‘이건희 컬렉션’이 미국 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 시카고 미술관 등 세계 굴지 전시공간에 빠르면 2025년부터 선보일 전망이다. 윤성용(사진) 국립중앙박물관장은 11일 서울 용산구 박물관에서 연 기자간담회에서 “연내에 각 기증품을 유물관리 전산 시스템에 입력하는 ‘등록’ 절차를 마칠 예정이며, 2025년부터는 국외 전시를 추진하기 위해 몇 곳과 협의 중”이라고 밝혔다. 현재 국립중앙박물관은 이건희 회장의 기증품 가운데 93%에 해당하는 2만1613점을 관리하고 있다. 국립중앙박물관은 기증품 조사 연구의 첫 단계로 올해 말까지 9권의 분야별 목록집을 발간할 예정이다. 장르를 점차 확대해 2025년까지 목록집 20여권을 내놓는다는 계획이다. 이를 위해 국립중앙박물관과 13개 소속박물관의 학예연구직이 폭넓게 참여하고 있다. 윤 관장은 “9권의 분야별 목록집을 발간하면 일반 국민들이 이건희 기증품이 어떤 가치가 있는지를 알 수 있게 될 것”이라고 했다. 국립중앙박물관은 이건희 컬렉션을 한데 모은 특별전을 소속 박물관에서도 개최할 예정이다. 박물관 측은 현재 외국 박물관과 기증품 전시를 협의하고 있다. 윤상덕 전시과장은 “미국 시카고박물관은 2026년 초 정도에 대규모로 전시를 하고자 준비 중”이라며 “메트로폴리탄 박물관은 2025년에 한국실에서 (시카고보다는) 작은 규모로 전시를 꾸미려 한다”고 설명했다.

“나는 우리 가족과 선량한 모든 사람들을 위해서 진실로 새로운 표현을, 위대한 표현을 계속할 것이라오.” 이중섭은 1954년 아내에게 부친 편지에서 이렇게 다짐했지만, 이후 채 3년을 살지 못한다. 1956년 9월 6일, 영양실조와 분열 증세를 보이다 입원과 퇴원을 반복하던 끝에 무연고자 신분 40세 나이로 세상을 떠났다. 하직하는 날까지 그는 가족을 평생 사랑하고 그리워했다. “내 사랑하는 아내 남덕 천사 만세 만세”로 마치는 그의 편지는 그 어떤 작품보다 정성스레 꾸며졌다. 편지지 상단에는 가족 구성원 숫자를 의미하듯 별 네개를 그렸고 그 옆으로는 해와 초승달이 떠 있다. “나만의 아름답고 상냥한 천사여. 더욱더 힘을 내서 더욱더 건강하게 지내줘요.” 아내를 향한 애절한 문장들 주변으로, 콧수염이 나고 얼굴이 긴 자신을 그렸다. 풍성하고 동그랗게 앞머리를 만 아내와 두 아들이 얼굴을 맞대고 껴안은 채 웃고 있다. 종이와 붓, 팔레트도 등장한다. 붓을 든 콧수염 사내가 행복한 얼굴로 가족을 그리는 모습도 그렸다. 훗날 이중섭 작품세계의 핵심적인 도상으로 꼽히는 요소들이 이 작은 편지지 안에 모두 그려져 있는 셈이다. 편지는 의사소통 수단을 넘어, 아내에게 바치는 한편의 그림 작품이었다. 서울 종로구 소격동에 위치한 국립현대미술관에서 ‘이건희컬렉션 특별전:이중섭’이 12일 시작된다. 국립현대미술관에 기증된 이건희컬렉션 중 이중섭 작품 수는 총 104점. 이 가운데 국내외 다른 전시에 대여된 작품을 제외한 약 80점이 이번 전시에 나온다. 국립현대미술관이 기존에 소장하고 있던 10점을 더해 약 90점으로 이번 전시가 구성됐다. ◆귀한 1940년대 엽서화 대거 전시 특히 이건희컬렉션을 통해 1940년대 제작된 엽서화 40점이 대거 기증돼 이번 전시에 36점이 나왔다. 아내와 두 아들 이름을 적어 편지와 함께 접어 동봉해 보냈던 편지화도 이번 전시에서 큰 비중을 차지한다. 의사소통을 넘어 작품으로 남게 된 조그만 그림들이 이번 전시 주인공인 셈이다. 이중섭은 일제강점기 1916년 함경남도 원산에서 태어났다. 8세 때 평양 외가로 이주해 보통학교에 입학해 동기 김병기의 아버지 김찬영 작업실을 출입하며 각종 화구와 ‘더 스튜디오(The Studio)’ 같은 유명 미술서적을 접하고 큰 자극을 받았다. 16세 오산고등보통학교에 다닐 때 임용련에게 미술교육을 받았고 17세부터 20세 때까지 학생 전람회에 작품을 출품해 잇따라 입선했다. 20대 일본 유학 시절 운명의 상대를 만난다. 23세에 일본 도쿄문화학원에 입학해 자유로운 교풍 속에서 화가로 성장하던 중 후배인 야마모토 마사코를 만난 것이다. 1945년 원산에서 결혼하고 야마모토 마사코에게 ‘남쪽에서 온 덕이 많은 여자’라는 뜻으로 남덕이란 이름을 지어 불렀다. 1948년, 1949년 두 아들 태현, 태성을 얻었다. 엽서화는 그가 1940년 연인이던 야마모토 마사코에게 보낸 것에서 시작됐다. 가로 14㎝ 세로 9㎝ 관제엽서에 가벼운 채색을 곁들이며 사랑을 담았다. 엽서화는 현재까지 총 88점이 남아있다고 파악된다. 1940년 첫 엽서화 1점, 1941년 75점, 1942년 9점, 1943년 3점이다. 엽서화는 이중섭이 세상을 떠나고 23년 뒤인 1979년에 미도파백화점화랑에서 열린 ‘이중섭 작품전’에서 처음 소개됐다. 우현정 학예사는 “엽서화는 자유로운 공간 구성, 단순화한 형태, 원색 사용, 정제된 선묘 등 1950년대 완성된 이중섭 작품의 특징을 선취했다는 점에서 미술사적 의미가 깊다”고 설명했다. ◆펼치지 못한 꿈의 상징 은지화 이중섭의 상징이나 다름없는 은지화는 이건희컬렉션을 통해 총 27점이 기증됐다. 이번 전시에서도 큰 비중을 차지한다. 조그만 은지화들을 대거 모아 놓아 은은하고 귀하게 반짝이는 전시장 풍경은 이채롭고 감격적이다. 출생부터 죽음까지 이중섭 일생은 일제강점과 해방, 전쟁 시기와 정확히 겹친다. 민족사 가장 아픈 시기를 살아낸 그의 일생에서 은지화는 짧은 행복과 절망의 중간, 희망을 꼭 움켜쥐고 있었던 시기에 집중적으로 그려졌다. 그는 가족을 데리고 1950년 함경남도 원산에서 경상남도 부산으로 월남하고 다시 부산항에서 제주로, 또 제주항에서 서귀포로 걸어 피란했다. 아내, 두 아들과 살을 비비고 생활한 기간은 서귀포 알자리 동산마을 이장님 댁 곁방 한칸을 얻어 지낸 1951년 1월부터 12월까지 단 1년. 이중섭은 이때를 평생 그리워했다. 이후 아내와 아이들이 일본으로 먼저 떠난 뒤 혼자가 된 이중섭이 재회할 날을 기다리며 집중적으로 그린 것이 은지화다. 담뱃갑 속 은박지에 못이나 철필로 찢어지지 않을 정도로만 꾹꾹 눌러 파내듯 윤곽선을 그리고, 그 위에 먹물이나 갈색 물감, 담뱃재를 바른 뒤 다시 헝겊으로 닦아내는 그림이다. 고려청자 상감 기법처럼 윤곽선에만 진한 색이 남고 은박지는 표면은 반짝이며 닦여 그림이 완성된다. 1953년 일본에서 마지막으로 가족과 재회했던 이중섭은 그간 그린 은지화 70점 뭉치를 아내에게 건네주며 “나중에 형편이 나아지면 대작으로 그릴 에스키스(스케치)이니 절대 남에게 보여주지 말고 갖고 있으라”고 했다고 한다. 은지화는 끝내 대작으로 이어지지 못했지만, 1956년 외국인 소장가에 의해 뉴욕현대미술관(MoMA)에 은지화 3점이 기증됐을 때 기법과 재료의 독창성을 인정받아 소장품이 됐다. ◆최초 공개 작품·희귀작도 주목 이번 전시에는 문헌으로만 전해지다가 실물로는 최초 공개되는 작품 두 점이 있다. 1950년대 전반 제작된 것으로 추정되는 ‘닭과 병아리’, ‘물놀이 하는 아이들’이다. 언제부터 이건희 회장이 소장한 것인지, 누구의 손을 거쳐갔는지, 그간 왜 전시에 한번도 나온 적이 없는지는 학예사도 “현재로선 알 수 없다”고 했다. 1942년 종이에 연필로 그려진 작품 ‘소와 여인’은 초기 희귀작이다. 한국전쟁이 발발한 뒤 이중섭과 가족은 1950년 부산으로 피란하면서 그림들을 챙겨 들고 오지 못했다. 이 때문에 1940년대 작품이 거의 남아있지 않다. 그런 가운데 ‘소와 여인’은 이중섭의 “초기 작품세계를 확인할 수 있는 중요한 작품”이라는 설명이다. 편지지에 장식한 그림, 엽서 뒤를 채운 그림, 다방과 술집, 길거리, 쓰레기통에서 모은 담뱃갑 속 은지 위에 그린 그림. 그가 남긴 작품들엔 대작이 보이지 않는다. 온전한 바탕에 그린 것도 적다. 깨끗한 도화지나 커다란 캔버스를 설령 구할 수 있었다 해도, 그 온전한 흰 바탕이 그 시대 정직한 화가들에게는 죄책감으로 다가왔을지 모른다. 생존에 모든 힘을 쏟는 와중에 남겨진 공간을 감사히 여기며 그림으로 채웠고, 버려진 은박지 구겨짐도 주어진 여건 삼아 그림을 그렸다. 손바닥만 한 그림들로만 채워진 전시장 풍경은 당대 민족 자화상으로 다가온다. 전시장 벽면에는 그를 위로하는 후세의 의식처럼 거대한 디지털 화면에 엽서와 은지화를 확대해 보여주는 영상이 띄워졌다. 내년 4월23일까지.

국립현대미술관(MMCA)이 지난해에 이어 두 번째 ‘이건희컬렉션 특별전’을 개최한다. 이번 특별전에서는 ‘소’ 연작과 ‘은지화’ 등으로 잘 알려진 ‘국민화가’ 이중섭 작품만을 모아 집중적으로 소개한다. 국립현대미술관은 ‘MMCA 이건희컬렉션 특별전: 이중섭’을 오는 12일부터 내년 4월23일까지 약 8개월간 서울 종로구 삼청로에 위치한 서울관에서 개최한다. 고 이건희 삼성 회장이 미술관에 기증한 1488점 중 이중섭의 작품 약 80점, 국립현대미술관이 기존에 소장하고 있던 10점을 더해 약 90점으로 전시를 구성했다. 이건희컬렉션의 이중섭 작품은 총 104점으로, 기증된 회화 및 드로잉 작품 가운데 단일 작가 작품으로 가장 많다.

복합문화예술공간으로 바뀔 청와대에서 처음 열리는 ‘장애예술인 특별전’에 드라마 ‘우리들의 블루스’ 출연으로 잘 알려진 발달장애 작가 정은혜 등 장애인 작가 50명의 작품이 전시된다. 10일 문화체육관광부에 따르면 과거 대통령 기자 회견장으로 쓰였던 청와대 춘추관 2층에서 오는 31일 ‘장애예술인 특별전’이 열린다. 발달장애 작가인 김현우·정은혜 등 장애인 작가 50명의 작품 50여점이 전시된다. 김현우 작가는 용산 대통령 집무실에 걸린 ‘퍼시잭슨, 수학드로잉’을 그린 화가다. 독특한 초상화를 그리는 정은혜 작가는 드라마 ‘우리들의 블루스’에 주요 조연으로 출연해 유명해졌다. 전날 일부 작가는 청와대 전시현장을 찾아 간담회를 갖고 전시회 의미와 기획, 콘셉트에 대해 의견을 나누었다. 방두영 작가는 “장애문화예술은 장애인이 사회에서 경쟁할 수 있는, 자신에게 꿈과 희망을 주는 유일한 매개체”라며 “이번 춘추관 특별전시를 기획해줘 감사하다. 앞으로도 원로·중견·신진 작가가 골고루 지원받을 수 있도록 제도를 만들어 달라”고 당부했다. 이정희 작가는 “춘추관 특별전시회를 장애예술인이 제일 먼저 개최하게 돼 감사하다”며 “그동안 코로나로 힘들게 견뎌 왔었고, 장애와 비장애를 구분하는 소외의 소리가 있었는데, 이번 전시회가 구분이 아니라 함께 어울려 즐기는 전시회가 되길 바란다”고 말했다. 정성원 작가는 “이런 뜻깊은 특별 전시에 참여하는 것 자체만으로도 감사하고 기쁘다”고 했다.

국립현대미술관이 지난해에 이어 두번째 ‘이건희컬렉션 특별전’을 개최한다. 이번 특별전에서는 ‘이건희컬렉션’ 중 가장 큰 비중을 차지하는 이중섭 작품으로 꾸민다. 이중섭은 소 연작과 은지화 등으로 잘 알려진 ‘국민화가’다. 국립현대미술관(MMCA)은 ‘MMCA 이건희컬렉션 특별전: 이중섭’을 오는 12일부터 내년 4월 23일까지 약 8개월간 서울 종로구 삼청로에 위치한 서울관에서 개최한다. ◆이중섭 작품 약 90점으로 특별전 이번 전시는 지난해 4월 고(故) 이건희 삼성 회장이 미술관에 기증한 1488점 중 이중섭의 작품 약 80점과 국립현대미술관이 기존 소장하고 있던 이중섭 작품 중 10점으로 구성돼 약 90 점의 이중섭 작품만을 선보인다. 기증된 이건희컬렉션에서 이중섭의 작품은 국내외 작가를 통틀어 유영국, 파블로 피카소에 이어 가장 많고, 회화 및 드로잉의 비중에 있어서는 가장 높다. 출품작 중에는 ‘닭과 병아리’(1950년대 전반)와 ‘물놀이 하는 아이들’(1950년대 전반)과 같이 이건희컬렉션을 통해 처음으로 공개되는 작품 2점, 1980년대 전시된 이후 오랜만에 공개되는 ‘춤추는 가족’(1950년대 전반)과 ‘손과 새들’(1950년대 전반) 2점이 있다고 미술관은 밝혔다. 국립현대미술관 이중섭 소장품은 ‘부부’(1953)와 ‘투계’(1953) 등 11점의 기존 소장품에 더해, 이건희컬렉션 104점 기증을 통해 총 115점이 됐다고 미술관은 밝혔다. 특히 1940년대 제작된 엽서화 40점이 대거 소장돼 이번 전시에는 36점이 출품되고, 3점에 머물던 은지화가 총 30점으로 늘어나 전시에는 27점이 출품됐다는 설명이다. 미술관 측은 이번 전시를 공개하기에 앞서, “오랜 기간 미술관이 축적해온 상당수의 미술품 수집과 조사‧연구 성과를 전시로 풀어낸 것”이라고 밝혔다. ◆새 정부 들어 입장바꾼 윤범모 관장, “이건희기증관 반대” 한편 국립현대미술관은 이건희컬렉션을 기증받은 뒤 몇차례 논란에 휩싸인 바 있다. 지난해 첫번째 윤범모 관장이 기자간담회에서 이건희컬렉션 ‘황소’를 소개하면서, 비슷한 다른 황소 작품 이미지를 보여주고 설명도 잘못했다가 공식 사과한 적이 있다. 최근엔 과천관에서 진행 중인 ‘한국채색화특별전:생의 찬미’ 전시에 이건희컬렉션인 이상범 ‘무릉도원’을 내놓았다가 작품 관리 논란이 인 뒤 철수하면서 “원래 전시 전반부(약 2개월)에만 선보일 예정이었기에 계획에 따라 철수하는 것”고 밝힌 바 있다. 윤범모 관장은 최근 복수의 언론 인터뷰에서 문화체육관광부가 이건희컬렉션이 분산되지 않고 전체 완성도를 국민에게 선보인다는 취지로 서울 종로구 송현동에 건립 예정인 가칭 ‘이건희 기증관’과 관련해, 기존 입장을 바꿔 ‘반대한다’는 입장을 공개적으로 표명했다. 기증 직후 문재인정부에서 ‘이건희 기증관’ 건립을 옹호했던 윤 관장은 지난 6월 연합뉴스와의 인터뷰에서 입장을 바꾸어 “새 정부에서 근본적으로 재검토할 기회가 있지 않을까 싶다”며 “(유족이) 수집품을 기관의 성격에 맞게 일습을 갖춰서 기증했는데 제 삼자가 임의로 합치는 것은 원칙적으로 기증자의 뜻에 어긋나는 것”이라고 했다. 7월 한겨레와의 인터뷰에서 “삼성가가 국립미술관과 국립박물관에 각각 나눠 기증해준 컬렉션을 다시 떼어서 합친 통합관 혹은 다른 근대미술관을 만드는 건 기증자 뜻과 안 맞다. 기증 작품들을 우리 미술관에서 연구하고 활용하는 게 저의 예우이고 임무”라고 밝혔다. 미술관은 이번 전시 중 상황에 따라 교체, 추가 및 조정될 수 있다고 밝혔다. 관람은 온라인 사전예약과 현장접수를 통해 가능하다. 하루 7회차 입장하며, 오전 10시부터 오후 4시 매 정시 사전예약자 입장하고 매 30분 현장접수자 입장한다. 야간개장 시 4회차가 추가돼 오후 5시부터 8시까지 매 정시 사전예약자가 입장하고, 오후 5시30, 6시 30분, 7시 30분에 현장접수자가 입장한다.

한국과 일본, 두 여성 예술가 영혼의 울림이 만났다. 2년 만에 국내에서 개인전을 개최하는 세계적인 ‘실의 작가’ 시오타 지하루의 신작 설치 ‘인 메모리(In Memory)’다. 시오타 지하루가 소설가 한강의 ‘흰’을 읽고 영감을 받아 제작했다. 공간에 실을 엮어내 거대한 동굴처럼 만들어내는 시오타 지하루만의 설치 작품은 언제 어디서나 관람객의 사랑을 받곤 했지만, 이번 흰색 실로 엮은 설치 작품은 국내 관람객들에게 조금 더 특별하게 됐다. 많은 사랑을 받아온 또 다른 예술가 한강의 울림까지 더해져서다. 서울 종로구 평창동 가나아트센터에서 시오타 지하루 개인전 ‘인 메모리(In Memory)’가 열리고 있다. 조각16점, 평면 38점, 설치 1점 총 55점을 전시한다. 시오타는 교토세이카대학에서 회화를 공부했으나 평면에 한계를 느껴 1996년 독일로 유학을 떠났고 신체를 활용한 퍼포먼스로 나아가 국제적 명성을 얻은 작가다. 기억과 트라우마를 창작의 원천으로 삼아, 몸은 죽어 없어지더라도 인간 내면의 의식은 영원히 이 우주 안에 녹아있어 존재할 것이라는 믿음을 표현하곤 한다. 어린 시절 할머니의 무덤에서 긴 잡초를 뽑으며 느꼈던 죽음의 공포, 이웃집 화재 후 집 밖에 내다 버린 불탄 피아노를 보고 느꼈던 강렬함, 두 번의 암 진단과 치료 과정에서 마주했던 죽음 등이 그녀가 실존주의적 문제의식으로 한발, 한발 계속 나아갔던, 개인적이면서도 보편적인 경험이다. 독일 베를린 중고 벼룩시장에서 세상을 떠난 사람들의 조그만 유품들을 모으는 이유도 그 유품들 안에 유한한 신체 대신, 무한한 망자 내면의 의식, 기억이 살아 숨 쉬고 있다는 생각 때문이다. 시오타는 연약하고 보잘것없는 실들을 엮어 팽팽하고 견고한 건축물 같은 설치공간을 창조해내는데, 그 섬세하면서도 장대한 대형 설치작품은 발표할 때마다 관람객의 탄성을 자아내곤 했다. 실을 사용하게 된 이유는 뭘까. 전시장에서 만난 작가는 “스무살 때부터 화가가 되겠다는 생각 외엔 다른 직업을 생각해본 적이 없다. 그래서 그림을 그렸는데 한계를 느꼈고 새로운 매체를 찾다가 실을 발견했다. 나는 실로 공간에 그림을 그리는 것”이라고 말했다. 검은색, 붉은색, 초록실로 공간에 그림을 그려 선보였을 때마다 숭고미를 자아냈지만, 이번엔 조금 더 특별하다. 그가 이번에 쓴 색이 흰색이기 때문이다. 흰색은 무엇으로도 쉽게 더럽혀질 수 있는 연약한 색이면서도, 마치 눈이 내릴 때 세상이 그렇듯 무엇이든 덮어버릴 수 있는 강력한 색이기 때문이다. 전시장에서 만난 작가는 이번 작품에 흰색 실을 쓴 이유, 또 제목을 ‘기억 속에서(In Memory)’라고 지은 이유에 대해 이렇게 설명했다. “2020년쯤 다른 아티스트의 추천으로 한강의 소설 ‘흰’을 읽게 됐다. 임신 6개월에 양수가 터져 아이를 잃은 때였다. 의사가 ‘지금은 아이가 배 속에서 살아있지만 곧 죽을 것’이라고 하는 말을 들었을 때 충격이 컸다. 소설 ‘흰’의 표지에는 ‘죽지마, 제발 죽지마’란 글귀가 쓰여 있었다. 소설 속에서도 출산하자마자 아이를 잃는 엄마의 장면이 나온다. 또 아이를 위해 준비했던 온갖 흰색 물건들이 나온다. 물건을 사용했던 주인의 기억과 의식이 물건속에 영원히 남아 존재한다는 내 작품들과도 닮은 점이 많았고, 아이를 잃은 등장인물과 나도 비슷했다. 매우 감동받았다. 한강 작가를 따로 아는 사이도 아니지만, 개인적으로는 한강 작가가 와서 이번 작품을 봐주었으면 한다. 소설가도 남다른 느낌을 가지고 돌아갈 수도 있지 않을까 생각한다.” 안소연 미술비평가는 이번 전시를 계기로 쓴 글에서 그가 공간에 실로 그림을 그리는 행위를 이렇게 평가한다. “시오타는 특유의 수행적 설치미술과 존재와 죽음에 관한 물음에 마주해온 작가로, 마치 실을 잣는 듯한 시오타의 행위는 불안과 상실에 대한 애도와 치유의 동작이기도 하면서 숭고한 제의적 함의를 내비치기도 한다. 자신의 육체에서 실을 뽑는 것처럼 텅 빈 공간을 운행하며 그 궤적을 실로 가득 뒤덮는 퍼포먼스적 행위는 현실의 공간을 굴절시켜 이처럼 다중복합적 경험을 불러온다. 보이지 않는 연결된 삶의 이중적 표상은 그가 삶과 죽음 혹은 존재와 부재를 이분법적으로 규정하지 않고 그 경계를 유연하게 교차해 행위 궤적을 남김으로써 나를 초과한 장엄한 시공간의 현전과 마주하게 되는 사유의 실체다.” 작가는 설치작업을 하기 전에 공간을 직접 방문하고, 그 공간에서 받은 영감으로 스케치 드로잉을 한 뒤, 직접 실을 엮는다고 한다. 이번에도 실의 장력을 버틸 수 있도록 별도 벽 공사를 3일간 했고, 12일 동안 작가가 실을 직접 엮어냈다고 한다. 한쪽 팔에는 실타래를 낀 채, 한 손으로는 열두날 동안 실을 뽑아낸 끝에, 그가 잃은 아이, 두 번의 암 투병, 그가 베를린 벼룩시장에서 사 모은 유품들에 담긴 사람들의 기억을 담은 배가 끊임없이 앞으로 나아간다. 8월21일까지.

사회적 거리두기 방역 조치가 완화되면서 제주를 찾는 관광객이 늘어나는 가운데, 제주 지역 미술관을 찾는 이들도 덩달아 늘고 있다. 6일 포도뮤지엄에 따르면 지난달 5일 ‘그러나 우리가 사랑으로’ 기획전을 연 뒤 한 달 만인 전날 기준 9000여명이 이 미술관을 찾았다. 지난해 말 그룹 방탄소년단(BTS) 멤버 지민이 방문해 이목을 끌었던 이곳은 올여름에도 관람객 발걸음이 꾸준히 이어지고 있다. 복합테마공간인 포도뮤지엄의 이번 전시 주제는 ‘디아스포라’다. 최형준 작가의 동명 산문집 제목에서 따 온 이 말은 지리적·정서적 영토를 떠나 새로운 삶을 개척하는 존재들이 겪는 아픔에 주목하는 동시에 이들이 가진 문화적 다양성을 수용하자는 취지에서 붙여졌다. 우고 론디노네, 정연두, 강동주, 요코 오노 등 국내외 유명 현대 미술가들이 디아스포라로 소외된 이들을 위로하고 공감하기 위해 만든 미디어 아트와 회화, 조각, 설치미술 등이 전시돼 있다. 포도뮤지엄 측은 관람객의 이해를 돕기 위해 별도의 테마 공간과 체험형 프로그램을 도입한 것을 초반 인기몰이 비결로 꼽았다. 공항안내판을 연상시키는 ‘디파처보드’를 통해 삶의 터전을 떠나야 했던 이민자들의 증언을 시각화하고, 러버덕 인형을 길게 줄지어 놓은 뒤 미국으로 향하는 멕시코인의 삶을 아메리칸드림으로 형상화했다는 게 박물관 측 설명이다. 널브러져 앉아 있는 광대의 모습 등으로 인간의 고독을 표현한 우고 론디노네의 설치작품 ‘고독한 단어’ 주변에는 관람객들이 광대들과 같은 포즈를 취하면서 광대의 심경을 간접 체험할 수 있도록 했다. 난민 보트를 은유한 요코 오노의 ‘채색의 바다’가 설치된 공간의 3개 벽면과 보트에는 관람객이 남기고 싶은 메시지를 쓸 수 있는 대형 도화지로 변했다. 또 장애인과 노약자를 위한 ‘배리어 프리(Barrier-free·장애물 없는 동선)’ 시설과 시각장애인과 어린이를 위한 오디오 가이드도 갖춰져 있다. 김희영 포도뮤지엄 총괄 디렉터는 “누구나 쉽고 편하게 전시를 즐길 수 있도록 하기 위해 오디오 가이드 등에 직접 텍스트를 쓰고 전문가 자문을 받아 만들었다”며 “다양한 정체성이 공존하는 세상을 고민하는 전시회인 만큼 많은 관람객이 작품을 감상할 수 있도록 다양한 안내 프로그램을 마련했다”고 설명했다. 포도뮤지엄 이외에도 김창열미술관, 제주현대미술관 등에도 관광객들의 발걸음이 꾸준히 이어지고 있다. ‘물방울 작가’로 유명한 김창열 화백을 기리기 위해 제주시에서 2016년 설립한 김창열 미술관에서는 ‘밤에 일어난 일’ 등 김 작가의 대표 작품을 만나 볼 수 있다. 미술관 내외부에 ‘물방울’ 조형물을 설치해 휴가철 ‘물멍’을 즐길 수 있는 공간으로 유명세를 타고 있다. 현재 ‘몰입의 시간’과 ‘별빛을 닮은 물방울’이 전시되고 있다. 올해 4월부터 제주현대미술관에서 전시 중인 ‘자연의 소리-유채와 억새’에서는 제주 자연의 매력에 심취해 50여 년 제주 풍경화를 담아 온 박광진 작가의 주요 기증 작품을 선보이고 있다.

국립현대미술관 과천관의 ‘생의 찬미:한국 채색화 특별전’은 최근 열린 전시 중 유례없는 논란이 일고 있는 전시다. 여러 비판이 제기되는데 이를 역사왜곡·작품선정·작품관리 3대 쟁점으로 살펴봤다. 이를 위해 지난달 21일 전시장을 찾은 뒤 전문가 의견을 구했다. ①역사 왜곡 이번 전시는 국립미술관이 최초로 ‘한국의 채색화’란 타이틀을 내 건 전시다. 한국 채색화 역사를 정립하는 첫 자리인 셈이다. 하지만 의미와 중요성이 무색하게도 ‘엉터리’라는 지적이다. 전문가들은 “정체불명의 잡동사니”라는 혹평을 넘어 “불쾌하다”, “분노한다”고 말한다. 국립예술기관의 “역사 왜곡”이자 “대중 기만”이라는 비판이 쏟아진다. 먼저 ‘채색화’ 개념 설정부터 문제로 꼽힌다. 학계는 먹으로 그린 수묵화를 한 축으로 하고, 이에 상대적인 개념인 채색화를 구분한다. 채색화에는 궁중장식화, 불화, 산수화, 민초들의 그림인 민화 등이 있다. 전문가들은 “민화 전시를 열고 이를 상위개념인 채색화라 부르고 있다”는 지적을 하는데, 전시장 실상은 그보다 더 중구난방이다. 전시장 곳곳 설명에 채색화와 민화 설명이 뒤섞여 있다. 민화에 담겼던 소박한 길상(吉祥)과 벽사(僻邪)의 역할을 언급하면서 정작 민화라는 말은 빼는가 하면, 민화를 설명하는 자리에 채색화란 용어를 썼다가, 민화 특성을 채색화 전체 특성으로 설명하는 문구가 쓰여 있기도 하다. 한 문단 안에서도 앞뒤가 맞지 않는다. 전시 후반 연표를 보면 우리 미술사를 ‘채색화’와 ‘한국화’로 구분해 1920년대부터 현재까지를 정리했는데, 채색화 부분은 민화라는 말을 처음 만든 야냐기 무네요시(柳宗悅, 1889~1961)를 언급하는 것으로 시작한다. 기존 채색화사(史)에 포함됐던 창덕궁 부벽화 제작, 이당 김은호(1892~1979·친일행위자) 등은 채색화가 아닌 한국화 파트에 적혀 있다. 채색화, 한국화 연보는 각각 민화사, 채색화사를 잘못 쓴 것처럼 보인다. 황정수 미술평론가는 “보통 한국 미술에서 채색화라 하면 남종화에 대비되는 북종화의 채색화를 의미한다. 먹과 담채를 사용하는 남종화와 달리 채색 위주로 두텁고 진하게 그린 것”이라며 “서양화는 색으로 그리기 시작해 채색화란 말이 없는데, 동양화는 먹으로 그리기 시작했기에 그 상대 개념으로 채색화가 생겼다”고 설명했다. 그는 “민화 전시를 하려던 모양인데 갑자기 ‘한국 채색화전’이라고 해 놓으니 우리가 알고 있던 채색화 개념이 완전히 흔들리고, 미술사 왜곡이 일어난 것”이라고 말했다. 이어 “학예사가 이렇게 했을 리는 없고 훈수가 많았을 것”이라고 했다. 또 다른 공공미술관장 출신 미술사 박사는 “여러 문제 중에서도 가장 확실하게 틀린 게 바로 ‘한국 채색화 특별전’이라는 제목 자체”라고 했다. 그는 “이 제목은 너무나 중요한 콘셉트였음에도, 너무나 얕은 전시가 돼 보기에 불편한 것”이라며 “공부가 덜 됐다”고 잘라 말했다. 그는 “사실 동양 미술에서 색깔이 있는 작품은 굉장히 중요한 의미를 갖고 있다. 원래 청록산수화에서 시작한다. 동양 사고구조에서 색을 쓰는 것과 쓰지 않는 것으로 구분했을 때, 유럽은 색이 있는 것이 ‘리얼(real·실제)’이라고 보지만 동양 사상은 반대로 색을 걷어내 본질을 봐야 한다는 철학이었다. 그런 맥락에 대한 공부 없이 표피적 전시가 됐다”며 “르네상스 작품을 모아놓고 어떤 철학에 기반했는지 없이 ‘르네상스 색깔전’이라는 전시를 한다면, 이게 얼마나 이상하겠느냐”라고 했다. 지난달 29일 담당 학예사와 학예팀장은 취재 문의에 응하지 않았고 대신 홍보과 관계자가 반박했다. 민화와 채색화를 동일 개념으로 규정한 이유를 묻자 홍보관은 “오해다. 채색화와 민화를 같은 개념으로 본 전시가 아니며, 우리도 채색화를 더 큰 개념으로 본 거다”라고 했다. 하지만 채색화와 민화를 동의어화한 비약은 또 발견된다. 관람객이 가져가도록 비치된 교육·체험용 자료를 보면, ‘채색화는 먹으로만 그린 문인화와 다르게 아름다운 색으로 칠하는 그림을 뜻합니다. 우리나라 전통 채색화를 민화라고도 하는데’라며 ‘채색화=민화’라는 등식을 세운다. 이어 ‘채색화(=민화)’의 종류로 벽사도, 궁중장식화, 화조도, 문자도, 어해도, 책가도, 산수도가 있다고 설명한다. ‘왕실 그림이 민화의 한 종류, 양반 계층 그림도 민화의 한 종류’라는, 역사적 사실과는 다른, 황당한 세계관이 창조된 셈이다. ②작가·작품 선정 전문가들은 “첫 단추를 잘못 끼웠”으니 작품 선정까지 문제라고 지적한다. 거론되는 사례는 다 열거할 수 없을 정도로 많다. “내가 왜 채색화가냐”고 오히려 주변에 의문을 호소했다는 모 중견 화가, 윤범모 국립현대미술관장과의 친분으로 전시에서 대표작이 됐다는 의혹을 받는 불교 인사 A, 윤 관장이 2019년까지 이사를 지낸 B화랑 재단 관련 작가 C 등이다. 황 평론가는 “민화를 앞세운다 해도, 어떻게 아마추어로 그림을 그리는 A 그림이 우리나라 대표적 채색화 작품으로 그 넓은 공간을 차지할 수 있느냐”며 “검증받지 않은 작가, 그림들을 한국의 대표 채색화라 하고, 안상수, 오윤의 흑백 작품까지 채색화라고 하는 상황이 벌어졌다”고 개탄했다. 미술관 홍보관은 “A 스님과 친하지 않은 분이 문화계, 미술계에 어딨느냐”며 의혹을 일축했다. 또 “C 작가 작품의 경우도 십장생, 일월오봉도 이미지를 보고 학예사가 선정한 것”이라며 “윤 관장님은 이 작가를 알지도 못할 것이라고 (학예사가) 한다”고 전했다. ③이건희컬렉션 훼손 우려 이건희컬렉션 기증작인 이상범 ‘무릉도원’(1922)은 작품 관리 논란까지 불렀다. 이 작품은 국립현대미술관 주최로 지난해 7월 21일부터 올해 6월6일까지 11개월간 열린 ‘이건희컬렉션 특별전:한국미술명작’전에 나온 바 있다. 비단에 채색 방식으로 제작된 100년 된 고서화여서 극도로 세심한 관리가 필요하다. 1년 가까이 전시장에 쇼케이스도 없이 노출됐는데, 이번 전시에 연속해서 나오자 전문가들 우려가 나왔다. 적게는 3개월, 길어도 6개월 이상 내놓아선 안 되며, 전시 후엔 그보다 훨씬 긴 휴식이 필요하단 지적이다. 특히 같은 전시장 안에서 더 황당한 상황도 목격된다. 김종학의 ‘현대모란도’(2006)가 있어야 할 자리에 작품이 없는 것. 대신 ‘죄송합니다. 작품상태 점검 중입니다’라는 표지판이 서 있다. 미술관 측은 문제가 없다는 입장이다. ‘무릉도원’은 이건희컬렉션 특별전 종료일(6월6일)보다 17일 전인, 5월20일에 변관식의 ‘계산춘재’로 교체됐고, 6월1일부터 채색화 특별전에 나왔다고 밝혔다. 홍보관은 “그 사이 보존실에서 상태 점검을 했고 문제가 없어 채색화전에 나온 것”이라고 했다. 같은 공간의 ‘현대모란도’에 대해서는 “그쪽 벽면 습도가 갑자기 올라가 일시적으로 보존실로 갔다”며 “‘무릉도원’이 걸린 위치와는 달라 ‘무릉도원’엔 전혀 문제가 없다”고 했다. 그는 “채색화전은 1, 2부로 나눠 고미술품, 자수 등은 1부에만 보이고 교체예정이었다”고 말했다. 미술관은 전시 시작 때 이 같은 계획을 밝히지 않았다. 결국 미술관은 ‘무릉도원’ 등 4점을 지난 1일자로 철수했다. 지난해 7월21일부터 올해 5월20일까지 10개월 전시되고 11일간 보관실에 둔 뒤, 2개월간 다시 전시된 셈이다. 한 공공미술관장 출신 인사는 “‘현대모란도’ 상태에 문제가 생겼다면 다른 작품으로 교체해 걸면 되는데 그냥 빈자리로 방치한다는 건 국립답지 않은 운영 미숙”이라고 지적했다. 9월25일까지.

‘미스터리한 천재 사진가’, ‘롤라이플렉스의 장인’으로 불리는 비비안 마이어(VIVIAN MAIER 1926~2009·사진) 작품 세계가 모처럼 국내에서 펼쳐진다. 4일 서울 성수동 그라운드시소 성수에서 개막하는 이번 전시는 비비안 마이어 전시회로는 최대 규모다. 프랑스 파리 뤽상부르 뮤지엄, 이탈리아 토리노 왕립박물관으로 이어진 유럽 투어 이후, 첫 아시아 투어다. 이번 전시에선 마이어가 직접 인화한 빈티지 작품과 미공개작을 포함한 270여 점이 선보인다. 특히 그가 1959년 아시아 지역을 여행하며 찍은 사진들이 최초 공개된다. 생전 메고 다닌 롤라이플렉스, 라이카 카메라와 슈퍼8 필름 형식의 영상과 오디오도 공개, 마이어 목소리를 들어볼 수도 있다. 마이어는 사진 역사상 가장 경이적인 데뷔를 한 사진가다. 유모를 생업으로 삼고 사진을 찍으면서 평생 외롭게 살다가 한 푼의 재산도, 유족도, 유언도 없이 세상을 떠난 인물이다. 뉴욕에서 태어난 마이어는 프랑스에서 어린 시절을 보내고 뉴욕으로 돌아갔다가 20대 후반인 1950년대에 시카고로 본거지를 옮겨 2009년 83세로 숨질 때까지 살았다. 50년 이상 미국 내외 도시를 다니며 일상 속의 사람들과 거리 풍경, 부자와 걸인의 희로애락 등 시대의 풍미가 담긴 사진을 찍었으나, 15만여 장에 달하는 작품은 생전 공개된 일이 없다. 그의 필름과 사진은 상자에 담겨 유료 창고에 보관되다 2007년 창고 임대료가 밀려 경매에 부쳐졌다. 영화감독 존 말루프는 누가 찍은지도 모르는 방대한 분량의 필름이 담긴 상자를 400달러(약 45만원)에 사들였다. 그마저도 2년간 방치됐던 필름은 2009년 존 말루프가 일부를 스캔한 후 인터넷에 공개하면서 열광적인 반응을 얻었다. 말루프는 원주인을 찾아 나섰지만, 마이어가 저소득층 임대 아파트에서 쓸쓸히 생을 마감한 지 수일 후였다. 그의 사진에는 위트, 사랑, 빈곤, 우울, 죽음의 이미지가 섞여 있고, 거리에서 만난 수많은 인물의 다양한 표정이 살아 있다. 세상의 상냥함과 비극이 동시에 존재한다. 계급과 성별, 나이에 상관없이 두 번 다시 오지 않을 찰나의 시간이 그대로 담겼다.

미디어 아티스트 백남준이 생전에 선보였던 거북이 형상의 작품이 국내에 전시된다. 울산시립미술관은 28일 고 백남준(2006년 별세)의 탄생 90주년을 맞이해 특별기획전 2부 ‘땅의 아바타, 거북’을 개최한다고 밝혔다. 이번 전시는 오는 9월23일까지 제2전시실에서 열린다. 거북 작품은 백남준이 1993년 독일 수도 베를린에서 열린 국제가전박람회(IFA) 당시 처음 선보인 바 있다. 166대의 TV 모니터를 거북 모양으로 설치해 제작한 이 작품은 가로 10ｍ, 세로 6ｍ의 규모를 자랑한다. 시립미술관 관계자는 ‘거북’에 대해 “천지를 유지하고 떠받치는 땅에 관한 동양적 세계관을 거북의 형상을 빌려 강렬하게 발산하고 있다”며 “기술과 자연의 조화, 현대와 역사의 융합을 상징하는 대표적인 작품”이라고 설명했다. 앞서 시립미술관은 특별기획전 1부를 통해 백남준의 ‘시스틴 채플’(Sistine Chapel)을 지난 5월19일∼7월17일 선보였었다. 앞서 백남준은 제45회 베니스비엔날레 독일관 작가로 참여해 시스틴 채플로 황금사자상을 받기도 했다. 한편 백남준은 93년 당시 거북이 형상을 소재로 한 ‘프랙탈 거북선’을 선보인 바 있다. 309대의 TV 모니터로 제작된 프랙탈 거북선은 당시 대전엑스포를 기념해 대전시립미술관의 열린 수장고에 전시됐었다.