바깥공기에 노출되면서 손상을 입었던 창덕궁 인정전 ‘일월오봉도’(日月五峰圖)의 보존처리가 완료됐다. 이 병풍은 조선시대 왕의 존재와 권위를 상징하는 회화인데, 보존처리 과정서 병풍 뒷면에 붙어있던 1840년 과거 시험 답안지가 무더기로 발견돼 사람들의 관심을 모으고 있다. 문화재청 국립문화재연구소 문화재보존과학센터는 일월오봉도의 보존처리를 완료하고, 보존처리 과정과 관련 연구를 담은 ‘창덕궁 인정전 일월오봉도 보존처리’ 보고서를 발간했다고 19일 밝혔다. 창덕궁 인정전의 일월오봉도는 창덕궁의 정전인 인정전 당가의 어좌 뒤에 설치된 4폭 병풍이다. 이는 해와 달, 다섯 개 봉우리, 소나무, 파도치는 물결을 화폭에 담은 궁중장식화다. 인정전은 창덕궁 중심 건물인 정전(正殿)이다. 경복궁 정전인 근정전, 덕수궁 정전인 중화전에도 일월오봉도가 있었다. 인정전 어좌(御座·임금이 앉는 자리) 뒤에 설치된 일월오봉도는 4폭 병풍으로, 크기는 가로 436㎝·세로 241㎝다. 인정전이 일반 관람객들에 개방돼 바깥공기가 들어오는 환경에 노출되면서 1964년 이후 다섯 차례 보수했으나, 화면이 일부 파손되거나 안료가 들뜨고 병풍 틀이 틀어졌다는 진단에 따라 국립문화재연구소 문화재보존과학센터가 2016년 전면 해체하고 지난해까지 보존처리를 했다. 눈에 띄는 부분은 그림을 지지하기 위한 병풍 틀에 조선시대 과거 시험 답안지를 붙였다는 것이 해체 과정에서 나타났다는 점이 흥미를 끌고 있다. 국립문화재연구소에 따르면 과거 시험 답안지인 시권(試券) 27장이 배접(褙接·종이를 여러 겹 포개어 붙임)돼 있다는 사실이 확인됐다. 이들 시권들은 탈락자들이 작성한 것으로 보인다. 조선시대에는 과거에 합격했을 경우 응시자에게 시권을 돌려주고, 불합격한 사람들의 시권은 재활용했다. 윤선영 고려대 한자한문연구소 연구교수는 일월오봉도 보존처리 보고서에 수록된 논고에서 시험 과목과 문제가 확인되는 시권 2장을 분석해 1840년 시행된 식년감시초시(式年監試初試) 답안지라고 설명했다. 식년시는 3년마다 치른 정기 시험이고, 감시초시는 생원시와 진사시를 뜻한다. 윤 교수는 “시권의 글을 번역해 살펴본 결과 다섯 가지 유교 경전인 오경(五經) 가운데 한 구절을 골라 대략적인 뜻을 물은 과목과 사서(四書) 중 의심이 가는 구절에 대해 질문한 과목의 답안지였다”며 “시권 27장 중 25장이 동일한 시험의 답안이었다”고 강조했다. 이어 “식년시 응시자는 자비로 시지(試紙·과거 시험 종이)를 마련해야 했고, 권력 가문 자제들이 신분을 드러내기 위해 좋은 시지를 가져오는 폐습이 생기자 두꺼운 종이 지참을 금하도록 했다”며 “일월오봉도에 붙어 있던 1840년 즈음의 시권은 대부분 두껍지 않고 고급 품질 종이는 아니었다”고 덧붙였다. 이처럼 조선 왕실에서 과거 시험 답안지를 재활용한 사례는 적지 않다. 지난해 국립고궁박물관 ‘안녕, 모란’ 특별전에서 선보인 전통 예복 ‘활옷’ 속에서도 1880년 과거 시험 답안지가 발견된 바 있다. 윤 교수는 “왕실에서조차 시권을 재활용했을 정도로 조선 후기 종이 물자가 매우 부족했던 듯하다”며 “시권을 수집해 재활용하기까지 소요된 시간을 고려하면 인정전 일월오봉도 병풍은 1840년 이후에 제작된 것으로 추정된다”고 주장했다. 문화재보존과학센터는 시권 외에도 1960년대 신문지가 보존처리에 활용됐고, 조선시대 병풍틀이 지금까지 이어졌음을 확인했다고 설명했다. 해체 과정에서 ‘'화면~배접지~1960년대 신문지~시권~병풍 틀’의 순서로 겹쳐진 구조를 확인할 수 있었다. 이에 따라 1960년대 일월오봉도를 처리할 때는 조선 시대 일월오봉도의 제작 시 사용했던 기존의 병풍 틀을 재사용해 지금까지 이어져 왔음을 확인할 수 있었다. 센터는 보존처리 과정에서 20세기 초반에 촬영된 경복궁과 덕수궁 일월오봉도 사진 등을 근거로 녹색 구름무늬 비단에 꽃문양 금박을 붙여 장황했다. 장황은 비단이나 두꺼운 종이를 발라 책이나 화첩을 만드는 행위다. 보고서에는 일월오봉도 보존처리 과정을 소개한 글과 사진 외에도 ‘인정전 일월오봉도 변형과 전통 장황에 대한 고증’, ‘인정전 일월오봉도의 과학적 분석’에 관한 논고가 실렸다.

한류 등 대중문화가 세계적 관심을 받는 가운데, 한국 미술 역시 브랜드파워 제고, 양극화 해소 등을 통해 홍콩을 대체하는 미술 시장 중심으로 성장시켜야 한다는 제안이 나왔다. 서울 종로구 삼청로에 위치한 국립현대미술관에서 열린 한국화랑협회·한국미술평론가협회 주최 ‘시각예술 제도개선 세미나-국내 미술시장 현황과 미래전략’ 세미나에서다. 이임수 홍익대학교 미술대학 조교수는 이날 미술시장 활성화를 위한 국내 제도 개선 방향을 발표하면서, 올해가 한국 미술시장에 관건적인 해가 될 것으로 전망했다. 이 교수는 먼저 “지난 10년간 한국 미술시장은 급격하게 성장해온 세계 미술시장(62%성장)과 비교할 때, 상대적을 낮은 성장세(34% 성장)를 보여왔다”고 설명했다. 이어 지난해부터 MZ세대가 새로운 미술품 구매자로 시장에 대두하고, 이건희 컬렉션 화제, 2022년 키아프와 프리즈 서울 공동개최 등 미술계 이슈에 주목하면서 “향후 국내 미술시장 방향은 이러한 상황을 어떻게 상승세로 이끌어가느냐에 따라 세계 시장에 당당한 자리를 차지할 것인가, 아니면 주변부의 중소 시장에 머무를 것인가로 결정될 것”이라고 말했다. 그는 “세계적인 경제 강국과 전통적인 문화 강국이 세계 미술시장에서 높은 점유율을 보이고 있고, 그 가운데 미국, 영국, 중국 점유율이 82%를 차지한다”며 “GDP 세계 10위의 경제력, 유서 깊은 문화유산과 문화 산업의 기반을 가진 한국 또한 세계 미술시장에서 약진할 수 있는 조건을 갖추고 있다”고 설명했다. 이어 “세계 미술시장에서 한국이 경제력에 상응하는 위사을 갖기 위해서는 국내 미술시장을 활성화하고, 미술산업의 중심지 개발, 인프라 구축, 제도 개선이 필요하다”고 밝혔다. 이 교수는 4대 제도 개선 방향으로 △구매자 확대를 위한 세제 혜택 및 지원 △미술품 소장문화 형성을 위한 정책 △미술시장 내 효율적 역할 분담과 협업 유도 △브랜드파워 제고를 위한 지원을 제시했다. 그는 “정부가 미술은행 등을 통해 직접 작품 구매에 나서는 방안보다 새로운 구매자 유입을 유도하고 기존 구매자의 구매력을 높이는 것이 더 장기적으로 지속가능성을 보장하는 방안”이라며 현행 연간 100만원인 문화비 소득공제 한도를 상향할 것을 제안했다. 또 법인기업에 적용되는 미술품 구매에 대한 손금산입 혜택을 개인사업자에게도 확대적용하고, 기업의 문화접대비 금액 상향도 제시했다. 소장문화와 관련해서는 기초 실기 중심의 중등과정 미술교과 교육에서, 미술감상 및 미술사 교육을 강화할 필요가 있다고 밝혔다. 미술시장 내 주체들이 공공영역과 유통영역, 1차 유통자인 화랑과 2차 유통자인 경매사 간 역할이 효율적으로 수행되도록 해야 한다고 지적했다. 미술시장이 독과점 시장으로 양극화를 보이는 점도 가능성을 위축시킨다고 지적했다. 이 교수는 “전체 화랑의 2.1%를 차지하는 상위 10개 호랑이 78.6%, 상위 2개 경매회사가 83.9%, 아트페어의 10.2%를 차지하는 상위 5개가 79.6%의 시장점유율을 보이며, 전체 화랑 중 약 75%는 연간 매출액이 1억원 미만”이라며 “소수 업체가 시장을 장악하고 있다”고 진단했다. 그는 “양극화는 소수 인기 작가에 대한 편중으로 미술시장의 투기적 성격을 야기하고, 구매자층의 구조를 경직화해 새로운 소비자 및 구매자 층을 생성할 가능성을 위축시킬 수 있다”며 “다양한 업체가 각자의 여건에서 예술가를 발굴, 지원하고 새로운 구매자층을 개발하는 방향으로 제도개선을 해야 독과점화하는 시장에서 다양성의 시장으로 전환할 수 있다”고 지적했다. 미국, 중국, 영국과 비교해 브랜드파워가 약하다는 점도 개선 대상으로 꼽혔다. 이 교수는 “세계적 명성의 미술관, 세계적 미술 이벤트, 세계적 작가 등이 두드러지지 않은 까닭에 한국 미술은 그간 세계 미술 시장에 큰 주목을 받지 못해왔다”며 “단색화에 이어 한국 미술을 시장에 소개해 나가기 위해 미술시장의 공공영역에서의 움직임이 필요하다”고 지적했다. 그는 아직 주목받지 못한 한국 미술 발굴 전시하면, 국내 화랑들이 보유한 근대미술 작품의 시장성을 높이는 계기가 될 것이라고 진단했다. 그는 “2020년 홍콩의 민주화 시위와 코로나19로 아트바젤 홍콩이 취소되는 과정에서 부산이 대안으로 검토되기도 했다”며 “국내 미술시장의 잠재력에 대한 세계의 관심이 높아지고 있으며, 이에 따른 기회가 열릴 수 있음을 시사한다”고 밝혔다. 이 교수는 홍콩이 무관세, 언어, 금융인프라 등 이점으로 여전히 미술시장의 중심으로 기능하지만, 정치적 불안정과 사상적 통제가 커져 안정적이고 자유로운 미술 허브로서의 입지가 약화될 여지가 보인다며 “한국 미술 시장은 이에 대한 대안이 될 수 있다”고 밝혔다.

푸르면서도 따스하게 노르스름한 하늘을 배경으로, 이봉상의 ‘나무1’ 속 거친 나뭇결만 캔버스 밖으로 나와 류경채의 ‘향교마을75-5’ 전면을 채운 듯하다. 류경채의 작품 속 수직과 수평으로 그어진 거친 필치가 다시 강용운의 ‘예술가’ 속으로 숨어들어간다. 이남규의 ‘작품’에 서서히 다가가다보면 이내 빨려들어 이상욱의 ‘점’을 마주하고 있다. 관람객은 물리적으로 제한된 전시장 공간 안에서 상상의 거리감을 체감한다. 어떤 작품에서는 돋보기를 들이댄 듯 가까이 빨려들어간 화면이, 어떤 작품은 우주 멀리 나아가 모든 것을 점으로 바꿔버린 거리처럼 멀찍이서 바라본 풍경 같은 화면들이 캔버스에 담겨있다. 작가만의 정체성이 뚜렷해 각자 분명하게 구별되면서도, 이들은 서로 자기들만 아는 비밀의 공통점을 숨겨놓은 것처럼 어딘가 닮았다. 같은 획, 같은 점 하나 없어도 왠지 모르게 닮은 향을 풍긴다. 철학자 비트겐슈타인은 이런 점을 ‘가족유사성’이라고 했다. 구성원 모두 다르지만 딸과 아버지가, 어머니와 아들이, 딸과 아들 사이에 서로 닮은 점이 교차하고 중첩되면서 한 가족이 유사한 모습을 보여주는 원리다. 이들이 풍기는 공통의 향이 무얼까. 그 질문을 던지는 전시가 열리고 있다. 바로 한국 추상화 작가들의 ‘가족유사성’을 찾는 전시다. 서울 종로구 삼청로 학고재 본관과 학고재 아트센터에서 ‘에이도스(eidos)를 찾아서 : 한국 추상화가 7인’이 열리고 있다. 한국 추상회화의 역사를 되짚는 전시다. ‘에이도스’란 아리스토텔레스 철학에서 존재 사물에 내재하는 본질을 가르키는 말이다. 대상의 본질을 좇는 추상화의 속성을 비유한 전시 제목이기도 하다. 이봉상(1916∼1970), 류경채(1920∼1995), 강용운(1921∼2006), 이상욱(1923∼1988), 천병근(1928∼1987), 하인두(1930∼1989), 이남규(1931∼1993). 1950년부터 1990년대까지, 가열차게 추상화를 남기고 간 작고작가 7명이 소개된다. 이들의 회화와 유리화 57점이 나온다. 김복기 경기대 교수 겸 아트인컬처 대표가 기획했다. 전시는 이우환·박서보·윤형근 등 ‘단색화’라는 한국의 미술 브랜드가 탄생하기까지, 그 전과 후, 좌, 우에서 추구된 한국적 추상 세계를 탐구한다. 특히 서구에서 추상화 물결이 밀려드는 가운데, 전통과 현대, 동양과 서양, 지역 특수성과 세계 보편성이라는 대립항 사이에서 치열하게 자생적 추상화의 맥을 이어온 작가들의 정신을 좇는 데 집중한다. 서구 미술사의 잣대로 구분짓고 평가하기 힘든 부분에 더욱 집중한다. 이상욱의 작품들이 형태적으로는 기하학적 추상이기에 서구의 잣대로는 차갑게 느껴져야 할 텐데 되레 그 황톳빛 도형들 속에서 따뜻함이 느껴진다는 데 주목하는 식이다. 전시장에서 만난 김복기 경기대 교수는 이런 특징을 “숨구멍이 살아있는 그림”이라고 표현했다. 전시는 작품과 아카이브를 통해 일곱 작가의 특징을 충실하게 드러낸다. 형태의 환원과 원시적 비전을 보여주는 이봉상, 순도 높은 시적 정취를 보여주는 류경채, 서체적 충동의 추상 표현을 한 강용운, 서정적 액션의 분출을 보여주는 이상욱, 초현실주의적 신비주의를 표현하는 천병근, 전통 미감과 불교적 세계관의 현대적 구현을 추구한 하인두, 우주의 질서와 생명의 빛을 보여주는 이남규. 이어 이들의 ‘가족유사성’을 묻는다. 답을 구하는 과정은 곧 ‘단색화’로 얄팍하게 요약되던 한국 미술 지평을 넓히는 일이다. 그냥 추상화가 아니라 적절한 수식어를 찾아 이름을 붙여주는 일이다. 가령 구상도 추상도 아닌 ‘반추상’이라는, 아쉽고 애매한 이름으로 호명되던 작품을 미술평론가 유근준의 말을 인용해 ‘자연주의 추상’으로 명명하는 일이다. 자연주의 추상이라는 이름으로 이봉상의 ‘하늘, 산, 숲’을 다시 보고, 강용운의 ‘무등의 맥’을 다시 보는 일이다. 왜 추상화 속에서 자연이 보이는지, 왜 ‘무제’나 방법론이 제목이 되지 않고, 하늘이나 숲, 무등산이 제목에 등장하는 지를 알아채는 일이다. 한국 추상의 에이도스가 무얼까 함께 답을 찾아보자 권하는 전시이면서도, 힌트로 내놓는 전시의 1차적 결론이 있다. ‘내용주의’다. 추상미술=형식주의라는 서구적 도식으로 규정되지 않는, 내용 있는 추상, 주제와 정신을 중시하는 추상화라는 얘기다. 이번 전시는 일부러 김환기 등 단색화의 시초로 꼽히는 대표 작가는 제외했다. 잊힌 작가의 미술사적 위상을 재조명하는 취지에 더 집중하려는 목적이 읽힌다. 실제 전시장에서는 ‘너무 일찍 잊혀지고 있는 것이 아닌가’, 혹은 ‘제대로 평가해본 적도 없이 잊히는 것 아닌가’ 하는 우려가 내내 나왔다. 이우환 화백은 “우리 미술에서 류경채 선생이 너무 빨리 잊히고 있는 것 같다”며 안타까워했다고 전시장에서 만난 김복기 교수는 전했다. 김 교수는 “하인두의 예술 세계는 잊히고, ‘하태임의 아버지 하인두’가 돼버렸다”며 개탄했다. 시대를 앞서갔지만 지역 작가, 그것도 호남 작가라는 한계에 강용운을 너무 오래 가둬두었다는 아쉬움도 나왔다. 류경채는 1920년에 황해도 해주에서 태어났다. 강용운은 1921년 전남 화순에서, 이상욱은 1923년 함흥에서, 천병근은 1928년에 경북 군위에서 태어났다. 일제가 강제 점령한 때에 태어나 동족상잔의 전쟁을 치르고 화우들의 고향 사이에 넘을 수 없는 선이 그어지는 것을 봤다. 대륙세력과 해양세력이 정면 충돌하는, 가장 처참했던 전선의 땅에서 태어나 세상을 살았다. 이들은 학교 졸업장을 받아야 할 때 전쟁을 겪어, 청년 작가 시기 오직 자기가 그린 그림 외에는 제대로 된 학력 증명, 경력 증명을 하기 힘든 시대를 지냈다. 김 교수는 그런 시대상황이 1920년대 전후 출생 작가들을 제대로 조명하지 못하게 했을 것이라고 분석했다. 지금 미술시장은 “미쳤다”는 말이 나올 정도로 뜨겁다. 대중적인 셀러브리티만큼이나 인기인이 된 극소수 단색화 거장 작품이 공장 소매품 유통되듯 쏟아져나오며 극단적인 양극화를 보인다. 그런 가운데 시장의 역동성을 예술사적 토양을 두텁게 하는 동력으로 이어가려는 시도가 이번 전시다. 학고재 측은 “한국 문화에 대한 국제사회의 관심이 어느 때보다 뜨겁고 대중문화 분야의 눈부신 성취에 이어 ‘K-아트’ 시대가 도래할 것이라는 기대도 크다”며 “국제미술계에서 한국 미술이 새롭게 도약할 절호의 기회”라고 밝혔다. 이어 “한국의 단색화로 촉발된 한국 미술의 관심을 지속적으로 이끌어가기 위해서는 더 다양한 작가의 작품을 내놓아야 한다”며 “한국 현대미술의 힘과 정신을 살피고 우리의 정체성을 공고히 다지는 일이 과제”라고 강조했다. 또한 “특히 국제미술계에서 추상회화의 강세를 염두에 둘 때, 단색화 전후좌우로 미술사 연구의 확산과 작품의 시장 유입이 시급하다”고 밝혔다. 얌체족이 설익은 열매를 털어대기 바쁠 때, 거름을 주고 나무를 가꾸려는 움직임이 소중하다. 부대행사로 오는 22일 학고재 본관에서 학술세미나가 열린다. 전시는 다음달 6일까지.

백남준 탄생 90주년인 올해 백남준아트센터가 700여건의 백남준의 비디오 아카이브를 온라인 상에서 감상할 수 있는 '백남준의 비디오 서재'를 공개한다. 백남준아트센터는 11일 서울 중구 정동에서 가진 기자간담회에서 백남준의 기일인 오는 29일 0시를 기해 '백남준의 비디오 서재' 서비스를 시작한다고 밝혔다. '백남준의 비디오 서재'는 백남준의 비디오 작품과 자료 등 아카이브를 웹사이트를 통해 감상할 수 있도록 한 온라인 스트리밍 플랫폼이다. 미술관이 소장하고 있는 2285개 아날로그 테이프 가운데, 백남준이 제작한 영상기록을 포함해 퍼포먼스 기록물, 이미지 소장품, 관련 연구물 등 다양한 영상 기록물을 디지털 파일로 820건 만들었고 올해 700여건을 우선 서비스한다. 20세기 비디오아트 거장인 백남준의 비디오 아카이브를 웹 환경에서 감상할 수 있는 전 세계 유일한 플랫폼이라는 설명이다. 미술관 측은 "아카이브는 시공간의 제약을 넘어, 백남준의 머릿속을 들여다보는 것과 같다"고 밝혔다. 또한 미술관은 탄생 90주년인 만큼 1년 내내 백남준 예술 세계를 기념할 수 있는 다양한 행사를 연다. 3월 3일부터 9월 18일까지 '아방가르드는 당당하다' 전시를, 3월 24일부터 6월 19일까지 '완벽한 최후의 1초' 전시를, 7월 20일부터 10월 30일까지 '아날로그 이머시브'전시를 개최한다. 10월부터 2023년2월까지 하반기 백남준 전시를 이어가고, 11월에는 서울시립미술관과 함께 기념전시를 열 예정이다. 관객 참여형 페스티벌도 열린다. 백남준 출생일 7월 20일에는 '나의 축제는 거칠 것이 없어라'라는 제목으로 축제로, 연극배우 황석정이 백남준의 예술적 동지이자 첼리스트였던 샬럿 무어먼의 삶을 주제로 한 1인극 '여기, 있다'를 펼친다. 미술관 안팎 공간에서 실험음악, 퍼포먼스 등도 펼쳐진다.

코로나19 탓에 일상의 일부분이 되어버린 마스크가 이제는 미술 작품 소재로도 주목받고 있다. 작가 김민경의 신작 ‘Mask – Freedom’은 IADA Award Post-Mask 2021 국제초대전 ‘최고의 작품상’ 수상작이다. 코로나19 시대 필수품 마스크가 우주 공간으로 빠져나가는 모습을 도형과 단어, 색채로 표현했다. 각 도형 마다 색상을 입혀 의미를 부여하고 있는데, 그린 컬러는 명도와 채도를 달리해가며 늘 같을 수 없는 우리의 환경을 나타낸다. 마스크의 엘로우는 미래의 희망이자 회상의 의미를 함께 품는다. 핑크는 우리 주변에 존재하는 세균, 퍼플은 각종 변이 바이러스, 바탕의 블루는 공기, 화이트는 백신이다. Mask Freedom의 구성 철자들이 로드맵을 이루며 활기찬 일상과 행복한 세상이 돌아오기를 기원한다. (사)국제아트앤디자인협회(회장 배성미)가 ‘MASK’를 주제로 내걸고 주최 주관한 IADA Award Post-Mask 2021 국제초대전에는 국내외 작가들의 디자인(산업, 시각, 실내, 패션, 회화, 캘리그라피) 작품 160여점이 출품 전시됐다. ‘SAVE’, ‘HELP’, ‘IRONY’, ‘COSMOPOLITANISM’의 다양한 관점에서 마스크를 주목하고, 코로나19 시대 마스크의 힘을 널리 알리며, 마스크 착용이 타인에 대한 작은 배려이자 자신과 모두를 지키는 행동이란 메시지를 전하려는 취지로, 지난 12월 말 개최됐다. 김민경 작가(한국케엠케색채연구소 대표)는 대한민국 1호 컬러리스트로 퍼스널컬러컨설턴트, 컬러리스트 직업 군을 처음 도입해 컬러전문가 양성 교육 시스템을 개발하기도 했다. 컬러 데이터베이스 구축, 퍼스널컬러진단시스템, 컬러컨텐츠, 컬러테라피 소프트웨어, 퍼스널컬러애플리케이션 개발 등에 참여했고, 지난해 7월에는 국내 최초로 한국의 색을 알리는 K-COLOR 표준색 퍼스널컬러가이드168(KMK PERSONAL COLOR GUIDE 168) 북을 특수압착식 컬러코팅 방식으로 내놓았다. 마스크는 거리에서도 당당히 작품으로 등장했다. 홍대 걷고 싶은 거리 만남의 광장에서 진행된 이색 거리 미술전이다. 코로나19 예방을 위해 쓰였던 마스크가 재활용되어 마스크 트리로 탈바꿈 했다. 이민지 작가는 사람들이 사용한 500여 개 마스크를 모아 마스크 나무를 세우고, 여기에 코로나로 힘들어하는 소상공인과 우리들의 이야기를 풀어놓았다. 우리를 공격하고 힘들게 만든 다양한 것들을 마스크 위에 게시했다. 수집한 마스크들은 소독 후 작업한 것들이다. 문화예술 놀이터 상상공장 최태규 감독은 “사람들이 일상조차 유지하지 못하는 초현실적 삶을 살고 있다”고 지적하며 “우울증에 걸린 거리에 온기를 불어넣을 수 있도록 하얀 나무에 아트마스크를 걸어 거리의 사람들에게 문화방역을 해주는 것”이라고 설명했다. 영화와 드라마를 오가며 활동영역을 넓히고 있는 이호성 감독은 사용한 마스크 5만 장을 재활용해 1000마리의 학을 만들 예정이다. 고통을 희망으로 바꾸는 프로젝트 전시 ‘비상’을 오는 5월 한강 둔치 등 야외에서 펼칠 계획이다.

금산갤러리와 갤러리윤이 함께 새해 첫 전시로 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 지난 2년간 겪은 사람들의 고통을 치유하고 위로하는 청년작가전을 연다. 서올 중구 소공로에 위치한 금산갤러리와 금산윈도우갤러리, 서울 종로구 인사동길에 위치한 갤러리윤이 공동으로 ‘위로: 비타민 챙겨 먹듯이’전을 다음달 4일까지 개최한다. 전시 제목은 코로나19로 인한 전 지구적인 재난 상황에서 고독의 시간을 잘 참아준 모두를 어루만지고 치유한다는 의미를 담았다. 전시는 갑작스럽게 강요된 변화에 의해 고통받고 의기소침해진 사람들의 마음을 예술로 치유하고 위로하는 공감대를 형성해 관람객의 마음에 비타민을 채워 주겠다는 의도로 기획됐다. 전시장 세 곳에는 국내외 청년작가 5명의 회화작품 약 60점이 나온다. 권혜승, 김다히, 윤필현, 임정철 작가와 중국출신 청년작가 야오다니(Yaodanni)가 참여한다.

북서울미술관은 서울시립미술관 중 한 곳으로 2013년 9월 노원구에 개관했다. 하지만 이곳을 모르는 사람들은 아직 많다. 지난 21일 북서울미술관에서 서울시립미술관과 영국 테이트미술관이 공동으로 기획한 ‘빛:영국 테이트미술관 특별전’이 개막한 이후로 북서울 미술관은 방문객이 크게 늘고 있다. ‘빛:영국 테이트미술관 특별전’은 조지프 말러드 윌리엄 터너(1775~1851)와 존 컨스터블(1776~1837), 클로드 모네(1840~1926) 등 근대미술 거장부터 아니쉬 카푸어(67), 올라퍼 엘리아슨(58), 제임스 터렐(78) 등 43인의 작가 작품 110점이 참여했으며, 지난 7월 중국 상하이 푸둥미술관 개관전에 이어 열린 순회전이다. 18세기 풍경화, 19세기 인상주의 회화, 20세기 사진, 21세기 설치미술까지 200여 년에 걸쳐 있는 작가들의 다양한 작품을 ‘빛’이라는 한 가지 주제로 모은 전시다. 한 명, 한 명 세계 최고의 작가들이지만 그중에서 짚고 넘어갈 작품들이 많이 있다. 먼저 역사화·풍경화·해양화의 거장으로 ‘빛의 화가’라 불린 조지프 말러드 윌리엄 터너다. 이번 전시에선 30년간 영국왕립미술아카데미 교수로 일한 터너가 원근법과 빛의 명암, 반사효과 표현 등 수업을 위해 준비했던 드로잉 작품 또한 함께 볼 수 있다. 또 하나의 볼거리는 자연광을 탐구한 인상주의 거장 클로드 모네의 ‘엡트강 가의 포플러’(1891)다. 보험평가액만 500억원으로 이번 전시작 중 최고를 기록했다. 전시장 바닥에 깔려 있는 카펫이 작품인 프랑스 작가 필립 파레노의 ‘저녁 6시’란 설치작품과 세계적인 설치작가 올라퍼 엘리아슨의 ‘우주 먼지 입자’(2004)도 이번 전시에서 만나볼 수 있다. 오연서 서울시립미술관 큐레이터는 “해외여행에서만 볼 수 있던 전시가 서울로 찾아왔다. 북서울미술관 개관 이후 규모적인 면에서 제일 큰 전시다. 테이트미술관 소장품 외에도 백남준(1932~2006)의 ‘촛불TV’라는 작품도 이번 전시에 특별히 추가됐다. 이번 전시의 가장 큰 특징은 북서울미술관에 그동안 방치되어 있던 매표소가 처음 일을 시작했다. 개관 전 판매한 ‘얼리 버드’ 티켓 3만장을 포함해 현재까지 티켓 4만장 이상이 판매됐다”고 설명했다. 이번 전시는 처음부터 끝까지 ‘화상회의’로 준비됐다. 테이트 관계자들은 화상을 통해 전시장 공간 조성과 작품 배치에 관여했다. 작가들과의 소통도 마찬가지였다. 오 큐레이터는 “올라퍼 엘리아슨의 작품는 작가로부터 작품과 천장, 벽 그리고 정확한 거리와 조명 위치까지 화상으로 체크하고 확인했다. 18세기 작품인 윌리엄 블레이크의 ‘아담을 심판하는 하나님’(1795)도 중국에서 열린 개관전만 참가시키려 했지만 서울시립미술관의 강력한 요청으로 이번 전시에 오게 되었다”며 빠진 작품이 하나도 없는 완벽한 순회전이라고 말을 전한다. 계속되는 코로나19와 미세먼지로 모두의 마음이 지쳐가고 있다. 빛이라는 하나의 주제로 열린 이번 전시를 보며 마음의 위로를 받았으면 한다. 전시는 5월 8일까지다.

#Remember me, 나를 기억하는 일 2021년은 전에 없이 소란스럽고 커다란 사건이 많은 한해였다. 전염병이 사라질 줄 알았으나 사라지지 않았고, 백신으로 극복하기를 바랐지만 극복하지 못했다. 전염병에서 비롯한 아시아 혐오는 애틀랜타 총격 사건으로 이어졌으며 백신 이기주의는 변이 바이러스를 만들었다. 팬데믹의 혼란 속 미얀마에서는 군사 쿠데타에 대항해 유혈사태가 일어났고 아프간은 무장단체 탈레반이 점령했다. 카불 국제 공항에서 철조망 너머 미군에게 자식을 넘기던 부모의 모습은 아직도 잊히지 않는다. 뉴스 속 소식에 공감하고 함께 슬퍼하니 개인의 일상도 평안하지 못했다. 자신을 되돌아보거나 들여다보는 시간을 갖지 못한 채 한 해를 보냈다. 어느새 새해가 왔고 언제나처럼 새로운 시작을 위한 다짐을 하게 된다. 그래서 이번에는 소란에 동요해 나를 잊지 말고 여느 때보다 더 많이 기억하고 발견하기를 바라본다. 이렇게 자기를 기억하고 기록하며 그린 그림, 자화상으로 유명한 작가들이 있다. 렘브란트(Rembrandt Harmenszoon van Rijn), 에곤 실레(Egon Schiele) 그리고 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853-1890)다. #반 고흐의 끝없는 이야기 빈센트 반 고흐는 7회에서 소개한 바 있듯 네덜란드 출신의 세계적인 화가다. 그가 세상을 떠난 지 벌써 백여 년이 훌쩍 지났지만, 그와 그의 그림에 관한 이야기는 끝이 없이 이어진다. 반 고흐는 알려진 대로 숙부가 운영하는 갤러리에서 판화 복제 일을 하며 스무 살이 넘어 그림에 가진 관심이 이후 생의 전부를 차지했다. 특히 암스테르담 신학 대학에 낙방한 이후에는 그림 그리는 일에서 구원이자 의미를 찾으려 더 몰두했다. 그는 모네 등이 이끌었던 당대 주요 사조인 인상주의에서 벗어나 한발자국 나아가려 한 후기 인상주의 작업을 펼쳤다. ‘감자 먹는 사람들’(1885), ‘해바라기’(1888), ‘별이 빛나는 밤’(1889) 등 미술사에 남은 작품들을 남겼다. 반 고흐는 1903년 유작 전시 이후로 높이 평가받으며 20세기 초 작가들의 지표가 되었다. 아쉽게도 살아생전에는 그의 과격한 성격과 새로운 시도를 반영한 작품이 받아들여지지 않았다. 프랑스 남부 아를에서 작업실을 나눈 고갱(Paul Gauguin)과 갈등을 겪으며 자기 귀를 자른 사건이 대표적이다. 정신병에 의한 발작 또는 주변 사람 관심의 갈구에서 비롯했을 이 사건은 그를 병원에 입원하게 했다. 이후 생-레미의 요양원에서 그는 빛과 함께 시시각각으로 변하는 자연을 객관적으로 묘사하려던 시대의 흐름과 다른 그림을 그리기 시작했다. ‘별이 빛나는 밤’에서와 같이 그리는 순간의 감정에 따라 화면은 주관적 표현으로 휘몰아쳤다. 이렇게 그가 남과 다른 작품을 그려 후대에 인정받은 것은 그의 비평과 실험 정신 덕이다. 반 고흐는 유행을 그대로 받아들이기보다 비평적 시각으로 새롭게 창조할 줄 알았다. 더 나은 그림을 그리기 위해 고뇌했고 생각의 결과를 표현하기 위해 새로운 방식들을 연습했다. 이 연구와 실험의 흔적으로 남은 것이 약 40여 점에 이르는 자화상들이다. #자신을 아는 일, 자신을 그리는 일 네덜란드 반 고흐 미술관에 의하면 반 고흐를 기록한 사진은 한 장이 남아있다. 1886년 파리 근교 강변에서 동료와 이야기 나누는 모습을 포착한 것이다. 다만 흑백이며 원거리에서 촬영해 반 고흐의 외모를 세밀하게 알기는 어렵다. 오히려 반 고흐를 실물과 흡사하게 묘사한 것은 피터 러셀(John Peter Russell)의 초상화다. 반 고흐는 자기를 닮은 이 초상화에 애정을 가졌고 남동생 테오에게 다음 같이 말한 바 있다. “러셀이 그려준 내 초상화를 잘 관리해 주렴. 내게 의미 있는 그림이야.” 러셀의 초상화에 기반하면 반 고흐는 붉은 머리카락을 가졌고 눈동자는 초록색이었다. 하지만 반 고흐는 자화상 속에서 자기 눈동자는 푸른색 또는 회색으로 그리기도 했다. 사실적 묘사보다 회화적 실험의 측면에 집중해 작업한 결과물이라는 것을 알 수 있다. 반 고흐는 파리에서 외사촌 안톤 마우베(Anton Mauve)의 화실 등에서 미술 수업을 받았다. 마우베는 일찍이 헤이그에 머물며 풍경화를 그렸는데 반 고흐 역시 헤이그 등의 도시에서 작가 활동을 시작했다. 하지만 그는 곧 미술의 중심지인 파리로 돌아와 화숙(畵塾)에 머무르며 파리 미술계를 돌아봤다. 인상파의 밝은 그림과 일본의 우키요에 판화를 접했고 새로운 시도를 펼치고 싶어졌다. 반 고흐는 보고 배운 것을 그리려 모델을 기용하거나 캔버스 천을 사용하기에 경제적으로 어려웠다. 결국 거울에 자기 모습을 비추어 보며 기존에 작업한 캔버스 천 뒷면을 재활용해 실험을 펼치기 시작했다. 파리에 체류한 1886년부터 1888년 사이 그린 자화상은 무려 스무 점에 달한다. ‘화가로서의 자화상(Self-Portrait as a Painter)’(1886)은 1886년 파리로 돌아온 직후 작업실에서 그린 작품이다. 이 작품은 초기 자화상 중 하나인 동시에 반 고흐가 자기를 예술가로 묘사한 최초의 자화상으로 알려졌다. 여기에서 반 고흐는 재킷을 입고 모자를 쓴 채 이젤 앞에 서 있다. 그의 손에 든 팔레트는 다양한 색의 물감으로 뒤덮였다. 자세히 보면 혼합하지 않은 이제 막 물감을 덜어 놓은 상태다. 그 옆에는 물감을 희석하는 테레빈유 병과 붓이 보인다. 반 고흐의 진지한 표정은 앞으로 그려질 그림에 관한 고민의 깊이를 알게 한다. ‘밀짚모자를 쓴 자화상(Self-Portrait with a Straw Hat)’(1887)도 마찬가지로 파리에서 제작한 자화상이다. ‘만종(The Angelus)’(1857-1859) 등을 그린 밀레(Jean Francois Millet)의 영향을 받은 ‘감자 껍질 벗기는 사람’(1885)의 뒷면에 그려졌다. ‘회색 펠트 모자를 쓴 자화상’(1887-1888)과 모자만 다를 뿐 같은 복장을 해 당시 반 고흐의 외출 차림새를 추측하게 한다. 여기서 반 고흐는 화면 속에서 밀짚모자를 쓴 채 강렬한 눈빛으로 정면을 보며 앉아있다. 의지나 다짐이 서린 것 같은 눈빛이 압도하는 얼굴은 턱수염이 둘러쌌다. 얼굴은 무표정이지만, 남색 자켓과 주홍색의 턱수염, 그리고 화사한 배경색이 분위기를 밝게 만든다. ‘화가로서의 자화상’과 ‘밀짚모자를 쓴 자화상’은 단 일 년의 간격을 두고 그려졌지만, 전혀 다른 모습을 보인다. 앞의 그림이 렘브란트 풍의 전통적 회화를 따라 명암에 집중해 어두운 톤으로 그려졌다면 뒤의 그림은 전반적으로 밝고 순수한 색 사용과 함께 보색의 효과를 드러낸다. 더불어, 앞의 그림이 여러 번의 붓질을 통해 면으로 화면을 구성했다면 뒤의 그림은 점 같은 짧은 붓질이 모여 만든 결로 형태를 드러낸다. 이 붓질의 결은 화면에 운동감을 선사해 빛 또는 공기의 흐름이 보이는 듯한 착각을 일으킨다. 대상의 전통적 묘사와 색의 사용에서 벗어나 동시대 미술가로서 자기 정체성을 드러내려는 시도다. 고흐는 몇 년 뒤 테오에게 자화상과 관련해 다음 같은 내용의 편지를 보냈다. “사람들은 자신을 아는 일이 어렵다고 말하고 나는 그것을 믿어. 하지만 자신을 그리는 것 역시 쉽지 않은 일이야.” 자기를 아는 것도, 자기를 그리는 것도 쉽지 않은 일이다. 하지만 반 고흐처럼 끊임없이 자기 실험을 펼치는 일은 세상을 바꾸는 과정 중 하나가 될지도 모른다. 새해가 되면 매번 바라는, 나은 내일을 향한 과정 중 하나 말이다.

지난해 미술 시장의 역대급 호황을 미술계 전반의 지속적 발전으로 이어가기 위한 취지로 미술 단체들의 세미나가 열린다. 한국화랑협회와 한국미술평론가협회 공동주최로 오는 14일 ‘시각예술 제도개선 세미나’가 서울 종로구 삼청로에 위치한 국립현대미술관 서울관에서 열린다. 주죄측은 “작년 한해 미술시장은 코로나로 인한 경기 침체가 무색할 만큼 역대급 호황을 누리고 새로운 컬렉터들이 유입됐으며 시장이 커지고 젊어졌다”며 “이를 지속적 성장의 동력으로 삼아야 한다는 책임감을 느낀다“며 개최 이유를 밝혔다. 이어 “올해는 작년의 활황을 발판으로, 우리 미술시장이 글로벌 시장을 향해 도약하는 중요한 시기”라며 “제도적 지원 역시 발맞춰 움직여야 하는 시기”라고 덧붙였다. 세미나는 ‘국내 미술시장 현황과 미래전략’이라는 부제로 한국화랑협회의 황달성 회장이 기조 발제를 맡는다. 지난해 미술시장을 짚고, 유통업의 주요한 축인 화랑의 시선에서 바라보는 미술시장의 주요 제도적 과제들을 제시할 예정이다. 다음으로는 홍익대학교 미술대학 이임수 조교수가 ‘미술시장 활성화를 위한 국내 제도 개선’ 방향을 발표한다. 미술품에 대한 세제 혜택과 소장 문화의 진작, 시장 내 효율적인 역할 분담과 협업 유도를 위한 방안들을 제시할 예정이다. 이어 박우찬 미술평론가는 ‘미술품 기증 활성화 방안을 위한 제도적 방안’을 통해 국공립 미술관의 작품 기증 현황 및 작년 국회 본회의를 통과한 미술품 물납제에 대한 방향성 등을 논의할 예정이다. 숙명여대 객원교수이자 미술평론가인 임창섭 교수는 ‘미술시장 전문가 육성과 민간 기관의 역할’을 주제로, 한국 미술시장과 문제점을 분석하며 현장을 비롯한 민간 기관들의 나아갈 방향을 제안한다. 마지막으로 법무법인 아트로의 김유나 대표 변호사는 ‘메타버스 내 미술시장 확장과 법적 쟁점’을 통해 현재 미술시장에서 연일 뜨겁게 논의되고 있는 NFT(대체불가능토큰)와 미술시장의 안정화를 위한 방안을 심도 있게 검토할 예정이다. 이번 세미나는 국립현대미술관 제1강의실에서 오는 14일 오후 2시부터 열리며, 일반인도 사전 신청 및 참석이 가능하다. 방역지침에 따라 코로나19 백신 2차 접종완료에 한해 한국화랑협회 홈페이지를 통해 오는 6일부터 온라인 선착순으로 참석을 신청할 수 있다.

미술계에서 2022년은 그 어느 해보다 뜨거운 해가 될 전망이다. 한국 미술 주요 거장들의 의미있는 해를 기리는 특별전이 줄줄이 예정돼 있다. 9월에는 세계 3대 아트페어 프리즈와 키아프의 공동개최 미술장터가 열려 국내외 미술계 시선이 집중될 것으로 보인다. 지난해 ‘이건희 컬렉션’이 세상에 드러나면서 재조명된 작가들을 한 명씩 집중하는 전시들도 개막해 ‘초특급 기증’의 여파도 꾸준히 이어질 듯하다. ◆거장들을 기념하는 해 2022년은 백남준(1932∼2006) 탄생 90주년이 되는 해다. 백남준아트센터는 기념전을 준비하고 있으며, 국립현대미술관 과천관은 오는 11월부터 ‘백남준 효과’라는 제목으로 전시를 예정하고 있다. 국립현대미술관 과천관 로비에 설치돼 있으나 장막 속에서 오랜 수리, 정비를 해 온 백남준 대표작 ‘다다익선’도 재가동할 예정이다. 한국 근대 조각 거장 권진규(1922∼1973)의 탄생 100주년 특별전도 올해 기대되는 전시다. 권진규기념사업회와 유족으로부터 작품을 대거 기증받은 서울시립미술관이 서소문본관에서 오는 3월 특별전을 선보일 예정이다. 서울시립미술관과 공동 주최로 광주시립미술관도 오는 7월부터 10월까지 ‘권진규 탄생 100주년기념전:예술적 산보’를 계획했다. 지난해 ‘이건희 컬렉션’에서 상당량의 판화가 포함돼 시선이 집중됐던 단색화 작가 유영국의 작품세계를 집중적으로 들여다볼 기회도 생긴다. 국제갤러리 서울점이 올해 유영국(1916∼2002) 작고 20주년 전시를 준비하고 있다. ‘산은 내 안에 있다’라는 제목으로 오는 6월부터 석달간 열리며, 유영국의 대표작을 통해 한국 현대미술에 미친 영향력을 돌아보고 기념할 예정이다. 근대 미술 애호가들에게 성원을 받아온 국립현대미술관 덕수궁관에서는 오는 7월부터 약 석달간 ‘문신 탄생 100주년 기념전’을 펼친다. 문신(1922∼1995)은 유영국, 박고석, 한묵 등과 함께 국전 참가를 거부하고 모던아트협회에서 표현주의적인 회화작업을 선보이다가 1961년 프랑스 파리로 가 조각으로 작품 범위를 넓혀온 미술가다. 이번 100주년 기념전에서 문신의 다양한 예술세계를 종합해 볼 수 있을 전망이다. ◆미술관·갤러리들이 소개하는 국내외 작가 미술관과 주요 갤러리들은 국내에서 첫선을 보이는 해외작가 개인전을 경쟁적으로 내놓는 등 다양한 국내외 작가들을 소개하려는 계획이 풍성하다. 삼성 리움미술관은 오는 3월부터 미국 작가 이안 쳉의 첫 아시아 개인전을 연다. AI(인공지능)와 게임엔진, 인터렉티브 기술을 적극 활용해 세계 미술계 주목을 받아온 작가라는 설명이다. 스스로 진화하는 디지털 생명체를 예술작품으로 창조하는 작가로 평가된다. 한국 작가로는 베니스비엔날레 등 국제전을 통해 해외에서 주목을 받아온 중견작가 강서경 개인전을 4월부터 열 예정이다. 지난해 광주비엔날레에서 주요 작가로 참여한 태국 출신 현대미술가 코라크릿 아룬나논차이가 국제갤러리를 통해 12월 국내에서 처음으로 개인전을 갖는다. 갤러리현대는 오는 3월 유럽에서 국제적 인지도를 높여온 독일 여성작가 사빈모리츠 전시를 아시아 최초로 준비 중이며, 5월 이승택, 10월 강익중 개인전을 펼친다. 대구미술관은 7월부터 12월까지 프랑스를 대표하는 개념미술 거장 다니엘 뷔렌을 소개하고, 광주시립미술관은 탄생 100주년을 맞은 아방가르드 영화의 선구자 요나스 메카스를 소개한다. 오는 11월부터 ‘친애하는 나의 친구들’이라는 제목으로, 요나스 메카스를 포함해 백남준과 플럭서스 운동까지 조망하는 전시가 될 전망이다. 국제갤러리 서울점이 다음달부터 여는 단색화 작가 하종현의 대규모 개인전도 눈길을 끈다. 이번 전시에서는 기존 대표작인 ‘접합’ 연작을 비롯해 신작인 ‘후기 접합’ 연작을 국내 최초로 공개해 미술 애호가들의 관심을 모을 전망이다. 국제갤러리가 9월에 계획 중인 알렉산더 칼더(1898∼1976)와 국내 대표 단색화 거장 이우환의 작업세계를 특별전 형식으로 함께 소개하는 2인전도 기대된다. 20세기를 대변하고 지금까지도 전 세계 미술 애호가들에게 영감을 주는 두 혁신가들의 작업을 통해 장르를 불문한 대가들의 추상세계를 조명한다는 구상이다. 학고재 갤러리의 올해 첫 대형 기획전 ‘에이도스(eidos)를 찾아서: 한국 추상화가 7인’도 시선이 집중될 전시다. 한국 추상회화의 역사를 되짚고 잊힌 작가들의 올바른 위상을 재조명한다는 의도로 마련된 자리다. 지난해 국립현대미술관에 기증된 이건희컬렉션 전시에서 높은 인기를 끈 류경채(1920∼1995)를 비롯해 이봉상(1916∼1970), 강용운(1921∼2006), 이상욱(1923∼1988), 천병근(1928∼1987), 하인두(1930∼1989), 이남규(1931∼1993) 7명의 작품 총 70여점이 나온다. ◆프리즈 최초 개최 등 미술계 격변 다가오는 9월은 올해 미술계의 가장 뜨거운 하이라이트가 될 전망이다. 한국 대표 국제아트페어 키아프(Kiaf)와 프리즈가 처음으로 공동개최되기 때문이다. 프리즈는 영국 런던에서 2003년 현대미술 전문지 ‘프리즈(Frieze)’를 출판해 온 어맨더 샤프와 매튜 슬로토버가 시작했다. 영국 현대미술계는 물론 세계 미술계에 영향력 있는 미술품 전시 및 거래 행사로 자리매김해 스위스 아트바젤, 프랑스 피악과 함께 세계 3대 아트페어로 불린다. 올해 미술계는 3월 화랑미술제를 시작으로 5월 아트부산 9월 프리즈까지 굵직한 아트페어로 활황이 절정에 달할 것으로 보인다. 미술계 주요 관계자는 6일 “기존 5000억원이던 미술 시장이 1조원 시장에 도달하는 해가 될 것”이라며 “미술계 재편이 많이 일어날 것”이라고 말했다. 이 관계자는 “시장이 성장하는 것은 당연하고, 주변 국가나 세계 미술시장이 서울을 ‘괜찮은 로컬 시장’ 정도로 보던 시각에서 완전히 벗어나는 계기가 될 것”이라고 말했다.