앙박물관 학예연구사는 이번 전시를 계기로 쓴 글에서 ‘정보화와 관련해본다면 금속활자는 세계 최초의 하드웨어라고 할 수 있으며 한글은 기막히게 과학적인 소프트웨어’라는 이 회장의 생전 말을 그의 수집철학을 보여주는 말로 꼽았다. 이 학예사는 “미술품과 문화유산은 단지 아름다운 감상물이 아니라 각 시대 최고의 기술과 철학이 집약된 결과물”이라며 “이건희의 수집활동이 다양한 영역에 걸쳐 있었던 이유도 여기에 있다. 호사가의 취미를 넘어 한국의 문화와 기술적 성취, 인류의 지혜를 보여주는 물건을 다각도로 수집한 것으로 볼 수 있다”고 지적했다. 8월28일까지.

#낙화를 그리는 작가, 톰 안홀트 봄에 가장 기다려지는 순간은 만개한 꽃을 만나는 때다. 가지 또는 줄기의 표면을 뚫고 솟아오른 봉오리가 매일 더 포근하게 변하는 봄의 공기 속에서 꽃으로 개화하는 시간. 하지만 이 순간은 늘 찰나이기에 우리는 개화한 꽃을 바라보는 동시에 낙화(落花)를 맞이할 마음의 준비도 해야 한다. 비 또는 바람에 순식간에 떨어지는 꽃이 갈변하고 뭉개어지는 모습은 늘 예고 없이 오기 때문이다. 그래서 낙화와 그 이후의 과정은 사랑 끝에 급작스레 오는 이별과 닮았고 낙화를 보는 일은 이별을 연습하는 일이다. 톰 안홀트(Tom Anholt, 1987∼)의 ‘낙화 I’(2021)를 보는 경험도 마찬가지다. 영국 바스에서 태어난 톰 안홀트는 국제 미술계가 주목하는 회화 작가다. 그는 아일랜드계 어머니와 페르시아계 유대인 조상을 둔 아버지 사이에서 태어났다. 어린 시절에는 아스널 FC에서 뛰는 축구 선수가 되고 싶었다. 그러던 중 14세 때 테이트 브리튼에서 막스 베크만(Max Beckmann)의 개인전을 보았다. 세계대전의 혼란 속에서 독일 현대 미술계를 이끌었던 베크만의 작품들은 감흥을 일으켰다. 화가가 되기로 마음먹고 매일 그림을 그려 첼시 칼리지 오브 아츠(Chelsea College of Arts)에 진학했다. 학교에서 순수미술을 전공한 뒤 독일로 이주해 베를린에 정착했다. 그는 2012년 전시 ‘세상들’을 시작으로 최근까지 활발한 활동을 펼치고 있다. 베를린, 코펜하겐, 로스앤젤레스, 뉴욕 등에서 개인전을 열었으며 2019년에는 국내에서도 작품을 선보였다. 관객들의 호응에 힘입어 2년 만인 2021년에 다시 한국 전시를 개최하기도 했다. 베를린주립미술관, 함부르크미술관, 본 미술관, 프라이에스 박물관 등의 단체전에 참여했다. 코펜하겐 서지센터, 핀란드 컬렉션 미에티넨, 런던 컬렉션 마리오 테스티노, 트레비소 컬렉션 알레산드로 베네톤 등 다수의 기관 및 재단이 작품을 소장하고 있다. #문화와 역사, 경험과 신화가 뒤섞인 환상 톰 안홀트는 작가들이 많이 거주하는 베를린에 살며 자기만의 독자성을 확립하기 위한 숙고를 했다. 다른 회화 작가들과 다른 작업 내용과 방식을 찾기 위해 노력했다. 그러던 중 자기 역사에 주목하며 그 뿌리가 되는 가족사가 보이기 시작했다. 아일랜드계인 어머니는 물론이고 16세기 말 유럽으로 이주한 페르시아계 유대인을 조상으로 둔 아버지라는 배경이 눈에 들어왔다. 페르시아를 대표하는 회화 장르 중 하나인 세밀 회화(Persian Miniature Painting)에 관심을 두게 되었다. 페르시아 세밀 회화는 전면에 밝고 순수한 색상을 사용한다는 특징을 가진다. 빛을 극대화하려 화려한 색채를 사용한 비잔틴 회화와 유사하게도 느껴지는데 그 성격은 매우 다르다. 페르시아 세밀 회화는 삽화로 자주 그려졌기 때문에 책 속에 감추고 볼 수 있는 사적인 면이 있다. 작은 크기의 그림은 누군가 가까이 얼굴을 들이밀지 않는 한 나의 시선 범위 안에만 머문다. 그래서 열린 공간에 설치해 다수가 공유하는 그림보다 더 자유롭게 상상력을 발휘할 수 있다. ‘2AM’(2021)은 작가가 이러한 페르시아 세밀 회화의 영향을 받은 것을 알게 하는 작품이다. 한 남성이 깊은 밤과 깊은 잠 속에 빠져 있다. 침대 아래로 툭 떨궈진 팔에서 밤과 잠의 깊이 정도를 가늠할 수 있다. 그런 남자를 둘러싼 것은 다양한 도형과 패턴이다. 몸을 덮은 담요와 바닥의 타일, 창 너머의 마을은 모두 마름모 또는 세모의 반복이다. 휘영청 떠오른 달은 이 패턴들이 지닌 색을 더 밝고 화사하게 비친다. 침대 아래 정체를 알 수 없는 초록빛 유령 또는 여신이 숨어들어 있다. 이 그림은 제목에서 알 수 있듯 새벽 2시의 장면을 보여준다. 밤은 보통 모든 움직임과 동작이 그치는 어둡고 고요한 시간으로 인식되는 경우가 많다. 하지만 작가는 밤을 낮에 없던 일들이 벌어지는 환상적인 시간으로 생각하며 표현했다. 침대 아래에 숨어있는 유령 또는 여신은 그림에 신화적 맥락을 부여해 이야기를 끌어낸다. 다만 그 이야기는 하나의 화면에 자리잡아 기승전결이 있는 소설보다 시처럼 나타난다. 화면 안에서 펼쳐지는 신비로운 이야기는 ‘아라비안 나이트’를 떠올리게 한다. 아라비안 나이트는 6세기경 페르시아에서 전해진 1000일 간의 이야기를 기술한 설화다. 작가는 세밀 회화뿐만 아니라 이야기 전개에서도 혈통적 특징을 드러내는 듯 보인다. 그의 아버지 역시 이 특징을 반영한 듯 동화책을 쓰고 삽화를 그리는 작가로 활동하고 있다. 기하학적 패턴과 보라색, 초록색의 사용이 이야기에 초현실적이며 오묘한 분위기를 더한다. 하늘을 칠하며 선명하게 남은 붓질이 만들어 낸 바람의 움직임도 마찬가지다. #낙화하는 사랑의 서사 톰 안홀트는 “수천 년의 미술사를 가방에 넣어두었다가 하나씩 꺼내 쓴다”고 말한다. 그렇게 하나씩 꺼내어 낸 미술사에는 페르시아 세밀 회화 외에 유럽의 모더니즘 회화도 있다. 그는 세잔(Paul Cezanne), 피카소(Pablo Picasso), 마티스(Henri Matisse) 등의 영향을 받았다. 모두 20세기 초반 모더니즘 회화를 구축하는 데 일조한 작가들이다. 이들은 인상주의에 이어 등장한 야수파, 큐비즘 등 탄생에 중요한 역할을 했다. 전에 없던 다시점의 적용과 단순화, 이차원과 삼차원 사이 긴장 등을 다뤘다. ‘낙화 I’는 이러한 유럽 모더니즘 회화의 영향을 드러내는 작품이다. 여기에는 탁 트인 배경 앞에 세잔의 사과가 있는 정물화를 떠올리게 하는 화병이 놓여있다. 화병 속에는 한 묶음이 될 정도의 줄기들에 다양한 꽃이 피어 있다. 핑크, 오렌지, 연보라색으로 피어난 꽃들은 모습도 가지각색이다. 화려할 수도 있는 장면이지만 어쩐지 환희보다는 서글픔이 느껴진다. 화병 속 꽃다발에서 떨어져 버린 한 송이의 낙화 때문이다. 바닥에 ‘툭’ 소리를 내고 부딪힌 꽃은 혼자다. 이 작품은 안홀트의 최근 화두인 사랑의 서사를 투영하고 있다. 그는 그림을 그리며 사랑이라는 일을 낭만적으로 이상화하지 않는다. 대신 그것의 위태로운 실제 모습을 미리 마주하는 시간을 마련해준다. 낙화 같은 비유적 대상으로 표현해 거부감 또는 두려움 없이 결국 감내하게 해준다. 매력적인 화면 구성과 찬란한 색채는 그 마주하는 시간을 길게 하는 장치다. 독일의 미술인 펠릭스 폰 하젤베르크(Felix von Haselberg)는 작가가 이를 통해 사랑에 관한 실존적 경험을 드러낸다고 말한다. 그리고 이 작품을 두고 다음과 같이 쓴다. “하나의 형상 속에 전체의 서사가 함축된다. 줄기로부터 떨궈진 꽃은 미약하게 살아 있으며 아직 죽지 않았다. 모든 이야기들이 이 장면에 귀결된다.” 사랑은 아름답지만 늘 아름답지만은 않다. 하지만 철학자 김진영이 남기고 간 문장처럼 “소멸은 안타깝지만 덧없음이 없으면 저 빛나는 생의 찬란함 또한 어떻게 존재할 수 있을까.” 그래서 그것은 미약하게 살아 있는 꽃봉오리처럼 아름다움을 간직한 채 마음에 남을 것이다.

뷰티풀 아이솔레이션(Beutiful isolation)….” ‘아름다운 고독’쯤으로 해석되는 혼자말을 나직이 내뱉으며 연신 감탄하는 한 외국인 관람객이 있었다. 박서보의 단색화 작품 앞에 선 그는 세계적인 컬렉터(미술품 수집가) 론티 에버스(Lonti Ebers). 미국 비영리 예술기관 아만트 재단(Amant Foundation)을 설립했고 미국 뉴욕 현대미술관, 즉 모마(Moma)를 운영하는 이사회 멤버이기도 하다. 소장 미술품이 700여점인 것으로 알려진 그는 영국 아트뉴스 선정 ‘세계 200대 컬렉터’이자, 뉴욕 뉴뮤지엄 운영자를 지냈던 유력 인사다. 에버스와 조우(遭遇)한 건 제59회 베네치아 비엔날레가 시작된 지난 20일이었다. 장소는 베네치아 시내에 자리 잡은 퀘리니스탐팔리 재단. 영국 화이트큐브 갤러리 주최 그룹전이 열리고 있었는데 베트남 작가 단 보가 기획하고 박서보, 노구치 이사무 작품이 나오는 ‘단 보, 노구치 이사무, 박서보’ 전시였다. 에버스는 비가 올 듯 쌀쌀한 베네치아 날씨에 맞서 단단히 무장하듯 외투 위에 허리띠를 꽉 조였고 검은 운동화, 검은 배낭 차림으로 마치 돌진하듯 전시장에 들어왔다. 조금 숨이 찬 목소리로 자신을 “컬렉터”라고 소개한 에버스는 “아이 러브 ‘단색화’(I love 단색화)”라고 말했다. 우리나라 단색화 작품을 여럿 소장하고 있다며 꽤 능숙한 발음으로 자신의 소장품 작가 “정-상-화, 하-종-현, 박-서-보” 이름을 또박또박 알려줬다. 이어 한국 단색조 추상화 거두인 박서보의 ‘묘법’ 연작을 꼼꼼하게 둘러본 그는 전시장 내 작품 설명이 부족한 것을 아쉬워했다. 베네치아에서 열리는 전시를 샅샅이 훑으려 작정한 듯 단단히 채비한 그는 잠시 틈을 내준 한국인 기자들에게 “또 보자”며 인사하고 총총히 사라졌다. ◆베네치아로 간 한국 아방가르드 세계 최고 권위의 격년제 미술제인 베네치아 비엔날레가 시작되면, 이탈리아 베네치아 섬은 비엔날레 공식 전시장 외에도 곳곳에서 전시가 열리며 섬 전체가 예술섬으로 변한다. 한국 미술 역시 세계 미술계 관계자들이 모여드는 베네치아에서 한 자리를 차지했다. 에버스가 전시를 보러 일찌감치 달려온 단색화 거장 박서보를 비롯해 광주비엔날레의 5·18 특별전, 하종현, 전광영, 이건용 작가의 개인전도 열려 한국 미술을 알렸다. 이 가운데 단색화 그룹이면서 동시에 1970년대 AG(아방가르드협회) 소속이기도 한 하종현과 이건용 전시가 베네치아 한복판에서 열리고 있는 모습은 K-아트의 대표브랜드인 단색화에 이어, 다가오는 ‘AG의 시대’를 예고하는 듯했다. ◆하종현 하종현 개인전은 베비라콰 라 마사 재단과 국제갤러리, 티나킴 갤러리 협업으로 팔라제토 디토에서 열렸다. 이미 베네치아비엔날레 한국관 예술감독을 역임한 바 있는 김선정 아트선재센터 예술감독이 큐레이팅을 맡았다. 하종현전은 그간 보기 어려웠던 작품들이 상당수 나와 시선을 집중시켰다. 배압법(마대 캔버스 뒷면에 물감을 바르고 앞면으로 밀어내 제작하는 방식) 작품 ‘접합’ 연작 외에도 ‘탄생’ 연작, ‘도시계획백서’ 등과 초기 실험적 작품들을 선보였다. 그 덕에 하종현 작품세계와 일대기가 탄탄하게 조명됐다. 무엇보다 눈길을 끈 작품은 두꺼운 철사로 둘러쳐진 캔버스 ‘작품73’(1973). 그는 AG 활동 시절 신문지나 휴지, 철사 등을 모아 여러 실험적 시도를 한 바 있다. ‘작품73’은 당시 길거리에 흔히 널려 있었던 철사를 캔버스에 두르고 캔버스를 뒤집어 뒷면을 앞으로 전면에 내세운 작품이다. 이어 하종현의 상징인 접합 연작의 시초 격인 작품 ‘접합74-17’(1974)을 만나면 그가 거쳐온 과정이 정리된다. 배압법으로 뒷면에서 물감을 앞으로 밀어내면 표면에 밀려나온 물감이 작은 조각기둥처럼 변하기에 그의 평면 작품들은 ‘조각적’이라는 독특한 평가를 받는다. 전시를 보고 나면 하종현 특유의 독특한 세계가 탄생한 배경을 이해하게 된다. 김 큐레이터는 “배압법은 평면성을 탈피하려고 벌인 여러 실험적 시도 끝에 나온 것”이라고 강조했다. ◆이건용 AG 그룹은 해방과 전쟁, 분단을 겪은 이들이 척박한 한국 땅에서 일군 토착 전위미술 그룹이다. 이런 AG를 주도했던 또 다른 인물이 바로 한국 실험미술 거장 이건용이다. 이건용 개인전은 베네치아 비엔날레 공식 전시장인 자르디니 공원 근처, 카페거리와 마주하는 명당 자리에서 열리고 있다. 베네치아가 자랑하는 유서 깊은 건물이기도 한 팔라초 카보토에서 ‘이건용-신체드로잉(bodyscape)’전 오프닝 행사가 시작되자 거리를 오가던 사람들이 자연스레 전시장에 들고 나며 미술계 관계자 발길이 이어졌다. ‘보디스케이프’로도 불리는 이건용의 대표작 신체드로잉 연작은 어떤 대상이나 생각, 감정을 그리려던 화가들의 생각을 뛰어넘어 자신의 신체와 평면화면이 만나는 현상이 기록된 증거로서의 작품이다. 혁신적 그림으로 꼽힌다. 메를로 퐁티 현상학이 투영된 것으로도 분석된다. 신체의 가동 범위 내에서 나타나는 선을 기록한 것으로서 관념이 아닌 신체의 주체성을 담아낸 그림이자 신체를 통해 움직임의 논리를 담아내 ‘로지컬’한 작품으로도 꼽히는 등 풍부한 해설과 화두를 제시한다. 이번 전시에서는 그의 신체 드로잉 방식을 기초로 한층 성숙한 색감과 움직임을 담은 신작 약 20점을 선보였다. 이건용은 내년 하반기에 국립현대미술관과 미국 구겐하임 미술관의 협업으로 이뤄질 한국실험미술전에 나설 예정이어서 이번 전시가 국제무대에 그를 각인시키는 예고편으로 보인다. ◆광주정신 꽃펴 한국 관련 또 다른 주목할 전시로는 광주비엔날레 전시를 빼놓을 수 없었다. 2020년 광주 민주화운동 40주년을 맞아 세계 순회 전시로 기획됐던 5·18 특별전이 코로나19로 1년 연기 끝에 베네치아에서 선보인 것. ‘꽃 핀 쪽으로’를 제목으로 열린 이번 전시는 우크라이나 전쟁으로 러시아 국가관 운영이 중단되고 젤렌스키 우크라이나 대통령이 베네치아에 특별 영상 메시지를 보낸 가운데 열려 의미가 남달랐다. 세계 곳곳에 민주와 평화가 여전히 절실하다는 점을 떠올리게 했다. ‘꽃 핀 쪽으로’ 전시는 국내외 작가들이 다수 참여한 전시지만, 5·18을 직접 배운 한국 작가들의 작품이 주는 감동이 유독 진했다. 최선 작가는 평범한 사람들에게 물감을 한 번씩 ‘후’ 하고 불어달라 부탁해 사방으로 물감 자국이 뻗쳐 마치 희망의 나비를 형상화한 듯한 작품을 내놨다. 사진작가 노순택이 선보인 점점 빛바래가는 광주 희생자 영정사진 작품도 눈길을 끌었다. 이밖에도 한지 작가 전광영이 한층 업그레이드된 작품과 함께 ‘한지 하우스’를 열어 우리 종이의 아름다움과 작품의 조화로움을 뽐냈고 설치미술가 양혜규도 세계적 작가들과 그룹전을 펼치며 활약했다. 미술계 관계자는 “코로나가 종식되면서 글로벌 미술 행사들이 기지개를 켜고 있고, 코로나 기간 단순히 이동이 불가능했을 뿐 아니라 사회·문화 전반적 시스템과 인식이 바뀐 상황”이라며 “미술은 전에는 하지 않았던 이야기들을 더욱 과감하게 발언할 것으로 보이고, 이번 비엔날레는 그 시발점”이라고 말했다. 그는 또 “특히 코로나 기간 한국 미술시장의 전례없는 호응이 있었는데, 이것이 국내에서 그치지 않고 확장되려면 제대로 된 작가들의 글로벌 활약, 그에 걸맞은 평가가 필요하다”며 “미술한류는 한국 미술이 글로벌 무대에서 활약하기 시작했을 때부터 한국 미술계가 바라온 것이었으나 지금이야말로 결정적 시점”이라고 말했다. ‘단 보, 노구치 이사무, 박서보’전 11월 27일까지, ‘하종현’전 8월 24일까지, ‘이건용’전 7월3일까지, ‘전광영-재창조된 시간들’전은 11월 27일까지.