천장에 매달린 철사, 나무처럼 여러 방향으로 뻗은 가지, 그 끝에 꽃망울처럼 매달린 원색의 크고 작은 모형들. 자신의 곁으로 다가오는 사람을 감지하는 것일까. 다가갈수록 작품의 미세한 움직임이 포착된다. 관람객과 상호작용하는 사물이 마치 살아있는 듯하다. 키네틱 아트의 선구자인 알렉산더 칼더의 모빌 작품과 평면 작업을 볼 수 있는 전시가 열린다. 서울 용산구 이태원로에 위치한 페이스갤러리가 칼더 개인전을 열고 1950∼1960년대 조각과 회화 등 작품 16점을 선보인다. 전시장에서 만날 수 있는 모빌들은 알렉산더 칼더 재단이 오직 전시를 위해 내놓은, 팔지 않는 작품이다. 1960년대 작품들임에도 갓 탄생한 작품처럼 깨끗하며, 생생하고 부드러운 움직임으로 놀랍다. 재단이 그만큼 엄격하게 보관, 관리하는 덕분이다. 모빌 작품들이 역사적 작품의 아우라를 뽐낸다면, 대중에 덜 알려진 평면 작품들은 새로운 매력으로 다가온다. 칼더가 잉크와 과슈, 유화로 그린 추상화들이다. 1930년 칼더는 추상회화의 선구자 피에트 몬드리안의 스튜디오에 방문했다가 영감을 받아 추상화를 그리기 시작했다. 그 영향으로 제작한 유화 ‘더 블랙 문(The Black Moon)’(1964)도 이번 전시에 나왔다. 1960년대 미국 구겐하임 전시 이후 50여년 만에 처음으로 외부에 공개되는 것이라는 설명이다. 다음달 20일까지.

한국국제아트페어(KIAF·키아프)에서 입증된 미술시장 열기가 대구로 이어진다. 2021 대구아트페어(포스터)가 다음 달 4∼7일 대구 엑스코에서 열린다. 4일 개막식·VIP 관람, 5∼7일 일반 관람 일정이다. 14회째인 올해 행사에는 국제갤러리, 리안갤러리, 학고재, 갤러리현대, 이화익갤러리, 조현화랑, 금산갤러리 등 5개국 126개 화랑이 참가한다. 대구·경북 지역 화랑이 32곳, 서울·경기 지역 화랑이 71곳, 해외갤러리 4곳, 국내 기타지역 화랑이 19곳이다. 지난해에는 코로나19 사태로 행사가 축소돼 69개 화랑으로 참가 화랑 수가 제한됐다. 올해에는 참가 화랑이 많아졌고 전시장 규모도 1.5배로 확대됐다. 국내외 작가 700여 명의 작품 5000여 점이 소개된다. 김환기, 박서보, 백남준, 오세열, 이건용, 이우환 등 국내 대표 작가와 데이비드 호크니, 로버트 인디애나 등 해외 작가들의 작품을 볼 수 있다.

국립현대미술관이 과천관에서 한국 추상미술의 대표적 여성화가 최욱경의 대규모 회고전을 연다. 국립현대미술관 과천은 27일부터 내년 2월 13일까지 ‘최욱경, 앨리스의 고양이’를 개최한다고 이날 밝혔다. 이번 전시는 최욱경(1940~1985)의 예술 세계 전반을 재조명하고, 미술 교육자이자 시인이기도 했던 작가의 전방위적인 활동 이력을 총체적으로 조망하고자 마련된 회고전이다. 특히 이번 전시에서는 최욱경 작업세계에 큰 영향을 미친 것으로 알려진 루이스 캐럴(Lewis Carrol, 1832~1898)의 소설 ‘이상한 나라의 앨리스’에 대한 작가의 관심과 작가의 시집 등도 함께 살핀다. 미술이 문학과 연계되는 지점에 주목해 최욱경의 작업 전반을 새롭게 읽어보려는 시도다. 최욱경은 1940년 서울에서 출생해 서울예고와 서울대 회화과를 졸업한 뒤 1963년에 미국으로 떠났다. 미국 유학 후 현지에서 화가이자 미술 교육자로서의 활동을 본격화했다. 1965년에는 ‘작은 돌들(Small Stones)’이라는 영문 시집을 출간, 문학에 대한 자신의 관심을 처음으로 드러냈다. 1970년대에는 한국과 미국을 오가면서 작품 창작과 강의를 병행했다. ‘앨리스의 고양이’를 비롯한 시 45편을 수록한 국문 시집 ‘낯설은 얼굴들처럼’(1972)을 출간하기도 했다. 1979년부터 1985년 작고할 때까지 영남대와 덕성여대 교수로 재직하면서 한국의 산과 섬을 주제로 한 회화 작업 제작에 몰두했다. 1980년대에 ‘상파울루 비엔날레’(1981), 뉴욕에서 ‘한국 현대 드로잉전’(1981), 교토에서 ‘한국 현대미술의 위상전’(1982), 파리의 ‘살롱 도톤’(1982) 등 해외에 한국 현대미술을 소개하는 국제 전시에 다수 참여했다. 국립현대미술관과 호암갤러리 등에서 작가를 추모하는 회고전(1987)이 개최된 바 있다. 지난 5월 파리 퐁피두 센터에서 개최된 ‘여성 추상미술가들(Women in Abstraction)’ 전시가 지난 22일부터 스페인 빌바오 구겐하임미술관 순회 전시되고 있다. 모교인 미국 크랜브룩 미술 아카데미전시 ‘1932년 이후 크랜브룩 미술 아카데미(With Eyes Opened: Cranbrook Academy of Art Since 1932)’에도 최욱경의 출품되는 등 최근 해외에서도 시대를 앞섰던 추상표현주의 여성화가로 조명되고 있다. 미술관 측은 “한국과 미국에서 미술가, 교육자, 시인으로 활발하게 활동했음에도 불구하고, 최욱경은 주로 ‘추상표현주의 미술의 영향을 수용한 미국적인 화가’ 혹은 ‘요절한 비극적인 여성 작가’로 인식되어 왔다”며 “이번 전시는 이전의 평가들과는 달리 그의 작업을 동시대 현대미술 및 문학과의 관계를 통해 다각도로 조명함으로써, 최욱경의 예술이 위치한 좌표를 재탐색하고자 한다”고 밝혔다. 이어 “동시에 호기심 때문에 원더랜드로 모험을 떠난 앨리스처럼, 한국과 미국을 오가며 늘 새로운 세계에 대한 탐색을 멈추지 않았던 최욱경의 능동적인 삶의 이력과 그의 작업이 지닌 동시대성을 부각하고자 한다”고 덧붙였다.

경남도립미술관이 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 절감한 전 세계적 ‘돌봄’의 위기를 동시대 미술로 조명하는 기획전을 선보인다. 경남도립미술관은 오는 29일부터 내년 2월 6일까지 동시대미술기획전 ‘돌봄사회’(포스터)를 개최한다. ‘돌봄’을 소재로 한 국내외 작가 6명의 회화, 영상, 설치 등 작품 약 40점을 선보인다. 문지영, 임윤경, 최태윤, 조영주와 미국 로스앤젤레스와 독일 베를린에서 활동하는 한국계 미국인 예술가 요한나 헤드바, 포르투갈 리스본과 영국 런던에서 활동하는 그리스계 영국인 예술가 미하일 카리키스가 참여한다. 격무에 시달리고 있는 방역현장의 의료진, 학교가 문을 닫는 날이 늘어나면서 방치된 취약계층 아이들, 집단감염에 쉽게 노출되는 각종 보호시설과 교정시설 등 기존의 돌봄 체계는 크게 흔들렸다. 전시는 이 같은 상황에서 동시대 미술을 통해 오늘날 돌봄의 구조와 그 기저에 인간의 상호의존성을 탐구한다.

중국을 기반으로 아시아 미술시장과 평론이 주목해온 1980년대생 젊은 작가인 정성준과 왕지아노(Wang Jianuo) 2인전이 열린다. 서울 성동구 성수동1가에 위치한 아틀리에 아키에서 오는 28일부터 12월 11일까지 두 작가의 2인전을 열고 신작 회화 약 20점을 선보인다. 베이징을 기반으로 국내외를 오가며 활동해온 정성준은 ‘인간과 자연의 공존’이라는 주제로 작업해온 작가다. 분명히 현존하고 엄중히 인식해야 하지만 드러나지 않는 환경 문제들을 가시적인 형태로 소환해왔다. 당나귀와 원숭이, 북극곰과 남극의 펭귄 등 동물 캐릭터의 유토피아를 찾아 떠나는 여정을 선보여왔다. 컬러풀한 동물 캐릭터, 이에 대비되는 무채색(achromatic color)의 배경 풍경이 묘사되곤 하는데, 이를 통해 인간과 동물이 공존할 수 있는가에 대한 의문을 제시한다. 동시에 자연과 인간이 공존할 수 있는 세상에 대한 작가의 염원을 담은 것이기도 하다. 작가는 러시아 국립 샹트페테르부르크 미술대학(Saint Petersburg State University)에서 연수했고, 중국의 최고 미술대학인 중앙미술대학(Central Academy of Fine Arts)에서 첫 외국인 수석 졸업자로 석사학위를 마친 이력의 소유자다. 세계적인 아트 컬렉터인 프랑스 루이비통 재단의 베르나르 아르노(Bernard Arnault) 회장이 작품을 컬렉팅해 입소문을 타기도 했다. 1989년생 작가 왕지아노(Wang Jianuo)는 피카츄, 심슨 등 1980∼1990년대에 전 세계적으로 사랑 받았던 만화 캐릭터들을 작품에 들여온다. 그래피티 아트, 콜라주, 아이콘 등 자신만의 위트 있는 방식으로 재해석해, MZ 세대의 공감을 불러일으켜왔다. 대중문화와 소비주의에 익숙한 1980∼1990년대의 문화를 다채롭고 팝적이며, 현대적인 감성으로 표현한다는 평가를 받는다. 웨민쥔(Yue Minjun), 첸 단칭(Chen Danqing), 시앙 징(Xiang Jing), 펭 웨이(Peng Wei) 등 기타 유명한 현대미술 평론가와 미술 애호가들이 그의 작품을 소장했다. 이번 2인전은 강렬한 색채대비와 정제된 미감을 통해 동시대 미술계에서 스포트라이트를 받고 있는 두 작가의 작품을 함께 다루면서 한국과 중국 현대미술의 단면을 살펴볼 수 있는 기회다.

독도 관련 기관들이 다양한 자료로 독도의 과거, 현재, 미래를 재조명하는 전시가 열린다. 국립문화재연구소는 국립생물자원관, 독도박물관, 동북아역사재단과 함께 독도천연보호구역을 주제로 개최하는 기획전(포스터)을 독도의 날인 25일 대전 천연기념물센터 기획전시실에서 개막한다고 24일 밝혔다. 12월31일까지 이어지는 전시는 옛 지도로 독도 과거를 설명하고, 독도에서 살아가는 생물의 표본과 세밀화로 현재를 보여준다. 또 다양한 독도 영상과 사진으로 미래를 이야기한다. 고지도는 문재인 대통령이 지난 6월 스페인을 방문했을 때 마드리드 상원 도서관에서 본 1735년 서양 지도 ‘조선왕국전도’ 등 독도가 한국 영토로 표시된 자료 9점과 ‘동해’라는 바다 명칭이 기록된 사료 7점을 선보인다. 동물 표본으로는 천연기념물인 흑비둘기, 팔색조, 새매 박제 등이 전시된다. 흑비둘기 박제가 일반에 공개되기는 처음이다.

#예술적 기질을 이어가는 이들 많이 늦었지만 얼마 전 영화 ‘신과 함께’를 봤다. 천만 관객이 든 재밌는 영화라는 이야기는 익히 들었다. 하지만 판타지물을 보지 않는 개인 취향 때문에 이제야 보게 되었다. 영화에서 가장 흥미로웠던 것은 주호민의 원작 웹툰에서 비롯했을 스토리텔링이었다. 이 영화를 통해 주호민은 방송 작품에 다수 출연하며 대중적 인지도를 쌓게 되었다. 그리고 미술 일을 하는 사람으로써 그만큼 익숙한 이름은 그의 아버지 주재환이다. 유쾌하고도 담담하게 세상을 향한 메시지를 던져온 작가다. 프랑스에서도 이렇게 예술가 기질을 이어가는 이들이 있다. 19세기에 활동하여 명성을 남긴 피에르 오귀스트 르누아르(Pierre-Auguste Renoir, 1841~1919)의 가족이다. 르누아르에게는 세 명의 자식이 있었는데 모두 예술가가 되었다. 첫째와 둘째는 영화계의 거장으로 오스카에서 공로상과 베니스 국제영화제 최우수 국제 영화상을 받는 등 활약했다. 셋째는 도예가로 작업하며 아버지의 경험을 이어받아 자기 작품 세계를 지었다. DNA를 통한 것인지 생활 환경을 통해서인지는 알 수 없지만, 예술적 기질이라는 것은 이렇게 이어지는가 보다. #르누아르, 도자기 화공이 인상주의 기수가 되기까지 피에르 오귀스트 르누아르는 1841년 프랑스 리모주에서 태어났다. 파리에서 약 400㎞ 떨어진 지역으로 프랑스에서 팔리는 도자기의 절반 이상을 생산한다. 르누아르는 가족과 4세 때 파리로 이주했으나 가정 형편으로 익숙한 도자기 공장에서 일을 시작했다. 십대의 나이에 도자기에 그림 그리는 직업을 가지며 색채에 커다란 매력을 느꼈다. 이때부터 미술에 관심을 가지고 루브르미술관 등을 방문, 프랑수아 부셰 등의 작품을 보며 화가의 꿈을 키웠다. 귀족이나 상류 계급의 우아한 풍속 등을 아름답게 그려낸 로코코 양식의 대표 작가다. 기계 혁명이 일어나며 수공예적 직업을 유지하는 것조차 어려웠지만 미술을 단념할 수 없었다. 임금을 받으면 그것을 가지고 미술 교습소에 가서 교육을 받았다. 이 교습소에서 클로드 모네, 알프레드 시슬레를 비롯해 폴 세잔, 아르망 기요맹 등의 화가와 만났다. 모두 새로운 것을 지향, 탐구하여 훗날 인상주의를 이끌어 미술사에 남은 인물들이다. 이들과 카메라의 등장 등 급변하는 시대 속에 어떤 그림을 그릴지 논의하며 그림을 향한 숙고를 시작했다. 1862년에는 파리의 유명 미술 학교인 에콜 데 보자르에 합격했다. 재학하며 파리의 살롱전에 작품을 출품하기 시작했는데 이 시기 작품들은 작가가 파기해 남아있지 않다. 다만, 들라크루아와 쿠르베 등과 같이 현실 속 인간의 감정과 삶에 주목한 작가의 영향을 받았다 알려졌다. 1867년 살롱전에 통과한 ‘양산을 든 리즈(Lise with Umbrella)’(1867)라는 작품은 독일의 한 미술관에서 소장 중이다. 당시 연인을 그린 이 초상화는 야외에서 자연스러운 포즈를 포착해 담은 것으로 눈길을 끌었다. 기존의 초상화가 잘 꾸며진 실내에서 정해진 태도로 자기 권위를 드러내는 식이었기 때문이다. 르누아르는 모네, 시슬레, 세잔 등과 이렇게 야외에서 작업하는 그림으로 유명해졌다. 제1회 인상주의 전시로 불리는 자리를 꾸리고 작품도 출품했다. 이후에도 두 차례 더 인상파 전시에 참여, 눈부시게 빛나는 자연의 색채를 화면 위에 구현했다. 르누아르는 인상주의 작가들과 서로를 모델 삼아 삶의 순간순간을 남겨주는 등 청춘을 함께 보냈다. 작가의 대표작으로 꼽히는 ‘물랭 드 라 갈레트에서의 춤(Dance at Le Moulin de la Galette)’(1876) 역시 이 시기에 그려진 것이다. #청춘의 빛남이 깊어진 색채로 변하기까지 르누아르는 1881년 파리를 떠나 장기 여행을 시작했다. 북아프리카의 노르망디 해안을 거쳐 이탈리아의 폼페이 등을 방문했다. 이 중 이탈리아에서 라파엘로와 같은 화가들의 그림을 보며 고전주의 회화에 다시 흥미를 느꼈다. 작가는 귀국 이후 고전주의 회화를 직접 모방하지는 않았지만 자기 그림에 적용하는 실험을 펼쳤다. 이 실험은 하나의 캔버스 위에서 기존의 인상주의적 작업 방식과 함께 드러나 묘한 매력을 연출했다. ‘해변 곁에서(By the Seashore)’(1883)는 이러한 시도가 온전히 드러나는 그림이다. 배경에서는 야외의 순간을 포착하려 빠르게 움직인 인상주의적 붓질이 눈에 띈다. 반면 전경으로 자리 잡은 여인의 얼굴에는 부드럽고 세밀하게 색을 칠하려던 손놀림이 보인다. 작품을 소장한 뉴욕의 메트로폴리탄박물관은 이 작품이 야외가 아닌 작가 스튜디오에서 그려진 것으로 추측한다. 모델을 의자에 앉혀 자세를 취하게 하고 그간의 연구를 하나의 캔버스에 실현한 것으로 본다. 여행 중 노르망디 해변에서 본 빛과 르네상스 예술에서 받은 웅장한 감동은 이제 함께 존재한다. 르누아르는 이와 같은 시간을 거쳐 자기만의 견고한 작업 세계를 구축했다. 인상주의 화풍에서 탈피하여 여행에서 만난 풍부한 색채 표현에 집중하기도 했다. 원색을 사용하고 그 대비에서 오는 아름다움으로 원숙한 화면을 만들었다. 그림의 대상도 풍경에서 벗어나 꽃, 어린이, 여성 등으로 확대했다. 이 무렵 그는 50이 다 되어 결혼했고 아내 알린 샤리고와의 사이에서 아이들이 태어났다. 엄마와 아이를 담은 따듯한 풍경이 등장하게 된 이유가 아니었을까 생각한다. ‘샤르팡티에 부인과 그의 아이들’(1878)은 그가 결혼하기에 앞서 그려졌지만, 가족이 등장하는 초상화다. 이 그림 속 주인공 여성은 르누아르의 주요 컬렉터였던 샤르팡티에 부인이다. 그녀는 플로베르, 공쿠르, 에밀 졸라 등이 활동한 문학 살롱을 운영한 살롱리스트로 이름을 알린 인물이다. 르누아르의 그림을 그 누구보다 애정하고 지지하며 구매하는 사람이기도 했다. 당시 유행이었던 화려한 일본풍 거실의 가운데 샤르팡티에 부인이 앉아있다. 세련된 검정 옷을 입고 눈길을 보내는 대상은 그녀의 아들과 딸이다. 당시 유행에 따라 같은 드레스를 입고 같은 머리를 한 아이들의 표정이 해맑다. 그 모습을 바라보는 눈길에는 온기와 애정이 가득해 화면 밖까지 전해진다. 그래서인지 르누아르와 동시대에 활동한 소설가 마르셀 프루스트는 이 그림을 보고 다음과 같이 묘사했다. “우리 시대의 우아한 가정과 아름다운 드레스를 담은 한 편의 시.” 르누아르는 말년에 류머티즘성 관절염으로 큰 고생을 했다. 연필이나 붓을 잡는 것조차 고통스러워했다고 전해진다. 그런데도 그는 1919년 세상을 떠날 때까지 손가락에 연필을 줄로 매고 그리기를 멈추지 않았다. 예술을 향한 애정과 열정이 그의 자식들에게 전해지지 않을 수 없을 것 같기도 하다.

‘백동명장 조성준’전시가 서울 종로구 인사동 갤러리 인사이트에서 열린다. 이번 전시에는 조 명장의 금·은잔과 접시, 육각백동촛대, 요강, 백동대야, 백동등잔대, 백동초꽂이, 바늘집 노리개, 장도 노리개, 비녀자물쇠, 옥장도, 비취장도 등 작품 30여 점이 공개된다. 백동은 ‘저머니 실버(Germany Silver)’라는 학명의 니켈 합금으로, 100원짜리와 500원짜리 주화에 들어가는 금속 재질이다. 독일에서 만들어져 우리나라에서는 조선 말기부터 쓰기 시작했다. 단단하고 비싼 재료로, 공예 재료들 중에서는 까다로운 소재로 알려져 있다. 그만큼 다루는 이도 많지 않은 것으로 전해진다. 1999년 제99-17호 대한민국 명장(금속공예)으로 지정되고 2011년 제36회 대한민국전승공예대전 대통령상을 받은 조 작가는 사라져가는 백동 공예의 미학을 계승하고 있는 인사다. 그는 국보 제42호 목조 삼존불감 금속경첩 보존수리를 하기도 했다. 작품들은 전통의 아름다움을 물씬 풍긴다. 여러 형태의 뻐꾸기로 꾸며진 백동등잔대는 궁궐 지붕의 장식기와(취두)가 연상되는 동시에 금속공예가의 기예를 뽐낸다. 배흘림기둥이 연상되는 형태의 촛대는 가느다랗게 뻗어, 단아하면서도 꼿꼿한 사람의 자세를 닮았다. 육각백동촛대는 2011년 대통령상 수상 당시 제작기법이 뛰어나고 배흘림기둥과 조립기법이 돋보였다는 평가를 받은 바 있다. 그러나 조 명장은 화려함으로 눈길을 끄는 작품들보다 단순한 형태로도 아름다움이 뒤처지지 않는 작품, 또는 실생활에 밀접하게 쓰이는 소박한 작품들에 더 의미를 부여했다. 조 명장은 “화로와 요강, 백동대야에 특히 의미를 두고 소개하고 싶다”고 말했다. 이어 “사대부 집안에서 딸을 시집보낼 적에, 가는 길에 가마 안에서 사용할 수 있도록 손화로와 요강을 가마 속에 넣어주었다”며 “선조들의 삶이 잘 느껴지는 물건들”이라고 소개했다. 자신의 기법이 높이 평가받았던 육각백동촛대에서도 그는 다른 의미를 더 강조했다. 그는 “아름다움을 표현하기 위해 다양한 문양이 들어가기도 하지만, 내 생각에는 그저 어떤 장난질도 없이, 문양도 없이, 꼿꼿한, 듬직한, 깨끗한 육각형이 더 아름답게 다가온다”며 “곧은 마음가짐을 생각하며 만든 작품”이라고 말했다. 공예는 예술 분야 중에서도 실생활과 가장 가까운 분야다. 공예가인 조 명장 역시 삶과 밀접한 예술이라는 공예의 의미를 강조했다. 그는 “전시 중인 작품 모두 실생활에서 사용할 수 있다”며 “예술 감각이 있으면서도 실제로 쓸 수 있어야 한다. 쓸 수 있어야 가치가 있고 사람들의 관심이 이어질 수 있다”고 말했다. 그는 이어 명장이라 불리는 자신에 대해서도 “사람들은 ‘장인’이라고 하지만, ‘장인’이라기보다는 ‘쟁이’이고 싶다”며 “‘쟁이’로서의 손재주를 그저 사람들에게 꾸준히 보여주고 싶다”고 말했다. 26일까지.

아시아 미술의 중심지라는 꿈을 향해 꿈틀거리고 있는 서울의 화랑가가 해외 갤러리들이 선보이는 작품들로 어느 때보다 풍성하다. 국내에서 보기 힘들었지만 세계적인 사랑을 받고 있는 작품들이 서울 곳곳에서 관람객을 맞고 있다. 유럽 명문 갤러리 타데우스 로팍은 다음달 27일까지의 일정으로 게오르크 바젤리츠 개인전 ‘가르니 호텔(사진)’을 펼치고 있다. 타데우스 로팍이 서울에 지점을 낼 것이라는 소식은 서울이 아시아 미술시장 허브로 급속히 부상하고 있다는 대표적인 근거로 여겨왔다. 미술계의 기대 속에 이달 초 용산구 한남동에 문을 열었고, 개관전으로는 이 갤러리 전속 작가로 수십년 동고동락한 현대미술의 신화 게오르크 바젤리츠가 선택됐다. 20세기 독일 신표현주의를 대표하는 작가로, 한국에서 국제아트페어가 열릴 때마다 가장 비싼 작품으로 꼽혔다. 자신의 아내 바젤리츠 엘케를 거꾸로 그린 작품이 그의 독특한 추상화로 자리매김했다. 이번 전시에서는 그간 보기 힘들었던 드로잉까지 20점이 전시된다. 2007년 국립현대미술관에서 개인전이 열린 이후로 국내에서 15년 만에 개최되는 전시다. 프랑스 파리 퐁피두센터에서도 대규모 회고전이 서울과 동시에 열리고 있다. 강남구 청담동 쾨닉갤러리는 카타리나 그로세의 서울 첫 개인전 ‘거품의 뭉그러진 가장자리에서’를 시작했다. 카타리나 그로세는 독일과 네덜란드를 무대로 활동하며 색채 자체로 눈길을 사로잡는 대형 설치작품을 선보여온 작가다. 쾨닉서울의 전시장에서는 강렬한 원색이 뒤섞였음에도 아크릴과 수채화를 이용해 부드럽고 풍부한 느낌을 주는 작품들이 관람객을 맞는다. 서울 종로구 삼청동 리만머핀도 미국의 현대미술가 데이비드 살레의 첫 서울 개인전 ‘현실의 연금술’을 시작했다. 다음달 13일까지 열리는 이번 전시에서 작가가 팬데믹 기간 동안 제작한 신작 7점을 선보인다.

올해 20회를 맞아 한국에서 가장 오래된 아트페어(미술품 장터)인 한국국제아트페어(KIAF·키아프)가 역대 최고 매출을 기록했다. 미술시장 열기를 다시한번 보여줬다. 키아프서울2021(제20회 한국국제아트페어) 운영위원회는 17일 이번 아트페어에 8만8000명이 방문했으며 총 매출은 약 650억원으로 집계됐다고 밝혔다. 매출은 행사 첫날인 13일 집중됐다. 지난 13일부터 17일까지 5일간 서울 강남구 삼성동 코엑스 A,B홀에서 열린 행사에서, VVIP 입장일이었던 첫날 약 5000명이 관람하고, 약 350억원 매출을 올렸다. 제19회 키아프가 열린 2019년 매출액인 310억원을 행사 첫날 넘어선 것이다. 미술품 구매 열기는 어느 때보다 뜨거웠다. “지난해 코로나19로 키아프가 취소돼 국내 갤러리들은 치명적인 타격을 입고 갤러리, 작가 모두 위기를 맞았다”는 키아프 운영위는 이번 행사에서 분위기가 완전히 반전됐다고 설명했다. 키아프 운영위 측은 “이번 키아프에는 방역수칙에 따른 홀 내부 체류인원 상한선인 3063명에 여러차례 도달해 입장을 제한하고 방문객이 대기했다 입장했어야 할 정도였다”고 밝혔다. 또한 “키아프 운영위와 갤러리측이 제공한 VVIP카드 약 2000장 중 70∼80%에 달하는 손님들이 첫날 집중적으로 입장해, 평소 여유롭게 행시 기간에 분산돼 방문했던 모습과 달랐다”고 덧붙였다. 키아프에는 BTS의 뷔와 RM, 전지현, 이병헌, 이민정, 이민호, 류준열, 소지섭, 노홍철, 황신혜, 소유진, 성유리, 한지혜 등 유명 인사들이 방문하기도 해 관심을 높였다. 또한 국내에 머물고 있는 해외 갤러리뿐만 아니라 국내에 지점이 없는 해외 디렉터들도 행사를 방문해 국제적 관심을 보여줬다. 무라카미 타카시(Murakami Takashi)의 솔로쇼로 키아프에 참가한 페로탕(Perrotin)의 엠마뉴엘 페로탕(Emmanuel Perrotin), 리만 머핀(Lehmann Maupin)의 창립자 라쉘 리만(Rachel Maupin), 내년 서울에서 키아프와 공동개최가 예정된 세계 3대 아트페어 영국 프리즈(Frieze) 측도 현장을 방문했다. 키아프 운영위 측은 이번 매출 증가 이유와 관련해 △지난해 키아프가 취소되며 미술애호가들의 억눌렸던 욕구가 발산한 점 △코로나19로 인해 고립된 환경 속에서 미술품으로 위로를 받고자 하는 욕구 증가 △MZ세대를 중심으로 한 신진 컬렉터들의 미술품에 대한 투자 관심 증가를 꼽았다.