우리나라 단색화 작품들이 파리 퐁피두센터에 영구 소장된다. 국제갤러리는 한국 단색화 흐름을 이끈 거장 박서보, 하종현, 박서보 화백의 1980년대 작품 4점이 프랑스 파리에 위치한 세계적 현대미술관 퐁피두센터에 영구 소장된다고 20일 밝혔다. 국제갤러리 측은 “단색화 열풍이 지속되는 중에 국제무대에서 한국 미술 위상을 높였다”고 강조했다. 파리 퐁피두센터는 루브르 박물관, 오르세 미술관과 함께 프랑스 3대 미술관으로 꼽힌다. 퐁피두센터의 근현대미술 컬렉션은 시각 예술, 사진, 뉴미디어, 영화, 디자인 등 다양한 장르를 아울러 약 12만 점에 이른다. 유럽 내 최대이자 뉴욕 현대미술관에 이은 세계 두번째 소장품 규모를 자랑하는 대형 미술관이다. 이번에 퐁피두 센터가 영구 소장키로 한 작품은 권영우의 채색 한지 회화 2점, 박서보의 색채묘법 1점, 하종현의 접합 1점 등 총 4점이다. 국제갤러리 측은 “국제무대에서 한국미술의 위상을 보여줌과 동시에 해외 미술사적 맥락 속에서 단색화의 학문적 가치에 대한 심도 있는 고찰이 더욱 활발해질 것”이라고 밝혔다. ◆소장 작품 뭔가 이번에 소장된 세 작가는 1970∼80년대 한국 화단에서 보인 대표적 추상화 경향 ‘단색화’ 작가군에 속한다. 권영우(1926-2013)의 채색 한지 회화 2점 ‘무제’(1984), ‘무제’(1986)는 화면 전체를 일정하게 반복적인 패턴으로 채워가듯 구멍을 뚫고 선을 만들어 염료를 흘린 1980년대 대표작이다. 서양의 과슈와 동양의 먹으로 채색된 가운데, 종이의 찢긴 부분으로 물감이 자연스럽게 스며들어 있다. 한지에 물감이 스며드는 우연적 현상을 활용한 작업 방식으로 한지의 재료적 물질성을 극대화시켜 보여준다. 권영우는 초기에 한국화의 기본 재료인 수묵으로 구상적 추상의 표현을 쓰다가 1962년을 전후해 필묵을 버리고 한지(韓紙)를 작품제작의 본격적인 매체로 사용하기 시작했다. 종이 위에 그림을 그리는 화가의 기본 행위 대신, 주로 손톱으로 종이를 자르고, 찢고, 뚫고, 붙이는 행위 등을 시도했다. 반복적인 행위, 종이의 물질성과 촉각성을 작업의 중심에 놓은 시도다. 여러 겹으로 겹쳐진 한지의 섬세한 재질감을 강조하면서 종이 위에 만들어진 입체감과 리듬으로 조형성을 구성했다. 동양화의 매체를 재조명한 것으로 평가된다. ◆박서보, 하종현 대표작도 단색화의 리더로 불리는 박서보(1931∼)의 ‘묘법(Ecriture No. 120103)’(2012)은 간결함, 단아함이 돋보인다. 그는 일생동안 한국의 고유한 정신성을 바탕으로 한 추상화를 시도했다. 후기묘법 연작으로 분류되는 이 작품은 풍부한 색감의 대비 혹은 조화가 강조돼 ‘색채묘법’이라고도 불리는 시기의 작품이다. 작업을 통해 마음을 비워내고 수신을 일깨우는 행위를 지향한다. 박서보는 1957년 한국 엥포르멜 운동에 주도적인 역할을 한 현대미술가협회의 주요 멤버로 활동했고, 1961년 세계청년화가 파리대회에 참가해 추상표현주의 미학을 바탕으로 한 ‘원형질’ 시리즈를 전개했다. 1960년대 중반부터 ‘유전질’, ‘허상’ 연작을 발표해 추상표현주의를 더 발전시켰고, 1970년대 이후 ‘묘법’을 통해 새로운 전환을 시도했다. 작가는 ‘묘법’시리즈를 ‘손의 여행’이라고 일컫는다. 묘법시리즈는 그의 회화의 정점이라는 평을 받으며 국제적 명성을 쌓은 대표적 시리즈다. 1980년대 이후 본격화된 ‘후기묘법’에서는 종이 대신 한지를 사용한 화면 안에 반복적인 선 긋는 행위를 통해 고도의 절제된 세계를 표현한다. 하종현(1935∼)의 ‘접합(Conjunction 85-022)’(1985) 연작은 작가의 독창적인 작업 방식인 배압법(背押法)을 보여준다. 올이 굵은 마포 뒷면에 두터운 물감을 바르면서 앞면으로 배어 나온 걸쭉한 물감 알갱이들이 나온다. 작가는 나이프나 붓, 나무 주걱과 같은 도구로 이 알갱이들을 다시 변주하고, 작품을 물질과 행위의 흔적이 결합된 완성품으로 만든다. 하종현은 전위 미술가 그룹인 한국아방가르드협회(AG)를 결성한 1969년부터 1970년대 중반까지 석고, 신문지, 각목, 로프, 나무상자 등 오브제를 중심으로 한 ‘물성 탐구의 기간’을 거쳤다. 이 시기에 마대자루, 밀가루, 신문, 용수철, 철조망 등 비(非)미술적이고 비(非)전통적 매체로 캔버스의 양면을 모두 활용하는 실험적인 작업방식을 보여줬다. 그는 “무엇이 그려지고 있는지 묻는 것은 무의미하다”며 묘사하는 행위나 대상보다 매체의 물리적 특성을 강조했다. 김예진 기자 yejin@segye.com

2021 P4G 정상회의 대응 한국민간위원회는 포용적 녹색경제로의 회복과 2050 탄소중립을 위해 ‘멸종을 멈춰라’는 슬로건으로 사진전을 연다. 오프라인은 세운상가 다시세운광장에서 대형 야외전시를 실시하며 온라인은 홈페이지(https://p4g-cso-photo.kr) 사진전을 감상할 수 있다. 이번 전시에는 국내외 사진가 8명이 들여다본 지구촌 문제가 제시된다. 강제욱의 태국과 필리핀 대홍수와 태풍(한국), 김흥구의 구룡마을(한국), 성남훈의 페루 금광도시(한국), 신병문의 낙동강 녹조(한국), 이상엽의 DMZ(한국), 오레후잉의 라오스 메콩강(싱가포르), 제스아즈나르의 필리핀 플라스틱 랜드(필리핀), 쿤라트의 미얀마 옥 광산(미얀마) 관련 사진이 선보인다. 특히 미얀마 사진가 쿤라트의 옥 광산 이야기는 2021 네덜란드에서 열리는 세계적 권위의 월드프레스포토 환경부문에서 수상했다. 다른 모든 사진가들 또한 그동안 국내외 권위 있는 상들을 수상하였고 지치지 않고 지구촌 문제에 대한 자신의 이야기들을 풀어내고 있다. P4G는 ‘녹색성장 및 글로벌목표 2030을 위한 연대’를 뜻한다. 정부기관과 더불어 민간부문인 기업·시민사회 등이 파트너로 참여하여 기후변화 대응과 지속가능한 발전목표를 달성하려는 글로벌 협의체이다. P4G는 이러한 글로벌 협의를 통해 실질적인 협력 사업을 발굴하여 각국, 특히 개도국을 지원하여 전 지구적인 문제인 기후변화에 대응하기 위해 행동한다. 박성준 기자 alex@segye.com

우리나라 대표적인 아트페어(미술 장터)인 ‘키아프 아트 서울’과 세계 3대 아트페어인 영국의 ‘프리즈’ 공동개최가 최종 성사됐다. 한국화랑협회는 내년 9월 22일 서울 강남구 삼성동 코엑스의 전관을 빌려 키아프를 프리즈와 공동개최로 진행한다고 18일 밝혔다. 키아프는 2002년부터 코로나19로 취소된 지난해를 제외하고 매년 한국화랑협회가 열어온 아트페어다. 내년부터는 세계적 아트페어와 동시 공동개최해, 전 세계 톱 갤러리들이 한국에 오고, 우리나라 갤러리들도 세계시장에서 한국을 방문한 컬렉터들을 상대로 작품을 내놓는 큰 장이 서는 셈이다. 화랑협회 측은 “프리즈는 지난 수년간 아시아에서 새로운 아트페어를 구상하고 있었고 개최도시로 서울을 진지하게 논의하고 있었다”며 “2019년 10월 협회와 프리즈가 서울에서 아트페어를 공동개최하는 아이디어를 공유했다”고 밝혔다. 이어 “이제 키아프가 프리즈와의 협업을 통해 아시아를 넘어 전 세계 최고의 아트페어로 도약할 준비에 착수한다”고 덧붙였다. 협회는 “공동주최인 코엑스, 프리즈가 이달 전 세계 최대 규모 행사를 추진하기 위한 협의를 마치고 모든 계약을 체결했다”고 설명했다. 황달성 협회장은 “프리즈와의 파트너십을 발표하게 된 것을 매우 자랑스럽게 생각한다”며 “서울이 글로벌 미술 시장의 허브이며, 한국이 아시아 미술 시장의 주요 목적지임을 다시 한 번 확인시켜줄 것”이라고 말했다. 프리즈의 보드 디렉터(Board Director)인 빅토리아 시달(Victoria Siddall)은 “서울은 훌륭한 작가, 갤러리, 미술관 및 컬렉션들이 있어 프리즈를 개최하기에 완벽한 도시”라며 “우리는 전 세계 갤러리를 한데 모아 서울이 활기찬 예술의 현장임을 확인하고, 놓칠 수 없는 특별한 한 주를 만들 것”이라고 밝혔다고 협회 측이 전했다. 키아프 아트서울은 매년 160~180개 갤러리가 꾸준히 참가했다. 한국을 대표하는 국내 갤러리들을 비롯해 해외 유명 갤러리인 페이스, 리만머핀, 데이비드즈워너, 스푸르스매거스, 노이게림슈나이더, 마시모데칼로, 탕컨템포러리아트, 디갤러리 등이 참가해왔다. 프리즈에 참가하는 갤러리는 가고시안, 하우저앤워스, 데이비드즈워너, 메리앤굿맨, 리만머핀, 레비고비, 빅토리아미로, 페이스, 페로틴, 타데우스로팍 등 세계적으로 유명한 갤러리들이다. 이번 협약 체결은 특히 아시아 미술 시장의 허브인 홍콩의 정치적 여건이 악화하는 가운데 나와 주목된다. 미술계에서는 예술을 진흥하는 데에 자율성과 창의성이 핵심인데, 중국 당국 통제가 강해지고 있는 곳에서 앞으로 좋은 예술작품이 나오기 힘들 것이라는 시각이 있다. 협회 측은 “서울은 이미 글로벌 메가 시티로 접근, 물류이동이 용이하고 아시아 미술 시장의 중심으로 자리 잡을 수 있는 조건을 갖추고 있다”며 “대규모 협업을 통해 이뤄지는 내년 아트페어에서 세계 컬렉터와 기업, 기획자, 전문가 등이 방문할 것이고 세계적 관심을 받을 것”이라고 밝혔다. 내년 프리즈와의 공동 아트페어에 앞서 올해 예정된 키아프 아트서울은 오는 10월 13일 VIP 오픈을 시작으로 17일까지 예정돼 있다. 김예진 기자 yejin@segye.com

‘오직 형들만 바라보던 형바보였던 막내. 아픈 아버지를 먼저 걱정했고, 엄마를 대신해 살림을 기꺼이 돕던 아들. 먼저 말을 걸어주며 다가와 준 친구. 노래를 사랑한 너는 다정한 아이였다. 유엽아, 엄마는 늘 너를 응원했다. 항상 보고 싶은 내 동생, 사랑한다. 앞으로도 우리는 영원한 삼형제다.’ 고 정유엽(2002.12.20.~2020.3.18.)의 유가족. ‘코로나 위험하다고 사람 많은 곳에서 일하지 말라며 걱정하시던 아버지. 하고 싶은 말이 많은데, 건강하던 아빠가 갑자기 사라졌어. 고마워, 그리고 사랑해. 보고 싶고 목소리가 너무 듣고 싶어.’ 고 최광윤(1966.6.9.~2021.4.2.)의 유가족. ‘2020년 2월 21일 청도지역 첫 확진자이자 저희 병원 첫 사망자. 당시에는 코로나에 대한 매뉴얼이 전혀 갖춰져 있지 않은 상태로 첫 사망자이셨기 때문에 고인을 기억하고 애도할 겨를이 없었습니다. 유가족도 참석하시지 못하고 전화 통화로만 입관하고 장례 없이 당일 화장하였습니다. 지금은 그때보다는 조금 나아지긴 했지만 여전히 생략된 장례를 치르고 있습니다. 안타까운 마음 말로 다 표현할 길 없으나 서로서로 위로의 마음을 전합니다.’ 고 신○숙(55세,여성)의 장례지도사. ‘소나기를 좋아하셨고 유난히 딸 닮은 어린 손주를 보고 싶어 하신 나의 아버지. 아빠, 여름에 손주들 영국에서 온다고 기다리셨는데 제가 미처 아빠 마음을 다 알지 못했어요. 제가 영국에서 급히 출발했지만, 아빠가 더 기다려 주실 수 없었나 봐요. 많이 보고 싶어요.’ 고 최○환(1956.1.3.~2021.3.13.)의 유가족. ‘수많은 후손의 든든한 지지자였으며 손주들의 손편지도 오랫동안 간직하셨고 90세 넘으셔도 시사, 정치에 관심이 많으셨던 지적인 우리들의 슈퍼 할머니. 언젠가 하늘에서 뵙게 되면 따뜻하게 팔 벌려 안아 주실 당신. 살아가면서 문득 생각나면 하늘을 올려다보겠습니다. 거기에 항상 계실 테니까요. 사랑합니다.’ 고 박○자(1927.2.~2020.12.26.)의 유가족. 설치미술가 박혜수 작가의 작품 ‘늦은 배웅’에 적혀 있는 문구들이다. 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)이라는 이름도 생소한 전염병에 가족을 잃은 사람들, 가족 대신 그 죽음을 지켜본 요양보호사, 간호사, 장례지도사 등이 직접 쓴 ‘부고’다. ‘확진자 ○○명, 사망자 ○○명.’ 매일 미디어를 통해 마치 무슨 실적이라도 되는 듯 오르고 내리는 숫자만 접하며 무감각해져 있던 마음을 깨운다. 부산시립미술관에서 최근 시작된 전시 ‘이토록 아름다운’은 전염병에 세상을 떠난 사람들을 추모하고 남은 사람들의 상실을 위로하기 위해 기획됐다. 강태훈, 염지혜, 박혜수, 다비드 클레르부, 휘도 판 데어 베르베 등 국내외 현대미술가 11명의 작품 50여점이 관람객을 맞는다. ‘늦은 배웅’은 작가와 미술관, 부산일보가 함께 진행하는 코로나 사망자 애도 프로젝트이기도 하다. 박혜수 작가와 함께 전시 기획을 맡은 박진희 학예연구사, 미술관을 취재하던 부산일보사의 오금아 기자가 함께 아이디어를 냈다. 부산 지역 시민들의 사연을 받아 작가는 작품을 만들었고 지역신문사는 1면과 부고란을 내놨다. 슬픔 속에서도 아름다운 한걸음 내디뎌야 하는 예술가의 의무와 저널리즘의 공적 책무가 전시에 녹았다. 지난해 코로나 발병 이후 제대로 된 장례도 없이 사랑하는 사람을 떠나보낸 이들은 뒤늦게 미술관에서, 또는 지상(紙上)의 장례를 통해 그들을 추모할 수 있게 됐다. 박 학예사는 “미술관에 오셔서 작품 앞에서 우는 분들이 많다”고 말했다. 또 “그간 사망자들이 비닐에 싸여 화장터로 바로 가면서 제대로 된 장례도 치르지 못한 분들, 주변 시선을 걱정해 제대로 알리지도 못한 분들이 많다”며 “서로를 다독이는 시간을 충분히 갖자는 의도”라고 설명했다. 미술관을 찾은 사람들의 눈물을 흐르게 한 것은 전시 중반에 놓인 애도 프로젝트임이 틀림없지만, 시작 작품부터 마지막 작품까지 놓쳐선 안 될 작품들이다. 모든 작품이 한순간도 놓칠 수 없는 드라마처럼 놓여 정화의 경험을 선사한다. 전시의 시작점은 디스트릭트의 미디어설치 작품 ‘스태리 비치’. 지난해 여름 국제갤러리에서 처음 선보일 때는 코로나로 답답한 일상 속에 도심 속 시원한 바다를 선사하겠다는 의도로 작품이 공개됐다. 방탄소년단 리더 알엠(RM)이 방문해 인증샷을 찍어 소셜미디어에 올린 뒤엔 사람이 몰려 두세 시간 줄을 서야 했을 정도로 인기를 끌었던 작품이다. 예술이기보다는 상업적 문화상품이라는 평과 새로운 시도의 예술작품이라는 평이 엇갈렸다. 하지만 이제는 이견이 없을 최적의 의미를 부여받은 모습이다. 음향이 바뀌고, ‘황홀과 익사 사이’ 부제가 붙은 작품으로 다시 제작됐다. 자연의 아름다움과 두려움을 동시에 보여주는 작품으로서, 또 기술과 자본이 보여주는 스펙터클을 욕망하면서도 그에 압도되는 현실을 보여주는 작품으로서 더할 나위 없어 보인다. 전시를 끝맺는 작품은 ‘No. 8 모든 것은 잘될 것이다’라는 제목의 10분 10초 길이의 영상이다. 거대한 쇄빙선이 느리지만 조금씩 얼음을 깨나가고, 그 앞에서 한 사람이 얼어붙은 수면 위를 멈추지 않고 걷는다. 이 남자는 인간으로서 극한의 체험을 퍼포먼스로 보여온 네덜란드 출신의 휘도 판 데어 베르베이자 이 작품을 만든 당사자다. 2007년 핀란드의 보트니아 만에서 시도한 이 퍼포먼스는 물론 우연히 벌어졌다면 위험천만한 상황이지만, 작가가 선장과 무전 교신하며 속도를 조절해 쇄빙선에 앞장서 걸어가는 인간의 모습을 남겼다. 인간 앞의 거대한 자연의 힘, 그러나 포기하지 않고 나아가는 인간의 시도가 서로 싸우지도, 대립하지도 않으면서 나아가는 장면이 숭고한 아름다움, 낙관, 희망의 감정을 불러일으킨다. 팬데믹이라는 시대의 트라우마를 겪어내고 있는 관람객들도 그처럼 나아가길 바라는 마음이 담겼다. 9월 12일까지. 부산=김예진 기자 yejin@segye.com

현실 비판적 관점과 사유를 바탕으로 현대미술계를 이끌어온 중추적 작가이자 개념미술가인 안규철(66·사진)이 23년 겸한 교수 생활을 마치고 온전한 작가로 돌아와 첫 개인전을 연다. 국제갤러리는 부산 수영구 구락로에 위치한 국제갤러리 부산점에서 오는 7월4일까지 일정으로 안규철 작가의 개인전 ‘사물의 뒷모습’을 시작했다고 16일 밝혔다. 작가는 오브제·회화·드로잉 작품 40여 점을 전시하고, 같은 제목의 에세이집도 펴내 작품 토대가 된 글도 함께 공개했다. 안규철은 시각적 자극에 집중하는 세태에 거리를 두고 삶과 세계를 성찰하는 작업에 집중해온 작가다. 일상과 사물, 언어 등에 관심을 갖고 자신의 고유한 생각을 예술작품으로 펼쳐왔다. 1997년부터 몸담은 한국예술종합학교에서 지난해 퇴직하고 독일 유학 중 무명의 젊은 작가 시절부터 현재까지 자신의 작품들을 돌아보는 데 집중했다. 그 결과 이번 개인전에서 약 30년 작가 활동 중 핵심적 작품을 선별했고 해당 작품들을 보완해 재탄생시켰다. 2012년 광주비엔날레에서 진행한 프로젝트 ‘그림을 찾습니다’의 원본을 구현한 작품 등이 공개된다. 김예진 기자

“해외에선 컬렉터보단 서포터라는 말을 주로 씁니다. 작가를 후원하는 행위라는 데 더 방점이 찍혀있죠.” 최근 미술품 소장에 관심을 갖는 밀레니얼 세대가 늘고, ‘이건희 컬렉션’ 이슈로 미술품 수집 및 소장가를 뜻하는 ‘컬렉터’에 대한 관심도 높아지고 있다. 미술품 거래가 이뤄지는 큰 장이 바로 아트페어(미술장터)다. 13일 부산 벡스코에서 시작된 아트부산은 국내 대표적인 국제아트페어다. 올해 10째 행사 개최를 앞두고 영입된 전문가인 변원경(49·사진) 아트부산 대표에게선 글로벌 무대에서 쌓은 노하우, 아이디어가 넘쳐났다. 국내 아트페어 문화에 새바람을 넣을 포부에 차 있었다. 그는 “한국에선 미술품을 사면 자랑이 아니라 쉬쉬하는 분위기가 있는데, 서구에선 작품을 사면 이를 공개하고 파티를 연다”며 “갤러리나 미술관은 컬렉터를 ‘서포터’라고 부르고, 컬렉터를 몇 년째 어느 작가를 후원하고 있다는 식으로 소개한다”고 말했다. 그는 독일에서 예술학 박사학위를 취득하고 유럽과 한국을 오가며 기획자로 일해 온 글로벌 전문가다. 2008년 베를린에 갤러리 안도파인아트를 설립했고 2009년부터 아트바젤 홍콩에 참가했다. 그는 “아트바젤, 프리즈 등 세계적인 아트페어들도 많이 방문했다”며 “스위스 아트바젤만 17번 갔는데, 아마 저보다 많이 간 사람은 없을 것”이라며 웃었다. 그는 아트페어를 즐기는 문화가 정착되면 부산에서 열리는 아트부산이 ‘아트바젤 마이애미’처럼 될 수 있다고 했다. 변 대표는 “아트페어는 컬렉터, 아티스트, 갤러리스트들이 모이고 사람들이 여행오듯 즐기는 것이어야 한다”며 “해변과 좋은 호텔 등 인프라를 갖춘 부산은 강점이 있다. 부산도 아트바젤 마이애미처럼 될 수 있다”고 말했다. 그가 처음 지휘봉을 잡은 이번 아트부산은 색다른 시도들로 업그레이드했다. 평범한 직장인 컬렉터가 자신의 소장품을 소개하는 전시부터, 올라퍼 엘리아슨의 미디어작품 전시까지 특별전이 10개나 된다. 그는 “해외 전통있는 유명 아트페어들은 특별전이 50개씩 돼 부러웠다”며 “단순히 작품을 거래하는 장이 아니라 미술애호가들에게 그만큼 즐거움을 주려는 것”이라고 했다. 그는 “올라퍼 엘리아슨 전시는 2019년 영국 테이트모던 미술관에서 선보인 작품으로, 미술관급의 전시가 될 것”이라고 했다. 이번 행사 준비 중 예상치 못한 논란으로 애도 먹었다. 조현화랑 참가가 예정돼 있었는데 부산시장에 조현화랑 설립자의 남편인 박형준 후보가 당선되면서 조현화랑이 작품을 파는 것이 적절한지 논란이 인 것. 그는 “결국 참여하되 작품을 팔지 않고 결론났지만, 조현화랑 부스에선 아주 우아한 전시가 있을 것”이라고 소개했다. 그는 최근 시장에 유입되고 있는 ‘새내기 컬렉터’를 위한 조언도 했다. “작품을 살 때는 자신의 마임이 움직이는 작품인지가 가장 중요하고, 둘째는 그 작품을 취급하는 갤러리가 믿음직한지, 작품의 가치를 계속 지켜줄 수 있는 검증된 곳인가를 확인해야 합니다.” 김예진 기자 yejin@segye.com

지난해 세상을 떠난 한국 수묵추상의 거장 산정 서세옥 화백의 작품과 컬렉션이 서울 성북구에 대거 기부된다. 성북구청은 12일 성북구와 고 서세옥 화백의 유족이 ‘서세옥 작품 및 컬렉션 기증을 위한 협약식’을 갖고, 서 화백 작품과 생전에 모은 미술품 3290점을 유족으로부터 기증받는다고 밝혔다. 협약의 주요 내용은 서 화백 작품 및 컬렉션 3290여 점 무상기증 및 서 화백을 기리기 위한 미술관 건립 추진에 관한 사항 등이다. 이번에 기증되는 작품 3290여 점에는 서 화백의 주요 구상화 및 추상화 450점을 포함해 드로잉, 전각, 시고 등 작가의 모든 작업 세계를 망라한 2300여 점이 포함됐다. 성북구 측은 “이번 대규모 기증은 서세옥 작품 세계의 전모를 파악할 수 있는 가장 포괄적인 기증의 전무후무한 사례가 될 것”이라고 설명했다. 또한 겸재 정선, 추사 김정희, 소정 변관식, 소전 손재형, 근원 김용준 등 한국미술의 맥을 잇는 작품들이 포함된 990여 점의 ‘서세옥 컬렉션’도 기증돼 컬렉터로서의 서세옥도 조망할 수 있게 될 것이라는 설명이다. 1929년 태어난 서 화백은 지난해 11월 세상을 떠났다. ‘동양 화단의 유일한 전위적 청년 작가들의 집결체’로 평가받는 묵림회(墨林會)를 창립해 전통화의 현대화 운동을 주도하는 등 혁신적인 길을 걸어온 인물이다. 한국화의 전통을 계승하면서도 이를 현대적으로 풀어내 ‘수묵추상’이라는 자신만의 독창적 화풍을 만든 개척자로 평가된다. 1970년대부터 그린 ‘인간’ 시리즈가 대표적으로 알려져 있다. 두 아들 역시 예술가다. 장남은 세계적인 설치미술가인 서도호, 차남은 건축가 서을호다. 서 화백은 생전 60년이 넘는 기간을 성북구에 거주하며 지역 문화예술 발전에 공헌했다. 1978년에 시작된 ‘성북장학회’에 주도적으로 참여해 성북의 미술인들이 작품을 판매한 기금을 지역 장학금으로 조성했다. 이 모임은 현재까지도 이어지고 있다. 2009년 개관한 성북구립미술관 건립을 추진했고 명예관장도 역임했다. 성북구는 협약식 이후 미술관 건립을 추진해, 서세옥 작품세계를 감상하고 연구할 수 있는 메카로 만들 계획이다. 성북구 측은 “성북은 한국의 근현대 예술가들이 다수 거주했던 곳으로 이번 서세옥 작품 및 컬렉션의 기증은 지역의 예술적 자원이 공공에게 환원되는 중요한 의미를 갖는다”며 “더 많은 사람들의 문화예술 향유를 위한 중요한 기반을 형성하게 될 것”이라고 밝혔다. 이날 협약식에는 서 화백 유족과 이승로 성북구청장, 이건왕 성북문화재단 대표이사, 김보라 성북구립미술관장, 전 서울시립미술관장인 유희영 작가 등이 참석한다. 김예진 기자

“언제 볼 수 있는거냐는 전화가 폭주해 발권 데스크 직원들이 엄청 고생을 했어요. 지금 하고 있는 전시가 이건희 컬렉션 전시냐는 문의도 많았습니다.” 12일 대구미술관 관계자의 말이다. ‘이건희 컬렉션’ 21점을 기부받은 대구미술관이 결국 예정했던 일정을 바꿔 다음달 29일 기증작을 선보이는 특별전을 연다. 작품을 서둘러 보고싶다는 시민들의 요청이 쇄도해서다. 대구미술관은 이건희 컬렉션 작품 전시 제목을 ‘웰컴 홈’으로 정하고 다음달 29일부터 8월 29일까지 54일간 미술관 4, 5전시실에서 개최한다고 이날 밝혔다. 전시는 기증받은 작품 21점에, 기존 대구미술관이 소장하고 있던 대구 출신 근대 화가 이인성, 서동진, 변종하 작가의 작품 20여점을 함께 배치해 총 40여점을 선보일 계획이다. 지난달 28일 대구미술관은 고 이 전 회장 유족으로부터 이인성의 ‘노란 옷을 입은 여인’, 이쾌대의 ‘항구’ 등 대구와 연고가 있는 한국 근대 화가의 명작 21점을 기증받은 바 있다. 대구미술관은 기증작에 대한 연구 및 조사를 먼저 진행하고, 일반에 공개하는 전시는 내년 초에 할 계획이었다. 올해 1년치 전시 계획도 연초에 미리 세워둔 상태였다. 하지만, 기증 발표 후 미술관으로 시민들의 문의가 쏟아졌다고 한다. 미술관 관계자는 “처음에는 발권 데스크로 전화가 폭주하고 개인적으로도 문의가 많았다. 지금 열리고 있는 대구미술관 개관 10주년 특별전 ‘때와 땅’ 전시에도 이인성, 이쾌대 등의 작품이 있어서, 이 전시가 이건희 컬렉션 전시인 줄 알고 헷갈리시는 분들까지 있었다”고 전했다. 이어 “대구 미술에 대한 시민들의 자부심이 이정도일 줄은 몰랐다”고 덧붙였다. 이 관계자는 “기증자의 뜻을 살리려면 빨리 시민들에 선보이는 것이 좋겠다고 판단해 예정돼 있던 전시를 미루고 대신 이건희 컬렉션 전시부터 열기로 했다”고 설명했다. 기부 이후 미술관을 찾는 발길도 늘었다고 한다. 한국 근대 미술을 주제로 열리고 있는 ‘때와 땅’ 전시도 2월 9일 개막 이후 이날까지 1만6906명이 다녀간 것으로 집계됐다. 코로나19로 인해 대구미술관은 사전 예약 후 입장이 가능하고, 입장 인원은 전시 초기엔 하루 270명, 현재는 480명으로 제한돼 있다. 김예진 기자 yejin@segye.com

#새로운 삶의 형태들 얼마 전에는 오랜만에 여유가 생겼다. 저녁 시간에 침대에 누워 있을 수 있는 여유였다. 덕분에 평소에 보지 못한 뉴스와 연재를 읽었다. 그중 기억에 남은 것은 파이어족인 누군가의 연재였다. 파이어족은 은퇴 자금을 마련해 조기 은퇴를 목표로 하는 사람들이다. 국내에서 최근 이슈이지만 미국에서는 2008년 금융위기 이후부터 확산하기 시작했다. 은퇴에 성공해 그 이후 삶을 기록하는 연재에는 수많은 댓글이 달렸다. 댓글은 양극단으로 나뉘었는데 모두 각자의 이유는 있었다. 자기 삶은 결국 자기가 꾸려나가는 것이기에, 파이어족의 삶의 형태를 두고 옳고 그름을 따져야 하나 싶은 생각이 들었다. 대신 인간 평균수명이 길어지는 지금 다양한 삶의 모습을 떠올릴 필요는 있을 것 같았다. 2018년 기준으로 우리나라 국민의 평균 기대수명은 82.7세로 긴 편이다. 일찍 은퇴 후 여유를 즐기며 살 수도 있고 살면서 두 개 이상의 직업을 가질 수도 있다. 지금까지는 없었던 삶의 형태들이 앞으로 더 많이 등장할 것이다. 이와 관련하는 생각이 꼬리에 꼬리를 물었다. 나와도 무관하지 않은 일이기 때문이다. 그러다 문득 앙리 루소(Henri Julien Felix Rousseau, 1844~1910)의 삶과 작품이 눈앞에 펼쳐졌다. 파리의 세관원으로 일했던 루소는 은퇴한 뒤 나이 50이 넘어 미술가가 됐다. 그런데도 그는 약 15년간이나 화가라는 직업으로 살고 세상을 떠날 수 있었다. 남긴 작품 수는 200점 미만이지만 대체 불가한 작품세계로 미술사에 발자국을 남겼다. #파리의 세관원, 앙리 루소 앙리 루소는 프랑스 북서부 도시 라발(Laval)에서 태어났다. 고향에서 고등학교에 다녔으나 이외의 교육은 받지 못했다. 넉넉지 않은 가정형편에 졸업 이후에 바로 법 관련 일을 시작했다. 이후 군대에서 근무하던 도중 아버지가 세상을 떠났다. 가족을 부양하기 위해 제대한 그는 파리로 거처를 옮겼다. 거기서 파리 세관 사무소에서 일자리를 찾았고 세관원으로 살게 되었다. ‘두아니에’(세관원, Le Douanier)라는 항상 따라다니는 닉네임은 이 경력에서 왔다. 루소는 말단 공무원직을 수행했다. 가만히 앉아 통행료를 징수하며 매일을 보냈다. 하지만 그렇게 20여년의 시간을 보내며 꿈을 꿨다. 화가가 되는 꿈이었다. 고된 일과 속에서도 그림 그리는 일을 지속했다. 마흔이 넘어서는 그림 그리는 일을 더 진지하게 다루기 시작했다. 작업실을 구했고 공식적으로 작품을 발표하기 시작했다. 이때까지와 다른 삶의 모습을 구체화한 것으로 볼 수 있다. 49세에 은퇴하자마자 전업 작가로서의 생활을 시작했다. 이제 그의 하루는 통행 징수 대신 그림으로 가득 차게 된 것이다. 이렇게 시작한 대표적인 초기작은 ‘전쟁 혹은 불화의 기마 여행(La Guerre ou la chevauchee de la discord)’(1894)이다. 오르세 미술관에서 소장한 이 작품의 한가운데는 말을 탄 여인이 있다. 거대하고 재빠른 흑마 위에 하얀 드레스를 입은 여인이 앉았다. 그녀의 오른손에는 날카로운 칼이 있고 왼손에는 불타는 나뭇가지가 주어져 있다. 발아래에는 사람들이 널려 있는데 그들을 향해 까마귀들이 날아온다. 아마 이미 죽은 상태일지도 모른다. 잿빛 하늘이 어두운 분위기를 강조한다. 이 작품을 보면 떠오르는 앞선 시기의 작품들이 있다. 들라크루아의 ‘민중을 이끄는 자유의 여신’(1830)이나 제리코의 ‘메두사호의 뗏목’(1819) 등이다. ‘민중을 이끄는 자유의 여신’과 같이 가운데 인물을 배치해 고전적이고 안정적인 삼각형 구도를 취한다. 바닥에서 보이는 시신들의 형태와 분위기는 ‘메두사호의 뗏목’과 닮았다. 루소는 이 작업에서 거장들이 남긴 아카데미적인 대형 알레고리화를 시도한 것으로 볼 수 있다. 고전적인 방식을 따라서 완벽하게 대상을 그려내고자 한 것이다. 하지만 독학으로 펼친 이러한 시도의 결과물은 예상과 달랐다. 소묘를 한 적이 없으니 작품 속 모든 형태가 어색하게 그려졌다. 원근법을 배운 적이 없기에 화면은 공간감이 없는 평면의 모습을 보여줬다. 명암에 관한 이해가 부족해 원색으로 칠한 화면은 이 평면감을 더 강조했다. 평론가들은 루소의 이 시기 작품을 두고 혹평을 해댔다. 아마추어 화가라고 여기며 조롱과 멸시를 던졌다. ‘소박한’, ‘어린아이’와 같은 수식어가 따라다녔다. 그렇다고 이제 현실이 되기 시작한 꿈을 포기할 수 없었다. 그는 매년 독립 미술가전인 앙데팡당에 작품을 출품했다. 조롱과 멸시의 대상이었던 화풍은 루소 작품만의 매력이 되었다. 차츰 전에 없던 작업 스타일에 반하는 사람들이 생겨나기 시작했다. 자유롭고 거침없는 붓질과 고정관념을 깨는 화면구성은 환상적인 경험을 제공했다. 당시 팽배한 이성주의에 대항하여 승리하는 상징성을 갖게 되었다. #앙리 루소의 상상 밀림 앙리 루소의 작품 중 가장 널리 알려진 것은 일련의 밀림 그림들이다. 그는 1891년 런던의 내셔널 갤러리에서 열린 전시에서 이 주제를 처음 선보였다. 이후 1900년대 초에 약 10여년간 집중적으로 밀림 풍경을 그렸다. 루소는 독학했기 때문에 작품에 서명과 제작연도를 남기는 것의 중요성을 간과했던 것 같다. 완성 후에도 그림을 여러 차례 수정하여 이런 정보가 명확하지 않은 편이다. 밀림 작품은 이 시기에 30여점 정도 그려진 것으로 여겨지고 있다. ‘사자의 식사(The Repast of the Lion)’(1907)는 이러한 작품 중 한 점이다. 열대식물들이 빽빽하게 가득 찬 열대의 산림이 눈앞에 있다. 종이로 오려 붙인 듯 각자의 형태를 명확하게 드러내는 풀잎들이 만든 세계다. 새하얗고, 샛노랗고, 새파란 색의 꽃들이 그 사이에서 존재를 드러낸다. 꽃들의 기묘한 형태는 도시에서 볼 수 없기에 이국적 느낌을 전한다. 원색의 꽃들은 이곳이 열대강우림의 어딘가일 것 같다는 힌트를 준다. 이러한 밀림의 가운데서 사자는 고요히 자기만의 식사를 즐긴다. 피가 흐르는 그 장면 뒤로 달이 휘영청 떠오른다. 이 작품은 루소가 1907년 살롱 도톤에서 발표한 것으로 알려진 그림이다. 살롱 도톤은 1903년부터 매년 가을 파리에서 열리는 미술전람회였다. 루소의 이러한 밀림 풍경은 모두 실제 경험이 아닌 상상에 기초해 그린 것이다. 루소는 태어나서 죽을 때까지 단 한 번도 프랑스를 떠난 적이 없다. 대신 대상 참고를 위해 파리의 자연사 박물관과 식물원 등을 자주 찾았다. 이 그림은 상상에서 비롯했기에 더 환상적인 느낌을 우리에게 전할지도 모른다. 그리고 진정으로 닿을 수 없는 곳이기에 더 깊은 열망과 향수를 갖게 한다. 밀림 그림으로 명성을 얻은 그는 결국 화가의 삶을 성공적으로 살았다. 그리고 죽은 이후에도 후대의 예술가들에게 커다란 영향을 미쳤다. 피카소, 막스 에른스트 등이 그에게서 영감을 얻은 바 있다고 밝혔다. 1924년 초현실주의 선언을 발표한 작가들은 그를 초현실주의의 아버지로 불렀다. 특히 밀림 그림은 이성을 반대하는 그들에게 성공적인 예로 받아들여졌다. 그가 일반적 경우처럼 은퇴 후 파리 근교에서 노년을 보냈다면 없었을 일이다. 김한들 큐레이터

‘한국에서의 학살’의 역사적 한국 방문은 운송과정도 특별했다. 3중 보호막에 싸여 대한항공 특별기를 타고 한국에 왔다. 6일 비채아트뮤지엄과 대한항공에 따르면, 작품 운송을 맡은 대한항공은 지난달 16일부터 23일까지 4차례에 걸쳐 프랑스 파리에서 이번 ‘피카소 탄생 140주년 특별전’ 전시 작품 110점을 나눠 실어왔다. 무게 총 22t, 약 2조원으로 추산되는 ‘비싼’ 손님이었다. 보험평가액도 약 9000억원에 달한다. 이 가운데 ‘한국에서의 학살’도 1000억원으로 추산되는 귀한 손님이다. 운송에는 특별화물기 보잉747 기종이 투입됐다. 예술품은 온도·습도 조절이나 진동 최소화 등 세심하게 신경 써야 할 부분이 많다. 대한항공은 안전에 만전을 기하기 위해 작품 밀봉 상태를 세심하게 검사하고 보안도 강화했다고 한다. 지상에서의 이동을 최소화하기 위해 공항 내에서도 가장 가까운 주기장을 배치했다. ‘크레이트’(Crate)라 불리는 전용 운송상자에 담긴 ‘한국에서의 학살’은 서울 서초구 예술의전당 수장고로 옮겨졌다. 크레이트는 운송 중 충격과 기온 변화로부터 작품을 보호할 수 있도록 3중 보호막으로 특수제작된 상자다. 이어 전시 개막 닷새 전인 지난달 25일 크레이트에서 꺼내어졌다. 작품을 꺼내 탁자로 옮겨 검수에 들어갔다. 운송 중 상태 변화가 없었는지 점검하는 것이다. 김주삼 미술품보존복원연구소(art C&R) 소장과 서순주 전시총감독 등이 자리했다. 김 소장은 “미술작품이 항공과 육로 등을 거쳐 이동하면서 간혹 처음의 상태와 달라질 수도 있어 검수가 꼭 필요하고, 전시가 끝난 뒤에도 다음 장소로 보내기 전에 또 한번 검수한다”며 “혹시 작품 상태가 변형되면 책임 소재를 명확하게 하기 위해서 꼼꼼하게 해야 한다”고 밝혔다. 검수를 마치고 전시장에 무사히 내걸린 ‘한국에서의 학살’은 지난 1일 드디어 관람객을 맞았다. 오는 8월 이번 전시가 종료된 뒤에는 다음 전시가 열리는 독일 쾰른으로 옮겨질 예정이다. 김예진 기자