흰 바탕에 검은 줄무늬를 가진 얼룩말이 빨간 화병 정중앙에서 관람객을 응시한다. 얼룩말은 자신을 숨기려 하기보다는 당당하게 무대로 나와 타자들에게 자신의 온 몸을 드러내고 싶은 듯하다. 그러나 그림을 꼼꼼히 들여다보면, 이내 주변에서는 숨어있는 또 다른 얼룩말들의 일부를 찾아낼 수 있다. 울긋불긋 꽃밭 속에서도 용케 숨어있는 얼룩말을 찾아내게 하면서, 숨바꼭질하듯 관람객을 작품 속으로 유인한다. 주변에 숨어있는 얼룩말은 마치 생존을 위해 보호색을 뒤집어쓰고 늘 자신을 다른 존재로 속이고 위장하거나 은폐해야 하는 숙명을, 정중앙에서 관람객과 눈을 마주치는 얼룩말은 자신을 솔직하게 드러내고 싶은 내면의 욕망을 표현하는 듯하다. 홍시연 작가의 개인전 ‘위장된 풍경 - Camouflaged scenery’이 세종시 집현동로 갤러리 에이블에서 최근 시작됐다. 홍 작가는 얼룩말 도상과 얼룩말 주변 환경을 이용해, 위장과 은폐의 삶을 이야기하는 작가다. 보호색을 가진 얼룩말의 특성이 주제의식을 드러내고, 주변에 다양한 이미지들이 어우러지게 그려진 모습은 외부 환경을 은유한다. 외부 한경은 다양한 사람과 삶, 자연, 사회, 관계, 여건이 얽히고설켜있는 현대사회다. 홍 작가는 오랜 공무원 생활을 하다 재능을 발견하고 늦깍이 미술학도의 길에 들어서 작가가 된 이색 경력의 소유자다. 다양한 사건과 시간을 경험을 토대로, 자신과 사람들을 성찰해온 결과가 작업 속에서 베어나온다. 작가노트에서 그는 “우리는 많은 사람들과 만나고 헤어지고, 기억하고 잊혀지는 관계를 반복하며 살아간다. 이러한 삶 속에서 자신의 존재를 부각시키고, 타인으로부터 인정받기 위해, 위장을 하며 가식적인 삶을 살기도 한다. 이런 굴레에서 벗어나 자유롭고 솔직한 자아를 찾고 싶은 본능을 숨길 수 없다. 그러나 숨 가쁜 현대 사회에 적응하다 보면, 자신의 의도와는 상관없이 과장된 몸짓과 경직된 무표정을 만들어내야 하고, 본의 아니게 상반된 표정을 지으며 살아갈 수밖에 없다. 수많은 사람들 속에서 휘둘리며 살아가는 순간마다 자신의 참 모습을 확인하고 싶은 충동을 느낀다”고 했다. 전시 평론을 쓴 이도규 홍익대 미술대학원 교수는 “홍시연의 작업은 살아나가면서 미처 자각하지 못했던 일상의 행동이나 태도, 습관 등과 사회적인 관계에서 파생하는 다양한 특성과의 연관성에 대한 사색에서부터 출발”해 “현대 사회에서 내면을 숨기고 살아가고 있는 우리들의 모습을 숨김없이 드러내고 있다”고 설명했다. 이 교수는 “홍시연의 그림에 나타나는 얼룩말과 사람, 다양한 이미지들의 어우러짐에는 이러한 불확실성 속에서 충돌하고 있는 내면이 숨겨져 있다. 타인의 시선에 민감하게 반응하며 자신의 나약한 모습을 감추기 위해 풍경을 꾸미고 있다. 그러나 자신을 은폐하며 살아가는 삶 속에서도 자아에 대한 분명한 인식이 있고 그렇게 그는 자신의 모습을 진솔하게, 적극적으로 표현하며 자신을 확증시켜 나가고 있다”고 평한다. 10월19일까지.

부산에서 한창인 전시들이 이 항구도시에 쌓인 여러 겹 역사를 다각도로 보게 만든다. ‘물결 위 우리(WE, ON THE RISING WAVE)’란 주제로 열리고 있는 부산비엔날레 2022와 부산시립미술관의 소장품전 ‘모든 것은 서로를 만들어 나간다’에서다. ◆부산시립미술관 소장품전 “부산의 역사와 미술이 분리돼 있지 않음을 보여주고자 한다.” ‘모든 것은 서로를 만들어 나간다’전은 학예사의 이 같은 포부와 노력이 전시 곳곳에서 배어나는 전시다. 일제강점기부터 오늘날에 이르기까지 부산 역사를 꿰어보며 부산 근현대 시기 작품 약 50점을 선보인다. 태평양으로 나가는 한반도 출입구 부산에서 오랜 세월 바다를 경외하고 달래며 해신제를 지낸 성스러운 자리 영가대. 전시는 이 영가대가 일제에 의해 파괴되고 동래온천으로 일본인 관광객을 실어 나르는 기찻길로 바뀐 뒤에도 그 장소를 여전히 ‘영가대’라 부른 화가 우신출 작품에서 시작한다. 이 미술관의 부산미술 소장품 가운데 가장 오래된 작품이기도 한 ‘영가대’(1929)부터 가장 최근작 이창운의 ‘편도여행’(2018)까지, 격동의 역사와 삶의 한가운데에서 호흡하며 나왔던 부산미술 명작이 이어진다. 제국주의 전쟁, 피란, 부마항쟁, 노동자대투쟁까지 이어진 격변의 시대 속에 치열하게 살아남은 삶과 미술의 역사가 경이롭게 다가온다. 작품 하나하나가 지닌 역사성에서 나오는 힘이 상당하다. 또 이런 힘을 만들어낸 미술관의 ‘연구’와 ‘관람객 편의’라는 미술관 본연의 임무에 충실히 노력한 흔적이 여실하다. ‘외화내빈’이란 질타를 받는 서울 국립미술관 세태와도 대조된다. 표현기법이나 작가 이력 연구를 넘어, 식민도시 부산이 형성돼가는 과정에 대한 역사적 사실과 기록을 찾아 나갔고, 영가대를 도시사(史)적 관점에서 재발굴해 가치를 재조명했다. 전시장 벽면 하단을 감싼 키워드 행렬, 역사학자·경제학자·노동운동가 등 다양한 이들을 만나 인터뷰한 영상과 배치, 미술사를 넘어서는 시대상을 정리하기 위해 외부 연구자들에게 의뢰해 연표를 제작한 점 등은 공공기관의 역사에 대한 책임감과 관람객 존중이라는 미술관의 기본자세를 거듭 상기시킨다. 화려하지 않은 전시인데도, 무지와 몰역사성에 경종을 울려온 예술의 역할을 은유하듯 힘이 있고 알차다. 특히 부산이라는 지역성과 역사성을 배경으로 광범위한 소재와 해외 여러 작가의 작품이 혼재된 부산비엔날레를 즐기기에 앞서 이 전시를 보면, 비엔날레라는 커다란 축제의 장을 이해하고 즐기기 한결 수월하다. ◆부산에 차려지는 격년제 국제 미술제 개막 한 달째인 부산비엔날레에는 구름 인파가 몰려 최근 부쩍 강해진 미술애호 열풍을 보여주고 있다. ‘물결 위 우리’라는 주제로 25개국 출신 작가 64개 팀 80명이 참여했다. 근대 이후 부산 역사와 도시 구조 변천을 배경으로 하면서도 한 걸음 더 나아가 이 도시의 역사와 지역성, 그 속에 존재했던 삶의 이야기들을 전 지구적 현실로 확장한다. 해양도시 부산, 부산에 사는 사람들이 마주했던 거대한 파도를 연상시키는 ‘물결’이란 주제어는, 그 자체로 지역의 상징이기도 하고 격변 속에서도 도도하게 흘러온 역사와 삶의 은유이기도 하다. 이번 비엔날레는 김해주 전 아트선재센터 부관장이 전시감독을 맡아 기대를 모았다. 1980년생인 그는 초·중·고교 10대 시절을 부산에서 보냈고, 20대 때인 2006년엔 부산비엔날레 코디네이터로 일했다. 누구보다 부산에서 쌓은 추억이 적잖을 부산 출신 미술인이고, 실무자로서 부산비엔날레에 참여했던 경력이 있다. 그래서 부산으로의 ‘귀환’을 보여주는 흥미로운 지점이 됐다. 장소 선정도 흥미를 끌었다. 정례적으로 전시가 열리는 부산현대미술관 외에 초량, 영도, 부산항으로 관람객 발길을 끌었다. 초량은 1960년대 이후 산업화 과정에서 산과 언덕 경사면에 위태롭게 생겨난 노동자 주거지다. 산 중턱에 난 산복도로, 그 위에서 내려다보이는 부산 바다가 독특한 풍경을 만들어내는 곳이다. 초량 비탈길 위에 아슬아슬하게 뿌리내린 나무처럼 자리한 주택 한 채를 빌려 송민정 작가 영상 작품을 설치했다. 작품을 보러 초량으로 가는 길, 초량에서 마주하는 풍경들이 모두 항구도시에서 열리는 비엔날레 감흥을 더하는 요소가 된다. 영도에선 태풍을 맞아 천장이 날아가 버린 창고 안에 이미래 작가의 초대형 설치작품 등이 놓였다. 부산항 제1부두는 출입통제구역이었던 곳이 처음으로 예술공간으로 재탄생하게 됐다. 관람객이 급증한 반가운 변화에 뒤따르는 숙제도 적잖아 보인다. 스마트폰으로 큐알(QR)코드를 찍어 일부 작품의 해설을 들을 수 있게 했지만, 부족하다는 반응이 많다. 영상작품이 너무 많아 피로감을 호소하는 이들도 상당했다. 영도에 놓인 이미래의 초대형 설치작품은 설치 직후 공개됐던 모습과 한 달 후인 지금 차이가 확연하다. 두 차례 태풍을 그대로 맞은 채로 방치된 듯, 찢긴 천이 마구잡이로 휘날리고 있어 원래 모습은 찾아볼 수 없었고, 작품 자체이자 작품을 지탱하는 뼈대인 철제 비계가 휘어져 있어 무너질 듯 위태했다. 지난 3일 방문했을 당시 현장 안내요원이 안전 문제로 위험하니 구조물 내부로는 들어가지 말라고 안내 중이었다. 오래 머물며 차분히 감상하기엔 불안하다. 혹시 이마저도 작가의 의도인지, 제공된 해설에는 나와 있지 않았다. 11월6일까지.

흰 바탕에 검은 줄무늬를 가진 얼룩말이 빨간 화병 정중앙에서 관람객을 응시한다. 얼룩말은 자신을 숨기려 하기보다는 당당하게 무대로 나와 타자들에게 자신의 온몸을 드러내고 싶은 듯하다. 그러나 그림을 꼼꼼히 들여다보면, 이내 주변에서는 숨어 있는 또 다른 얼룩말들의 일부를 찾아낼 수 있다. 울긋불긋 꽃밭 속에서도 용케 숨어 있는 얼룩말을 찾아내게 하면서, 숨바꼭질하듯 관람객을 작품 속으로 유인한다. 주변에 숨어 있는 얼룩말은 마치 생존을 위해 보호색을 뒤집어쓰고 늘 자신을 다른 존재로 속이고 위장하거나 은폐해야 하는 숙명을, 정중앙에서 관람객과 눈을 마주치는 얼룩말은 자신을 솔직하게 드러내고 싶은 내면의 욕망을 표현하는 듯하다. 홍시연 작가의 개인전 ‘위장된 풍경-Camouflaged scenery’이 세종시 집현동로 갤러리 에이블에서 최근 시작됐다. 홍 작가는 얼룩말 도상과 얼룩말 주변 환경을 이용해, 위장과 은폐의 삶을 이야기하는 작가다. 홍 작가는 오랜 공무원 생활을 하다 재능을 발견하고 늦깎이 미술학도의 길에 들어서 작가가 된 이색 경력의 소유자다. 다양한 경험을 토대로, 자신과 사람들을 성찰해온 결과가 작업 속에서 배어난다. 작가노트에서 그는 “우리는 많은 사람들과 만나고 헤어지고, 기억하고 잊혀지는 관계를 반복하며 살아간다. 이러한 삶 속에서 자신의 존재를 부각시키고, 타인으로부터 인정받기 위해, 위장을 하며 가식적인 삶을 살기도 한다. 이런 굴레에서 벗어나 자유롭고 솔직한 자아를 찾고 싶은 본능을 숨길 수 없다”고 했다. 10월19일까지.

“기차여행 중이었다. 눈을 감고 잠시 여러 가지 생각에 잠겨 있었는데 얼핏 무언가 망막 속을 스쳐 가는 게 있었다. 나는 퍼뜩 눈을 떴다. 집에 돌아온 즉시 이틀 밤을 꼬박 새우며 마음에 남은 이미지를 조작한 결과 오늘의 파이프적인 그림을 완성했다.” 한국 기하추상의 선구자 이승조(1941∼1990)는 1982년 한 인터뷰에서 자신이 왜 파이프를 닮은 선들을 그리게 됐는지 이렇게 말했다. 눈을 감고도 보인 환영이 눈뜨고 본 무엇보다 강렬해 화가를 사로잡았다. “마치 첫인상이 강렬한 사람을 못 잊음과도 같은 미묘한 감동에 휩싸였다”며 창작 과정을 설명한 일화가 유명하다. 서울 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리에서 이승조 개인전이 한창이다. 한국 기하추상의 주요 작품 30여점이 전시장에서 관람객을 맞고 있다. 이승조는 1941년 평안북도 용천에서 태어난 뒤 해방공간 한반도에서 가족과 함께 남하했다. 중·고교 시절 미술반에서 그림을 배우기 시작했고 1960년 홍익대 서양화과에 입학했다. 청년 이승조는 전위그룹을 결성하며 한국 모더니즘 미술을 추동했다. 1962년 권영우, 서승원 등과 함께 기존 미술 제도와 기득권에 맞서 ‘오리진(origin)’을 결성했고, ‘아방가르드 그룹(AG)’ 창립에도 함께했다. 오리진, 즉 근원을 좇으며 자기만의 조형언어를 만들어가던 그는 1967년 ‘핵(核)’ 연작을 처음으로 발표했다. 최초의 ‘핵’ 발표 넉 달 후 파이프 형상이 등장하게 된다. ‘핵’ 연작의 열 번째 작품이기도 했다. 기차 안에서 빠른 속도로 지나가는 풍경과 사물의 잔상을 감은 눈 속에서 본 뒤 그려낸 것이지만, 파이프를 닮아 일명 ‘파이프 그림’으로도 불리게 됐다. 폐허가 된 땅 위에서 재건 중이던 한국 사회, 국제적으로는 아폴로 우주선이 달에 착륙하던 1960∼1970년대를 배경으로, 그의 그림은 급속한 기술발전에 따라 급변하던 미적 감수성을 연구한 결과물이기도 했다. 앵포르멜이 당대 한국 추상 미술계를 대표했다면, 이승조의 독특한 기하추상, 차가운 추상은 새롭게 파란을 일으켰고 여러 평론을 낳았다. ‘파이프’라고 편히 부르는 목소리들 틈에서 형상을 읽어내려 하지 말고 “선과 색채의 앙상블”을 읽어야 함을 강조하는 평론가 이일은 “조형의 기본 원리인 규칙적 반복의 질서를 통해 클레멘트 그린버그가 말한 ‘자기환원적 추상’, ‘탈회화적 추상’의 세계를 우리나라에서 최초로 제시했다”고 평가했다. 국제갤러리 측은 기계미학 이론가 이영준의 말을 인용해 “급격히 산업화되고 현대화된 세상의 새로운 감수성에 대한 반응”이라고 설명했다. 이어 “새로운 기계문명이 가져온 지각방식의 변화가 평면이라는 캔버스 안에서 어떻게 표현되는지에 대한 고민은 자연스러운 수순이며, 기차여행 언급에서 보듯 이승조는 현대미술의 발전과 기계미학이 떼려야 뗄 수 없는 관계임을 보여주는 작가”라고 했다. 그의 그림은 지금도 지적 호기심을 자극한다. 어떤 이는 20세기 초 속도와 기계문명에서 미래적 미의식을 찾아내려 했던 이탈리아 미래주의 회화 사조를 읽어내기도 하고, 어떤 이는 기하학적 형태로 착시 현상을 일으키는 프랑스 옵아트 계열 미술을 받아들이려 한 것이 아닐까 궁금해한다. 그러나 한국의 아방가르드는 전후 빈곤 속에 대학을 다닌 청년 미술인의 사명감, 예술가 책무를 잊지 않으려는 양심, 한국만의 미를 놓지 않으려는 의지로 태어난 자생적 토착 운동 그룹이다. 그는 그저 “아폴로 우주선 발사로 새롭게 우주의 공간 의식에 눈뜨고부터 시작한 이 작업이, 작가인 내가 사는 시대를 표현하는 데 가장 적합한 것 같다”는 말로 작업 아이디어를 설명했다. 2020년 국립현대미술관 과천에서 열린 작고 30주기 회고전 ‘도열하는 기둥’ 전시 후 미국 뉴욕현대미술관(MOMA)이 유족이 갖고 있던 1970년 작품 ‘핵 F-G-999’을 소장했다. 지금 시선으로는 컴퓨터 그래픽으로 매끈하게 빠진 선이나 사진처럼 보이는 색띠 화면은 작가 고유의 방법론으로 치밀하게 그려낸 유화들이다. 넓고 납작한 평붓을 골라 양 끝에는 어두운색 물감을, 붓 가운데에는 밝은색 물감을 묻혀 직선을 긋는다. 붓질을 반복하며 거친 경계가 흐려지도록 그러데이션을 만든다. 형상의 테두리는 미리 종이테이프를 붙였다가 붓질 후 떼어내는 방식으로 만든다. 마치 파이프나 원기둥처럼 보이는 입체적인 직선이 생긴다. 붓질을 마친 후엔 사포질을 해 화면을 더욱 매끈하게 갈아낸다. 사포질까지 한 유화의 표면은 더욱 윤기를 낸다. 파이프의 금속성 환영이 더해진다. 엄격한 질서 속에 기개 넘치는 선들이 완성된다. 치열한 고민을 동반해 그 땅에서 태어나고 호흡한 그림만이 끊임없이 의미를 재창출하고, 그런 작가들이 재발견된다. 자명한 사실을 가짜뉴스로 낙인찍거나, 우기면 그만이라는 듯 악다구니 쓰는 것이 세상과 권력의 작동원리가 된 지금, 자명함을 엄격하게 드러내는 회화가 다시 동시대 한국민과 호흡하는 듯하다. 그의 색띠는 급격한 퇴행 속에서도 전진을 꿈꾸게 하고, 가려지지 않는 핵심, 현혹에 맞서는 단단한 쇠기둥으로 다가온다. 무엇보다 그의 작업은 감흥을 불러일으키는 것을 넘어, 미래에서 온 선구자의 언어처럼 해독의 욕구를 불러일으킨다. 아직 알아내지 못한 우주적 질서로 나아가도록 후세를 안내하는 듯하다. 10월 30일까지.

◆박광수, 숲으로 들어가는 그림 박광수(1984∼)는 서울과학기술대학교 조형예술과를 졸업했다. 이후 동 대학원 조형예술과에서 석사 학위를 받았다. 2008년 첫 단체전 참여를 시작으로 지금까지 활발한 활동을 펼치고 있다. 학고재, 두산갤러리, 금호미술관, 신한갤러리, 인사미술공간 등에서 개인전을 개최했다. 서울시립미술관, 경기도미술관, 이응노의 집, 두산갤러리, 금호미술관 등에서 열린 단체전에 참여했다. 제5회 종근당 예술지상, 제7회 두산연강예술상을 받았다. 박광수는 작업 초기 잉크, 먹, 아크릴 등을 사용해 점과 선을 중첩하는 검은 드로잉으로 이름을 알렸다. 직접 제작한 스펀지 붓에 검은색을 묻히고 화면 위에 미끄러지듯 그 흔적을 남긴 작품은 독창적인 회화 세계를 제시하며 사람들의 이목을 끌었다. 수없이 그어지고 찍힌 선과 점은 화면 속에서 궤도를 형성하며 눈을 떼지 못하게 하는 하나의 우주를 만들었다. 박광수가 검은 드로잉으로 담고자 했던 것은 사라짐이었다. 존재의 불완전함과 소멸의 불가항력을 작업의 주제로 삼았다. 생성하고 소멸하는 것, 지속하다 변화하는 것의 서사를 담아내고자 했다. ‘검은 숲 속’ ‘부스러진’ 등의 제목을 가진 작품들은 숲으로 들어간 뒤 사라져버린 사람 또는 병원 침대에 누워 있다 잠드는 사람의 모습을 보여줬다. 작가는 이 대상들을 “늙어가는 사람, 불타 없어지는 에너지, 추락해서 부서지는 선들”이라고 말했다. 모습들은 때로는 온전한 회화 작업으로, 때로는 수백, 수천 장의 드로잉을 엮은 영상 작업으로 눈앞에 나타났다. ‘깊이-사슴 연못’(2019)은 이러한 초기 작업에서 이어진 2019년의 작품이다. 여기 화면의 중심 근처에는 깊은 숲속, 검은 연못이 있다. 연못의 한가운데는 빛의 반짝임처럼 짧은 물결이 응집하여 일고 있다. 물결의 짧은 선은 점차 길어져 연못과 물가를 따라 자라는 잡초의 모습으로 드러난다. 잡초가 덩어리진 뭉치 속에는 마른 나뭇가지들도 군데군데 섞인 듯하다. 나뭇가지의 출처인 키가 크고 가느다란 나무가 그 위로 빽빽이 우거져 있다. 연못의 수면 위로 이 모든 요소가 한곳에 비추어 새로운 장면을 형성한다. 즉, 사슴 연못을 그린 이 작품에는 현실과 허구가 함께 존재하며 이는 관람자에게 상상의 서사를 만들게 한다. 화면 곳곳 숨은 기호들과 작가가 언젠가 쓴 노트는 이 서사의 구성에 흥미를 더하는데 그 내용은 다음과 같다. “집 뒤편에 숲속을 조금씩 걷고 있다. 어두울 때의 숲속 산책은 밝을 때보다 훨씬 이야기가 많이 있을 것 같은 기대감을 갖게 한다. 발을 헛디딜 수도 있고 뾰족한 것에 찔릴 수도 있다. 그보다 더 위험한 일들이 생길 수도 있지만 그런 것들은 감수할 수 있다.” ‘깊이-사슴 연못’은 백석이 1936년 출판한 시집 ‘사슴’을 떠올리게 한다. 회상의 시들이 모인 이 시집에서 백석은 현재를 시점 삼아 과거를 기억하는 방식을 취하지 않았다. 대신 회상 자체를 언어로 형상화해 사라진 것을 여기, 지금으로 끌어온다. 이러한 시간의 전개는 박광수의 화면 위에서 스펀지 붓의 떨림으로 시각화한다. 떨림의 결과인 점, 선 또는 면은 서로 앞서지 않으며 동등한 개체로 존재한다. 동등한 개체들은 뒤섞이고 그림 속 형상은 가까이 들여다볼수록 흩어져 다시 사라진다. 박광수는 최근 다채로운 색을 사용하는 작업을 시작했다. 검은색 농담의 변화를 통해 평면 매체인 회화의 깊이를 고민한 시간 끝에 색의 세계에 관한 탐구를 개시했다. 색은 항상 무언가를 피어나게 하기에 이제 그의 화면에서도 색을 입은 형상들은 표면에서 밖을 향한다. 발산하는 화면의 모습을 더 효과적으로 표현하기 위해 필획도 빨라졌다. “정성스럽게 혹은 공격적으로 대상을 긁어가며 그려낸다.” ‘돌 줍기’(2022)는 색채 화면으로의 변화를 보여주는 작품이다. 이제 선과 색, 돌과 사람은 검은 회화에서 형상 요소가 그러했듯 동등한 개체로 눈앞에 나타난다. 사라지기 때문에 영원할 수 있는 기억, 불완전하기에 놓을 수 없는 의미처럼 맞물려 함께 존재한다. ◆장재민, 낚시터를 바라본 그림 장재민(1984∼)은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 동 대학원에서 석사 학위를 취득했다. 금호미술관, 프로젝트 스페이스 사루비아, 보안 1942 등에서 개인전을 열었다. 대전시립미술관, 포스코미술관, 우민아트센터 등에서 열린 단체전에 참가했다. 제4회 종근당 예술지상, 제36회 중앙미술대전에서 수상했다. 국립현대미술관 미술은행, 부산현대미술관, 국립해양박물관, 금호미술관 등 다수의 국공립 미술관 및 사립 미술관에서 작품을 소장하고 있다. “스스로 경험한 장소의 감각 기억들을 하나의 사진이 온전히 담아낼 수 없음을 인지하고, 이러한 총체적 경험들을 회화의 촉각적 언어로 표현”하고자 한다는 장재민의 작업 방식은 동시대 회화의 실험 맥락에 있다. 작가는 국내 여러 지역을 다니며 보고, 기록한 것에서 비롯해 낯선 장소에 얻어낸 경험과 감각을 회화적 언어로 재구성해 풀어낸다. 작품이 감상의 대상을 뛰어넘는 심리적 재현으로서의 풍경화가 되도록 만든다. 장재민은 이러한 시도를 화면 위에 펼쳐 놓을 때 회색 조의 물감을 주로 사용한다. 모든 작품이 같은 톤이기에 풍경의 시간이나 계절을 가늠할 수 없다. 대신 적막하고 차분한 분위기가 지속하며 가늠할 수 없을 때 오는 어떤 틈이 열린다. 회색의 물감은 붓에 잔뜩 묻혀졌다가 화면 위로 올려져 제 존재를 확연히 드러낸다. 유독 물감의 흔적이 선명한 그의 화면은 온몸을 던져 그리는 작업의 순간을 보여준다. 힘과 떨림이 담긴 특유의 붓질은 그림을 마주할 때 시각과 촉각을 동시에 경험할 수 있게 한다. ‘저수지 상류’(2020)는 작가가 저수지 낚시터를 방문하고 그린 작품이다. 공중에서 내려본 시선이 포착한 것은 물 한가운데 떠 있는 수상 낚시터의 모습이다. 누군가가 작은 보트로 내려주었을 좌대에 가만히 앉은 사람이 보인다. 사람이 더 보이지 않는 고요한 풍경이지만 그 위로 그어진 사선에서 후드득 비 떨어지는 소리가 들린다. 멀리 있는 절벽을 뒤덮은 수풀과 나무도 비와 함께 강으로 쏟아져 내릴 것 같다. 작가는 낚시터를 “우연적으로 만들어진, 이상한 배열들을” 만나기 좋은 장소라며 화가 노충현과의 대화에서 다음 같이 말한 바 있다. “저에게 낯선 곳을 만나는 일, 일상적인 경험에서와는 다른 감각을 쓰게 만드는 일들은 결국 일상의 어떤 조건들을 환기시켜주는 매개체 같아요. 극도로 적막하거나, 막다른 길에 접어들거나, 의외의 풍경 앞에 놓일 때 발걸음을 재빨리 옮기지 않고 가만히 지켜보는 편이에요. 그리고 밤낚시를 가게 되면 하루를 꼬박 새고 아침에서야 돌아오는 경우가 많아요. 해가 뜰 즈음 주변을 둘러보면 밤에는 인식하지 못했던 풍경들이 다시 모습을 드러내는데, 발밑 상태, 등 뒤의 절벽, 건너편 산, 모든 게 새롭게 다가올 때가 있어요.” 이 작품은 크기가 세로 312㎝, 가로 235㎝에 달한다. 분할되지 않은 하나의 거대한 화면을 마주하니 작품 자체가 풍경이 되어 내 앞에 출현한다. 그 안으로 걸어 들어가고 싶은 충동을 느낀다. 숲으로 그리고 풍경으로 들어가고 싶은 시간이 되어서다.

국가무형문화재인 한국의 나전이 프랑스에 있는 한국문화원에서 전시된다. 문화재청 국립무형유산원은 전시 ‘나전, 시대를 초월한 빛, 한국의 나전을 만나다(Najeon, the Korean Mother of Pearl Artworks-Meeting with the Timeless Shine)’를 주프랑스한국문화원에서 오는 29일부터 11월 19일까지 두 달간 연다고 27일 밝혔다. 이번 전시는 지난 프랑스 파리 유네스코 본부에서 열린 전시회가 일부 관람객에게 제한된 장소의 한계성을 벗어나, 세계 각지에서 찾아오는 관광객과 프랑스 국민이 자유롭게 관람할 수 있도록 하기 위해 마련됐다는 설명이다. 천 년을 지켜온 한국 인간문화재의 장인 정신과 이를 현대적으로 승화한 예술의 미학을 한자리에 모았다. 전시는 안강은 예술감독이 맡아 꾸렸고, 국가무형문화재 보유자 7명 전통 작품 45점과 현대 작가 예술품 14점이 선을 보인다. 국가무형문화재 보유자는 조선시대 마지막 나전칠기 장인으로 알려진 전성규의 작품을 비롯해 △나전 줄음질 분야의 제1대 보유자 김봉룡 △끊음질 분야의 제1대 보유자 심부길 △나전칠기의 현대적 판로 개척과 국내 유통체계를 세운 송주안 △송주안의 장남으로 대를 이어 줄음질 분야 발전에 기여한 송방웅 △전통공예를 현대예술로 승화시킨 김태희 △국내외에서 활약이 뛰어난 나전장 이형만 △칠장 정수화다. 현대 작가로는 옻칠회화 장르를 개척한 한국 옻칠예술의 거장 김성수를 비롯해 △‘현대자개회화’라는 독창적 개념을 선보인 정직성 △나전 공예 기법을 가구와 오브제화 한 류지안 △금속 기물에 나전을 예술화한 김현주 △정통 채화공예를 토대로 전통문양을 현대적으로 승화시킨 최다영이다. 부대행사로는 ‘한국 나전 보석함 만들기’ 체험이 열린다. 프랑스 현지에서 한국의 조개껍데기인 나전을 사용해 나무와 꽃을 만들거나 세상에서 가장 사랑하는 사람의 얼굴을 보석함으로 만드는 체험으로 500명을 대상으로 한다. 자세한 정보는 문화재청 국립무형유산원 누리집 주프랑스한국문화원 누리집에서 확인할 수 있다.

전혁림 미술상 운영위원회는 8회 전혁림 미술상 수상자로 허은경(58) 작가가 선정됐다고 27일 밝혔다. 전혁림 미술상은 짙푸른 색채의 통영항 작품으로 유명한 전혁림(1916∼2010) 화백의 예술정신을 계승하기 위해 2015년 마련된 상이다. 김이환 운영위원장은 “식물과 인간의 형상을 매치시키는 방법과 테크닉, 그것을 아우르고 포착해내는 시선과 표현언어가 무엇보다 다채롭다. 조형성과 기하학적인 형태에 대한 탐구, 제작기법에 대한 끊임없는 실험정신 또한 간과할 수 없는 치열한 작가정신이다. 표현의 발상이나 ,이미지의 전달 형식도 그만큼 혁신적이고 자유롭고 풍부하다”고 선정 이유를 밝혔다. 심사위원 홍경한 미술평론가는 “작가의 실제 경험과 상상에 의해 만들어진 작품들은 생물학과 종교 등 다의적 해석을 가능하게 할 뿐만 아니라, 기괴하면서도 낯선 조형적 아름다움이 인상적”이라고 평가했다. 심사위원 김찬동 금강자연미술비엔날레 감독은 “나전칠기의 전통기법과 현대문화의 팝적 요소들을 융합하는 등 다양한 자신만의 어법으로 꾸준히 작업해온 작가로서 작업량과 공력에 비해 저평가 돼 새로운 평가가 필요하다”고 밝혔다. 심사는 미술평론가 고충환, 김종근, 김찬동, 홍경한, 황인이 맡았다. 시상식은 다음달 7일 오후 4시 경남 통영 전혁림미술관에서 열린다. 상패 및 창작지원금인 상금 1000만원이 수여된다. 내년 10월 전혁림미술관에서 개인전을 연다.

“전쟁 후 폐허와 빈곤을 경험한 우리에게는 예술이나 전통문화의 보존 등은 사치에 불과했습니다. 물질적 풍요의 욕망만을 향해 달렸던 시기는 제게 정신적 빈곤의 그림자로 느껴졌고 그렇게 두손화랑이 시작됐죠.”(김양수 두손갤러리 대표) 1980년대, 지금은 한국 미술 거장이 된 김환기, 박수근, 이중섭, 나혜석, 박서보 등 한국 근·현대 미술가 전시를 열고 후원하며 한국 미술을 이끌어온 대표적인 1세대 화랑인 두손갤러리가 30년 만에 부활했다. 이달 초 키아프(한국국제아트페어·Kiaf)와 영국 프리즈(Frieze) 서울 공동 개최를 기점으로 본격적인 세계화 시대를 열고 있는 한국 미술계에 주목되는 사건으로 평가된다. 두손갤러리가 부활의 장소로 택한 곳은 서울 중구 정동에 위치한 옛 구세군중앙회관. 1928년 지어진 유서 깊은 근대 건축물로서 서울특별시 기념물로 지정돼 있는 문화유산이다. 최근까지 ‘정동1928아트센터’라는 이름으로 카페 및 문화 프로젝트에 대관되는 형식으로 운영됐다. 두손갤러리가 들어서면서 새로운 미술 ‘핫 스폿’으로 변신하게 됐다. 애초 구세군중앙회관은 한국 구세군의 본관으로 일제강점기와 한국전쟁을 거쳐 한국 구세군의 중흥기인 근대화 과정까지 한국 구세군의 혼과 정신이 뿌리 깊게 배어 있는 건물이다. 종교적 역사성뿐만 아니라 근대 건축으로서 좌우 대칭의 안정된 외관이 잘 보존돼 근대 건축의 좋은 사례로 평가된다. 김양수 대표는 이 공간에 갤러리를 만들기로 처음 결심한 후 재개관까지 3년이 걸렸다고 했다. 재개관에 나서며 두손갤러리 측은 “레전더리(전설적) 딜러의 귀환”으로 자평하고 세계화 시대를 맞은 한국 미술계에 기여하겠다는 포부를 밝히고 있다. 1969년 고미술상으로 출발해 1977년부터 현대미술 전시를 시작한 두손은 우리나라 1세대 화랑의 대표 주자로 활약했다. 1980년대 서울 종로구 대학로에 터 잡은 화랑 건물은 건축가 김석철이 설계한 아름다운 건축물로도 유명했다. 하지만 최근 미술계에선 잊히다시피 했다. 1992년 국립현대미술관의 백남준 전시 후원이 두손의 이름으로 진행한 마지막 프로젝트였다. 이후에는 해외 활동에 주력했다. 1990년대에는 미국 뉴욕에서 ‘스페이스 언타이틀드’라는 이름의 대안 공간을 만들어 활동했다. 2000년대 들어서는 서울 용산구 이태원 등에서 복합문화공간을 지향한 ‘인터아트채널’이란 이름으로 활동을 이어갔다. 그러던 중 두손이란 이름을 다시 꺼내고 정통 화랑으로 돌아온 것이다. 두손갤러리 측은 옛 이름으로 재개관을 하게 된 계기에 대해 이렇게 설명했다. “현대 한국 미술계는 해외 갤러리들이 속속 개관하고, 프리즈 아트 페어가 서울에서 개최되는 등 글로벌 시대를 맞이하고 있습니다. 아트에 대한 유례없는 관심이 반갑기도 하지만 아트를 투자의 방편으로만 바라보는 일부의 시선과 해외 미술시장에 밀리고 있는 한국 작가 및 갤러리에 대한 우려를 하지 않을 수 없는 시점입니다. 두손갤러리는 이런 시기에 한국 미술을 전격적으로 후원하고, 글로벌 무대와의 의미 있는 교류의 장을 만들기 위해 두손이라는 본래의 이름을 찾고, 개화기에 문을 연 공간 구세군회관에서 새로운 시작을 알리려 합니다.” 경기고, 서울대 미대 서양화과를 거쳐 일찍부터 화상의 길로 접어든 김 대표는 한국이 낳은 세계적 비디오아트 거장 백남준과 인연도 각별하다. 백남준이 미국 뉴욕 소호에 작업실을 두고 활동하던 시절, 소호에 함께 거주하며 갤러리스트로서 백남준 활동을 도왔고 백남준은 김양수를 모델로 한 비디오아트 설치작품 ‘미스터 킴(Mr.Kim)’을 제작해 선물한 일화가 있다. 당시 백남준은 여러 유명인이나 예술가를 작품으로 만들었는데, 유명인이 아닌 일반인을 모델로 작품을 제작한 것은 김 대표가 유일하다고 한다. 두손 재개관 기념 전시는 대표적 현대미술가 이수경이 주인공이 됐다. 이수경은 깨진 도자기를 금빛으로 이어붙인 조각 작품으로 대중에도 널리 알려진 현대미술가다. 이번 개인전 ‘다정한 자매들(Intimate Sisters)’에서는 그간 이수경의 대표작인 깨진 도자기 작품 ‘번역된 도자기’ 연작을 비롯해 정교하고 화려한 왕관으로 대중의 사랑을 받아온 또 다른 대표작 ‘달빛 왕관’, 최근 집중하고 있는 회화 작품 ‘오 장미여!’ 등 작업 전반을 살펴볼 수 있다. 이수경의 대표작 깨진 도자기들은 장인들이 도자기 완성작을 만드는 과정에서 스스로 만족스럽지 않아 깨뜨리고 버린 도자기들을 작가가 모아 새로운 도자기 형태로 이어붙이고, 그 접합 부분을 순금으로 장식한 작업이다. 공들인 도자기들의 매끈한 표면, 백자 또는 청자들이 가진 순수함과 우아함, 그에 강렬하게 대조되며 처절하게 깨지고 날카롭게 부서진 흔적, 그 흔적이 다시 치유되듯 접합되고 화려한 금빛을 더해 부활하는 듯한 모습으로 변신한다. 그렇게 새로운 기품을 뽐내는 완성품이 된다. 도자기 작품에 익숙한 관람객이라면 회화 작품 ‘오 장미여!’ 연작이 더욱 흥미로울 만하다. 자유롭게 대형 캔버스를 물들인 장밋빛이 아름답다. 작가가 무엇을 그릴까 소재를 찾던 중, ‘전생 체험’이라 불리는 최면 의식을 경험하게 됐고, 그때 본 무의식 속 환상적 장면을 화면에 옮기기로 했다. 갤러리스트들은 작가가 그려낸 화면을 보고 안견의 ‘몽유도원도’와 같은 느낌을 받아 그에 빗대 “이수경의 몽유장미원”이라고 입을 모았다고 한다. 전시장에서 만난 작가 역시 “조각은 이제 어느 정도 수준에 올랐다는 느낌을 받는데, 회화는 이제 막 시작하는 느낌이 든다”고, 새로이 몰입할 대상을 찾은 듯 눈을 반짝이며 애정을 드러냈다. 전시장에서는 이수경 개인전 외에도 두손갤러리 소장품인 백남준 명품과 이탈리아 베네치아에서 베니스비엔날레 공식 병행 전시 자격으로 개인전을 열고 있는 전광영 작가 작품도 볼 수 있다. 특히 갤러리 2층에 구세군회관에서 실제로 사용돼 온 역사의 손때가 묻은 예배당 의자 너머 백남준의 대형 비디오벽(Video Wall) 작품 ‘M200’이 켜진 모습은 역사와 예술이 어우러져 장관을 이룬다. 김 대표는 “한국의 정서를 잘 표현하는 작가들을 더 발굴하고 싶다. 서양 미술계가 아시아 작가들에게 주목하고 있는 이유는 그들이 갖지 못한 새로운 정신세계를 가지고 있고 그것이 작품으로 표출되기 때문”이라고 밝혔다. 이어 “그러한 맥락에서 우리가 가진 가치관과 철학을 작품으로 잘 표현해내는 한국 작가가 곧 세계적인 작가가 될 수 있는 잠재력이 크다”고 덧붙였다. 이수경 개인전은 오는 30일까지.

부조리한 시대 속에서 수시로 내적갈등을 경험하며 살아내고 있는 이 시대 젊은 여성의 얼굴을 자화상 연작을 통해 드러내온 이은경 작가가 신작을 선보인다. 신작들은 기존 자화상 연작의 주인공들이 마치 숨다가도 세상에 맞서려 방패삼듯 탈을 쓴 모습이 인상적이다. 서울시 서대문구 연희동에 위치한 갤러리 ‘플레이스 막’에서 이은경 작가 개인전 ‘플레이- 플라이트 오어 플라이트(PLAY - Fight or Flight)’가 한창이다. 이번 전시를 통해 이은경 작가는 2019년부터 올해까지 집중해온 대형 작품들과 작은 거울을 보며 그려낸 자화상 작업 등 총 27점의 작업을 선보인다. 전시를 기획한 정윤진 기획자는 “자화상 연작으로 알려진 이은경 작가의 기존 작업에서는 볼 수 없었던 새로운 표현이 이번 신작에서 눈에 띈다”며 “다양한 사물과 탈, 동·식물과 곤충이 두서없이 등장하는 커다란 캔버스 위로 강렬한 색감과 과장된 신체의 움직임이 종횡무진하며 독특한 흐름을 자아낸다”고 했다. 정 기획자에 따르면 이번 작업은 거대한 그림 속 주인공들의 표정은 격양돼 보이는데 작가는 그런 극단적 긴장 상태를 투쟁과 도피반응에 비교하며 의도치 않게 행해지는 실수와 그 실수를 만회하지 못하고 원하지 않는 방식으로 이어지는 흐름을 담아낸 결과다. 또 작가 스스로 “타자와의 대화 속에 야기되는 오해들, 그것들이 설명되지 않을 때의 당혹감과 미묘한 소통불능의 상태를 반복 경험하면서 사람들 앞에서 전달하지 못했던 말과 감정들이 그림을 그리는 시간을 통해서만 정직하게 남겨져, 그 표정을 기록하게 됐다”는 작가의 말을 전했다. 정윤진 씨는 “작가가 그려내는 삶이라는 비현실적인 무대는 당혹스러운 순간과 서투른 대응들이 난무하는 접전의 현장”이라며 “무대 밖 거울 앞에서 감정을 추스르지만, 끝내 스스로에게 관대해지기 어려워하는 자신을 마주 보는 일련의 과정들이 한 공간 안에서 교차하며 보일 수 있도록 구성했다”고 밝혔다. 또한, 이번 전시를 통해 “작가가 그려낸 것들은 혐오의 대상이 되는 존재들과 자신이 다르지 않다고 말하는 감각이라며 실제로 불쾌를 자아내는 벌레와 동물들은 직접적이거나 자극적으로 그려지지 않았지만, 그곳에 있다는 사실만으로 사람들에게 불쾌를 자아낸다”며 “이것은 사회 안에서는 낯선 것으로 분류되곤 하는 보편적 기준을 따르지 않는 모든 비정상적인 것들이 어떻게 조롱과 멸시의 무대 위에 놓이는지, 그 대상으로부터 거리두기에 성공하지 못하거나 어떻게든 차이를 증명하고자 하는 각자의 자리를 생각해보길 기대한다”고 덧붙였다. 9월 25일까지.

“전쟁 후 폐허와 빈곤을 경험한 우리에게는 예술이나 전통문화의 보존 등은 사치에 불과했습니다. 물질적 풍요의 욕망만을 향해 달렸던 시기는 제게 정신적 빈곤의 그림자로 느껴졌고 그렇게 두손화랑이 시작됐죠.”(김양수 두손갤러리 대표) 1980년대, 지금은 한국 미술의 거장이 된 김환기, 박수근, 이중섭, 나혜석, 박서보 등 한국 근·현대 미술가들의 전시를 열고 후원하며 한국 미술을 이끌어온 대표적인 1세대 화랑인 두손갤러리가 30년만에 부활했다. 이달 초 키아프(한국국제아트페어·Kiaf)와 영국 프리즈(Frieze) 서울 공동개최를 기점으로 본격적인 세계화 시대를 열고 있는 한국 미술계에 주목되는 사건으로 평가된다. 두손갤러리는 서울 중구 정동에 위치한 옛 구세군중앙회관에 자리를 잡고 재개관했다. 구세군중앙회관은 1928년 지어진 유서깊은 근대건축물로, 서울특별시 기념물로 지정돼 있는 문화유산이다. 최근까지 ‘정동1928아트센터’라는 이름으로 카페 및 문화 프로젝트에 대관되는 형식으로 운영돼다 두손갤러리가 들어서며 새로운 미술 ‘핫 스폿’으로 변신하게 됐다. 문화유산 포털에 따르면, 구세군중앙회관은 한국 구세군의 본관으로 일제강점기와 한국전쟁을 거쳐 한국 구세군의 중흥기인 근대화 과정까지 한국 구세군의 혼과 정신이 뿌리깊게 배어 있는 건물이다. 지금까지 대체로 원형이 유지됐는데, 현관의 4개의 기둥과 지붕이 당당한 인상을 주고 현관 쪽의 바닥은 물갈기 슬래브이나 복도 및 계단 난간은 목조로 돼 있으며 목조 트러스가 이색적인 아름다움을 보여주는 것이 특징이다. 종교적 역사성 뿐만 아니라 근대건축으로서 좌우 대칭의 안정된 외관이 잘 보존돼 근대 건축의 좋은 사례로 평가된다. 김양수 대표는 이 공간에 갤러리를 만들기로 처음 결심하고 재개관까지 3년이 걸렸다고 했다. 두손갤러리 측은 “레전더리(전설적) 딜러의 귀환”으로 자평하며 글로벌 시대를 맞은 한국 미술계에 기여하겠다는 포부다. 1969년 고미술상으로 출발해 1977년부터 현대미술 전시를 시작한 두손은 우리나라 1세대 화랑의 대표주자로 활약했고 1980년대 서울 종로구 대학로에 터잡은 화랑 건물이 건축가 김석철이 설계한 아름다운 건축물로도 유명했다. 하지만 최근엔 미술계에 잊혀지다시피 했던 이름이다. 1992년 국립현대미술관의 백남준 전시 후원이 두손의 이름으로 진행한 마지막 프로젝트였다. 이후에는 해외 활동에 주력했다. 1990년대에는 미국 뉴욕에서 ‘스페이스 언타이틀드’라는 이름의 대안공간을 만들어 활동했다. 2000년대 들어서는 서울 용산구 이태원 등에서 복합문화공간을 지향한 ‘인터아트채널’이란 이름으로 활동을 이어갔다. 그러던 중 두손이란 이름을 다시 꺼내고 정통 화랑으로 돌아온 것이다. 두손갤러리 측은 옛 이름으로 재개관을 하게 된 계기에 대해 이렇게 설명했다. “현대 한국의 미술계는 해외 갤러리들이 속속 개관하고, 프리즈 아트페어가 서울에서 개최되는 등 글로벌 시대를 맞이하고 있습니다. 아트에 대한 유례없는 관심이 반갑기도 하지만 아트를 투자의 방편으로만 바라보는 일부의 시선과 해외 미술시장에 밀리고 있는 한국 작가 및 갤러리에 대한 우려를 하지 않을 수 없는 시점입니다. 두손갤러리는 이런 시기에 한국 미술을 전격적으로 후원하고, 글로벌 무대와의 의미있는 교류의 장을 만들기 위해 두손이라는 본래의 이름을 찾고, 개화기에 문을 연 공간 구세군회관에서 새로운 시작을 알리려 합니다.” 경기고, 서울대 미대 서양화과를 거쳐 일찍부터 화상의 길로 접어든 김양수 대표는 한국이 낳은 세계적 비디오아트 거장 백남준과의 인연도 각별한 것으로 유명하다. 백남준이 미국 뉴욕 소호에 작업실을 두고 활동하던 시절, 소호에 함께 거주하며 갤러리스트로서 백남준의 활동을 도왔고 백남준은 김양수를 모델로 한 비디오아트 설치작품 ‘미스터 킴(Mr.Kim)’을 제작해 선물한 일화가 있다. 당시 백남준은 여러 유명인이나 예술가를 작품으로 만들었는데, 유명인이 아닌 일반인을 모델로 작품을 제작한 것은 김양수 대표가 유일하다고 한다. 전시장에서 만난 김 대표는 “딸에게 ‘미스터 킴’을 물려주었는데 뉴욕에 브루클린 미술관에 백남준 소장품이 없다는 사실을 알고 이래선 안 된단 생각을 한 딸이 ‘미스터 킴’을 브루클린 미술관에 기증했다”며 웃어보였다. 당시 이 작품은 브루클린 미술관의 한국관 확장 기념전시에도 출품됐다. 딸인 김지인 씨는 두손갤러리 이사로 활동하고 있다. 김 대표는 미국에서 활동하면서 백남준 외에도 해외 거장 전시에도 인연을 맺었다. 미국 전설적 갤러리로 불리는 카스텔리 갤러리의 대표이자, 미국 미술시장의 대부로 불리는 레오 카스텔리를 만나 1989년에 ‘미국의 위대한 예술가 5인(5 Great American Artist)’ 로이 리히텐슈타인, 로버트 라우셴버그, 엔디 워홀, 제임스 로젠퀴스트, 프랭크 스텔라 단체전을 열기도 했다. 두손 재개관 개념 전시는 대표적 현대미술가 이수경이 주인공이 됐다. 이수경은 깨진 도자기를 금빛으로 이어붙인 조각작품으로 대중에도 널리 알려진 현대미술가다. 이번 개인전 ‘다정한 자매들(Intimate Sisters)’에서는 그간 이수경의 대표작인 깨진 도자기 작품 ‘번역된 도자기’연작을 비롯해 정교하고 화려한 왕관으로 대중의 사랑을 받아온 또다른 대표작 ‘달빛 왕관’, 최근 집중하고 있는 회화작품 ‘오 장미여!’ 등 작업 전반을 살펴볼 수 있다. 특히 이번 ‘번역된 도자기’ 작품 중에는 이탈리아 카포디몬테 박물관과 협업해 제작한 작품도 나왔다. 이수경의 대표작 깨진 도자기들은 작가가 도자기를 만드는 장인들이 완성작을 만드는 과정에서 스스로 만족스럽지 않아 깨뜨리고 버린 도자기들을 모아 새로운 도자기 형태로 이어붙이고, 그 접합부분을 순금으로 장식한 작업이다. 공들인 도자기들의 매끈한 표면, 백자 또는 청자들이 가진 순수함과 우아함, 그에 강렬하게 대조되며 처절하게 깨지고 날카롭게 부서진 흔적, 그 흔적이 다시 치유되듯 접합되고 화려한 금빛을 더해 부활하는 듯한 모습으로 변신한다. 그렇게 새로운 기품을 뽐내는 완성품이 된다. 작가는 도자기 작품들에 대해 이렇게 설명했다. “‘번역된 도자기’에서는 각각의 도자기들이 깨져서 파편으로 해체된 것들이 다른 도자기에서 떨어져 나온 파편들과 몸을 섞고 맞물리면서 결국 서로 견고하게 엉겨 붙고, 균열들은 순금으로 덮여서 새로운 이야기를 펼칩니다. 도자기가 사물로서 겪은 흥망성쇠의 끝 지점에서 나타나는 새로운 삶과 부활의 의미를 생각하게 됩니다. 금은 사물이 다른 존재로 변모하는 은유로서 사용되는 경우가 많은데, 금으로 무언가를 덮는다는 것은 성화된다는 의미로 나에게 각인이 된 것 같습니다.” 도자기 작품에 익숙한 관람객이라면 회화 작품 ‘오 장미여!’ 연작이 한껏 흥미로울 만하다. 자유롭게 물들인 대형 캔버스를 물들인 장밋빛이 아름답다. 작가가 무엇을 그릴까 소재를 찾던 중, 전생체험이라 불리는 최면 의식을 경험하게 됐고, 그때 본 무의식 속 환상적 장면을 화면에 옮기기로 했다. 갤러리스트들은 작가가 그려낸 화면을 보고 안견의 ‘몽유도원도’와 같은 느낌을 받아 그에 빗대 ‘이수경의 몽유장미원’이라고 입을 모았다고 한다. 전시장에서 만난 작가 역시 “조각은 이제 어느 정도 수준에 올랐다는 느낌, 더 잘할 수 없겠다는 느낌을 받는데, 회화는 이제 막 시작하는 느낌이 든다”고, 새로이 몰입할 대상을 찾은 듯 눈을 반짝이며 애정을 드러냈다. 전시장에서는 이수경 개인전 외에도 두손갤러리 소장품인 백남준의 명품들과 이탈리아 베니스에서 베니스비엔날레 공식 병행전시 자격으로 개인전을 열고 있는 전광영 작가의 작품도 볼 수 있다. 특히 갤러리 2층에 구세군회관에서 실제로 사용돼 온 역사의 손떼가 묻은 예배당 의자 넘어 백남준의 대형 비디오벽(Video Wall) 작품 ‘M200’이 켜진 모습은 역사와 예술이 어우러져 장관을 이룬다. 재개관전에 방문한 박서보 화백은 자신의 소셜미디어 계정에 “윗층에서 삐그덕 삐그덕 나무 복도를 걷는 소리가 난다”는 말로 역사가 깃든 풍경이 주는 아름다운 심상을 표현했다. 김 대표는 “한국의 정서를 잘 표현하는 작가들을 더 발굴하고 싶다. 서양 미술계가 아시아 작가들에게 주목하고 있는 이유는 그들이 가지지 못한 새로운 정신 세계를 가지고 있고 그것이 작품으로 표출되기 때문”이라고 밝혔다. 이어 “그러한 맥락에서 우리가 가진 가치관과 철학을 작품으로 잘 표현해내는 한국 작가가 곧 세계적인 작가가 될 수 있는 잠재력이 크다”고 덧붙였다. 이수경 개인전은 9월 30일까지.