학고재가 스웨덴 화가 안드레아스 에릭슨(48)의 국내 두 번째 개인전을 연다. 서울 종로구 소격동에 위치한 학고재 갤러리는 다음달 20일까지 ‘안드레아스 에릭슨: 해안선(Andreas Eriksson: Shoreline·사진)’에서 회화와 드로잉 58점을 선보인다. 2019년 첫 아시아 개인전에서 설악산과 한라산 등 한국의 산에서 영감을 얻은 작품을 선보였던 작가는 이번엔 바다 쪽으로 시선을 옮겼다. 해안선을 따라 바다와 육지가 나뉘고, 또 만나기도 하는 등, 해안선이 두 세계를 연결한다는 점에 주목했다. 작가는 거주하는 스웨덴 메델플라나 인근 산속에서 작업하며, 자연에서 발견한 요소를 작업에 풀어내는 화가로 알려져 있다. 자연을 바라보는 작가 특유의 시선에 우리 동해안이 준 영감을 더해 작품들이 탄생했다. 그는 스웨덴과 오스트리아, 노르웨이 주요 미술관에서 개인전을 열었으며 2011년 베네치아비엔날레에 북유럽관 대표작가로 참여했다. 아트바젤 발루아즈 예술상, 카네기미술상, 스텐에이올슨 재단상 등을 받았다.

어쩌면 곳곳이 인플레이션인 시대다. 소셜미디어나 온라인, 미디어상에는 과식하는 영상과 ‘플렉스’(과시 소비)하는 이미지가 넘쳐난다. 관심을 얻으려는 경쟁으로 과장하고 꾸미는 과잉 몸짓이 치열하다. 스펙터클에 감격하고 탐욕이 곧 능력인 시대, 약하고 힘없는 것들을 혐오하는 시대. 이 텅 빈 시대의 뒷면을 생각하게 만드는 화가가 이길우다. 한국화가 이길우 작가가 제13회 세계미술전 초대작가로 선정됐다. 세계일보 창간 33주년을 맞아 16일 개막한 ‘세계미술전-이길우’ 전이 서울 종로구 인사동에 위치한 선화랑에서 한창이다. 이 작가의 구작과 근작 21점을 선보인다. 작가 상징인 향불 작품 아이디어를 얻은 2003년 이후부터 최근까지 18년간 펼쳐온 향불 작업 세계를 고루 조망할 수 있다. 이길우 작가는 실험하는 한국화, 진화하는 한국화의 대표주자다. 작가는 향불을 한지에 갖다 대어 작고 동그란 구멍을 뚫는다. 가녀린 향불에 탄 미세한 흔적을 수천 개, 또는 수만 개 만든다. 그렇게 한지 1장을 만든 뒤, 같은 작업을 새 한지에 반복한다. 이어 종이를 겹쳐 붙여 중첩하길 서너 차례 반복한다. 화면에는 향불이 종이를 태워 검게 그을린 구멍 밀도가 높은 곳은 진하게, 태운 흔적 밀도가 낮은 곳은 연하게 보인다. 미세한 검은 테두리 안으로는 아래에 깔린 색지가 드러나기도 한다. 그렇게 색 차이가 만들어지면서 형상이 만들어진다. 종이가 타서 비워진 자리들이 모여 거대한 형태를 만들어 낸다는 아이러니다. 소멸과 생성이 한자리에 있다. 그는 통상의 인식을 거슬러간다. 그는 눈에 띄기 위해 꾸미고 덧대기보다는 이렇게 태워 없애고 비우며 소멸시킨다. 색지를 쓰기도 하지만 그 위에 다시 한지를 덮어 화려함을 덮는다. 자연스레 그의 그림은 더 편안하게 느껴지고, 묘하게도 소멸한 자리에는 공허함이나 어떤 부족함 대신, 충만함이 찾아온다. 또 한편, 그의 작품은 누구에게나 감상의 재미도 준다. 이길우의 작품은 관람객을 빨아들였다 멀리 밀어냈다 한다. 작품 앞으로 바짝 다가가야 얇은 한지에 지름 5㎜도 안 될 듯한 작디작은 구멍들이 무수히 나 있음을 볼 수 있다. 그러나 형태를 보고 전체를 조망하기 위해서는 관람객은 작품에서 멀어져야 한다. 다가가면 기법이 보이고, 멀어졌을 때 소재가 보인다. 다가가면 추상화처럼 다가오고, 멀어질수록 은은하게 형태가 드러나 구상화가 된다. 전시장에서 김진엽 미술평론가는 “작품에 텍스트를 사용하는 것 등 현대미술 기법을 많이 사용함에도 이길우 작가의 작품은 편안하게 느껴지곤 하는데, 워낙 정서적인 부분이 활용되어서다. 개인적인 이야기부터 사회의 우리 이야기들까지 섞여 있다. 실험적 방법과 정서가 같이 활용돼서 어려운 작품도 편안하게 볼 수 있게 하는데, 이것이 작가의 내공”이라고 말했다. 편안함으로 다가오는 작품은 그러나 방독면을 쓰고 작업해야 할 정도로 고된 과정을 거쳐 탄생한 것이다. 가령 100호 크기 작품을 제작하려면 5만 번 정도 향불 구멍을 낸다. 수만 번 향불을 태우기 때문에 작업실은 환기를 자주 시켜줘야 하고, 여름에는 더위와, 겨울에는 추위와 싸우며 작업한다고 한다. 작품이 그 고된 노동의 결과물임을 알고 나면, 제목과 작품 속에서 다뤄진 소재에 대한 애정, 주제의식 등은 더욱 절실하게 다가온다. 모여 있지만 고독해 보이는 개인들을 표현한 ‘관객’, 구겨지고 버려진 종이에 그가 붙인 제목 ‘날고 싶은 새’, 푸른 바다를 배경으로 그린 단정한 양복은 ‘AM6시’, 노을 빛을 머금은 붉은 물빛의 바다를 배경으로 어깨가 비뚤어지고 축 늘어진 양복은 ‘PM6시’. 대상에 대한 연민이 가득 전해지면서도, 소멸한 자리가 생성의 자리라는 그의 방법론을 대입해 희망도 떠올려 볼 수 있다. ‘화가의 가족’, ‘상혁이의 첫 운동회’나 알약이 여럿 등장하는 작품들 앞에서는 그가 치매를 앓는 어머니를 오랫동안 모셔온 사연과 가족에 대한 애정을 연상할 수밖에 없다. 작가만의 고유한 방법론을 통해, 작품은 조용하지만 강하고 묵직하게, 은은하지만 애절하게 말을 거는 작품들이 된다. 그는 처음에 어떻게 한지를 태우게 됐을까. 2003년 가을 어느 날, 작업실 밖으로 나와 하늘을 올려다봤다. 작업실 앞 가로수였던 은행나무 잎사귀들이 눈에 들어왔다. 햇빛으로 역광을 받은 은행나무 잎 까만 점들을 보고 마치 누군가 태운 듯한 느낌이 들었다고 한다. 그날이 그에겐 운명의 날이 됐다. 이때 영감을 받아 얇은 한지를 태우는 향불 작업을 시작했고, 그는 지금 ‘향불 작가’라는 별칭으로 소개된다. 지금은 몇몇 작가들이 향불로 한지를 태우는 방법으로 각자의 작품을 제작하지만, 그는 ‘향불로 한지를 태운 최초의 작가’라는 수식어와 함께 해외 매체에 소개됐다. 전시장에서 만난 작가는 “항상 삶에 대해, 인간의 삶의 본질에 대해 탐구하고 연구해왔다. 앞으로도 변하는 과정이 여러 번 있겠지만, 삶을 통해서 새로움을 추구하려고 애를 쓸 것”이라고 말했다. 김 평론가는 이번 전시를 계기로 쓴 글에서 “작가는 무(無)로 향할 수밖에 없는 인간의 애환과 고통을 향불의 춤을 통해 이야기하고자 한다”며 “이길우의 향불은 실험적인 조형 어법이면서도 자기소멸의 고독에서 벗어날 수 있는 성숙과 이해의 과정인 것”이라고 했다. 가식과 허위, 과장의 본모습은 불행이다. 거품이 꺼진 자리는 언제나 폐허다. 과잉의 시대, 지금이야말로 그의 작품을 눈에 담기 좋은 때다. 27일까지.

박재동 시사만평전 ‘한판 붙자’가 9~26일 서울 인사동 갤러리 모나리자 산촌에서 열린다. 박재동 화백은 “깨어있는 시민들이 잘못된 적폐 세력에 대항해 싸우는 것이 민주화를 위한 최후의 힘이다. 촛불세력이 국정농단 세력과 한판 붙자는 의미에서 제목을 이렇게 붙였다”고 밝혔다. 이번 전시는 ‘개혁과 전환 촛불행동 연대’가 함께하며, 박재동 화백의 최신작 120점을 만날 수 있다. 전시기간 동안 작품을 구입한 관람객에는 인물 스케치도 준다. 박 화백은 부산고와 서울대 회화과를 졸업하고 1988년 한겨레신문을 통해 시사만화가로 데뷔했다. 한겨레신문 만평을 8년간 연재하며 시사만화의 위상을 드높였다는 평가를 받았다. 한국예술종합학교 영상원 애니메이션학과 교수를 역임했으며, 현재 경기신문에서 ‘박재동의 손바닥 아트’를 연재 중이다.

지금 경부선을 타면 명품 전시들이 기다린다. ‘유고전이 된 거장전’이라는 사연을 안게 된 크리스티앙 볼탕스키의 개인전이 열리는 부산시립미술관부터, 역병의 시대 돌봄의 가치를 성찰하게 하는 전시가 열리고 있는 경남도립미술관, 화려한 개막을 알려 미술계 입소문이 자자한 울산시립미술관까지. 차로 한 시간 거리에 놓인 공공미술관들이 미술 애호가들의 발길을 재촉하고 있다. 마침 문화공간에서 열리고 있는 전시 역시 의미가 남달라 놓치면 아깝다. 국토의 남쪽 끝, 봄이 먼저 오는 곳에서 열리고 있는 전시들의 활기가 다가오는 봄의 예고편처럼 느껴진다. ◆볼탕스키 - 죽음을 말하다 크리스티앙 볼탕스키가 생전 마지막으로 준비한 전시이자 타계 후 첫 유고전이 국내에서 열리게 됐다는 건 ‘슬픈 행운’이다. 부산시립미술관의 ‘크리스티앙 볼탕스키 : 4.4’전시 얘기다. 이 미술관의 연례전인 ‘이우환과 그 친구들’의 세 번째 시리즈로, 이우환 화백의 실제 절친한 친구였던 볼탕스키의 개인전이다. 작가가 평생 다뤄온 화두인 죽음을 주제로 엄선된 43점이 전시장에 펼쳐진다. 1944년 나치에서 해방된 지 한 달이 채 되지 않은 프랑스 파리, 유대인 집안에서 태어난 작가는 전후세대의 트라우마를 다뤄온 가장 위대한 프랑스 현대미술가로 꼽힌다. 대표적 ‘쇼아(Shoah : 히브리어로 ‘참사’ ‘대재앙’이라는 뜻으로 홀로코스트를 의미) 작가’로도 불린다. 전시에선 그를 세계적 작가의 반열에 올려놓은 1986년 작품 ‘기념비’를 비롯해, 1969년 아방가르드 단편 영화 ‘기침하는 남자’ 등을 볼 수 있다. 죽음이란 무엇인가, 죽으면 모든 게 끝나는 것일까, 죽음 이후는 어떤 세계일까, 어떻게 죽음을 받아들여야 할까, 죽음에 대한 평생 성찰의 깊이가 작품들 속에 베어있다. 십자 모양으로 배열된 4개 스크린에 봄 여름 가을 겨울의 평화로운 풍경 영상이 진행되고, 그 사이 홀로코스트(나치의 유대인 대학살) 등 20세기 인류의 잔혹행위 참상이 ‘24분의 1초’라는 그야말로 눈 깜짝할 속도로 스쳐지나가는 작품 2020년 작 ‘잠재의식’도 강렬하다. 자신의 임박한 죽음을 알아차렸던 걸까. 전시 준비과정에서 그가 유독 모든 절차를 서둘렀다고 한다. 미술관 측은 전시 디자인을 서둘러 모두 마무리하고 부대 행사 프로그램으로 이우환 화백과 인터뷰를 진행하려 했던 지난해 7월 14일, 그가 타계했다는 소식을 전해들었다. 그제서야 그가 서두른 이유를 짐작했다. 기혜경 관장은 “볼탕스키의 마지막 예술적 영혼이 들어간, 다시는 볼 수 없는 전시”라고 말했다. 이우환의 볼탕스키 인터뷰는 끝내 진행되지 못했지만, 미술관은 대신 이우환의 부치지 못한 편지를 도록에 실었다. 이우환은 “저는 작가님의 작품을 접할 때면 인류의 운명으로까지 생각이 나아갑니다”라며 “너무 추상화되고 수치화되어 죽음이 실감나지 않는 오늘날의 죽음을 어떻게 보는지 여쭙고 싶다”고 썼다. 전시 마지막 순서에 만나는 타계 직전의 신작 ‘설국’(2021)은 전시의 백미다. 매끈한 흰 방 안에, 병상 침대 시트가 연상되는 하얀 천이 겹겹이 뒤엉켜 무덤이 됐다. 천장에는 지극히 인공적이고 위생적인 흰 빛을 발산하는 조명이 달려있다. 최첨단 병원에서 쓰이는 긴 호스처럼 보이는 조명은 문장처럼 보여서 무언가 읽어내야 할 몸짓처럼 보인다. 3월27일까지. ◆문성식 - 삶을 말하다 부산의 또다른 미술 공간 국제갤러리 부산점에서 열리고 있는 문성식 개인전의 제목은 ‘Life 삶’이다. 마침 1980년생 젊은 스타 작가의 주제가 삶이라 볼탕스키 전시와 묘하게 대조된다. “소박하게 지금, 여기, 우리가 살아가는 풍경을 소소하게 기록하겠다”는 작가의 생각을 담았다. 캔버스에 유화 물감을 바르고, 물감이 마르기 전에 연필로 스케치해 표면을 긁어내듯 작품을 만든 작품 약 100점을 선보인다. 유화도, 드로잉도 아닌, 일명 ‘유화 드로잉’이다. 전시장엔 봄냄새가 물씬 풍긴다. 그가 폭포, 산, 꽃, 정원과 같은 자연을 소재로 했기 때문일까. 캔버스 위로 슥슥 지나간 연필 자국들은 녹고있는 땅 위로 올라오는 꽃가지 같고, 그 위로 가볍게 칠해진 구아슈(과슈) 물감의 포근한 색채는 봄을 연상하기에 충분하다. 작가의 말 중 연필을 고집하는 이유가 흥미롭다. “연필은 가장 기본적 재료, 장식성 없는 재료다. 장식을 제거하고 가장 있는 그대로 내 생각을 드러나게 해주는 재료다. 즉흥적이며 소박하고 과장 없고 꾸밈없는 제 성격과 닮은 것 같다.” 2월28일까지. ◆의식주에 담긴 희로애락 국제갤러리 옆 F1963석천홀에서는 설립 20주년을 맞은 아름지기 재단의 ‘CONNECTING 아름답게, 전통을 이어 일상으로’전이 한창이다. 재단 설립 이후 매년 선보인 스무 번의 전시를 압축해 하이라이트를 모은 특별전이다. 재단은 전통문화의 아름다움을 알리고 전통의 새로운 가능성을 개발해 나간다는 목표로 복원과 현대화, 두 방법을 오가며 활동을 벌여온 곳이다. 전시에는 전통을 구현하는 연구원과 기능장, 또 현대화하는 디자이너 등 90명의 작품 약 400점을 의·식·주 세 카테고리로 나눠 보여준다. 특히 전통미를 현대에 맞게 재해석하고 창의력을 가미해 재탄생시킨 작품, 실용적 작품들이 빛난다. 가령 최종화 작가의 ‘벽걸이 소반’은 실제 조상들이 소반을 벽에 걸어두었다는 데서 아이디어를 얻었다. 벽을 장식한 액자처럼 납작하게 접어 걸어둘 수 있는 작은 상이다. 우리 전통 제수용기들을 현대화한 ‘아파트 제사상’ 프로젝트, 노마드 제사상, 제사 키트 등도 눈길을 끈다. 2월13일까지. ◆경남도립·울산시립미술관 부산에서 차량으로 한 시간이 채 걸리지 않는 경남도립미술관의 ‘돌봄사회’전은 진작에 입소문을 탔다. ‘관람객 울리는 작가’ 문지영의 ‘가장 보통의 존재’, ‘엄마의 신전’ 연작을 비롯해 미하일 카리키스, 요한나 헤드바, 임윤경, 조영주, 최태윤의 드로잉, 회화, 영상 등 40여 점을 선보인다. 그간 코로나19와 관련해 전국 각지에서 벌어진 미술 전시들이 죽음, 또는 주변인의 죽음에 대한 상실감을 주제로 한 경우가 대부분이었다. 경남도립미술관은 다소 뻔한 주제를 벗어나 팬데믹 국면 속 돌봄의 사각지대를 주목한다. 학교가 문을 닫자 생겨난 취약계층 아이들, 집단감염에 고스란히 노출됐던 각종 보호시설과 교정시설 등 재난의 위험은 돌봄이 무너진 자리에서 가장 위협적임을 우리는 목도했다. 전시는 돌봄의 가치, 돌봄의 역사 등 돌봄을 둘러싼 사유를 확장하고, 인간이 서로를 필요로 하는 불완전한 존재임을, 상호의존은 곧 삶의 전제조건임을 깨닫게 한다. 2월6일까지. 경남도립미술관에서 또 한 시간을 달리면 울산시립미술관이 대대적으로 벌인 개관전을 볼 수 있다. 개관특별전 ‘포스트 네이처 : 친애하는 자연에게’ 등 5개 전시가 열리고 있다. 개막특별전에는 백남준 등 국내외 미디어아티스트 17명이 참여했다. 산업수도 울산의 정체성을 담아 기술과 자연이 융합되는 세계를 제시한다. 4월10일까지.

서울역사박물관이 임인년(壬寅年) 호랑이해를 맞아 ‘조선시대 사람들이 사랑한 동물들 1 - 2022, 범 내려온다!’ 전시를 개최하고 있다고 28일 밝혔다. 박물관에 따르면 이번 전시에는 조선 말기 서화가 유치봉의 ‘산속에 노니는 78마리 호랑이 그림’을 비롯한 88마리 호랑이가 등장하는 소장유물 14점이 마련됐다. 전시는 오는 4월24일까지 이어진다. 전시장에서는 호랑이 해, 호랑이 달, 호랑이 날, 호랑이 시간을 상징하는 사인검(四寅劍)을 만나볼 수 있다. 사인검은 순수한 양(陽)의 기운으로 사악한 기운의 귀신을 베고 재앙을 물리친다는 의미로 조선 왕실에서 제작됐다. 검에는 별자리와 주문이 금으로 새겨져 있다. 호랑이를 탄 인물상도 마련됐다. 장군 등 인물상이 죽은 사람 사람에게 길을 안내하거나 호위하는 역할을 해주기를 바라는 마음에서 작품이 제작됐다고 한다. 이외에도 호랑이와 까치 그림, 호랑이와 대나무 그림 등도 함께 전시된다. 인왕산 범바위, 북아현동 호반재, 갈현동 벌고개 등 서울 내 호랑이와 관련된 장소를 소개하는 영상도 함께 만나볼 수 있다. 인왕산은 호랑이로 대표되는 산으로 범바위에는 호랑이에 얽힌 이야기가 있다. 옛 인왕산에는 사람에게 해를 끼치지 않는 호랑이 한 쌍이 있었는데 암호랑이가 포수에 잡혀 죽자 수호랑이가 울부짖다 바위에 머리를 박고 죽었다고 한다. 그 바위가 떨어져 나갔는데 그 바위의 모습이 수호랑이의 모습과 같다고 해 범바위라는 명칭이 유래됐다. 북아현동의 호반재라는 고개 이름은 한양 부근에 있던 호랑이들이 새끼를 데리고 인왕산 대왕 호랑이에 인사를 드리러 가는 길목이라는 이야기를 담고 있다. 은평구 갈현동의 벌고개에는 세조 11년(1465년) 이곳에 호랑이로 인한 피해가 있자 병조판서 김질에 명해 호랑이를 잡게 했으나 실패하자 세조가 직접 나서 호랑이를 잡았다는 이야기가 있다. 전시장에는 호랑이 부적체험 코너를 함께 운영한다. 부적에는 호랑이 등 위에 머리가 셋 달린 매가 올라타 있는데 이는 나쁜 기운을 물리치는 마음을 상징한다. 김용석 서울역사박물관장은 “조선시대 사람들이 공포와 두려움의 대상인 호랑이를 용맹스러움과 신경스러움의 상징으로 여겨 나쁜 기운을 물리치기를 기원한 것과 같이 이번 전시에 등장한 호랑이 88마리와 함께 나쁜 기운을 물리치고 좋은 일만 가득하시기를 바란다”고 말했다.

인기리에 진행 중인 전시 ‘달리에서 마그리트까지 - 초현실주의 거장들’전이 설 연휴를 맞아 입장권 할인 행사에 들어간다. 공동 주최사인 컬쳐앤아이리더스 측은 예술의전당 한가람미술관 3층에서 진행하는 ’달리에서 마그리트까지 – 초현실주의 거장들‘전 관람시 2월 6일까지 사용 가능한 설맞이 할인 티켓을 판매한다고 28일 밝혔다. 관람객 2인 20%, 3인 30%, 4인 40%의 할인율을 적용해 설 맞이 가족 단위 관람객을 위한 할인혜택이다. 네이버와 인터파크에서 예매를 통해 구매가능하며, 당일 예매한 티켓은 당일 사용이 불가하다. ’달리에서 마그리트까지 – 초현실주의 거장들‘ 전은 마르셸 뒤샹, 살바도르 달리, 르네 마그리트 등 거장들의 180여 점을 원화로 한자리에서 감상할 수 있는 전시다. 교육프로그램인 ‘ART STUDIO : 초현실주의 거장들의 비밀의 방‘이 운영되고 있다. 사전수업을 통해 입장 전 배경이야기로 전시의 큰 틀을 알아보고 스토리텔러와 함께 전시장 투어 후 전시와 연계된 아트클래스를 통해 나만의 작품을 만드는 시간을 갖는다. 어린이 교육프로그램뿐만 아니라 성인교육프로그램도 함께 진행하고 있다. 미술관이야기 홈페이지에서 예약 후 참여할 수 있다. 무료도슨트는 코로나19 확산 방지를 위해 중단한 상태다. 대신 인원을 제한한 프리미엄도슨트 프로그램이 유료로 진행되고 있다. 가격은 티켓포함 3만5000원이며, 네이버예약을 통해 일시를 지정해 예약하면 된다.

서울시립미술관이 올해 국내 미술관에서 처음으로 선보이는 키키 스미스를 비롯해, 서도호, 권진규, 백남준, 정서영, 성찬경, 이규철, 강석호 등의 전시를 선보인다. 서울시립미술관은 24일 기자간담회를 열고 올해 주요 전시 운영계획을 밝혔다. 대량으로 작품을 소개하는 미술관 전시를 국내에서 처음 갖는 키키 스미스의 개인전이 눈에 띈다. 오는 12월 15일부터 내년 3월 19일까지 서소문 본관에서 예정된 ‘키키 스미스:자유낙하’ 전시다. 키키 스미스는 신체에 대한 여성적, 해체적 표현으로 1970∼1980년대 이후 미국 현대미술에서 독자적 영역을 구축해온 작가다. 대중적 팬층도 두텁다. 도발적이고 그로테스크하면서도 섬세하게 강약이 조절된 작품세계를 선보일 예정이다. 또다른 해외 작가로 오는 6월 16일부터 8월 7일까지 서소문본관 안팎에서 장 미셸 오토니엘 전시가 열린다. 장 미셸 오토니엘은 유리구슬 조각으로 전 세계 사랑을 받고 있는 프랑스의 대표적 현대미술가다. 이번 전시는 프랑스 파리 프티팔레에서 올해 1월까지 개최되는 ‘The Narcissus Theorem’의 첫 해외 순회전이다. 대표적인 중견 현대미술가 서도호의 이색 전시도 눈길을 끈다. 서도호는 서울시립 북서울미술관과 함께 7월 14일부터 내년 3월까지 어린이전시 ‘서도호:아트랜드’를 준비하고 있다. 서도호가 약 7년간 가족과 함께 찰흙을 모형화해 만든 환상적인 생태계 아트랜드를 기반으로 어린이들과 상호작용하는 인터랙티브 전시다. 서울시립미술관은 9월1일부터 10월31일까지 서소문본관에서 열릴 조각가 정서영 개인전도 강조했다. 전통조각의 전형적 문법을 해체하고 동시대적 조각개념을 제시해온 작가라고 설명했다. 김희진 학예실장은 “9월 아트페어 프리즈가 서울에서 열리는 시기에 해외 방문객이 많을 것으로 예상한다”며 “K문화에 대한 관심이 한층 높아질 시기에 한국 미술의 국제적 위상을 높이기 위해 마련한 전시”라고 설명했다. 6월 30일부터 9월 18일까지 남서울 미술관에서는 1980년대 후반 사진을 이용한 부조 작업으로 한국현대사진의 진보를 견인한 작가 이규철 개인전이 열린다. 올해로 탄생 90주년인 백남준 기념전 ‘서울 랩소디’는 11월 24일부터 내년 3월 5일까지 서소문본관에서 진행된다. 텍스트를 많이 활용한 특징을 살려 시적인 작품 세계를 중심으로 작가를 재조명할 계획이다. 올해 서울시립미술관의 최대 관심 전시는 지난해 대량기증된 조각가 권진규의 개인전이다. 권진규는 근현대 조각의 선구자로 꼽히는 인물이다. 권진규기념사업회와 유족이 조각 96점, 회화 10점, 드로잉 작품집 29점, 드로잉 6점 총 141점을 기증했다. 기증된 작품을 바탕으로 대규모 개인전이 열릴 예정이다. 올해 탄생 100주년으로 의미깊은 해이기도 하다. 전시 제목은 ‘권진규:노실의 천사’로, 오는 3월 24일부터 5월 22일까지 서소문본관에서 열린다. 구상조각을 통해 독자적 에술세계를 구축했으나 추상조각이 대세였던 당대의 외면에 좌절해 결국 스스로세상을 등진 권진규의 삶과 작업을 다룰 예정이다. 특히 문화재 보호 차원에서 그간 숙원사업으로 머물러 있던 남서울미술관(사적 제254호)의 장애인 접근성 개선 사업 등 준비작업을 거쳐 2023년 권진규 상설실을 마련한다는 계획이다. 서울시립미술관은 현재 서소문본관, 북서울 미술관, 남서울 미술관, 난지미술창작스튜디오, SeMA창고, 백남준기념관, SeMA 벙커로 7개 본관 및 분관을 가지고 있다. 여기에 서울 종로구 평창동에 미술아카이브가 8월 개관할 예정이다. 또 2024년 도봉구에 서울 사진미술관이, 금천구에 서서울미술관이 설립될 예정이다. 향후 3년간 총 10개 본관 및 부관을 갖춘 네트워크형 미술관이 된다는 설명이다. 오는 8월 문을 여는 미술아카이브는 서울시립미술관 소장품을 연동해 아카이브 전시, 교육 등의 프로그램이 지행된다. 2017년부터 수집한 22개 컬렉션 5만7000여건의 미술아카이브를 기반으로 한다. 앞으로도 수집, 연구 중심 분관으로 기능할 예정이다.

펄펄 끓는 분노가 청동마저 녹였을까. 어떻게도 해결할 수 없어 버티며 흘러간 시간은 청동물을 다시 굳혔다. 이리저리 일그러지고 흘러내린 자국이 단단하게 응어리졌다. 분노가 녹아난 브론즈 조각은 고통을 형상화한 예술 작품이 됐다. ‘화가들의 화가’, ‘20세기 최고의 화가’와 같은 수식어가 따라 붙는 미국 여성주의 예술가 루이스 부르주아의 조각 작품들이다. 여성의 고통을 주제로 한 1967-1968년 작품 ‘Unconscious Landscape(무의식 풍경)’, 2005년 작품 ‘Femme(여성)’ 등은 분노를 제 몸속으로 녹여낸 작가의 육체성과 시간이 실감나게 전해진다. 서울 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리에서 루이스 부르주아 개인전 ‘유칼립투스의 향기’ 전시가 한창이다. 프랑스 태생의 미국 작가로 현대미술 거장인 루이스 부르주아는 어느 사조에도 속하길 거부하며 자전적 작품을 해온 작가로 유명하다. 어린 시절 자신의 가정교사와 아버지의 불륜을 목격하고, 이를 묵인하는 어머니 사이에서 성장한 트라우마가 지배하는 삶을 예술 작업으로 헤쳐나갔다. 1974년 작 ‘아버지의 파괴’가 대표적이다. 잊거나 받아들이거나. 평범한 삶에 주어지는 두 선택지를 거부하고 예술로 고통을 승화해갔다. 그는 생전 “내 작업은 고통과 상처를 정화하고 치유를 위해 존재한다”고 말했다. 이번 전시에서 그의 작업세계를 관통하는 7개 조각 작품을 볼 수 있다. 전시는 그 외에 2010년 작고한 그의 말년 작업기인 2004∼2009년 제작 판화 약 50점도 볼 수 있다. 전시의 중심은 이 판화들인데, 아버지와 어머니에 대한 분노로 날 서 있던 작품 세계가 점차 변화하며 신체 장기를 닮은 식물 등 대자연을 소재로 했다. ‘내면으로’ 시리즈는 루이스 부르즈아가 판화를 본격적으로 다루기 시작하면서 처음 제작한 작품들로 의미가 남다르다. 서울 한남동 리움미술관 외부에 오랫동안 전시됐고 현재 용인 호암미술관 근처에 설치돼 한국인들에게 친숙한 ‘마망’을 비롯해, 작가는 오랜 기간 조각을 다뤘던 예술가였다. 그러던 그는 “판화는 3차원의 드로잉”이라며 판화의 매력에 빠졌다고 한다. 동판에 왁스 재질의 그라운드를 바르고 바늘로 드로잉한 뒤 희석된 산에 담갔다가 빼고, 다시 잉크를 바르며 만들어내는 판화가 대단한 육체활동이라는 데 주목했고, 조각의 무의식적 상태가 바로 판화라는 인식을 가졌다고도 한다. 전시 제목에도 쓰인 유칼립투스는 병든 어머니를 간호하던 젊은 시절의 기억을 소환하는 매개체이자, 미술의 치유적 기능에 대한 은유다. 1920년대 후반, 프랑스 남부에 거주하며 어머니를 간호할 때 약용으로 유칼립투스를 많이 사용한 기억으로, 어머니와의 관계를 상징하는 식물, 작가 말년까지 주요 모티프가 된 모성 중심 정체성을 보여주는 대상이 됐다. 30일까지.

박라희(사진) 작가의 ‘색감의 결’을 주제로 한 개인전 전시회가 광주광역시 서구 농성동 아티무 갤러리에서 오는 3월 5일까지 열린다. 37점(회화 36점·설치작품 1점)의 작품을 선보인다. 작품은 작가 본인이 잘 맞고 좋아하는 수성 아크릴 물감이 사용됐다. 하나의 작품을 한 캔버스에 그리는 것이 아닌 따로따로 그려 일정한 공간을 두고 배치했다. 마치 가려진 듯한 이 공간에 보는 사람이 각자의 상상력을 발휘해 그림을 완성해 볼 수도 있다. 메인 작품인 ‘안온한 그곳’은 작품 배치부터 신경 썼다. 평면 배치가 아닌 ‘ㄱ’자 형태로 배치해 보는 위치에 따라 공간감을 다르게 느끼도록 했다. 작품 속에는 사람이 아무도 없다. 작품을 보는 사람이 직접 그 공간에 들어가서 느꼈으면 하는 작가의 의도다. 안온이라는 단어 그대로 조용하고 평안한 곳에서 즐거움과 여유로움을 느낄 수 있다. 작품 오른쪽 아래에 태양을 의미하는 조명을 설치해 보는 각도에 따라 해 질 녘으로 보이거나 따뜻함을 느낄 수 있는 세밀한 부분까지 신경 썼다. 전시 공간 가운데에는 새하얀 천과 조명을 이용해 이번 전시회의 대주제인 ‘결’을 표현했다. 천정에서 나오는 히터 바람이 천에 닿으면서 자연스레 생기는 살랑살랑한 결이 보는 이들의 마음을 편안하게 해준다. 이번 개인전의 소주제는 ‘우주’다. 박 작가의 작품은 자연물을 담은 작품이 많다. 작품활동에 앞서 여행을 다니며 자연으로부터 받는 ‘힐링’을 작품 속에 담고자 한다. 박 작가가 이번에 선보이는 우주 소재의 작품들은 얇고 가는 세필붓 00호와 1호를 이용해 한점 한점 별을 찍어냈다. 작가의 집중력과 정교함을 엿볼 수 있는 작품들이다. 우주라는 몽환적 분위기에만 집착하지 않고 임인년 호랑이와 토끼 등의 동물이 우주복을 입고 우주에서 여유롭게 유영하고 있는 것도 표현해 아기자기함도 뽐냈다. 박 작가가 집중력이 좋은 시간은 밤늦게부터 새벽 시간인데 이때 쉽게 볼 수 있는 밤하늘에 떠 있는 별들로부터 이번 작품에 영향을 받았다고 한다. 올해 갓 서른 살이 된 그의 개인전은 벌써 네 번째다. 제54회 전남도미술대전 서양화 부문 우수상과 제13회 대한민국 수채화 공모전 대상에 선정되는 등 국내외 공모전에서 두각을 나타내고 있기도 하다. 박 작가는 작품활동을 할 때마다, 그리고 새해가 될 때마다 마음속으로 다짐한다고 한다. 동화적인 느낌이나 몽환적인 느낌이 나이가 들어감에 따라 사라지지 않고 유지하면서 보시는 분들의 마음이 편안해지는 그림을 그리고 싶다”고 말했다.

미술계의 ‘매의 눈’들이 모여 미술품 경매를 한다면 어떤 광경이 벌어질까? 미술품 유통을 ‘업’으로 하는 화랑인들끼리의 이색 경매가 오는 26일 펼쳐진다. 한국화랑협회는 회원 화랑 옥션을 서울 중구 웨스틴조선호텔에서 오는 26일 개최한다. 경매에 앞서 프리뷰 전시는 24일 시작돼 경매일까지 출품작을 관람할 수 있다. 협회 회원 화랑과 화랑 동반자는 자유 입장, 일반 관람객은 회원 화랑을 통해 사전 예약시 무료로 관람이 가능하다. 출품작은 한국 근현대 대표 작가들의 작품 중에서도 최상급의 작품을 내놓는다. 박수근, 박서보, 이우환, 손상기, 김기창, 김창열, 김호득, 이인성, 이응노, 정창섭, 윤명로, 윤형근, 남관, 서용선, 이동엽, 남춘모 등 총 100여명의 작가 작품 약 120점이 나온다. 화랑협회는 “화랑계의 안목으로 선정한 실력 있는 작가들의 작품을 스토리텔링형으로 선보이는 프리뷰 전시가 될 것”이라고 밝혔다. ◆박수근 유작전 출품작 등 희귀작품 나와 이번 경매 행사에는 박수근의 1964년작 ‘작품A’가 나온다. 평생을 극심한 생활고에 시달린 박수근은 생존 당시 1962년 단 1회의 개인전을 개최했는데, 그 장소는 미술관이나 갤러리가 아닌 오산의 주한미공군사령부에 있는 도서관이었다. 1965년 5월 갑작스럽게 타계한 후 유족이 그의 작품 79점을 모아 1965년 10월 중앙공보도서관 화랑에서 유작전을 열었는데, 이 전시가 본격적인 첫 개인전이라 할 수 있다고 한다. ‘작품A’는 이 유작전에 출품되었던 작품으로, 당시 국립중앙박물관 최순우 관장이 박수근의 창신동 자택을 국내 저명한 컬렉터와 동행 및 추천해 소장하게 된 작품이다. 기존의 서민 생활을 주제로 한 구상화와는 달리, 사물의 형태들이 흩어지고 거친 질감과 선적인 요소들이 강조된 드문 작품으로 구상화가로 유명한 박수근이 시도했던 몇 안 되는 추상화 중의 한 점이며, 또한 그중에서 가장 수작이라는 평가다. JTBC에서 방영되고 있는 드라마 ‘공작도시’에 등장하는 손상기 작품도 나온다. 출품되는 작품은 ‘공작도시-이른 봄’으로 1987년 작품이다. ‘그림을 그리는 것은…. 단 혼자만의 고독한 노동이며 천형을 입은 천재의 고통인 것’이라는 작가노트를 남긴 그는 BTS의 RM이 사랑한 작가, 한국의 툴르즈 로트렉으로 불리는 천재 요절화가로도 알려져 있다. 장애와 가난, 고독에 얽혀 39살의 나이로 세상을 떠났고, 산업혁명을 거쳐 현대에 들어선 한국도시의 무정하고 냉혹한 이면을 다룬 시리즈로 유명하다. 조선의 고갱이라 불린 이인성의 사과가 있는 정물도 나온다. 서양의 인상주의 기법에 기반을 두어 우리의 향토적 주제와 감성을 담아낸 ‘향토적 서정주의’의 한 전형을 이룬 것으로 평가받는 그는 대구에서 작업하며 유독 사과나무와 사과를 많이 등장시켰다. 행사 출품작은 소박한 구도하에 녹색과 적색의 보색대비가 인상 깊은 작품이다. ◆화랑이 왜 경매를? 이번 이색 경매 행사 배경에는 화랑가의 미술품 경매사를 향한 문제 제기가 깔려있다. 미술 시장은 1차 시장인 화랑, 2차 리세일 시장인 경매 시장으로 나뉜다. 화랑협회는 최근 서울옥션 및 케이옥션 양대 경매사가 판매된 지 얼마 되지 않은 작품을 유통하거나 잦은 경매, 신인 작가들에게 직접 작품을 받아 경매에 부치는 직거래 영업 등의 행태가 미술 시장 질서를 해치는 과열 영업이라고 비판해왔다. 이번 경매는 경매사들에게 경종을 울리고 이상적인 경매 현장을 직접 보여주겠다는 취지로 기획했다는 설명이다. 이에 따라 낙찰 수수료 없이, 근년작 출품 제한 등의 기준을 내세워 경매를 진행한다. 협회 측은 “옥션이라는 초강수를 둘 수밖에 없었던 가장 큰 이유는 옥션사들과의 협의 부재”라고 밝혔다. 협회는 “과도한 옥션 개최 지양, 옥션의 작가 직거래 금지를 골조로 하는 신사협약이 2007년도에 체결됐지만, 다시 옥션사들은 시장 논리만을 강조하며 이행을 하지 않고 있다”며 “미술 시장 질서를 위해 지속해서 양대 옥션사에 협조를 요청하고 면담을 하는 등 각고의 노력을 기울였으나 귀담아듣지 않고 있다”고 주장했다. 협회 측은 “지금 미술 시장은 미래를 내다보는 바른 성장이 필요하다”며 “1차 시장과 2차 시장의 역할 공존, 유통구조 건전성이 필요하다”고 덧붙였다.