그냥 툭 던져놓은 노끈 한 타래가 저절로 스르르 풀렸다. 아무도 건드리지 않았는데 스스로 스르르. 그렇게 노끈이 살아있는 유기체처럼 늘어지고 풀어지며 움직이는 모습에 매료돼버렸다. 우리나라 첫 설치미술가 이승택이 훗날 평생 함께하게 된 예술 작업의 소재, 노끈과 처음 만난 순간이다. 고드랫돌을 노끈에 달아 매달았을 땐 팽팽하게 늘어지는 노끈의 탄성에서 중력을 확인하고, 고드랫돌과 도자기, 토르소, 캔버스, 칼 등에 노끈을 매어보니 사물들은 물렁하니 언제든 형태가 변화하는 유기체처럼, 어딘가에 결박돼 있을 뿐인 살아있는 존재들처럼 보였다. 노끈은 사물들에 생명을 부여하는 이승택의 대리인이 됐다. “무엇이든 묶기만 하면 다르게 보이더라”, “딱딱한 물건이었는데 변화하는 노끈에 매임으로써 상태에 머무르게 하는 트릭이 와닿았다”, “노끈은 내가 사물에 생명을 부여하는 방법이다.” 이승택이 과거 인터뷰와 기고문에서 한 말이다. 서울 종로구 삼청로 갤러리현대에서 이승택(90) 개인전 ‘(언)바운드’((Un)Bound)가 한창이다. 조각가이면서 화가이기도, 또는 둘 다 아니기도 한 그는 ‘이승택’이라는 이름 석자로 가장 정확하게 표현된다. 홍익대에서 조각과를 나왔지만 조각을 거부하는 ‘비조각’을 주창했고, 바람이나 물, 불처럼 조각할 수 없는 것들로 ‘조각’을 한다고 했다. ‘설치미술’이라는 말조차 없던 시절 시도한 예술이기에, 그는 이제 한국 최초의 설치미술가라고도 불린다. 이번 전시는 이승택의 다양한 작품세계 중 ‘묶기’라는 행위를 중심으로 한 작품들을 집중적으로 조명하는 자리다. 노끈에 매어진 사물 작품인 묶기(bind) 연작은 기발하고 흥미로운 반전의 시각효과를 낸다. 마치 연약한 노끈을 이기지 못하고 노끈에 깎인 듯한 톱과 칼, 도자기, 암석, 돌멩이 등은 실은 모두 작가가 사전에 갈고 깎아내며 홈을 파내는 조각행위를 가미한 뒤, 그 자리에 노끈을 묶은 것이다. 묶기 연작은 거꾸로 생각하게 하고, 거꾸로 착각하게 하며 오인을 불러일으키고 사람들을 놀라게 한다. 노끈에 매어진 돌멩이 고드랫돌 작품을 보고 있으면, 딱딱한 돌에서 물렁한 돌이 되고 다시 물렁한 궁둥이로 변화한 끝에 딱딱한 궁둥이로 보이며 인식을 교란하고 전복한다. 미대 재학 시절 민속박물관에서 우리 전통 고드랫돌을 본 순간 강렬한 인상을 받아 묶기 연작을 시작한 것으로 널리 알려져 있다. 전시는 묶기라는 이승택 작품 세계의 핵심 행위를 중심으로 묶기 연작, 노끈으로 묶지는 않았으나 매인 흔적을 간직한 작품, 묶기 개념이 자유로워진 캔버스 작품, 세 부류 작품을 보여주며 이승택이란 누구인가, 이승택의 작품이란 무엇인가를 소개하는 핵심을 또렷하게 드러낸다. 전시장에는 개성 강하고 고집스러운 전위예술가 특유의 힘이 차오른다. 이승택은 전위적 형식과 개념, 한국적·민속적·민중적 소재로 수십년 독창적인 작품 세계를 일군 예술가지만, 뒤늦게 빛을 봤다. 청년 미술가 시절인 1950년대 후반부터 일찌감치 ‘거꾸로 인생’을 살았기 때문이다. 근대화를 부르짖고 서구 조각을 모방하기 바쁠 때, 서구 조각 개념을 거부하며 한국 설치미술의 기원이 될 예술 세계의 문을 열었다. 국가 권력이 궁중 예술을 국보와 보물로 지정하고 예술과 비예술을 정하고 남길 것과 버릴 것을 찍어 누르던 시절에, 소외되는 민중 생활용품을 일부러 소재로 삼았다. 민속적 믿음이나 샤머니즘이 배척당할 때 오히려 그곳에서 한국적인 것의 정체성을 찾았다. 미술사학자 조수진이 그를 “시대의 내부고발자”라고 표현하는 이유다. 홍대와 서울대로 편을 짜 독과점하는 한국 미술계를 비판하며 어디에도 가담하지 않았다. 외골수, 외톨이로 수십년 불리면서도 그는 “우리나라 미술계가 공부를 안 한다”, “무식하니 날 알아볼 수가 있나”, “한국 미술계와는 얘기가 안 된다”, “세계는 나로부터 시작된다”고 하며 순치되지 않았다. 그가 조명되기 시작한 것은 2009년 백남준아트센터미술상 수상을 계기로 해외 기획자와 미술관들에게 알려지고 소장된 때부터다. 그는 내년 미국 뉴욕 구겐하임미술관과 로스앤젤레스 카운티미술관에서 한국 국립현대미술관 공동 주최로 열리는 1960∼1970년대 한국 실험 미술 조명 전시의 선두에 선다. 전시장에서 열린 기자간담회에서 김영순 미술사학자는 1984년 일본 도쿄에서 열린 국제토론장 일화를 꺼냈다. “이승택 선생님이 오셔서는 꼬불꼬불한 머리, 고집 세게 생긴 얼굴로 (서구를 모방하는) 다른 작가들을 비판하면서 우리 전통 소재 고드랫돌 이야기를 설득력 있게 전개했다. 이승택은 ‘포스트 콜로니얼(탈식민주의)’이란 용어가 학계 담론에 등장하기도 전부터 이미 그런 감각을 갖고 있던 예술가였다”고 말했다. 두 학자는 한국 예술이 서구의 후발주자란 뜻의 “지연된 모더니즘”일 때, 이승택은 “동시대의 인터내셔널리스트(국제미술가)”였다고 입을 모았다. 이승택의 ‘역설을 시각화’하는 트릭은 묘하게도 그가 살아낸 90년 생과 겹친다. 그의 말은 청년 시절부터 구순의 지금까지 거침이 없었고, 작품에 쓴 자신의 얼굴은 언제나 하늘로 치켜뜬 눈썹, 꼬장꼬장한 풍모를 담은 날카로운 표정이다. 그런 그는 1932년 함경남도 고원에서 태어나 남한에 내려온 실향민이다. 한반도 지붕, 개마고원에서 나고 자랐고 18세에 국군이 돼 남하한 뒤 평생 어머니를 보지 못했다. 북에서는 인민군 징집을 피하려 김일성 동상을 만들었고, 남에서는 누가 알아주지 않는 독특한 예술세계를 지키는 동안 생계 방편으로 맥아더 장군 동상을 만들며 살았다. 재주가 그를 구하면서 고단한 인생을 버텼다. 어머니가 힘들게 사시다 돌아가셨다는 소식은 훗날 다른 실향민에게서 들었다. 그는 군인 시절 입은 무릎 총상 탓에 오래 앉아있지 못한다. 어머니는 잃었으나 아내와 가족만큼은 끝까지 돌보려는 책임감으로 지금도 술, 담배를 전혀 입에 대지 않는다. 그를 생각하면 강한 외톨이, 약한 고집쟁이, 평범한 선구자 같은 말들이 떠오른다. 반전의 트릭이 인생에도 배어, 삶과 예술을 일치시킨 예술가로 다가온다. 7월3일까지.

경북 경주 솔거미술관이 청년작가를 발굴하고 지원하기 위해 마련한 청년작가전(Interlinked cause and effect : 유대하는 인과)이 지난 4일 개막해 8월 28일까지 솔거미술관에서 열리고 있다. 솔거미술관 기획 1~2 전시실에서 열리는 이번 전시는 현대 미술작가로 활발하게 활동하고 있는 박장배 작가와 예술과 산업 분야에서 3D그래픽 디자이너로 활동하는 김민균 디자이너의 협업전이다. 이번 전시에는 박장배 작가의 회화 15점과 박 작가의 작품을 3D그래픽화 한 김민균 디자이너의 미디어 작품 등이 관객들을 기다리고 있다. 박 작가는 우리미술의 전통적인 화법을 수련해 다양한 회화 기법을 자신만의 회화 세계로 구축했다. 전통적인 종교화의 소재를 작가 고유의 조형언어와 감각으로 그려냄으로써 전통 불화를 동시대 예술로 확장한 작품을 선보인다. 대학에서 제품디자인을 전공한 김민균 디자이너는 제품디자인 전문회사에서 책임디자이너로 근무하며, 제품 디자인 외에도 모션그래픽, 비주얼라이징 등 영역의 제한 없이 다양한 프로젝트를 진행하고 있다. 두 사람은 그물처럼 얽힌 상호의존적 관계를 의미하는 인과(cause and effect)와 '회복과 윤회'를 전시의 주제로 선정하고 이번 전시를 기획했다. 그 결과 종교적인 색채를 지녔으며 동시대적 조형 언어가 가미된 박장배 작가의 작품을 김민균 작가가 새로운 캔버스인 3D 그래픽으로 구현해 냈다. 류희림 경주엑스포대공원 대표는 "이 시대를 살아가는 청년작가들의 깊이 있는 연구와 고민으로 완성된 작품을 관람하며 그들의 생각에 공감하는 시간이 되길 바란다"고 말했다.

국내에서 2016년부터 활발한 활동을 하다가 2021년 3월 췌장암으로 세상을 떠난 유명 프랑스 화가 쥘레 게시를 기리는 뜻깊은 전시회가 열린다. 쥘레 게시의 에이전트이자 전시 디렉터로 활동한 사라(SARA) 이혜령 작가의 보석 해바라기가 함께 전시되며, 쥘레 게시에 대한 추모의 마음과 그리움으로 전시장이 가득 채워질 예정이다. 쥘레 게시의 작품은 미공개 작품까지 40여점가량이 전시 되며 사라 이혜령 작가의 보석 해바라기는 영원성을 상징하는 보석과 원석을 그림과 일체화시켜서 영원불멸의 생명과 영원한 행복을 희구하는 희망의 마음을 담아냈다. 이에 이감성이라는 한국 이름을 가질 정도로 한국을 각별히 사랑한 쥘레 게시 화가의 수려하고 다양한 인물, 풍경, 꽃작품들과 하모니를 이룰 예정이다. 전시는 서울 강남구 역삼동 아트컨티뉴에서 18일부터 다음 달 19일까지 한 달간 진행된다. 전시 오프닝은 18일 오후 3시이다.

14세기 고려시대, 종이에 채색한 작품인 공민왕 ‘천산대렵도’를 수백년 지난 지금 일부나마 맨눈으로 확인할 수 있다는 것만으로도 충분히 황홀하다. 바래고 닳아 해진 자국은 유구한 세월을 드러내고, 그 사이로는 말 네 마리와 기마인물을 표현한 기운찬 필치와 섬세한 채색이 살아 숨쉰다. 조각난 그림이라 전체 모습을 알기는 어렵지만, 고려시대 뛰어난 회화 수준을 넉넉히 실감할 수 있는 귀한 작품이다. 천산대렵도 맞은편에 놓인 1930년 모사된 고구려 6세기 말∼7세기 초 ‘강서대묘 청룡 모사도’는 힘찬 필선과 생동감 있는 색 활용으로 고구려 회화 백미로 꼽히는 작품이다. 이어 고려 불화, 조선시대 초상화, 근현대 채색화들로 이어지는 작품 속에서 우리 민족이 지닌 ‘색채 DNA’가 장구한 역사 속에 도도하게 흐르고 있다. ◆중세부터 현대까지 한국 채색화 흐름 국립진주박물관과 진주시, 진주시립이성자미술관 공동 주최로 지난 3월 말부터 이어진 ‘한국 채색화의 흐름, 참(眞) 색과 참 빛이 흐르는 고을(晉州)’ 전시가 미술계에 묵직한 화두를 던지며 막바지 관객몰이 중이다. 경남 진주에서 열리고 있는 전시에 다녀간 관람객은 6만명을 넘겼고, ‘한국화=수묵화’의 고정관념을 깨며 한국화의 정체성을 확장하려는 기획이 이목을 끌었다. 전시는 고구려 고분 벽화를 시작으로 한국의 화려하고 장엄한 채색화의 원류를 살피며 그 맥을 이어온 고려시대 공민왕의 천산대렵도를 비롯해 조선시대 김홍도와 신윤복의 채색화와 수갑계첩, 호혼례도, 경기감영도, 십장생도, 책가문방도, 일월오봉도 등 역사적 작품들을 보여준다. 이어 민간으로 확장·변용돼 그려진 일월오봉인 일월부상도와 채용신의 팔도미인도, 이당 김은호가 그린 조선시대 대표 여성 춘향, 논개, 아랑을 전시장에 모았다. 근대 시기 장우성, 김기창, 성재휴, 박생광, 천경자, 박노수, 박래현 등에 이어 현대의 이숙자, 원문자, 황창배 등 한국 채색화 명맥을 이어온 작가들의 수준급 대표작을 선보인다. 조선시대 ‘일월부상도’는 궁궐에서 왕 뒤에 놓였던 해와 달, 다섯 봉우리 그림을 민간에서 변형해 민화화한 것이다. 황실 미술이 민간으로 확장되는 근대화의 상징적 표상으로 의미를 부여해 전시에서 주요하게 배치됐다. 리움 소장품으로 수장고에서 전시장으로 나온 적이 드문 작품으로 꼽힌다. OCI미술관 소장품인 채용신의 ‘팔도미인도’, 금성출판문화재단 소장품인 천경자의 ‘굴비를 든 노인’도 역시 유명세에 비해 실제로 관람할 기회가 극히 드물었던 그림이다. 이숙자의 ‘청맥’은 2010∼2012년도 제작 작품을 재제작한 작품이어서 눈길을 끈다. 기존 보리밭 지평선 위 하늘 부분을 모두 보리밭으로 덧그려 새로운 작품으로 재탄생시킨 뒤 이번 전시에서 처음 관람객에게 선보였다. 진주 남강변 진주성 안에 위치한 국립진주박물관에서 삼국∼고려시대 채색화를 시작으로 중세부터 근대까지의 채색화 흐름을 정리하고, 영천강을 건너 진주시립이성자미술관으로 향하면 근·현대 채색화로 전시가 이어진다. 전통예술 고장 진주의 두 전시 장소를 관람객이 두 발로 오가며 우리 미술사의 한 축으로서 채색화의 역사를 여행하듯 훑게 된다. ◆확장하는 한국 채색화 이번 전시는 수묵화로 좁게 대변된 한국화 범위를 확장하며, 채색화 원류를 찾아 중세로 거슬러 올라가는 노력으로 의미 깊게 평가된다. 전시는 특히 ‘민화’를 우리 전통 채색화 범주로 품어냈다. 전시 실행위원회 측은 “서민과 민중의 그림이었다는 의미의 ‘민화’는 일제강점기 일본의 미술사학자 야나기 무네요시(1889∼1861)가 명명한 것이다. 조선 채색화의 한 갈래인 민화를 민중이나 서민의 것으로 한정하는 것은 마치 서구의 제국주의자들이 동양과 아메리카, 아프리카 국가들의 문화를 민속예술(Folk Art)이라는 관점에서 읽었던 것과 일맥상통하는 관점”이라고 지적했다. 그러면서 “우리가 일상적으로 부르는 ‘민화’는 상류층과 중인들의 생활장식화로 사용됐다는 점에서 채색화라는 보다 넓은 맥락과 근대 문화의 발로라는 점에서 봐야 할 것”이라고 강조했다. 한국 채색화의 전통을 지켜온 궁중회화가 상업 발달, 중인 계급 부상이라는 사회 변화가 진행되면서 한국적 근대국가로의 이행기에 민간에 확산된 것이란 얘기다. 19세기 말 궁중에서 그림 관련 일을 도맡았던 도화서가 폐지되면서 도화서 화원들이 그림을 그려 팔았고 궁중 양식 그림이 민간에서 거래되는 일이 일어났다는 설명이다. 그러면서 고도의 장식성을 가진 궁중회화가 소박하면서도 자유분방한 민화와 만나 채색화의 한 유파로 나타났다고 강조했다. 전시 실행위원인 이원복 전 국립중앙박물관 학예실장은 “채색과 장식은 지나치면 번잡하여 생명력이 감소된다. 우리 민족은 화려보다는 화사, 소박하나 누추하지 않은 ‘해맑고 밝음’(명징·明澄)으로 대변된다”며 “전통 채색화에 대한 연구 성과와 바른 인식을 바탕으로 고대로부터 근·현대에 이르는 우리 채색화의 흐름을 산수화와 인물화 중심으로 전시에 펼쳐낸 것”이라고 설명했다. 전시를 기획한 이번 특별전 실행위는 국립중앙박물관과 국립현대미술관 등 국공립 기관과 미술계 현장에서 수십년 역사를 써온 미술계 내로라하는 전문가들이 의기투합해 결성한 것이다. 이원복 전 실장과 정준모 전 국립현대미술관 학예실장을 비롯해 최열, 윤철규, 조은정, 김진령, 박성식, 구대회, 김우연, 허금숙 등 학자와 기획자들이 참여했다. 실행위 측은 “전문가들로 구성된 실행위가 주최 측인 진주시나 전시 추진위원회로부터 주제와 작가 선정에서 전권을 위임받아 가능한 전시였다”고 밝혔다. 이어 “대개 지역 미술 전시의 경우, 지역 작가 안배 등 지역사회 요구로 인해 전시기획을 하는 전문가 그룹과 충돌이 있기 마련인데, 이번 전시는 전문가에 전시기획을 완전히 일임해 지역 미술 행사에 좋은 선례를 남겼다는 점도 이번 전시의 큰 수확”이라고 밝혔다. 6월19일까지.

#싱그러운 계절과 포도도 누군가 그랬다. 봄의 결말은 여름이라 나쁘지 않다고. 온기를 품은 해가 비치고 새순이 올라오던 봄이 지났다. 그리고 이제 작열하는 태양을 만나고 푸르른 잎들이 무성해지는 여름이 왔다. 추위에서 벗어나며 느끼던 안도감에서 한 발짝 더 나아간 생기와 싱그러움을 느낄 수 있는 계절이다. 우리 옛 그림에서 자주 그려지던 포도가 주렁주렁 매달리고 특유의 새콤함과 달곰함으로 입안을 채우는 계절이기도 하다. 포도를 그림의 소재로 삼기 시작한 것은 중국 송나라 말 활동한 선승 일관(日觀)이었다고 알려졌다. 초서를 잘 썼던 그는 그림에서도 남다른 재능을 보였는데 흔히 그리지 않던 포도를 즐겨 다뤘다. 화면에 수묵으로 포도 덩굴과 포도송이를 여러 차례 담으며 묵포도(墨葡圖)를 창시했다. 명나라 때는 서위(徐渭) 등이 이를 계승했고 이어 그려졌으나 사군자와 같이 자리 잡지는 못했다. 포도를 그린 그림을 포도도(葡萄圖)라고 한다. 우리나라에서 포도도를 그리기 시작한 것은 조선시대에 들어서다. 조선에서 포도는 뻗어 나아가는 넝쿨이 번성을 형상화한 것처럼 여겨졌다. 포도의 탐스러운 알맹이는 다산, 풍요, 생명력을 상징했다. 중국에 비해 포도가 더 자주 그려지며 조선 후기 크게 유행하기도 한 이유다. 혼인 60년을 기념하는 회혼례 잔치의 병풍에 포도가 그려진 작품도 있다. 회혼은 탄생 60년, 과거 급제 60년을 축하하는 회갑, 회방과 함께 장수와 복을 기념하는 주요 행사였다. 이러한 맥락에서 포도는 민간에서도 사랑받으며 민화에도 등장하기 시작했다. 민화에서 포도 그림을 유행시킨 이는 전라도에 살던 최석환으로 알려졌다. 대표적인 민화의 종류인 책가도에서 포도를 담은 그릇 도상을 자주 발견할 수 있는 이유다. 민화에서는 포도와 포도 넝쿨 사이에 다람쥐를 배치하기도 했다. 포도 줄기 위를 오가며 노닐거나 포도알을 따먹는 귀여운 모습에 웃음이 절로 나는 그림들이다. 다람쥐는 복을 가지고 오는 길상적 동물 가운데 하나로 민가에서 좋아했다. #황집중의 포도도 조선시대에 포도도를 잘 그린 이들로는 황집중과 이계호, 홍수주, 이인문, 심정주, 최석환, 신사임당 등이 꼽힌다. 포도도가 하나의 전형으로 정착하고 훗날에는 민간에게도 사랑받게 되도록 만든 이들이다. 이들 가운데 황집중(黃執中, 1533∼?)은 포도 그림으로 가장 먼저 명성을 얻은 화가다. 조선 초기와 중기 인물이었던 그는 문신이자 서화가로 활동했다. 자는 시망(時望), 호는 영곡(影谷)·비목당(卑牧堂)이며, 본관은 창원(昌原)이다. 군수를 지낸 황린의 자제로 1576년 진사에 합격해 벼슬을 지내며 나랏일을 하기도 했다. 황집중은 벼슬에 오른 인물이기도 했지만 서화가로 유명했다. 특히 포도 그림을 잘 그렸는데 몇 점 남지 않은 그의 포도도 중 대표적인 것에는 간송미술관과 국립중앙박물관의 소장품이 있다. 국립중앙박물관의 포도도는 우측 상단에서 시작해 대각선 방향으로 줄기를 내린 포도나무의 모습을 담았다. 엉켰다 다시 풀리고 쭉 뻗어 나가는 여러 포도나무 줄기의 모습을 먹의 농담으로 차이를 두고 표현했다. 화면의 위쪽에 성글게 여문 포도알에서도 먹의 농담은 입체감과 생동감을 전해 준다. 줄기의 뻗침과 꼬임 등에서 드러나는 손에 익은 재빠름과 자유로운 필치를 볼 수 있다. 황집중의 포도도는 위와 같은 모습을 자기만의 전형으로 보여 준다. 대각선 구도, 뚜렷한 농담의 차이, 직선과 곡선의 대비, 입체성과 평면성의 대비 등이다. 포도알을 동그랗게 그린 것도 타원형의 형태를 선호했던 일부 서화가들과 다른 부분이다. 더불어 그의 포도 그림이 가진 가장 큰 특징 가운데 하나는 여백이 드러나는 간략한 화면 구성이다. 여기서 전해지는 담박함은 매화 그림을 잘 그린 어몽룡, 대나무 그림에 뛰어난 이정과 함께 그를 조선 중기 문인화의 삼절(三絶)로 불리게 한 이유일 것이다. #이계호의 포도도 황집중의 포도도는 조선 중기 묵포도도 전통의 근간을 이룬 것으로 볼 수 있다. 이계호는 황집중부터 시작한 포도도의 영향을 받으면서도 자기만의 독창적 작업을 구사해 낸 인물이다. 1574년 태어난 그는 선비였으며 호는 휴휴당(休休堂)·휴당(休堂) 또는 휴옹(休翁) 등이었다. 이조참판 등을 지냈으며 서화에 능한 것으로 유명한 홍식(洪湜)으로부터 그림을 배웠다. 다양한 소재를 그렸겠지만, 포도 그림에 남다른 재능을 가져 이름을 날렸다. 국립중앙박물관이 소장한 그의 포도 그림은 이 재능을 보여 주는 대표작이다. 8폭에 이르는 넓은 화면에 휘몰아치는 바람의 흔적같이 곡선으로 넝쿨진 커다란 포도나무의 모습을 담았다. 꿈틀거리는 것같이 내려오는 줄기에서 생명력이 느껴진다. 줄기에 매달린 수많은 포도송이와 잎이 겹치고 다시 펼쳐지는 모습에서도 마찬가지다. 점진적 변화를 주며 번지듯 칠한 선염(渲染) 효과를 통해 표현한 입체감은 여기에 에너지를 더한다. 이계호의 포도 그림은 황집중의 포도 그림과 달리 화려함을 담고 있다. 화면을 촘촘히 채운 포도와 잎들은 보는 사람을 한눈에 사로잡는다. 이러한 이계호의 포도 그림을 두고 번잡하다는 표현을 하는 이도 있다. 하지만 그 그림 속 포도와 잎새의 각기 다른 묘사를 보면 그의 그림은 번잡하기보다 다양한 세계 그 자체다. 현실과 삶의 모습이 그러하듯 그 안에는 각기 다른 특성이 있어 생명력이 강하게 전해지는지도 모른다. #신사임당의 포도도 포도도를 논할 때 빼놓을 수 없는 조선의 인물 중 한 명이 신사임당이다. 신사임당은 본관은 평산(平山)이며 아버지 신명화와 어머니 용인 이씨의 딸이다. 증좌한성 이원수의 아내였으며 조선시대 대표적 학자이며 경세가인 율곡 이이의 어머니다. 좋은 환경에서 자라 결혼 생활을 이어 가며 교양과 학문을 갖추었고 남다른 예술적 감각을 드러냈다고 알려졌다. 시, 그림, 글씨 등에 열심이었고 외할아버지 이사온이 안견의 그림을 구해 주기도 했다고 한다. 덕분에 아내, 어머니의 역할을 하면서도 자기 재능을 밝히며 예인으로 살기도 했다. 신사임당은 앞선 ‘김한들의 그림 아로새기기 12’에서 소개했듯이 풀벌레, 포도, 화조, 매화, 난초, 산수 등 다양한 분야의 소재를 그렸다. 그 가운데 풀과 벌레를 그린 초충도(草蟲圖)는 그 묘사가 너무 뛰어나 그림을 말리려 내놓자 닭이 실제 벌레인 줄 알고 달려들었다는 일화도 있다. 포도도도 초충도만큼 뛰어났는데 한 부인의 치마가 구정물이 튀어 엉망이 되자 신사임당이 그 위에 포도 그림을 그려 위기를 모면하게 했다는 일화를 한 번쯤 들어 보았을 것이다. 아들이었던 율곡 이이는 어머니를 기리기 위해 쓴 선비행장(先?行狀)에서 그의 포도 그림 솜씨를 다음같이 기억했다. “자당은 평소에 묵적(墨迹)이 뛰어났는데 … 포도를 그렸는데 세상에 시늉을 낼 수 있는 사람이 없었다.” 아쉽게도 신사임당의 포도도는 초충도와 비교해 남아 있는 수가 적다. 그 가운데 널리 알려진 것은 간송미술관에서 소장한 포도도다. 황집중의 포도도가 담박하고 이계호의 포도도가 화려하다면 신사임당의 포도도는 풍성하다. 신사임당은 화면 가운데 포도 줄기가 내려오게 해 안정적 구도를 형성한다. 그리고 그 가운데로부터 복스럽게 영근 포도알들과 널찍한 잎을 배치해 넉넉한 느낌을 전한다. 오래된 줄기는 옅은 먹으로, 싱싱한 줄기는 진한 먹으로 그려 사실성을 더한 것이 눈에 띈다.

푸른 하늘, 푸른 들판, 듬성듬성 들어선 야자수 사이를 가르는 오토바이 운전자들 풍경에 가슴속 체증을 날린다. 캔버스 위에 그대로 드러나는 묽은 아크릴 물감, 연필로 그려진 사람들에서 날아갈듯 시원한 가벼움이 느껴진다. 미국 시카고를 기반으로 활동 중인 작가 타이슨 리더의 풍경화들은 부드럽게 답답한 현실을 탈주하는 풍광으로 다가온다. 세계적 큐레이터가 젊은 미국 작가들의 최신 회화 경향을 소개하는 전시가 열리고 있다. 서울 성북구 성북로에 위치한 비비앤엠(BB&M)갤러리 ‘드림 라이프(Dream Life)’ 전시다. 기획을 맡은 이는 미국 뉴욕에서 이번 전시를 기획하기 위해 한국을 찾은 댄 캐머런(Dan Cameron)이다. 그는 미국 뉴 뮤지엄을 비롯한 미국 유수 미술관의 수석 큐레이터를 지내고 2006년 이스탄불 비엔날레, 2008년 타이베이 비엔날레 등 국제 프로젝트를 총괄해온 뉴욕 미술계 주요 인사다. 1979년부터 큐레이터 및 비평가로 활동해왔으며, 자신의 작품이 있는 작가이기도 하다. 성소수자의 정체성을 주제로 한 미국 최초의 미술관 전시 ‘익스텐디드 샌서빌리티스(Extended Sensibilities)’를 기획한 장본인이자 미국 최초의 국제비엔날레 ‘프로스펙트 뉴올리언스(Prospect New Orleans)’를 설립한 이다. 뉴올리언스 비엔날레는 2008년 허리케인 카트리나로 피해를 본 뉴올리언스를 재건하기 위해 만들어진 미술제로, 현재 3년마다 열리는 트리엔날레로 바뀌어 최근 제5회 행사를 치렀다. 한국에서 여러 국내외 작가를 발굴해온 비비앤엠 갤러리 제임스 리 대표 초대로 한국에서 갤러리 전시를 열게 됐다. 그가 이번 전시에서 소개하는 작가는 모두 5명. 에스테반 카베자 드 바카, 타이슨 리더, 라피 칼렌데리안, 미코 벨드캄프, 알렉스 도지다. 전시 제목처럼 ‘꿈’(Dream)과 ‘현실’(Life) 사이를 오가는 듯한 작품들로, 현실 탈주의 꿈과 작가의 사회문화적 정체성이나 삶의 이야기, 사회 현실 반영이 적절히 균형을 이루고 있다. 5인 5색 개성이 뚜렷하면서도, 초현실주의적 분위기의 구상화라는 공통점이 있다. 전 세계가 신종코로나바이러스 감염증(코로나19) 등을 거치며 나타난 대중의 현실 초월 욕망, 올해 베니스 비엔날레 등 최근 주요 국제미술제나 대규모 대중을 이끈 전시에서 나타난 초현실주의 경향성이 읽히기도 한다. 전시장에서 만난 댄 캐머런은 “현재 미국 미술은 다양한 스타일을 보여주고 있다. 하나의 스타일이 장악하고 있다고 볼 수는 없는 상황”이라고 전제하면서도, 이어 “작가들에게서 회피주의적(escapism) 태도가 보이는데, 이때의 회피주의는 단순한 현실 회피라기보다 중대하고 진지한 사회적 사안을 어떻게 유머러스하게 얘기할 수 있을까 고민하는 것”이라고 설명했다. 이어 “지금 미국 작가들의 양가적인 태도”라고 덧붙였다. 또 “이러한 개념적 경향, 태도 외에도 이번 전시 작품들에서 색채가 주는 즐거움, 회화가 주는 즐거움과 유희에 집중하는 모습도 볼 수 있는데, 이 역시 최신 작가들이 보여주는 경향성”이라고 설명했다. 전시에서는 작가들의 다양한 배경이 작품 속에 드러난다. 에테반 카베자 드 바카는 라틴아메리카의 문화적 배경에서 성장한 작가로, 서부의 풍경과 자유로운 그라피티, 콜럼버스 이전 시대의 상형문자를 기반으로 한 작품을 선보인다. 일본인 아내와 함께 살며 뉴욕과 도쿄를 오가며 활동하는 알렉스 도지 작품에서는 만화적 요소가 드러난다. 표면에 물감이 도톰하게 올라가 입체감을 주는데, 몹시 세밀하고 패턴이 균일해 마치 하이테크놀로지가 사용된 것처럼 보이지만, 수공업적인 스텐실 기법으로 캔버스에 물감을 올린 것이라는 반전이 재미있다. 라피 칼렌데리안은 친구와 동료 예술가들을 다양한 색과 질감으로 그려내는데 특히 바닥과 벽면 등에 강조된 특유의 인디언적 패턴이 상징적이다. 타이슨 리더는 아름답지만 기묘하게 황폐화된 풍광이 몽환적이면서도 미국 서브컬처 라이프 스타일 소재를 친근하고 위 트있게 보여준다. 미코 벨드캄프의 작품들은 일상적 풍경을 바탕으로 자신만의 개인적 서사를 담으면서도 시대적인 멜랑콜리와 서정이 깊게 베어난다. 서울 성북동 조용한 주택가에 위치한 갤러리에서 만나는 30∼40대 미국 작가들의 정체성을 다양한 형태와 패턴의 회화를 만나는 일이 흥미롭다. 마치 뉴욕 거리 한 뮤지엄에 와 있는 느낌이다. 갤러리 측은 한국에서는 아직 낯선 이름이지만, 이들의 작품은 이미 뉴욕 현대 미술관, 로스앤젤레스카운티 미술관, 휘트니 미술관, 메트로폴리탄 미술관에 소장되는 등 미국 미술계에서 높게 평가돼 온 작가들이라고 설명했다. 허시영 공동대표는 “회화가 죽지 않았다는 것을 보여주고 싶다”며 “특히 젊은 국내 작가와 미술 학도들이 많이 와서 관람했으면 좋겠다”고 말했다. 7월2일까지.

울산의 ‘겨울진객’ 까마귀. 까마귀의 시선으로 본 울산을 주제로 한 전시가 울산시립미술관에서 열린다. 울산시립미술관은 세계적 미디어 아티스트인 정연두 작가의 2022년 신작 ‘오감도(烏瞰圖)’를 최초로 공개했다고 8일 밝혔다. 전시의 제목은 작품 제목과 동일한 ‘오감도’이다. 오는 7월31일까지 미디어아트 전용관(XR랩)에서 만날 수 있다. 울산시립미술관은 국내 국공립미술관 최초로 미디어아트 전용관을 보유하고 있다. 오감도는 개관전 후 XR랩의 두 번째 전시다. 정연두 작가는 이상(1910∼1937) 시인의 시 ‘오감도’에서 영감을 받아 이 작품을 만들었다. 까마귀는 울산시민의 입장에서 보면 어쩌면 성가신 방문자일 수 있지만, 까마귀의 입장에서 울산은 자신들의 집이다. 겨울마다 울산을 찾는 까마귀를 ‘이주하는 자’라고 본다면, 이 작품에서 오감도는 ‘까마귀의 시선으로 본 세상’이라는 뜻을 갖는다고 미술관은 설명했다. 이 작품은 정면과 좌·우 벽면, 그리고 바닥까지 사용하는 실감미디어 작품이다. 약 15분 분량의 이 작품은 거리와 공장, 상점, 하늘, 강, 바다 등 오롯이 울산에서만 볼 수 있는 풍경을 담고 있다. 수백마리 까마귀떼가 하늘을 가득 메운 장관, 햇살이 태화강 물결 위로 일제히 부서지는 숨막힐 듯 아름다운 장면, 정결하고 단아한 푸른 대나무숲 풍경, 현대자동차 노동자들이 퇴근길에 나서는 씩씩한 모습 등이 작품에서 극적으로 아름답게 그려진다. 정연두 작가는 “떠나는 자와 이주해오는 자가 공통으로 갖고 있는 공간의 지점을 울산을 통해, 그리고 까마귀를 통해 생각해보길 바란다”고 말했다. 그는 “울산에는 다른 지역에서 오신 분들이 많다고 들었다”며 “울산에 살명서 울산을 자신의 터전으로 삼는 사람이 많다”고 했다. 이어 “계속 이주하는 삶을 살더라도 마음 속에서는 어딘가에 마음을 두고 있는 사람이 대부분이고, 그것은 새로 이주해오는 사람이나 살던 곳을 두고 떠난 사람이나 다 공통으로 갖고있는 지점일 것”이라고 설명했다.

국립현대미술관의 ‘이건희컬렉션 특별전: 한국미술명작’ 전시를 약 25만명이 관람했다. 7일 국립현대미술관에 따르면, 서울 종로구 삼청로에 위치한 이 미술관 서울관에서 전시 마지막날까지 총 24만8704명이 관람했다. ‘MMCA 이건희컬렉션 특별전: 한국미술명작’전은 지난해 7월 21일 개막해 전날인 6월 6일까지 11개월 가까이 진행됐다. 전시는 처음엔 올해 3월 13일까지 진행될 예정이었으나 한 달 연장해 4월 13일까지, 이어 또 한 번 연장을 결정해 6월 6일까지 진행됐다. 전시 맥락과 설명이 부족한 급조된 전시라는 평이 대체적이었다. 다만 ‘이건희컬렉션’ 실물을 감상하려는 관람객의 열기는 전시 기간 내내 뜨거웠다. 신종코로나바이러스감염증(코로나19)으로 방역 기간에는 인원수가 제한됐고 온라인 예매 경쟁이 치열해 중고시장에서 웃돈을 주고 거래되는 사례까지 나타났다. 전시 막바지인 2차 연장 기간에 14만명이 방문해 하루 평균 2665명이 관람하는 대기록이 나왔다. 전시 마지막 3일간엔 8989명이 관람했고 평균 4시간씩 줄을 서서 대기해야 했다고 미술관 측은 전했다. 문화 소외계층과 온라인 취약 노년층 특별 관람 사회공헌 프로그램으로 본 인원은 3740명이었다. 학예연구사 전시 투어 동영상은 지난해 9월 유튜브 계정을 통해 공개된 이래 조회 수 30만회를 넘겼다. 전시도록은 1만6151부 판매됐다. 지난해 4월 고 이건희 삼성 회장 유족은 국립현대미술관에 한국 근현대미술작품과 서양현대미술작품 1400여점을, 국립중앙박물관에 2만여점 문화재와 미술품을 기증했다. 국립현대미술관은 기증받은 지 석 달 만에 김환기, 이중섭 등 일부 유명 작품을 골라 꺼내 상설전이 열리던 장소에 걸었다.

헌법재판소가 포스트 코로나 시대를 맞아 한국민화협회와 함께 ‘책거리 민화展, 헌법재판소에서 만나다’를 연다. 오는 14일부터 다음 달 7일까지 서울 종로구 헌법재판소도서관에서 열리는 이 전시는 현대 민화 작가들의 다양한 작품을 선보인다. 책거리란 조선 후기 유행했던 책과 문방구류의 정물화를 말한다. 또 국립중앙박물관이 디지털 기술로 복원한 ‘조선 사람들의 꿈, 평생도’는 영상으로 선보인다. 평일 오전 9시부터 오후 6시까지 누구나 무료로 관람할 수 있다. 전시 기간 중 매주 수요일 낮 12시30분엔 한 시간 동안 전시 설명을 들을 수 있다. 오는 17일엔 ‘유럽법의 기원’, ‘라틴어 수업’ 등의 저자인 한동일 작가를 초청해 ‘언어의 기원을 통해 살펴보는 법’을 주제로 고대 산스크리트어로 알아보는 배움의 철학, 법의 정의 등에 대한 강의를 진행한다. 강의 수강 신청은 헌법재판소도서관 홈페이지를 통해 선착순(100명)으로 받는다. 헌재는 “이번 전시로 헌법재판소도서관의 일반 관람 정상화를 알리고, 조선 후기부터 200여년간 이어져 온 선조들의 책 사랑이 시민들에게 이어지기를 바란다”고 밝혔다.

‘20세기 사진 미학의 거장’으로 불리는 앙리 카르티에 브레송과 ‘솔섬 사진가’로 유명한 마이클 케나 등 유명 작가 사진전이 잇달아 열린다. 전시 주관사 케이트팜은 오는 10일부터 10월2일까지 예술의전당에서 ‘앙리 카르티에 브레송 사진전: 결정적 순간’(포스터)을 연다고 6일 밝혔다. 앙리 카르티에 브레송(1908∼2004)의 사진집 ‘결정적 순간’ 발행 70주년을 맞아 카르티에 브레송 재단이 소장한 오리지널 프린트와 1952년 프랑스어 및 영어 초판본 등을 소개한다. 이 사진집에는 마하트마 간디 장례식이나 독일 데사우 나치 강제수용소 등 1932년부터 1952년까지 미국, 인도, 프랑스 등지에서 촬영된 삶의 순간들이 담겼다. 청와대 옆에 있는 공근혜갤러리는 오는 21일부터 8월7일까지 청와대 개방 기념 특별전시로 영국 사진작가 마이클 케나의 풍경 사진전을 개최한다. 프랑스의 유명한 궁전과 정원들, 전쟁을 겪고 있는 우크라이나의 자연 풍경을 담은 사진 60여점을 선보인다. 이밖에 서울 종로구 한미사진미술관(MoPS) 삼청별관에서는 애퍼처재단과 파리포토가 주최하는 포토북 공모전 ‘2021 포토북 어워즈’ 선정 도서 38권을 소개하는 전시가 오는 10일부터 다음 달 24일까지 열린다.