소설을 통해 우리나라 탐정의 기원과 역사를 살펴볼 수 있는 특별전이 열린다. 지난 5일부터 인천시 한국근대문학관에서 국내 최초로 열리는 ‘한국의 탐정들: 한국 근대추리소설 특별전’이다. 한 세기 전 등장한 ‘정탐소설’부터 1950년대 이르기까지 추리소설의 발전사를 조망할 수 있어 추리물 마니아들의 관심이 쏠린다. 이번 전시는 무료로 내년 상반기까지 계속될 예정이다. ‘한국의 탐정들: 한국 근대추리소설 특별전’에서는 한국 최초의 추리소설 ‘쌍옥적’, 살인 사건과 탐정에 의한 본격적 추적을 처음 보여주는 ‘혈가사’의 최초 수록본(취산보림, 1920), 한국의 명탐정 유불란 캐릭터가 처음으로 등장하는 ‘탐정소설가의 살인’의 일본어 원본, ‘마인’의 조선일보 연재본(1939) 등 한국 근대 추리소설 관련 희귀자료가 대거 공개될 예정이다. 또 방인근이 창조한 명탐정 장비호가 활약하는 ‘나체미인’, ‘국보와 괴적’ 등의 원본도 처음 공개된다. 이해조가 지은 신소설인 ‘쌍옥적’은 1911년 보급서관(普及書館)에서 간행했다. 한국민족문화대백과사전에 따르면 표제에 ‘정탐소설’이라는 명칭이 부기될 정도로 그 창작의 의도와 갈래적 성격이 뚜렷한 작품이다. 동학혁명 직후의 한말을 배경으로 한 이 작품은 경인선 열차 안에서 돈 가방을 잃어버린 김 주사가 이를 찾기 위하여 정 순검을 찾는데, 사건을 맡은 정 순검은 민완한 사복형사로 등장한다. 가방을 훔친 범인은 피리를 잘 부는 손가 형제로서, 그 도둑질 솜씨가 뛰어나고 범행 은폐를 위해 살인도 서슴지 않는 인물이다. ‘쌍옥적’이라는 이 작품의 제목은 살인강도 형제의 신출귀몰한 피리 솜씨를 상징한 것이며, 이 피리 소리를 근거로 정 순검은 범인 추적의 실마리를 잡게 된다. 전시의 한 섹션을 할애한 ‘한국을 대표하는 명탐정-유불란’에서는 본격적으로 등장한 한국형 명탐정 유불란의 활약을 감상할 수 있다. 김내성이 1935년 일본에서 발표한 ‘탐정소설가의 살인’을 통해 처음 등장한 유불란과 그의 명성을 전 국민에게 각인시킨 아동탐정소설 ‘백가면’(1937), 한국 근대 추리소설의 최고 걸작 ‘마인’을 자료와 다양한 콘텐츠로 전시했다. 1939년 2월14일부터 10월11일까지 ‘조선일보’에서 연재된 ‘마인’은 이후 1948년 해왕사(海王社)에서 단행본으로 간행했다. 그동안 연구자들에게도 전혀 알려지지 않은 문세영의 ‘사선을 넘어서’도 최초 공개된다. 1944년 집필된 이 작품은 일본과 중국을 무대로 일제의 침략논리인 ‘대동아공영권’ 완수를 위해 스파이들이 각축을 벌이는 내용이다. 한국 근대문학에서 처음으로 보트 추격전과 전투기의 공중전이 나타나는 친일 탐정소설로서, 이번 발굴을 통해 추리소설 분야는 물론 친일문학 연구에도 중요한 자료가 될 전망이다. 이번 전시는 근대 추리소설의 역사적 흐름과 한국 근대 추리문학 작품 속 탐정들의 유형을 파악할 수 있도록 7개 섹션으로 나뉘어 있으며 다양한 체험 장치를 통해 관람객의 흥미를 끈다. 탐정과 범인들이 사용한 총기 모형과 피가 묻은 범죄의 증거품, 등장인물들이 주고받은 편지 등 소설 속 내용을 다양하게 시각화하여 재현한 자료들이 준비됐다. 한국근대문학관 관계자는 “우리 근대 추리소설의 역사적 흐름과 잊혀진 한국의 명탐정들을 알리기 위해 매우 공들여 준비한 전시이다”라면서 “모험과 스릴이 넘치는 추리문학을 실감 나게 체험하시기 바란다”고 설명했다.

신종 코로나바이러스(코로나19) 감염증 여파로 13회 행사를 가까스로 마친 광주비엔날레의 차기 행사가 2023년 4월쯤 열릴 것으로 보인다. 광주비엔날레는 2000년 3회 행사부터 2년주기, 짝수해에 열렸다. 7일 광주시 등에 따르면 최근 광주비엔날레재단 이사회를 열고 14회 광주비엔날레를 내년이 아닌 2023년 4월부터 6월까지 개최하기로 결정했다. 이사회는 14회 행사에 대해 ‘내년 개막’과 ‘2023년 개최’ 등을 놓고 논의했다. 이사회는 내년에 개최할 경우 코로나19 지속으로 인해 전시 주제와 해외 참여 작가 선정, 작품 제작, 운송 등의 차질이 예상돼 2023년 4월에 개최하는 것으로 의견을 모은 것으로 전해졌다. 또 이달에 14회 행사를 이끌어갈 예술감독을 선임 한 뒤 내년 4월 주제 선정, 11월까지 참여 작가 선정, 2023년 1월까지 작품제작, 2월부터 3월까지 전시공간 구성·작품 운송·설치 한 뒤 4월1일 개막 계획을 세웠다. 광주비엔날레재단은 지역 문화계와 의견을 조율한 뒤 개최 시기를 최종 확정할 방침이다. 광주비엔날레는 5·18민주화운동의 정신을 문화적으로 계승하기 위해 지난 1995년 1회 행사를 펼쳤다. 아시아지역에서 미술계 최대 행사가 열린 것은 광주가 처음이었다. 이어 1997년 2회 행사를 치렀지만 법인화 등의 문제가 불거져 1999년 예정된 3회 행사는 1년 연기돼 2000년에 열렸다. 이후부터 광주비엔날레는 격년으로 2018년 12회 행사가 펼쳐졌으며 13회 행사는 코로나19 여파로 미뤄져 지난 4월 열렸다. 광주비엔날레는 성장을 거듭해 세계적 권위의 미술매체 ‘아트넷’이 선정한 세계 5대 비엔날레로 평가되기도 했다. 광주비엔날레재단 관계자는 “코로나19 상황에서 1년 준비 뒤 14회 행사를 펼칠 경우 위상 추락 등이 우려돼 개최 시기를 2023년으로 결정했다”며 “세계 최고 수준의 광주비엔날레 명성을 이어 갈 수 있도록 준비할 계획이다”고 밝혔다. 아울러 “2023년 행사 이후 다시 짝수해에 복귀 할지 여부를 재검토할 계획이다”고 덧붙였다.

#한국 다섯 명의 작가, 다섯 개의 흰색 이번 가을 가장 인기가 높은 전시를 꼽자면 단연 박서보 개인전일 것이다. 미술계에서 그의 입지는 워낙 탄탄했지만 2019년 국립현대미술관에서의 회고전은 대중성도 가지게 한 것 같다. 미술과 관련 없는 업계 종사자들도 전시를 기다리다 관람했다는 연락이 꽤 왔다. 관람 이후 진지하게 작가에 관한 지식을 얻고 싶다며 책과 강의 추천을 원하기도 했다. 이 연락을 받고 간략하게 작가와 그가 속한 단색화 움직임을 설명하게 되었다. 그리고 그중 빼먹을 수 없는 전시가 1975년 일본 동경화랑에서 열린 ‘한국 다섯 명의 작가, 다섯 개의 흰색’ 전시였다. ‘한국 다섯 명의 작가, 다섯 개의 흰색’ 전시는 단색화의 시발(始發)로 여겨진다. 동경화랑의 야마모토 다카시 사장이 한국에서 반한 다섯 명 작가의 작품을 선보인 전시다. 이 전시는 형상 회화에서 벗어나 추상을 통해 새로운 미술을 창출하려는 움직임을 포착해냈다. 다른 나라 어디에도 없는 한국만의 백색과 그 안의 정신성을 담아낸 작품들을 제작해 선보였다. 당시 아사히신문이 올해 가장 주목할 전시 중 하나로 꼽을 정도로 반응이 좋았다. ‘한국 다섯 명의 작가’로 불린 작가들은 박서보를 포함해 권영우, 이동엽, 서승원, 허황 등이었다. 이들 중 일부는 2010년대 중반 단색화의 급부상을 경험하며 지금까지 활발하게 활동한다. 일부는 세상을 떠나 작품을 직접 선보이며 설명할 기회가 없어 아쉽게 되었다. 모두의 상황은 다르지만 그들의 작품은 항상 우리의 곁에서 머물며 감동을 준다는 공통점이 있다. #이동엽의 깊고 하얀 우주 이동엽(1946~2013)은 1946년 부산에서 태어났다. 어린 시절 한국 전쟁을 경험했고 전후 도시 복원과 함께 성장했다. 그 과정에서 미술에 관심을 가졌고 아름다움을 발견하는 눈은 점점 더 빛나게 되었다. 고등학교를 졸업한 어느 날은 길에서 흑백으로 옷을 입은 한 여인을 봤다. 이어서 ‘색채 중에 흑백을 능가할 수 있는 것이 무엇이 있겠는가’라는 생각을 했다. 이 생각은 홍익대학교에서 회화를 공부하며 작업으로 이어져 캔버스 위에 실현되었다. 이때부터 그는 미술비평가 윤진섭이 말했듯 “평생 오로지 흰색과 회색을 부여안고” 살았다. 이동엽은 홍익대학교와 동 대학원에서 미술교육과를 졸업했다. 이후 제1회 ‘앙데팡당전’에 참여해 하얀 바탕에 반투명 컵을 그려 데뷔했다. 이 전시는 파리비엔날레에 참가할 국내 작가 선정 공모전이라는 부제를 가졌다. 입체와 평면으로 나누어 등수를 매겼는데 이동엽은 평면 부문 1등을 차지했다. 전국적 규모의 공모전이었기에 전시에는 국내외 주요 미술계 인사들이 방문해 작품을 봤다. 이우환은 일본 동경화랑의 야마모토 다카시 사장과 함께 감상했는데 두 사람은 이동엽의 작품에 감탄했다. 한국 작가를 소개하는 전시 기획에 이동엽을 포함했는데 이 전시가 ‘한국 다섯 명의 작가, 다섯 개의 흰색’ 전시였다. 이동엽의 대표 작품으로는 ‘상황’ 연작과 ‘사이’ 연작이 있다. ‘한국 다섯 명의 작가, 다섯 개의 흰색’ 전시에서 선보였던 작업은 ‘상황’이다. 이 작품은 순백의 화면 위에 회색빛이 도는 갈색으로 컵과 얼음의 테두리만 은근하고 천천히 그린 것이다. 컵 안에 담긴 얼음이 녹는 과정을 단순한 형태로 표현해 인상적이다. 그는 어떤 것을 담아도 보이는 컵의 투명성에 주목하여 그것을 우주로 간주하였다. 그리고 그 안을 채우는 얼음이 녹고, 증발하고, 비워지는 과정에 주목하였다. 투명한 컵과 얼음은 사람을 포함하는 존재의 가변성과 무상성을 드러낸다. 이동엽은 존재의 가변성과 무상성에 대해 국립현대미술관과의 인터뷰에서 다음의 말을 남겼다. “똑같은 순간은 없어요, 똑같은 순간이 없기 때문에 매번 색이 달라요. 다 같은 흰색같이 보이지만 매번 우리가 매번 호흡이 다르듯이 또 매번 생명의 현상이 다르잖아요.” 이렇게 가변성을 다루며 ‘상황’에서보다 색에 집중한 작업이 ‘사이’ 연작이다. ‘사이’의 흰색 캔버스 위에는 어떠한 선도, 형상도 그려져 있지 않다. 다만 넓은 평필의 한 면에는 흰색, 다른 한 면에는 회색을 묻히고 그것을 조심스럽게 움직인 희미한 붓 자국만 있다. 물질성을 배제하고자 한 이러한 시도는 결국 정신성의 구현으로 이어진다. 그래서 그의 작품을 보고 있으면 출렁이던 마음에 평정심이 찾아온다. 이동엽은 제6회 카뉴 국제회화제에 한국 대표로 참석해 3인 공동 국가상을 받기도 했다. 한국 미술대상전, 중앙미술제에서도 잇달아 수상했다. 하지만 그 어떤 단체에도 속하지 않은 채 홀로 작업을 이어가며 전시가 뜸해졌다. 2000년대 들어서며 오로지 작품만을 본 이들의 초청으로 전시 활동을 재개했다. 어려운 상황 속에서도 놓지 않았던 붓이 만들어 낸 하얀 우주는 호평을 끌어냈다. 깊고 깊은 우주를 우리에게 선보이고 얼마 지나지 않아 작가는 세상을 떠났다. #서승원의 침정(沈靜)한 동시성 서승원(1941~)은 한국 실험 미술의 선두에 섰던 작가다. 홍익대학교에서 회화를 전공하고 동 대학원에서 석사 학위를 받았다. 학교에 다니며 권영우 등과 함께 당시 지배적 추상 양식인 앵포르멜에 반발해 오리진 그룹을 조직했다. 이후 앵포르멜 대안으로서의 작품을 제시하는 청년작가연립전에 참여했다. 그는 이처럼 전쟁 이후 새롭게 형성하는 한국 미술에서 활약하며 주요한 역할을 수행했다. ‘한국 5인의 작가, 다섯 개의 흰색’ 전시에 참여했으며 뉴욕 브루클린 미술관, 국립현대미술관, 서울시립미술관 등 국내외 미술 기관에서 개인전을 열었다. 상파울루 비엔날레, 파리 청년 비엔날레, 광주 비엔날레, 부산 비엔날레 등의 주요 미술 행사에서도 작품을 선보였다. 이렇게 새로운 조형성을 지향한 그가 오랜 시간 탐구해온 것은 동시성이다. 형태, 색채, 그리고 공간이 하나의 평면 위, 동시에 존재하는 일이다. 이 주제는 대학 시절 선보인 작업부터 아주 최근의 작품까지의 다양한 변주 속에서도 한결같다. 수십 년을 이어온 사고(思考)는 부름켜와 같고 작품은 굵게 자라난 나무와 같다. 즉, 뿌리 뽑히지 않는 깊고 넓은 나무다. 작가는 스스로 매개체가 되기를 주저하지 않는다. 자기의 붓질을 통해 차안(此岸)과 피안(彼岸)이 함께 드러나는 세상을 화면에 만든다. 보이는 것과 보이지 않는 것을 모두 동일하고 균등한 시공간 속에서 발현시킨다. 작가가 동시성 작업을 이어오도록 영감을 주는 것은 한국적 소재다. 어린 시절 한옥에 살았던 그는 한국적인 사물과 장면을 만날 때 마음에 울림을 느낀다. 집에 조심스레 놓여 있던 소박한 백자 항아리, 햇볕을 투과해 은근한 빛으로 드러내는 창호지, 단청에 고이 올라간 오방색 물감, 자유로운 배치 구도와 화려한 색채로 가득한 책가도 등이다. 그는 이 소재들에서 보는 색과 형태, 비어있음과 거기서 오는 정서를 끊임없이 걸러낸다. 작가의 어머니가 한옥 한쪽에서 다듬이로 수없이 빨래를 두드려 걸러낸 흰색을 보여주셨듯 말이다. 이 과정에서 경계는 허물어지고 정수인 감각만이 남아 작품에 드러나게 된다. 60년대의 ‘동시성’은 기하학적 추상회화의 모습을 보였다. 직선으로 구성한 화면에 오방색을 칠한 환원적 그림이다. 4·19혁명 이후 새로움에 목말랐던 작가가 시도한 기하학적 추상은 전에 없이 생소하고 어색한 것이었다. 그런데도 작가는 자기 작업을 굽히지 않고 이어가고 발전시켰다. 2000년대부터는 직선이 만든 뾰족한 모서리가 사라졌고 채도가 낮아져 따뜻하고 은은한 색이 화면을 메우기 시작했다. 절제를 통해 온화해진 그의 화면에는 그 어떤 것도 부딪히지 않고 중첩되고 어울리며 함께 존재한다. 언젠가의 개인전처럼 ‘도전과 침정의 반세기’를 통해 실현한 동시성이다.

한국 미술계 ‘태풍급 변화’로 꼽히는 내년 키아프·프리즈 공동 개최를 대비해, 미술계의 준비 움직임이 활발하다. 내년 가을 있을 ‘프리즈 위크’를 대비해 올해 인사동 엔틱&아트페어(IAAF)와 아시아호텔아트페어, 대구아트페어 등이 키아프·프리즈 위성페어까지 내다보며 행사를 준비하고 있다. ◆주 전시장 외에 주변에서 열리는 위성페어로 풍성 한국국제아트페어(키아프·KIAF)는 한국화랑협회가 끌고 온 20년 역사의 국내 최대 아트페어(미술장터)다. 프리즈는 스위스 아트바젤, 프랑스 피악 등과 어깨를 나란히 하는 영국의 세계적 아트페어다. 아시아 진출을 꾀하던 프리즈가 한국에 먼저 문을 두드리면서 키아프와 프리즈가 내년부터 향후 5년간 서울에서 아트페어를 공동개최하기로 계약을 맺었다. 서울이 홍콩, 상하이 등을 제치고 아시아 미술 허브로 부상할 기회이자, 아직 세계 시장에서는 미약한 한국 미술 시장으로서는 엄청난 도전으로 미술계는 인식하고 있다. 미술 시장 관련 많은 일정이 내년 키아프·프리즈 공동개최를 성공적으로 치러내기 위한 차원에서 준비되고 있는 것도 이 때문이다. 위성페어를 준비하는 움직임이 대표적 사례다. 한 미술계 관계자는 “아트바젤에 나가보면 메인 페어장 말고 주변 지역에 수많은 위성페어들이 열려 세계에서 몰려든 미술애호가들이 곳곳에서 벌어지는 위성페어장들을 지겹도록 돌아다니며 즐기다 간다”며 “우리 일행도 매해 방문하기 전에 메인 페어 외에 여러 위성페어들 중에서 어디를 갈지 리스트로 서너개를 꼽아두고 특색있는 중소규모 페어들을 방문하는 것이 필수 일정”이라고 말했다. 또 다른 미술 관계자도 “마이애미는 인구 40만에 불과한 도시인데 아트바젤 마이애미가 열리는 기간 주변 곳곳에서 크고 작은 아트페어가 열리고 사람들이 기간 내내 머물면서 체류인구가 수백만 명으로 늘어난다”고 말했다. ◆서울부터 대구까지, 내년 준비에 초점 지난 4일 VIP 오픈을 시작으로 오는 7일까지 일정으로 진행 중인 대구아트페어도 올해 처음으로 키아프를 주최하는 한국화랑협회와 공동 주관했다. 서울과 경기 지역 유력 화랑들도 대거 내려와 참가했다. 키아프가 서울에 이어 대구 진출을 타진하는 차원에서다. 이번에는 대구아트페어라는 이름 그대로 열리지만, 성과에 따라 내년부터는 ‘키아프 대구’라는 이름을 내걸고 행사를 확대하는 방안이 논의 중이다. 처음 프리즈가 한국에 진출한다고 했을 때 미술계에서는 키아프가 프리즈와 대등한 공동개최자가 아니라 프리즈 위성페어 정도로 전락할지 모른다는 우려가 나왔지만, 화랑협회 측은 키아프의 내적, 외적 위상 강화를 위한 다양한 준비를 진행 중이다. 대구는 컬렉터가 많기로 손꼽히는 지역이다. 대구아트페어 첫날 행사장인 엑스코 입구에는 입장시각 전부터 VIP 프리뷰에 입장하려는 관람객 300명이 긴 줄을 섰다. 서울 인사동에서 오는 10일 시작되는 아트페어들도 내년 키아프·프리즈 위크에 위성페어로 자리 잡기 위해 단단히 준비했다. 2021인사동 엔틱&아트페어(IAAF)와 아시아 호텔 아트페어 서울 2021(AHAF)가 손을 잡고 1, 2부로 이뤄진 연계 행사로 열린다. IAAF는 인사동 전통문화 축제로 시작돼 올해로 34회를 맞는 행사인데, 한국 고미술과 민화에 특화된 아트페어로 업그레이드됐다. 다음 달 14일까지 인사동의 북합문화몰인 ‘안녕인사동’과 인사동 문화지구 전 지역에서 열린다. 인사동 문화지구 내에 있는 11개 고미술 업체가 참가한다. AHAF는 오는 17일부터 21일까지 인사동에 위치한 나인트리 프리미어 호텔의 안녕인사동 센트럴 뮤지엄과 호텔 12, 14층에서 열린다. 주최 측은 “내년 키아프와 프리즈가 공동 개최되면서 IAAF와 아시아 호텔 아트페어가 위성 페어로 동시에 진행될 예정”이라며 “프리즈 위크에 풍성하고 다채로운 문화적 부대효과를 기대한다”고 밝혔다.

전남 여수시에 위치한 GS칼텍스 예울마루가 예술의 도시 파리를 사진으로 만날 수 있는 다큐 사진전 ‘매그넘 인 파리’ 전시를 오는 12월 12일까지 예울마루 7층 전시실에서 연다. 2일 GS칼텍스에 따르면 지난달 26일 개막한 이번 전시는 2014년 프랑스 파리 시청인 오텔 드 빌(Hotel de Ville)에서 열린 ‘Paris Magnum’의 한국 순회 전이다. 서울, 부산, 대구에 이어 국내에서 4번째로 개최되는 대규모 사진전으로 개막 전부터 관심을 끌었다. 로버트 카파, 마크 리부, 엘리엇 어윗 등 20세기 사진의 신화로 불리는 매그넘 포토스(Magnum Photos)의 소속 작가 39명의 작품 220점을 선보인다.이번 전시에는 파리와 교토 전시에서는 선보이지 않았던 엘리엇 어윗의 파리 사진으로 구성된 특별 섹션 ‘앨리엇 어윗-Paris’와 파리의 패션 세계를 만날 수 있다. 작품으로 공개하지 않은 122장의 사진으로 만든 8개의 짧은 영상도 재미를 더한다. 전시와 함께 예울마루 아카데미에서는 파리의 예술과 패션, 매그넘 포토스의 사진 철학과 포토 저널리즘을 조망해보는 특강도 연다. 3일 오후 7시 30분에는 패션 큐레이터 김홍기가 패션의 본고장인 파리에서 패션이 어떻게 유통되고 전 세계의 트렌드를 이끌고 있는지를 복식사를 토대로 설명한다. 17일에는 조영호 중앙대 겸임교수가 매그넘 포토스의 역사와 작가들의 세계관이 어떻게 작용하는지를 소개한다.

서울 종로구 탑골공원 인근 인사동 피맛골에서 지난 6월 무더기로 쏟아져 나와 화제가 된 조선시대 전기 금속활자와 과학 유물 총 1755점이 3일부터 오는 12월31일까지 일반에 공개된다. 국립고궁박물관은 2일 매장문화재 조사기관인 수도문물연구원과 함께 인사동 발굴 문화재를 선보이는 기획전인 ‘인사동 출토유물 공개전’을 진행한다고 밝혔다. 김인규 국립고궁박물관장은 이날 간담회에서 “파편 한 조각을 포함해 인사동 출토 유물 전체를 보여주려고 했다”며 “발굴조사로 찾은 유물이라는 점을 강조하고자 전시 초반과 마지막을 발굴 현장처럼 꾸몄고, 관람객이 유물을 잘 이해할 수 있게 시각자료도 풍부하게 마련했다”고 설명했다. 전시는 1부 ‘인사동 발굴로 드러난 조선 전기 금속활자’와 2부 ‘일성정시의와 조선 전기 천문학’으로 구성됐다. 발굴조사에서 수습한 금속활자 1632점은 1부에서 관람객과 만난다. 임진왜란 이전에 만든 금속활자는 국립중앙박물관이 소장한 한글 활자 약 30점만 현존하는 것으로 알려졌는데, 인사동에서는 한자 활자와 한글 활자가 모두 발견됐다. 특히 세종이 지시해 신숙주·박팽년 등이 1448년 편찬한 운서(韻書)인 ‘동국정운’(東國正韻) 표기법을 사용한 활자, 다양한 크기의 한글 활자가 확인돼 주목받기도 했다. 금속활자가 담겨있던 도기 항아리를 지나치면 전시의 주인공인 금속활자가 나타난다. 박물관은 추가 연구가 필요한 활자 1300여자와 주조 시기를 확정한 활자 304자를 구분해서 전시하는데, 304점 중 작은 활자 48점은 구텐베르크가 금속활자 기술을 발명하기 전인 1434년에 만든 ‘갑인자’(甲寅字), 중간 크기 한자 활자 42점은 1455년에 주조한 ‘을해자’(乙亥字), 크기가 다양한 한글 활자 214점은 1465년 제작한 ‘을유자’(乙酉字)로 분류했다. 박물관은 “인사동 출토 금속활자 중 ‘화’(火) 자와 ‘음’(陰) 자는 1435년 갑인자로 찍은 책인 ‘근사록’(近思錄)과 서체·크기가 동일하다”며 “이를 바탕으로 형태와 모양이 같은 활자 48점을 골라 전시했다”고 설명했다. 이어 “갑인자로 추정되는 큰 한자 활자 8점에는 잘 쓰지 않는 글자가 새겨져 있는데, 서울대 규장각한국학연구원의 갑인자 추정 활자와 형태가 흡사하다”며 “을해자와 을유자로 확인된 활자는 서울역사박물관이 보유한 1461년 ‘능엄경’과 호림박물관에 있는 1465년 ‘원각경’과 대조했다”고 덧붙였다. 2부에서는 조선 전기 과학기술을 알려주는 유물을 소개한다, 특히 주목되는 유물은 ‘일성정시의’다. 일성정시의는 세종 연간인 1437년 중국에서 전래한 천문시계를 소형화하고 기능을 향상한 주야 겸용 시계다. 낮에는 해의 그림자로, 밤에는 별 관측으로 시간을 측정했다. 그동안 기록으로만 확인되던 것인데 처음 실물로 출토됐다. 일성정시의의 사용 방법을 알 수 있도록 박물관 소장품 ‘소일영’도 전시한다. 해시계인 소일영은 눈금표가 새겨진 둥근 고리와 받침대, 석제 받침대로 구성된다. 전체를 한꺼번에 공개한 것은 이번이 처음이다. 이와 함께 직사각형에 일정한 간격으로 구멍이 뚫린 자동 물시계 부속품인 ‘일전’(一箭)도 볼 수 있다. 일전은 경복궁 보루각 자격루 혹은 흠경각 옥루의 부품으로 추정되며, 일정한 간격으로 구멍이 뚫려 있어 구슬을 방출하는 역할을 한 것으로 짐작된다. 구슬은 종, 북, 징을 쳐서 시간을 알리는 인형을 작동하게 한다. 공개 유물 중 제작 연대가 확실한 승자총통(1583년) 1점과 소승자총통(1588년) 7점도 볼 수 있다. 이 총통에는 제작한 장인 이름, 제작 연도, 총통 무게와 화약량이 기록됐다. 제작 연도가 적힌 동종 파편, 정륭원보, 조선통보 등 금속화폐도 관람객을 맞이한다. 인사동 발굴 참여자의 목소리를 담은 영상, 음악가 박다울 씨가 작곡한 곡도 감상할 수 있다. 국립고궁박물관은 연구자들을 위해 도록을 공식 홈페이지에서 제공하고, 가상현실 콘텐츠도 제작할 계획이다.

러시아 현대 미술 작가들의 작품을 한 데 모아 관람할 수 있는 이색적인 전시가 열린다. 서울시 성동구 성수이로에 위치한 러시아 미술 전문 갤러리 까르찌나는 오는 3일부터 울산과 대구에서 러시아 현대미술 전시를 개최한다고 1일 밝혔다. 미하일 쿠가츠, 미하일 이조토프, 올가 불가코바, 세르게이 볼코프 등 러시아 대표 리얼리즘, 모더니즘 작가들의 작품이 관람객을 맞을 예정이다. 먼저 울산에서 오는 3∼5일 진행되는 제 3차 한·러지방협력포럼 부대 행사로 ‘러시아 현대미술전’을 개최한다. 올해 개관한 울산전시컨벤션센터(UECO)에서 갤러리 까르찌나 전속작가 9인의 러시아의 리얼리즘 풍경화, 블라디미르 화파, 추상주의 작품 100여 점이 전시된다. 대구에서는 오는 16∼27일에 수성아트피아와 공동주최로 ‘러시아 현대작가전 - 그림과 이야기하다’가 열린다. 러시아 현대 작가 6인의 색채 풍경화, 색채 추상주의와 초현실주의 작품 70여 점이 지역민들과 만난다. 또 연계프로그램으로 한국외국어대학교 HK+국가전략사업단 똘레랑스 주관의 러시아 전문가 6인이 펼치는 ‘2021 러시아로 떠나는 문화예술 기행’ 특강도 진행된다. 김희은 관장은 “이번 지방 전시는 먼 나라로만 생각되던 러시아의 문화예술을 지역민들에게 향유할 시간을 선사한다는 점에서 유익하게 다가갈 것”이라며 “코로나19 장기화로 여행이 자유롭지 못한 아쉬움을 러시아 작가들의 작품으로 달랠 수 있을 것”이라고 밝혔다. 모스크바를 기반으로 하는 갤러리 까르찌나는 지난해 7월 대관 전시를 시작으로 국내에 러시아 그림을 소개해오고 있다. 지난 5월부터 성수동에 상설 전시장을 운영하는 한편, 러시아 문화예술 콘텐츠를 제공하기 위한 플랫폼을 준비 중이다.

선조들이 역병 발병으로 인한 두려움과 스트레스를 해소하기 위해 치렀던 의식인 나례(儺禮)가 디지털 퍼포먼스로 부활한다. ‘나례(儺禮)’는 귀신을 쫓아내는 종교 의례 중 하나로, 귀신을 쫓을 때 사용하는 주력(呪力) 없이 순수한 기원으로써 귀신을 쫓는 전통 방법이다. 삼국유사에 등장하는 ‘처용가’가 이에 해당한다. 신라 헌강왕 때 인물인 처용(處容)이 역신(疫神)에게 아내를 빼앗기지만, 이내 태연하게 노래를 부르고 춤을 춰 역신이 모습을 드러내 그의 관대함에 감복, 용서를 빌었다는 이야기다. 그리고 역신은 처용 얼굴을 그린 그림을 붙여두면 절대로 그 집에는 들어가지 않겠다고 약속한다. 이후 처용이 춘 춤이 악부에 처용무라고 전해지고 있으며, 그가 부른 노래인 처용가 및 그의 얼굴을 본뜬 탈 등은 역귀를 물리치는 주요 상징으로 사용됐다. 이러한 처용 문화가 서울 논현동 플렛폼엘에서 ‘팬데믹, 나례’란 이름으로 다음달 5, 6일 양일간 디지털 퍼포먼스로 구현된다. 21세기 역병인 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 대유행으로 발생한 다양한 심리적 잔상들과 처용 이야기가 ‘희로애락’의 형상으로 입체적 오브제와 디지털 퍼포먼스로 표현된다. 2021년 버전의 나례 의식에 코로나19의 극복 의지를 담아 재구성한 페이스 트래킹 미디어 퍼포먼스다. 특히 기존 공연에서 활용되던 고정물체의 전면 투사 방식이 아닌 점이 눈길을 끈다. 공연자의 움직임을 인식, 추적하는 모션 트래킹 기술을 활용해 공연자의 얼굴(가면)에 페이스 프로젝션 맵핑이 이뤄진다. 국내 최초 페이스 트래킹 기반 전통 퍼포먼스다. 더불어 전통공연이 담아내지 못했던 ‘탈과 표정’의 역동성을 실시간으로 변화하는 감정표현인 인터랙티브 퍼포먼스로 구현한다. 스튜디오에서 사전 촬영한 다양한 처용 탈의 얼굴과 표정 데이터를 기반으로, 역동적인 무용수들의 움직임 속에서도 연속성을 가지고 시차를 최소화해 자연스럽게 묘사된다. 한국예술종합학교 출신이자 2016 올해의 여성문화인상을 수상한 (주)모던한 조인선 대표가 총괄 감독을 맡았으며 세계적수준의 그래픽 미디어회사 (주)파모즈와 셔더와 의기투합했다. 안무 및 예술감독은 서울 건축 비엔날레 개막식을 맡았던 유수경 감독, 음악 감독은 한양대 음대 객원 교수인 Jared Redmond이 맡았다. 국립현대무용단에서 활약한 이정민, 서울 무용 콩쿠르 금상을 받은 김지은, 김나형 등이 출연한다. 조 대표는 “위드 코로나의 시작을 알리는 이번 공연을 통해 침체돼있는 전통 공연예술시장의 활력을 불어놓고자 한다”며 “동시에 역사적으로도 문화예술을 통해 역병을 극복해 온 우리 문화를 알리기 위해 이번 행사를 준비했다”고 밝혔다. 공연 관람은 네이버티켓에서 티켓을 예매하면 된다.

“한국에는 이렇게 비슷하게 생긴 건물들이 수백개가 있어요. 형태가 매우 비슷해 건물 옆면에 쓰인 숫자로 겨우 구별이 가능하죠.” 2000년대 이후 꾸준히 세계적 사랑을 받아온 영국 런던 출신 현대미술가 줄리안 오피. 한국에서 개인전을 가질 때마다 한국을 소재로 신작을 선보여온 그가 이번엔 인천의 오피스텔 건물들에 꽂혔다. 줄리안 오피가 2018년 부산 전시 이후 3년 만에 한국에서 개인전을 열고 신작들을 선보인다. 서울시 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리에서다. 그간 국제갤러리에서 열었던 개인전 중에서 가장 대규모 전시로, 국제갤러리의 2개 전시장(K2, K3)과 야외 정원에 약 30점이 설치됐다. 줄리안 오피는 걸어가는 사람들을 특유의 굵은 선으로 단순화한 작품으로 유명하다. 특히 국내에선 2009년 서울역에서 내리면 보였던 서울스퀘어 빌딩 외벽을 걷는 사람들로 변신시킨 미디어 작품으로 대중에게 친숙하다. 하지만, 이번 전시에서 가장 눈에 띌 수밖에 없는 작품은 나머지 작품들과는 분위기가 확연히 다른 유일한 작품, 바로 ‘인천, 타워 2208’이다. 굵은 곡선이 직관적으로 눈에 먼저 들어오는 다른 작품들과는 달리, ‘인천, 타워 2208’은 하늘로 뻗은 직선, 그 직선들이 철저히 직각으로만 만나 네모 반듯한 작품이다. 기둥을 둘러싼 네 개 면에는 철저히 규칙적으로 배열된 수많은 작은 사각 형태가 자리 잡고 있다. 개수를 세어보기에도 까마득한 느낌이 든다. 한옥 문짝의 전통 창살이 연상되기도 하는 이 작품은 인천의 무명 건물들에서 영감을 받아 만들었다는 알루미늄 스틸 소재 조각 작품이다. 그는 3년 전 한국에서의 개인전을 기념해 서울 사당역에서 관찰한 행인들의 모습을 모티브로 ‘워킹 인 사당동 인 더 레인’을 선보인 바 있다. 이번에도 전시가 열리는 한국을 소재로 작품을 구상하려 했는데, 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 발이 묶인 탓에 구글어스로 인천을 들여다봤다고 한다. 이때 그의 눈에 가장 인상적이었던 것이 빽빽이 들어선 오피스텔 건물이었다는 것이다. 그는 온라인으로 한국에 보내온 작품 설명에서 “건축학적으로 대단하다고 말할 수는 없지만, 기하학적으로는 매우 흥미로웠다”며 “해외에서 방문하는 사람들이 봤을 때 매우 특이하다고 느낄 것 같다”고 했다. 이어 “긴 형태를 곧게 유지하기 위해 스틸 소재를 사용했고, 그 위를 흰색 페인트로 칠했다”며 “추상적 연결망의 형상을 띠면서도 도심 속 건물이 주는 느낌을 유지하려 했다”고 설명했다. 그는 과거에도 사각 기둥 형태의 작품인 ‘타워’ 시리즈를 선보인 적이 있기는 하다. 하지만, 한국의 근대적 건물의 상징으로 비유됐던 빈틈없는 사각 건물 ‘옛 대우빌딩’(현 서울스퀘어)을 ‘포스트 모던하게’ 반전시켜주었던 예술가라는 각인 탓일까. 그가 한국 관람객에 깜짝 선물하는 작품이 원룸 건물이라니. 기대와 달라 괜한 허탈함이 느껴지다가 이내 예상을 비껴간 반전의 흥미, 정곡을 찔린 객관적 현실감이 느껴진다. 갤러리 관계자는 “오피가 예전에 한국 방문했을 때, 도시 중심부터 외곽까지 펼쳐진 기하학적인 모양의 아파트 건물들에서 강한 인상을 받았다고 한다”며 “그 속에서도 각자 다른 디테일을 가지고 있는 건물들의 외관을 평소 존경하는 작가 솔 르윗, 조세프 알버스 등을 연상시키는 추상적인 선들로 표현하고 싶었다고 한다”고 부연했다. 이외에도 전시장에서는 오래도록 사랑받고 있는 걷기 연작 작품들을 감상할 수 있다. 그는 거리를 걷는 인파를 보다가 영감을 얻어 2002년부터 걷기 연작을 만들기 시작했다고 한다. K2 전시관의 1층에는 런던 동쪽 작업실 근처에서 겨울 옷으로 무장한 채 길을 헤쳐가는 이들의 모습을 포착해 알루미늄 조각, LED사용 영상, 라이트박스 등에 나타낸 사람들로 채워졌다. K2 전시관 2층에서는 사슴, 수탉, 강아지 등 동물 소재 작품들이 모여있다. K3 전시관에는 런던 고딕 건축물 조각이 세워져 있고 그 사이를 오가는 사람들이 가상의 도시 풍경을 이룬다. 첨탑이 뾰족한 런던의 고딕 양식 건축물과 한국 건축물도 대비를 이룬다. 전시장을 둘러보는 시간은 줄리안 오피가 특징적으로 요약해낸 지구를 여행하는 시간이 된다. 다음달 28일까지.

천장에 매달린 철사, 나무처럼 여러 방향으로 뻗은 가지, 그 끝에 꽃망울처럼 매달린 원색의 크고 작은 모형들. 자신의 곁으로 다가오는 사람을 감지하는 것일까. 다가갈수록 작품의 미세한 움직임이 포착된다. 관람객과 상호작용하는 사물이 마치 살아있는 듯하다. 키네틱 아트의 선구자인 알렉산더 칼더의 모빌 작품과 평면 작업을 볼 수 있는 전시가 열린다. 서울 용산구 이태원로에 위치한 페이스갤러리가 칼더 개인전을 열고 1950∼1960년대 조각과 회화 등 작품 16점을 선보인다. 전시장에서 만날 수 있는 모빌들은 알렉산더 칼더 재단이 오직 전시를 위해 내놓은, 팔지 않는 작품이다. 1960년대 작품들임에도 갓 탄생한 작품처럼 깨끗하며, 생생하고 부드러운 움직임으로 놀랍다. 재단이 그만큼 엄격하게 보관, 관리하는 덕분이다. 모빌 작품들이 역사적 작품의 아우라를 뽐낸다면, 대중에 덜 알려진 평면 작품들은 새로운 매력으로 다가온다. 칼더가 잉크와 과슈, 유화로 그린 추상화들이다. 1930년 칼더는 추상회화의 선구자 피에트 몬드리안의 스튜디오에 방문했다가 영감을 받아 추상화를 그리기 시작했다. 그 영향으로 제작한 유화 ‘더 블랙 문(The Black Moon)’(1964)도 이번 전시에 나왔다. 1960년대 미국 구겐하임 전시 이후 50여년 만에 처음으로 외부에 공개되는 것이라는 설명이다. 다음달 20일까지.