최근 급속히 성장하며 미술의 신분야가 될지 관심이 뜨거운 NFT(대체불가능토큰)에 대해 작가 10명이 한자리에 모여 방담이 벌어졌다. 서울 서초구 사평대로에 있는 갤러리 마크에서 ‘예술과 화폐의 혼인동맹’(‘디지털 화면으로 만나는 NFT 아트, 잠든 오감을 깨우다’ https://www.segye.com/newsView/20210902513580)이라는 제목의 전시 현장에서다. 지난달 26일 전시 개막일에 모인 참여 작가 10명과 즉석 집담회가 벌어진 현장은 NFT에 대한 젊은 작가들의 가장 신선한 생각이 분출된 따끈따끈한 현장이었다. 작가들 역시 NFT의 세계가 처음 열렸을 때는 긴가민가했지만 하나둘 작품을 만들고 포트폴리오를 쌓아가며 NFT예술, 시장에 점차 확신을 갖게 됐다는 의견이 많았다. 특히 작품 판매와 무관하게, 자신의 작품 이미지가 흘러가는 과정이 추적된다는 것을 주목한 의견이 눈에 띄었다. 작가들이 자신의 작품을 알리기 위해 블로그나 인스타그램과 같은 소셜미디어 계정에 작품을 올렸다가 이미지 도용 등의 피해에 사실상 무방비로 노출돼왔으나 앞으로는 블록체인 기술이 이용된 NFT를 통해 안심할 수 있게 됐다는 것이었다. 요요진, 현지원, 김지현, 김보슬, 엠마팍, 김경아, 김한기, 김대성, 정선주 작가가 참여했다. 전통 갤러리에 그림이나 조각 대신 NFT작품이 걸리고 곳곳에 큐알코드가 붙어있는 이색적인 풍경 속에 벌어진 즉석 집담회 현장을 소개한다. -데이비드 호크니는 “사기”라고 하기도 했는데. 작가들 생각은. 김대성 “데이비드 호크니 시대 작품에 접근하는 방식과 달라서 나온 말로 본다. 기존 접근방식은 노동이었다. 붓 터치 하나하나, 입체감을 주는 터치 자체가 하나의 수행 행위처럼 노동과 창작에 기반을 둬 작품이 됐다. 지금 NFT시장은 거의 영상이기에 그런 것 자체에서 ‘사기’라는 걸 이야기한 차원인 것 같다. 이런 분야와도 좀 더 관계를 갖는다면 예술의 한 분야임을 인정할 것이라 본다.” 현지원 “‘사기’라는 단어의 뜻을 사전에서 보면 ‘사람을 속여 착오를 일으키게 함으로써’라고 한다. 사기라는 느낌은 어떤 과도기에는 어쩔 수 없이 일어나는 것 중 하나인 것 같다. 진정성 있는 예술이 있다면 NFT든, 조각이든, 실물 형태든 가능하다. 이게 사기가 되지 않으려면 진정성 있는 작품이 나오고 건강한 시장이 구축되면 되는 문제다. 건강한 시장으로 자리매김했으면 한다.” 요요진 “2018년쯤 크리프티라는 게임을 통해 처음으로 NFT 개념을 접했다. 친구가 고양이 모양의 JPG파일을 보여주며 이게 얼마일 것 같냐고 묻더라. 몇백원 하겠지라고 답했는데, 500만원에 거래되고 있다더라. 충격을 받았고, 저게 무슨 사기지라는 생각도 저도 했다. 그런 와중에 올해 초 NFT작품들이 나타났고, 무시할 수 없는 시장이구나 싶어 저도 다시 이해하게 됐다. 처음에는 적응하기 힘들 수 있다. 디지털파일이 가진 것의 가치를 가상화폐를 통해서 금전적 가치를 부여한다는 거잖나. 그건 또 다른 의미라고 생각한다. 저도 NFT를 접하면서 메타버스 공간에 대한 새로운 가능성도 발견하게 되고, 일반적으로 들어가는 3D공간, 멋지고 쿨한 공간인 건 알겠는데, 여기서 뭘 하겠나 생각했는데, 거기에도 땅이 존재하고 구매를 하고 가치가 매겨져 있다는 순간부터는 이게 장난이 아니구나 싶었다. 그런 경험에 비춰봤을 때 처음엔 어색할 수 있어도 가면 갈수록 특별한 매력 발견할 수 있을 거다. NFT 컬렉터도 있고 그 안에서 작가 작품에 의미라든지 작가가 가지고 있는 색깔을 좋아해 주시는 분도 생기고 있다.” - NFT가 예술의 한 분야로서 앞으로 자리 잡을 수 있을까. 김경아 “미술계는 미술의 한 장르로 이끌어가나 대중은 대부분 아직 투자 개념으로 생각하고 있는 것 같다. 작업을 올리고 모아 포트폴리오를 생성해가면서, 예술의 한 장르로 자리 잡고 있다고 몸소 느낀다.” 요요진 “복잡해 보이지만, 결국 작품을 보이고, 나를 알리고, 내 작업을 공유하는 좋은 시장이 생겼다고 본다. NFT가 미술쪽에서 먼저 각광받고 유통되고 있지만 광범위하게 활용되리라 본다. 사라지지 않고 더 견고해질 것으로 본다. 가격변동이 심하나 미술 시장도 따지고 보면 마찬가지다.” 김지현 “저는 일러스트레이터로 활동하다 페인팅으로 넘어온 케이스다. 개인 작품을 디지털로 하면 파인아트에서는 한 단계 낮은 것으로 인식하는 경향이 있다. 작품성이나 가격에서 페인팅 아니면 가치를 못 받아 페인팅으로 넘어가던 중이었다. NFT가 생기면서 과거 디지털 작업들을 꺼내와서 NFT작품화 하고 있는데, 과거에는 가치를 제대로 인정받지 못했던 것이 지금은 새롭게 인정을 받게 됐다. 디지털 작업을 했던 사람으로서 반갑다. 새로운 시장이 열려 새롭게 인정받게 됐고, 자리를 잡게 된다면 디지털작업이든 페인팅이든 (똑같이) 인정받을 수 있게 될 것 같다.” 김경아 “일반인이 어떻게 생각할까 하던 중, 재테크 유튜브에 나오는 얘기를 보면서 아직까지는 투자가치로 보는 개념이 더 큰 것 같다고도 느꼈다. 이 시장이 발전 가능성이 있다고 보지만, 아직은 오프라인에서의 거래와 같은 개념은 아니라는 인상을 받았다. NFT가 새로운 장르로 완전히 자리를 잡으면 그때 수많은 작가들이 작품을 올리고, 안목을 키운 일반인들이 작품으로 받아들이고 소유하겠다는 생각을 할 것 같다.” - 실제로 작품이 많이 판매되고 거래되는지. 김한기 “NFT의 효용은 꼭 팔리고 안 팔리고의 문제가 아니다. 디지털 작업이란 게 구글, 네이버 등에서 작품을 치면 리스트가 나오는 건데, 사실은 디지털화된 이미지에 대한 저작권 문제가 항상 존재했다. 내 디지털 데이터가 어디에 있는지도 감을 잡을 수가 없는 상황이었다. 적어도 디지털 데이터화된 작품을 NFT 화폐로 만든 순간부터는 어떤 작품은 적어도 원본이라는 것이 블록체인으로써 보증된다. 내 작품이 디지털화돼 온라인 세계에서 떠도는 걱정이 많이 줄어들거라고 생각한다. 오픈시 등 거래 사이트에 등록하게 되면, 내 작품이 어디에서 최초로 시작됐고, 누가 사서 어디로 흘러가는지 데이터로 기록되니 큰 장점이다. 오프라인에서 작품을 판매해도 작품이 어디로 가는지 어느 창고 속에 있는지 알기 힘든데, NFT는 그 경로를 한눈에 볼 수 있으니 여러 상황에서 꽤 투명하다. 앞으로 NFT가 큰 도움이 될 거라 본다. 또한 포트폴리오로서 등록해 올려두는 느낌이 강하고, 그렇게 올려두었을 때, 팔리고 안 팔리고를 떠나 작품이라는 가치를 인정받는 느낌이다.” 김보슬 “디지털 작업하는 수요는 굉장히 급증해왔다. 기술복제시대에 원본성과 공유성에 대한 것들이 NFT를 통해 새롭게 가치부여가 됐다. 컴퓨터그래픽 등과 같은 디지털 기반 도구(프로그램) 등도 활성화됐고, 인스타그램 등 소셜미디어상에서 어디든 수많은 사람이 자기 작품을 홍보하고 작업을 수주하고 작품을 판매하기도 한다. 이런 과정이 이미 소셜미디어에서 이뤄지고 있던 상황이다. 이걸 이제 인터넷이라는 허공에 올리는 것이 아니라 블록체인에 등록함으로써 저작권, 원본성, 공유성이 생기는 것이기 때문에 그 안에서 작품에 대한 가치가 생기고 판매가 이뤄진다는 것은 혁명적인 일이다. 굉장히 높이 살 일이다. 퍼포먼스 역시 한 번의 경험을 한 뒤 신기루처럼 사라지고 그 경험이 끝나게 되는데, 이제 어딘가에 기록되고 판매된다는 건 굉장한 패러다임의 변화다. 판매 여부는 그렇게 중요하지 않다. 창작자는 판매된다고 창작하고, 안 팔린다고 창작을 그만두지 않는다. 창작은 계속되는 것이고 창작자들에게 생태계가 확대되는 장인 것이어서, 굉장히 긍정적으로 보고 있다.” 엠마팍 “지난해에 전시를 두 번 했는데 그때 못 판 10㎝, 20㎝ 짜리 작은 그림이 있었다. 이걸 스캔해 엄청 큰 이미지로 프로젝션할 수 있고 다양하게 활용할 수 있었는데, 이 이미지들을 애니메이팅해서 NFT로 팔았다. 에디션도 여러 개로 만들어 하나는 작가가 NFT화해서 갖고 있을 수 있는데, 굉장히 의미가 있는 일이다.” - NFT 작가로서 새로 특별한 어떤 기술을 배우는지. 김보슬 “움직이는 작품에 더 흥미를 갖고 선호하는 경향이 있어서 스틸작업을 하는 분들도 급하게 애니메이팅을 배우는 경우가 많다. 처음부터 디지털 작업을 하는 사람도, 스캔을 한 뒤에 움직임만 주는 사람도 있다. 이 새로운 생태계에서 경험해보고 조금씩 습득해나가는 중으로 보인다. 어떻게 하면 작품을 발전시킬 수 있는지, 또 호응이 있을지에 대해 시도해보는 중이다.” -NFT 작품이 아직 생소할 수 있다. NFT을 감상하는 특별한 방법, NFT작품을 즐기는 방법을 소개한다면. NFT작품의 장점은. 요요진 “처음 감상할 때 가이드를 제안하자면, 일반작품 감상이랑 전혀 다르지는 않을 것 같다. 결국 작품의 메시지 등을 알게 됐을 때, 더 작품의 매력을 느끼게 되고 구입으로 이어지고 더 많은 정보를 알아보고 작가의 팔로워가 되는 거잖나. 그런 면에서는 크게 다르지 않다고 생각한다. 기존 작업하고 있던 작가가 NFT로 영역을 확장했다고 해서 다른 작업을 하는 게 아니라, 기조와 느낌, 성향을 갖고 진출하는 것이기 때문에 특별한 부담을 갖지 말고 기존 작품 감상하듯 하면 되지 않을까.” 김대성 “2000년대 유행한 싸이월드를 생각하면, 도토리라는 걸 사서 옷도 입고, 자기 방도 꾸미잖나. 자기만의 방 그게 하나의 메타버스가 될 거다. 메타버스 안에서 자기가 가진 공간을 꾸미고 자기 세계를 만들어가는 데에 NFT예술이 또 이용되지 않을까. 싸이월드 일촌 친구들이 서로 방을 방문하게 될 테고, 그 사람의 집을 꾸민 것을 보고 예쁘다, 좋다, 부럽다, 나도 꾸미고 싶다 하는 생각을 하고, 어디서 구했냐, 나도 소개해달라 할 것이다. 미술사도 마찬가지였다. 오프라인에서 좋은 작품을 갖고 있으면 그에게 어디서 샀느냐, 나도 소개해달라 하면서 흘러왔다. 우리 인간사에서 메타버스가 얼마나 비중을 차지하게 될지는 아직 모르지만 메타버스가 분명 하나의 공간이 될 거다.” 김보슬 “싸이월드는 찾아가야 하지만, 이건 정말 누구에게나 보이고 개방성이 있다. 이 사람 취향은 무엇이고, 어디에 가치를 두는지, 취향이 어떤지 누구나 볼 수 있다. 컬렉터로서 자신이 어떤 사람인지를 오히려 더 드러낼 수 있는 투명성이 있는 세계다.” 김지현 “우리 아래 세대는 이미 가상과 현실도 구분하지 않는다. 후세대가 받아들이는 건 분명 다를 것이다.” 엠마팍 “디스플레이 역시 퀄리티가 굉장히 발전하고 있다. 큰 공간을 가진 사람이 아니라면, 보통 집에 액자를 여러 개 보관하기 힘든데, NFT를 통해서 여러 이미지를 사고, 하나의 디스플레이에 그때그때 다른 작품을 재생하는 날이 올 수 있다. 훨씬 효율적이라고 여겨질 것이다.” 요요진 “해외 컬렉터들이 접근하기도 훨씬 쉬운 환경이 됐다. 어디에서도 본 적 없는 외국에 있는 컬렉터가 내 작품을 하주고, 다른 나라 작가도 내 작업에 관심 있다고 표해오기도 했다. 오프라인에서의 물리적 한계, 간극이 없이 열린 시장이라는 말을 체감한다. 해외진출도 쉬워지고 있다. 해외 갤러리도 관심을 가져준다. 메타버스에서 전시를 열 수도 있다. 얼마나 진정하고 진지한 효과가 나게 될지 모르겠지만, 지금 분명 그런 활동들이 일어나고 있다.” 김보슬 “카카오 등이 접근하는 것도 일반인들이 느끼는 장벽을 낮춰줄 것이다. 선물보내기를 어느 순간부터 우리가 카톡으로 많이 하는 것처럼 언젠가 NFT 예술 작품도 그렇게 될 수 있다. 대중이 쉽게 다가갈 수 있게 되는 건 시간문제라고 본다.” 천창진 대표 “각 가정에 (NFT 작품을 켜놓는) 블루캔버스가 하나씩 들어가서 자리를 차지하지 않을까 하는 생각이 들곤 한다. 지금 미술계는 NFT에 대한 열광적인 의문점, 호기심, 관심이 상당하다. 시간이 갈수록 충분히 자리 잡을 수 있으리라 생각하고 메이저 갤러리, 작가들도 나설 것이다. 미술 시장은 늘 새로운 것을 찾고 있다. 오프라인에서 평면작업을 두고도 마찬가지다. 선, 면, 색감 하나라도 새로운 게 있으면 찾아간다. NFT는 완벽하게 새로운 것으로, 미술 시장은 큰 매력과 흥미를 느끼고 있다.”

운동화에 청바지, 티셔츠 차림에 팔을 하늘로 쭉 뻗은 그에게 사정없이 물감이 튄다. 물감을 뒤집어쓰면서도 붓질은 멈춤 없이 계속된다. 물감을 흠뻑 머금은 붓을 들고 일정한 속도, 일정한 범위 안에서, 반복해 선을 긋는다. 두 발을 단단히 땅에 딛고 사방으로 팔을 쭉 뻗어 움직이는 그의 작업 뒷모습은 분명 청년의 뒷모습이다. 올해 팔순의 이건용이다. 한국 실험미술의 거장, 신체드로잉 창시자로 불리는 이건용 화백의 개인전이 서울 종로구 삼청로 갤러리현대에서 최근 시작됐다. 전시 제목은 더할 것도 뺄 것도 없는 이건용의 동의어, ‘바디스케이프(Bodyscape)’다. ‘신체’와 ‘풍경’의 조합이다. 전시에서는 1976년 처음 ‘바디스케이프’(신체드로잉)를 선보인 이래 계속되고 있는 연작의 신작 회화 34점을, 갤러리현대 두가헌에서는 아크릴 물감, 연필, 색연필 등 다양한 재료로 완성한 종이 드로잉과 판화 작품을 선보인다. 신체드로잉은 대부분 캔버스를 보지 않고 그리는 그림이다. 캔버스를 세워두고 그 뒤로 가거나, 캔버스를 등지거나, 캔버스를 옆에 둔다. 캔버스 뒤에서는 팔을 뻗어 손목이 움직이는 범위만큼 선을 긋고, 캔버스를 등지고 서서 양팔을 휘둘러 어깨가 움직이는 범위만큼 선을 긋는다. 캔버스 옆에서도 마찬가지다. 그의 작품은 그린 방식별로 명명된다. 그가 화면의 뒤로 가면 ‘76-1’, 화면을 등지면 ‘76-2’, 화면을 옆에 놓으면 ‘76-3’이다. 76은 화가가 신체드로잉을 처음 선보인 해를 뜻한다. 양팔을 휘두른 연작은 마치 사람 뒤에 날개가 그려진 것 같은 형상이 되기도 하고, 캔버스 옆에서 한 팔을 휘저은 연작은 하트 모양처럼 보이기도 한다. 천사를 그린 것이 아니나 그림은 일명 ‘천사 그림’이라 불리고, 하트를 그린 것이 아니나 ‘하트 그림’이란 별칭이 붙는다. 전시장에서 만난 그는 자신의 회화를 두고 ‘그린 것’이라기보다 “내 신체와 평면과 재료가 만난 현상”이라고 말했다. 이건용은 캔버스 안에서 무슨 대상을 어떻게 그릴 것인가를 고민하는 것이 아니라, 캔버스를 세상의 일부로 놓고 어떻게 만날 것인가를 고민한다. 자신의 신체 중 어디를 축으로 어느 관절의 움직임 만큼 선을 그을 것인가를 생각한다. 붓은 손에 쥔 도구가 아니라, 단지 오른손 끝에 붙어 연장된 신체의 일부로 보인다. 때로는 깁스를 한 것처럼 팔에 부목을 대고 팔이 구부러지는 것을 통제해 어깨와 손목의 움직임만 허락하기도 한다. 군부독재 시절의 사회통제를 은유한 것이다. 그는 “그 시대가 부자연스러운 시대였지. 내가 일부러 자신을 통제해서 어떤 선이 나오는지 봤던 것”이라고 말했다. 그러나 회화 전체를 관통하는 점은 이야기나 주제보다는 방식의 그림이라는 것이다. 표현하고자 하는 것은 감성보다 논리다. 전시장 한쪽, 바닥에 눕혀 놓은 캔버스 앞에 한쪽 무릎을 꿇고 오른팔로 곡선을 그리는 작품 ‘76-8’ 제작 과정 영상이 나오던 중이었다. 갤러리 관계자가 “무릎을 축으로 반원을 그리는 모습”이라고 설명하자 옆에 있던 그는 “어깨를 축으로”라고 정정했다. 이건용은 청년 화가 시절인 1970년대, 한국 미술사에 남은 미술학회 ST그룹을 조직하고 아방가르드협회에서 활동했다. 45년 전부터 회화에 줄기차게 ‘논리’를 구현하고자 집착한 이유는 뭘까. 그의 삶을 추적하다 보면, 성장 배경, 사상, 미학적 지향점을 모두 제쳐두고 가장 가슴에 남는 의외의 사연이 등장한다. 2016년 류한승 국립현대미술관 학예사와의 인터뷰 때 1970년대 행위예술 ‘이벤트-로지컬(event-logical)’을 했던 이유를 설명하면서 이런 말을 꺼낸다. “한국전쟁, 4·19, 5·16 등이 일어나고, 이후 모든 것을 근대화하려는 운동이 일어났습니다. 그런데 사람들의 정서에는, 무언가를 논리적으로 파악하고 또 그런 관계에서 상호 협조하면서 무언가를 한다는 의식이 부족했어요. 단지 감정만 앞설 뿐이었지요. 당시에는 골목마다 싸우는 사람들이 많았습니다. 지나가면서 다른 사람의 눈을 3초만 봐도 싸움이 벌어질 정도였어요. 서로 쳐다본다는 것만으로도 분노를 느끼는 시대였습니다.” 이건용의 눈에 비친 사회는 근대를 넘어 탈근대를 이야기하면서도 퇴보하는 듯한 오늘날 삶의 현주소, ‘혐오 사회’, ‘분노 사회’ 풍경과 겹친다. 그는 이어 말한다. “우리가 처한 상황에서 당대의 처방으로서 ‘논리’를 생각했던 것입니다. …사건이 논리적으로 일어난다면 그것은 사건이 아니에요. 또 논리적일 때는 사건이 안 일어나요. 철학자 비트겐슈타인은 당시 관념주의 철학과 형이상학 철학을 ‘로직’을 통해 치료하고자 하는 강한 의지를 가지고 있었어요. 저는 그것에 찬성하는 입장이었습니다.” 가난한 개척교회 목사의 아들이었던 이건용은 신체드로잉을 시작했을 때 재료비가 없어 매직을 사용했고, 그 작품을 1979년 리스본국제전에 출품해 대상을 받았다. 공교롭게도 작품은 요즘 미술시장에서 가장 뜨거운 인기를 끌고 있다. 가난했지만 그의 집에는 부친이 수집한 장서 1만권이 있었다고 한다. 책을 놓을 곳이 없어 4권을 바닥에 눕히고 그 위에 탑처럼 책을 쌓은 기둥이 있었다고 한다. 아버지는 중간에서 책을 꺼낼 때 아들들을 불러 “얘들아 기둥 잡아라”라고 했다. 철학, 문학, 종교 서적들이 대부분이었고 브리태니커백과사전과 같은 책들도 있었다. 책에 파묻혀 살던 소년은 중고교 시절, 독일에서 철학을 공부한 선생님이 수업시간 짤막하게 흘려 말하는 서양 현대철학에 호기심을 가졌고, 수업을 몰래 빠지고 독일문화원, 프랑스문화원, 인근 대학교에서 열리는 철학학회에 아버지 옷을 입고 찾아갔다. 2차 대전 이후 분출한 사상의 흐름을 좇아 실존주의가 무엇인지 듣고 싶어했고, 현상학, 분석철학을 논하는 곳에 찾아갔다고 한다. “다 이해하진 못했겠지. 그래도 이 사람들이 왜 이런 이야기를 하나 궁금했어.” 어린 시절을 회상하듯 말했다. 결국 의사가 되라는 어머니의 바람을 저버리고 홍익대 미대에 입학했다. 책 속에 파묻혀 지내던 소년 철학자는 군부독재 시절 한국 전위미술을 이끌었고, 2022년 세계 현대미술의 심장부라 불리는 미국 뉴욕 구겐하임 미술관 ‘아방가르드: 1960∼70년대 한국의 실험미술’전 참여를 앞두고 있다. 이건용에게도 허리가 굽고 어깨가 들리지 않는 날이 올 것이다. “아직은 끄떡없으니 걱정 말라”고 말하지만, 붓질은 멈추지 않을 것이기에 캔버스에 그려진 허리 굽은 한 노장의 신체 풍경도 그 시대, 그 나이, 그 순간을 산 이건용이 남기는 유일무이한 작품으로 남을 것이다. 깊은 사유를 품속에 숨기고, 활기차게 몸짓하고 아이처럼 잘 웃는 그가 말했다. “세계 유수의 뮤지엄에 내 팔을 휘둘러 100호짜리 하트 100점을 걸어 채울 거다. 앤디워홀이 살아있다면 울고 갈 껄!” 다음달 31일까지.

‘묘법’ 연작으로 유명한 단색화 거장 박서보 화백의 개인전이 열린다. 국제갤러리는 오는 15일부터 다음달 31일까지 ‘PARK SEO-BO(박서보)’를 개최한다고 7일 밝혔다. 서울 종로구 삼청로에 위치한 국제갤러리 K1관에서다. 국제갤러리는 “박 화백과 함께 2015년 제56회 베니스 비엔날레, 2016년 벨기에 보고시안 재단, 2018년 상하이 파워롱미술관 등에서 열린 그룹전들을 통해 단색화를 세계에 알려왔고 개인전 개최는 2010년 이후 이번이 두 번째”라고 밝혔다. 한국 모더니즘을 선도한 것으로 평가받는 박 화백의 묘법 연작은 1970년대 초기(연필) 묘법, 1980년대 중기 묘법, 2000년대 이후의 후기(색채) 묘법으로 구분된다. 이번 전시에는 ‘후기묘법’ 또는 ‘색채묘법’(그림)으로 알려진 2000년대 이후 근작 16점이 나온다.

사기인가 혁명인가. 진보인가 퇴보인가. 헷갈리는 질문을 던지는 NFT(대체불가능토큰)는 미술계에 닥친 태풍급 변화다. 최근 NFT 예술작품이 뜬다는 얘기에 검증되지 않은 NFT 예술 사업이 우후죽순 시도되며 옥석을 가리기 쉽지 않던 차에, NFT판에서 활발하게 작업을 벌여온 작가들이 NFT 아트 작품을 선보이고 NFT 아트의 의미에 대해 차분히 생각해 볼 수 있는 전시가 열린다. 서울 서초구 사평대로에 위치한 갤러리마크에서 ‘예술과 화폐의 혼인 동맹’ 전시가 한창이다. 김경아, 김대성, 김보슬, 김지현, 김한기, 정선주, 엠마팍, 요요진, 현지원 등 작가 10명이 참여했다. 환경조각을 전공한 김경아 작가의 ‘웨이브(wave)2021’은 물리적 조각 형태에 실제적으로 표현할 수 없는 효과를 그래픽으로 실현해 현실과 비현실의 조화를 표현한 작품이다. 김보슬 작가의 ‘플루이드 라이프(Fluid Life)’는 인간과 자연의 유기적 연결성을 주제로 영상미디어를 중점으로 작품을 선보여온 작가 특유의 색깔이 잘 드러나는 작품이다. 요요진 작가는 ‘요요 쉐입(yoyo shape)24’에서 경쾌한 두들링을 보여준다. 두들링이란 마치 낙서하듯 스케치 없이 즉흥적이고 자유롭게 선을 그어 화면을 만들어내는 기법이다. 김지현 작가는 꽃과 나무가 바람에 흔들리는 숲속의 편안함을 전달하는 ‘숲 속의 작은 집’을 선보인다. 엠마 팍 작가의 ‘21세기 정물화’는 익살스러운 작품뿐 아니라 제작 뒷얘기도 흥미롭다. NFT마켓을 활용하는 탈중앙화된 자율조직(DAO)에서 작가 등 참여자들이 각자 피자의 일부 구성요소를 그려나가는 프로젝트를 진행했고, 이때 피클을 그리면서 ‘피클스’ 캐릭터를 만들어내 개인 작업에 활용했다. 탈중앙화된 자율조직은 특정 리더, 리더의 지휘 없이 각자 맡은 역할을 하는 블록체인 기반 조직이다. 현지원 작가의 작품들은 서낭당에서 각자의 소원을 빌며 돌탑을 쌓으면서도 다른 사람의 돌탑을 배려하는 풍경에서 아이디어를 얻어 이해와 배려의 문제를 제기한다. 모두 휴대전화나 컴퓨터 속 대체 불가능한 토큰을 가진 파일형태인 작품들이지만 저마다 다양한 이야기와 주제를 담고 있다. NFT 작품의 피지컬 작품과 온라인상 관람이 동시에 이뤄질 수 있도록 준비된 전시다. 전시장에는 블루캔버스를 통해 오프라인상에서 작품을 즐길 수 있도록 꾸며졌고, 작품 아래 마련된 큐알(QR)코드 앞에 스마트폰 카메라를 켜서 갖다 대면, 해당 작품이 업로드돼 있는 오픈시사이트로 연결된다. 오픈시는 가상화폐 이더리움으로 NFT 작품을 거래하는 플랫폼이다. 작품들은 디지털 작품 특유의 기술들이 결합돼 고정적이지 않고 움직이며 오감을 자극한다. 생존작가 중 세계 최고가 작품 작가인 영국 데이비드 호크니가 NFT 아트 작품을 두고 “국제적 사기”라고 일갈했음에도, NFT 작품은 최근 꾸준히 생산되며 생명력을 키워가는 모습이다. 전시를 통해 미술 작품은 예술을 경험하는 하나의 방식이라는 점을 떠올리면, 미술 작품의 존재 형태는 시대 변화에 따라 얼마든지 달라질 수도 있다는 생각에 이른다. ‘돈이 된다’는 말에 여기저기서 NFT 작품을 시도하지만 그 의미와 사유를 제시하는 움직임은 찾아보기 어려운 세태 속에, 이번 전시를 두고 쓴 송진협 미술평론가의 지적이 인상적이다. 송 평론가는 최근 간송재단이 낡아가는 종이류 문화재인 훈민정음 해례본을 NFT로 만들어 판매하기 시작한 것을 두고, 미술 소유권의 근원적 변화가 시작됐음을 의미하는 상징적 장면으로 짚었다. ‘원본이 상실될 경우 이 국보 자산의 가치가 일개 복사본에 불과한 NFT로 전이될 것이다. NFT는 미술 소유권의 근원적인 변화를 의미한다.’ 심지어 최근에는 한 영국 예술가 뱅크시의 프린트 작품 소장가가 NFT 가치를 올리고자 원본을 일부러 파괴하는 퍼포먼스를 선보인 일도 상기시킨다. 이 사건들은 블록체인이라는 공증을 통해 디지털 복사본에 압도적인 가치를 부여하고, 원본의 가치를 이전시킬 수 있기에 가능한 광경이다. 블록체인 기반 가상화폐로 거래되는 블록체인 기반 미술작품. 이 둘이 뗄 수 없이 결합돼 있음을 지목하는 송 평론가는 다소 비관적으로도, 냉정하게도 읽히는 비평을 내놨다. ‘가상화폐와 결합한 NFT는 탈국가적, 탈지구적 시대를 맞아 예술품과 투자자 모두의 자산가치를 보존하고 이전하는 가장 탁월한 도구가 됐다. 이는 금보다도 더 안정적이며, 미국 달러보다도 통화량 리스크 부담이 덜한, 탁월한 예술-화폐다. 이제 NFT는 순수예술이라기보다는 일종의 화폐 도안(currency design)으로서 민팅(minting) 된다고 보아야 할 것이다. 어설프게 새겨졌던 로마 금화의 황제 초상은, 기술복제 시대에 달러화 지폐에 정교하게 그려진 미국대통령 초상화로 진일보한 바 있다. 오늘날 전 지구적 자본의 상속자로서 가상화폐들은 이제 그 지위에 걸맞은 새로운 예술적 초상화를 당연하게 요구하고 있다. 음악이 울리고 모션 그래픽으로 치장된 NFT 들이 이 새로운 화폐-예술의 시대를 찬양할 것이다.’ 디지털 기술 발전은 원본과 똑같은 복사를 가능하게 했다. 배타적 소유가 아닌 무한한 공유의 꿈이 가능하도록 사회를 진일보시킨 것이었다. 그러나 기술발전은 거기서 멈추지 않고 한단계 더 발전했다. 이번엔 소멸하지도 않는, 영구적인 배타적 소유를 가능케 만들었다. 25일까지.

# 담양의 소녀가 독일의 화가가 되기까지 송현숙(1952~ )은 전남 담양에서 태어났다. 대덕면 무월리에서 대나무 스치는 소리를 들으며 어린 시절을 보냈다. 그가 성장하던 시절은 나라가 전쟁 이후 국토 재건 사업에 심혈을 기울이던 때였다. 무너진 건물과 폐허가 된 땅이 제자리를 찾자 경제 활성화를 위한 다양한 시도들이 펼쳐졌다. 이후 한국에서는 1960년대부터 약 10여년 동안 실업 문제 해소와 외화 획득을 위해 인력을 수출했다. 당시 해외 국가 중 독일은 전쟁으로 인한 노동력 감소와 경제 성장으로 인한 노동력 부족을 겪고 있었다. 한국에서 다수의 사람이 일을 하고 돈을 벌기 위해 독일로 떠나게 되었다. 송현숙이 자란 마을은 작은 산골 동네였지만 이런 흐름에서 예외가 아니었다. 그 역시 1만여 여성의 간호인력 중 한 명으로 독일행 비행기에 몸을 실었다. 처음 계약했던 3년간의 근무가 끝나고 4년째부터는 정신병원에서 일했다. 거기서 치료의 일환으로 환자들에게 그림을 활용하는 모습을 봤다. 그 모습을 보며 자연스럽게 자기도 그림을 그려보고 싶다는 생각이 들었다. 노트에 연필로 소박하게 그림일기부터 매일 하기 시작했다. 글은 간단하게 쓰고 그림에 심정을 담으려 애썼다. 고향이 그리운 날은 가족과 살았던 시골집과 그 안의 사물을 그리는 식이었다. 송현숙은 고된 생활 속에 그림을 향한 관심과 애정이 커져 함부르크 미술대학에 진학했다. 학교에 진학하고 1년 동안 결핵을 앓았는데 이때 그림에 더 소중해졌다. 본격적으로 개인 작업의 기틀을 마련하는 데 몰두하는 생활을 살게 되었다. 독일에 온 지 꼬박 10년이 되던 1982년, 함부르크의 갤러리와 미술관에서 개인전을 열었다. 향수가 느껴지는 당시의 전시 제목은 ‘내 마음은 조롱박’이다. 같은 해에 작품세계를 인정받아 함부르크시에서 수여하는 예술인을 위한 장학금을 받았다. 이 무렵의 작품을 작가는 다음과 같이 설명한 바 있다. “초기 내 작업의 주제는 나의 아련한 기억들을 기호화한 것입니다. 글이나 언어가 아닌 형상의 이미지로 특히 선(線)을 강조했습니다. 한국에 11년간이나 가지 못한 안타까운 마음을 그렇게 담았지요.” 이후 작가는 1990년대 들어 감정을 가라앉히고 단순하게 보이는 그림을 그리게 되었다. 이방인으로 느꼈던 아픔과 고향을 향한 그리움을 정제해 몇 번의 선으로 화면을 완성했다. 작가의 이름을 들으면 떠오르는 ‘획수 그림’은 이렇게 세상에 태어났다. 독일의 함부르크미술관과 스위스의 베른미술관 등에서 개인전을 열었다. 1990년대 중반 금호미술관에서 개인전을 개최하며 한국에서도 작품을 선보였다. 독일 뒤셀도르프미술관, 미국 캘리포니아 미술대학미술관, 한국 삼성미술관 리움 등의 단체전에 참여했다. 광주비엔날레 특별전, 아시아 미술 트리엔날레 등의 주요 미술 행사에도 전시했다. 베른미술관, 뒤셀도르프미술관, 서울시립미술관, 삼성미술관 리움, 금호미술관 등에서 작품을 소장하고 있다. 화가로 전시활동을 펼치는 동시에 영화 ‘회귀’와 ‘내 마음은 조롱박’을 만들어 인정받기도 했다. # 숨을 참고 온 정신을 담아 그어보는 획 송현숙의 작품 제목들은 간단하다. ‘5획’, ‘6획’, ‘7획’, ‘8획’, ‘7획 뒤에 인물’, ‘8획 뒤에 호랑이’ 등이다. 제목이 보여주듯 ‘5획’은 붓을 다섯 번 그어 내리고, 7획은 붓을 일곱 번 그어 내려 완성했다. ‘7획 뒤에 인물’은 인물을 그리고 그 위에 일곱 번의 획을 그었고, ‘8획 뒤에 호랑이’는 호랑이를 그린 뒤 마찬가지로 그 위에 여덟 번의 획을 그었다. 그래서 그의 작품은 감성적이며 깊지만 제목은 이성적이며 담백하다고 이야기들 한다. 하지만 ‘획(劃)’이라는 글자가 지닌 의미와 정신은 제목을 상징적이며 은유적인 것으로 만든다고 생각한다. 이렇게 몇 번의 획으로 그려내는 작품 속 소재는 10여 개 정도이다. 장독, 기와, 하얀 천, 나무기둥, 한복 입은 여인 등이다. 이제는 우리 일상에서 아스라이 사라진 이것들은 작가의 어린 시절 기억에서 왔다. 신선이 달을 어루만지는 듯한 절묘한 아름다움이 있어 무월(撫月)이라 불리는 마을에서의 기억이다. 그래서인지 그가 그리는 한국의 전통적 소재는 유난히 더 고요하고 차분한 아름다움을 전한다. 달만이 동산을 비추는 밤의 서정이 작품 앞에 서면 나타나는 듯하다. ‘3획’은 작가가 2013년에 그린 그림이다. 제목을 보고 알 수 있듯 오직 세 번의 획을 그어 완성했다. 대나무와 같이 짙은 녹연두를 띤 색이 죽림(竹林)과 같이 화면 전면을 채운다. 그 위에는 검정과 갈색을 섞어 그은 하나의 획이 나무기둥이 있다. 나무기둥에 매어진 하얀 천은 바람에 자유롭게 날린다. 공중에 펼쳐진 천을 보고 있으면 그것이 삼베나 명주와 같은 한국 전통 천인 것을 알겠다. 작가가 자연을 닮은 한국적 질감을 표현하기 위하여 템페라를 고수해 그린 덕이다. 송현숙은 템페라 기법으로 활용해 그림을 그린다. 템페라 기법은 서양의 것으로 고대와 중세를 거쳐 초기 르네상스에 특히 널리 애용된 바 있다. 계란이나 무화과나무 수액 등을 용매로 삼아 거기에 안료를 섞어 바른다. 작가는 이 방식을 통해 쑥색과 흙색, 그리고 흰색을 칠해 무광의 깊은 화면을 만든다. 그가 여느 템페라 작가와 다른 점이 있다면 이를 칠할 때 한국의 귀얄붓을 사용한다는 것이다. 작은 빗자루 같은 귀얄붓은 제 흔적을 흙같이 거칠면서도 부드럽게 표면에 남긴다. 이러한 작업 과정을 두고 버클리 미술관 관장을 역임한 로렌스 린더(Lawrence R. Rinder)는 다음과 같이 말했다. “송현숙 작가는 소재가 얼마나 익숙한가와 상관없이, 매번 고도의 집중력을 요하는 화법을 통해 그 주제에 새로이 몰두한다.” 송현숙은 단 몇 번의 획으로 그림을 완성하기 때문에 이 최소한의 붓놀림은 작가에게 고도의 집중력을 요구한다. 복잡한 상념들과 에너지를 떨쳐내고 마음의 평안함과 정신의 집중을 지녀야만 붓은 엇나가지 않는다. 그래서 작가는 소란스러움이 가라앉은 저녁시간에 홀로 작업실에 들어가 캔버스를 마주한다. 작업실에서 작가는 캔버스 앞에 붓을 들고 서서 크게 숨을 들이켤 것이다. 정신을 비우고 한 번의 호흡으로 획을 그어 내릴 것이다. 어느덧 처서가 왔고 올해의 계절들도 절반이 지나가 버렸다. 짧다면 짧을 봄과 여름을 되돌아보는 데 머리가 복잡해지는 것을 느낀다. 팬데믹과 거기서 비롯한 아시아 혐오, 미얀마 사태와 아프간의 변화까지. 이 모든 것이 단 두 계절 사이에 일어났다는 것이 마음마저 심란하게 만든다. 송현숙의 작품을 꺼내어 한참을 본다. 작가처럼 직접 획을 긋는 것은 아니지만, 오로지 그 획을 보는 일에만 힘을 쏟는다. 혼란에서 벗어난 명확한 정신으로 세상을 보고 행동해야 할 것 같아서다.

강예신 작가의 책장 시리즈는 작품 수백점이 한 장소에 내걸리는 아트페어 현장에서도 다른 어느 작품에도 묻혀 지나쳐지지 않는 작품이다. 호기심이 발동한 관람객은 그의 작품 앞에서 한번쯤 멈춰 서 한참 동안 눈길을 준다. ‘어떤 책이 있는 거야’ 하고 작품을 읽어나가다 자신이 아는 책이나 좋아하는 책을 발견하면 숨은 보물을 찾은 듯 기뻐한다. 보는 이들은 수많은 책 제목들 한가운데서 마음에 들어오는 문구도, 인생을 응원하는 문구도 발견한다. 잊고 있던 책을 만나 반가워하기도 하며, ‘내 책장과 비슷하다’며 공감대를 이룬 관람객이 ‘이 작가 누굴까’ 하고 궁금해한다. 심지어 해외 아트페어 현장에서는 한글을 알 리 없는 외국인 관람객과 컬렉터들이 몰려 신기하다는 눈빛으로 작품을 유심히 관찰한다고 한다. 작품은 여러 가지 경로로, 작품 앞에 선 이에게 짧지만 평안한 시간을 선물한다. 서울특별시 성동구 서울숲길에 위치한 갤러리 아틀리에아키에서 강 작가 개인전이 열리고 있다. ‘GREENLY:경험하지 못한 경험에 관하여’를 제목으로 한 전시에서 신작 20점을 선보인다. 그는 국내외 미술시장에서 약진하고 있는 대표적인 차세대 작가다. 대표작인 책장 시리즈는 2011년 이후 지난 10년간 계속돼 온 연작. 1㎝가 채 되지 않을 듯한 두께에, 엄지 손가락 한 개 마디 정도 되는 크기의 책들을 장에 가득 꽂은 작품이다. 한마디로 책장 미니어처다. 책이라는 소재와 깔끔하게 정리된 책장이 시각적으로 단정하고 정갈한 느낌을 준다. 동시에 초소형으로 축소된 책장이기에 장난감처럼 느껴져 가볍고 경쾌하다. 어린 시절 작은 집 모형을 작은 가구들로 꾸며 인형을 들여놓고 놀던 장난감을 연상시켜 어린 시절 추억과 동심의 순수함을 자극하기도 한다. 하지만 제작 과정은 집요함을 요구하는 지난한 과정이다. 소재는 모두 실제 존재하는 책들로, 책의 실제 표지와 옆면, 뒷면 이미지를 디지털 파일로 만들고, 축소하고, 다시 이어붙여 하나의 파일로 만든 다음, 특수 코팅 용지에 인쇄한 뒤 오려낸다. 그걸 다시 책 모양으로 접고 스티로폼에 붙여 책 모형을 만든다. 조수도 없이 작가 혼자서 반복하는 노동이다. 이번 신작들에는 책장에 섬세한 자개 장식까지 추가해 더욱 힘든 제작과정을 거쳤다고 한다. 책을 고르는 데에도 작가는 고심한다. 색상, 디자인 등 시각적 효과를 고려하나, 아무 책이나 꽂아대는 것도 아니다. 작품 제작 시기마다 작가의 마음에 들어오는 책들을 모으면, 그 시기 작가의 감정이 책장 안에 오롯이 담기게 된다. 이미 읽은 책들로 작품을 채우기도 하고, 앞으로 읽고 싶은 책들로 채우기도 하면서 작품은 저마다 특정한 시기의 강예신, 특정한 고민을 가진 강예신 등 작가의 다양한 면을 담게 된다. 작가는 왜 이런 책장을 만들게 됐을까. 그는 2014, 2017년 두 번이나 그림을 곁들인 에세이집을 출간한 에세이스트이기도 하다. 그가 쓴 ‘한뼘한뼘’, ‘하고싶은거 하고 살아요 우리’ 속 글 한 토막에서 힌트가 발견된다. ‘생계형 할머니와 살았던 나는 방목되어졌다. 엄마로부터 잔소리를 듣는 아이가, 아빠에게 혼나는 아이가 말도 안 되게 부러웠다. 궁금한 것을 물어볼 사람도 없었고 할머니가 먼 데라도 가시는 날엔 혼자 자야 했던 어린 날도 있었다. 나는 짐 쌓인 다락방을 좋아했다. 특유의 다락 냄새를 맡으며 철 지난 옷가지나 이불 보따리, 온갖 잡동사니에 둘려싸인 채 비좁은 곳에 누워 틈 없는 온기를 느끼는 다락방이 좋았다.’ 외롭고 결핍된 어린 시절을 보냈으리라 추측되는 작가에게, 책은 가장 잘 어울리는 친구였을지 모른다. 에세이를 읽다 보면, 작가는 어린 시절을 떠올리며 자신을 보듬기도 하고, 복잡해진 머릿속을 개운하게 청소하고 싶어 한다. 사소한 것들이 좋다며 일상 속 하찮은 사물들에 애정을 표하다가, 더 성숙하고 좋은 사람이 되겠다고 다짐하기도 한다. 오랜 내향의 시간을 보냈을 작가 삶이 그려진다. 이 모든 감정의 기록을 읽어가다 보면 책장 시리즈가 묘하게 겹친다. 누구나 차분한 내향의 시간이 간절할 때가 있기 마련이고, 작품이 딱 그런 시간을 선사한다는 느낌을 주기 때문이다. 책장에 꽂힌 수많은 책은 곧 수많은 주제, 수많은 이야기들, 수많은 해결책들이고, 그 앞에 섰을 때만큼은 누구도 외롭지 않다. 작품의 또 다른 한 축인 유화 작품들도 특유의 정서가 개성으로 자리 잡고 있다. 한 편의 동화를 그림으로 풀어놓은 듯 동심의 순수함이 풍기기면서도, 외롭고 쓸쓸하며 사색적인 감수성이 진하다. 대형 캔버스에 등장하는 초소형의 동물과 사람, 사물 이미지 등 그림 대상이 매우 작은 만큼, 붓터치가 가늘고 섬세하다. 책장 시리즈를 제작하면서 발휘됐을 집요한 태도가 회화에도 고스란히 반영돼 있다. 회화 작품 가운데 ‘아이보리의 수상한 외출’은 그런 개성을 잘 담고 있는 작품 중 하나다. 하늘에서 내려다본 숲의 모습은 한번도 상상해보지 못한 동글동글한 초록색 원들의 집합이다. “숲의 깊은 녹음은 약보다 더 훌륭한 안정제가 되었다.” 작가노트에 쓰인 문구처럼, 소녀와 동물들을 품은 채 캔버스를 가득 채운 초록 숲은 강예신의 책장처럼 평안함을 준다. 이번 전시에서 처음 나온 ‘레드룸’ 시리즈는 새로운 색깔을 보여주려는 시도로, 반항적인 여아 캐릭터가 주인공인 회화 작품들이다. 일본 작가 요시모토 나라, 스페인 작가 하비에르 카예하가 특유의 악동 캐릭터를 탄생시켜 대중의 오랜 사랑을 받은 바 있다. 내성적인 느낌을 주는 그림들의 반대편에서 레드룸 시리즈의 외향적인 악동들이 균형을 잡아 작가의 작품세계를 더 풍성하게 한다. 레드룸 시리즈 중 가장 인상적인 작품은 새빨간 바탕 위에 그려진 위풍당당한 소녀 그림이다. 소녀는 ‘다 잘 될 거야’라는 뜻의 ‘Everything will be OK’라고 쓰인 검은색 티셔츠를 입고 있다. 바로 지난 3월 미얀마에서 반군부 시위 도중 숨진 19세 소녀가 입고 있던 티셔츠 문구다. 다음달 11일까지.

미술 시장이 호황을 누리고 있는 가운데, 이우환 화백이 작품이 경매에서 국내 생존작가 중 처음으로 30억원을 돌파하는 기록을 썼다. 미술품 경매사 서울옥션 측은 25일, 전날 서울 강남구 신사동에서 열린 제162회 서울옥션 미술품 경매에서 이우환 화백의 1984년 작품 ‘East winds(동풍)’이 31억원에 낙찰됐다고 밝혔다. 서울옥션 측은 “기존 22억원이었던 이 화백의 최고가 기록을 두달만에 경신한 것이며, 국내 생존작가로서는 처음으로 낙찰가가 30억원을 넘긴 것”이라고 밝혔다. 해당 작품은 자유로운 운율과 리듬에 따라 일률적 질서가 해체된 ‘Winds’ 시리즈 가운데 손꼽히는 수작이라는 설명이다. 이번 경매 최고가 낙찰작은 역시 김환기였다. 고 김환기 화백의 1971년 제작 붉은색 전면점화 작품 ‘1-Ⅶ-71 #207’ 역시 40억원에 낙찰됐다. 이번 경매는 낙찰총액 203억원을 기록해 올해 두번째로 200억원을 돌파했다. 낙찰률은 86.3%이었다. 최근 경매에서 다수 경합이 붙으며 가격이 급상승한 젊은 작가들 작품도 추세를 이어갔다. 특히 우국원의 ‘Tah-Dah’가 3000만원에 경매를 시작했으나 응찰자들의 경합끝에 1억 200만원에 낙찰됐다. 서울옥션 측은 “다양한 컬렉터 층이 유입되고 이들이 젊은 작가의 작품을 선호하며 미술 시장의 저변 확대를 이끌고 있는 것으로 분석된다”며 “당분간 미술시장 호황이 지속될 것으로 기대한다”고 밝혔다.

예매가 몰려 전시 관람이 쉽지 않은 국립현대미술관의 이건희컬렉션 전시를 온라인을 통해 볼 수 있게 된다. 국립현대미술관은 서울 종로구 삼청로에 위치한 국립현대미술관서울에서 열리고 있는 ‘이건희컬렉션 특별전: 한국미술명작’전을 포털사이트 네이버 TV에서 공개한다고 25일 밝혔다. 공개 시점은 26일 오후 4시로 약 40분간 전시 중계 형태로 진행된다. ‘이건희컬렉션 특별전: 한국미술명작’은 고 이건희 삼성전자 회장 유족이 이 미술관에 기증한 한국 근‧현대미술 대표작 1488점 가운데 34명의 작품 50여점을 선보이고 있는 무료 전시다. 지난달 21일 개막했으며 내년 3월 13일까지 열릴 예정이다. 미술관 측은 “이번 온라인 전시는 전시장에 직접 오지 못하는 사람들도 편리하게 이건희컬렉션 감상의 기회를 공유할 수 있도록 기획됐다”고 밝혔다. 또한 전시를 기획한 박미화 학예연구관이 작품과 전시 준비과정의 후일담도 소개한다고 밝혔다. 중계 후 네이버TV에서 다시보기가 가능하며, 국립현대미술관 유튜브 채널에서도 다음달 2일부터 볼 수 있다.

성김대건 안드레아 신부(1821∼1846)와 가경자 최양업 토마스 신부(1821∼1861) 탄생 200주년을 기념하는 작품 전시회가 열린다. 천주교 서울대교구는 9월3∼16일 서울 중구 명동갤러리1898에서 특별전시 ‘영혼의 벗, 김대건 최양업을 만나다’를 개최한다고 23일 밝혔다. 이번 전시에는 성직자와 수도자, 평신도 등 교회공동체 구성원이 작가로 참여했다. 회화와 조각, 공예, 이콘, 스테인드글라스 등 다양한 장르의 성 미술 작품 40여점을 만날 수 있다. 국내에서는 현존하는 최초 성화로 꼽히는 고 장발(1901∼2001) 화백의 ‘김대건 신부’를 감상할 수 있다. 작품은 장발 화백이 1920년 제작한 것으로, 대중에게 선보이는 것은 이번이 처음이다. 이 밖에 조각가 조숙은 김대건·최양업 신부와 성모 마리아를 함께 담은 작품을 선보이고, 교구 이콘연구소장 장긍선 신부는 ‘로마식 제의’를 착용한 김대건·최양업 신부를 이콘으로 표현했다. 서울대교구장 염수정 추기경은 “이 전시가 우리 모두에게 한국교회 두 신부님의 신앙과 삶을 되새기고, 현재 자신의 신앙을 돌아보는 계기가 되기를 기도한다”고 말했다.

제주 포도뮤지엄 개관전 ‘너와 내가 만든 세상’에서 전시되고 있는 작품들이 NFT경매에서 약 4억7000만원에 낙찰됐다 티앤씨재단은 ‘너와 내가 만든 세상’ 작품들을 민팅한 13개 작품을 피저드 바이 바이낸스에서 경매에 부친 결과 총 판매 금액이 4억7000여만원 상당으로 집계됐다고 23일 밝혔다. ‘민팅’(minting)이란 작품이나 콘텐츠를 NFT(대체불가능토큰)화하는 기술을 뜻한다. 경매에 오른 총 13점이 모두 판매됐고, 바이낸스코인(BNB)으로 거래됐다. 5 BNB에 시작한 경매가 최고 170 BNB (7만4290달러)에 낙찰되는 등 시작가 대비 34배까지 상승했다고 재단 측은 밝혔다. 작품 가운데 이용백 작가의 ‘브로큰 미러’, 강애란 작가의 ‘숙고의 방’, 티앤씨재단 김희영 대표의 ‘소문의 벽’ 등이 가장 치열한 경합을 거쳤다는 설명이다. ‘너와 내가 만든 세상’전시는 가짜뉴스와 혐오 문제를 주제로 한 전시로, 지난 4월 말 개관한 제주 포도뮤지엄에서 열리고 있다. 가상세계인 메타버스 제페토에서도 실물 전시와 같은 모습으로 개관해 운영되고 있다. 재단 측은 이번 경매 수익금 약 4억7000만 원은 티앤씨재단과 바이낸스, 참여 작가들에게 돌아가며, 재단 수익금과 김희영 대표의 작품 판매 대금은 모두 굿네이버스에 기부한다고 밝혔다.