미술계 인사들이 ‘이건희 컬렉션’의 근대 명작 기증작들을 포함하는 국립근대미술관 건립을 촉구하며 27일 ‘국립근대미술관을 원하는 사람들의 모임’을 발족했다. 이들은 서울 종로구 한국출판문화회관에서 발표한 선언문에서 “대한민국 정체성을 형성하는 데 가장 영향력이 있는 시기가 근대”라며 “국립근대미술관의 존재는 선택이 아닌 필수”라고 강조했다. 이어 “때마침 근대의 위대한 유산 1000여점이 포함된 이건희 소장품의 국가 기증 사건이 발생했다”며 “역사의 전기로 삼아야 한다”고 강조했다. 정준모(사진) 전 국립현대미술관 학예실장은 이 모임의 대표적 인사다. 그는 서울 종로구 삼청동 국립현대미술관 서울관이 만들어진 원동력이었던 미술계 모임 ‘기무사에 미술관을 원하는 사람들’의 상임간사를 맡기도 하는 등 미술계 숙원이 추진되는 곳에 항상 등장하는 민간전문가다. 그는 삼성가가 이건희 컬렉션 시가감정을 맡겼던 곳 중 한 곳인 한국미술품감정연구센터도 이끌고 있다. 기부를 지켜보며 “이제 근대미술관을 지어야 할 순서구나”라는 생각을 했다고 한다. 그는 “근대미술관은 분단돼 있는 민족공동체를 위해서도 꼭 필요하다”며 남북 공통의 미술사가 쓰이는 장소가 될 수 있음을 강조했다. 다음은 일문일답. - 국립근대미술관이 왜 필요한가. “세계 어딜 가나 나라가 만들어지면 제일 먼저 만드는 게 근대미술관이다. 봉건의 사슬을 끊고 국민국가로 새롭게 태어나면서 공동체로서 자국 정체성과 고유성을 표상하는 미술·박물관을 가장 먼저 연다. 근대미술관 없는 현대미술관이라는 지금 현실이 사실 말이 안 되는 것이다. 강제침탈의 트라우마를 상쇄하고도 남을 우리 근대사의 성과가 있다. (근대미술 전시를 주로 하는) 국립현대미술관 덕수궁관은 소장기능 없이 사실 (근대미술관) 흉내만 내고 있는 격이다. 재미있는 건, 덕수궁관의 관람객을 평방미터당 방문객으로 따져보면 600명이 넘는다. 서울관은 180명 수준이다. 우리나라 근대기에 대한 관심이 많다는 뜻 아니겠나.” - 남북 분단 현실에서도 갖는 의미도 강조된다. “1948년 남북한이 각각 정부를 세우고 1950년 전쟁을 했지만 근대기의 많은 부분은 그 이전이다. 공유하는 역사를 토대로 서로 같고 다름을 이해하고 따져나가면 공감대를 찾을 수 있다. 또 미술이 재미있는 것이, 가령 영호남의 지역감정이 그렇게 강하다 해도 경주 불국사에 가서 ‘이거 경상도꺼네’, 익산 미륵사지석탑을 보며 ‘전라도가 만든 거네’ 하지 않는다. 문화는 바로 그 공감대가 있다. 분단 이전의 미술을 통해 서로 교감하고 연구하다 보면 분단 70년을 메울 수 있는 계기가 된다.” - 실제로 할 수 있는 과제는 어떤 것들이 있나. “공동전시나 교류전은 물론 연구할 게 많다. 왜 북한에 있던 이중섭이나 도상봉은 왜 남으로 넘어왔는지, 월남작가, 월북작가가 어떤 그림을 그렸고, 각 체제에서 어떻게 바뀌었는지 연구할 수 있다. 변화 속에서도 또 변하지 않은 미학은 뭔지 찾아내면 아마도 그게 민족성일 것이다. 그들의 프로파간다 미술은 또 어떤 목적과 필요에 의해 만들어졌는지도. 서로 틀린 게 아니라 다르다는 걸 알 수 있을 거다. 또 중요한 건 일제강점기 항일미술, 독립운동가들의 붓글씨나 그림들도 대단하다. 그 시기 예술지상주의나 순수예술주의 이런 그림들도 대단하다.” - 부지는 왜 서울 종로구 송현동을 주장하나. “근대미술관이 현대미술관과 하나의 벨트로 있을 수 있는 자리다. 삼청동 국립현대미술관 건립을 추진하면서 서울에 미술관을 할 만한 땅이 어디 있는지 이미 검토했다.” - 일부 비수도권 지자체장과 국회의원들이 반발하는데. “선거를 의식한 것으로 이해하나 그렇다고 원칙을 저버리나. 기존의 지역 미술관 중에 (지자체장이나 정치인들의 지원을 못받아) 건물에 물도 새고 작품 구입비도 없는 곳이 많다. 작품을 등록하고 관리하는 레지스트라, 미술품의 의사라고 하는 컨서베이터가 없는 곳도 태반이다. 그런 것부터 고쳐나갈 생각을 해야 한다. 향후 미술품물 기부제도가 도입됐을 때 기증을 받기 위해서라도.” 김예진 기자 yejin@segye.com

‘빛으로 바느질을 하다.’ 촛불 켜놓은 밤, 바느질을 하는 옛 어머니들 모습을 절로 떠오르게 하는 아이디어다. 이런 서정적인 감성이 바탕이 돼서일까, 그의 손에서는 신기하게도 딱딱한 금속도 부드럽게 휘어지고 접힌다. 빛을 이용한 작업을 해온 이상진(사진) 작가 이야기다. 서울 서초구 사평대로에 위치한 갤러리마크에서 이 작가의 개인전 ‘쓸모 있는 예술 : 스티치 라이팅(Stitch lighting)’이 열리고 있다. 전시장에서 만난 그의 작품들은 알루미늄 재질의 판으로 만든 다양한 형태 속에 조명이 숨겨져 있는 것들이다. 알루미늄 판은 마치 한땀 한땀 바느질을 한 자리처럼 선을 따라 일정하게 도려내어져 있고, 그 선을 따라 접혀 이색적인 형태를 만들고 있다. 도려내어진 자리에서는 조명 빛이 새어나온다. 작가는 금속이지만 약한 고리에서 구부러진다는 점을 이용해, 원하는 형태로 알루미늄 판을 도려낸 뒤 이리저리 접었고 그 틈으로 빛이 나오도록 했다. 판을 잘라낸 뒤 접착제로 판들을 서로 붙여 형태를 만드는 것이 아니라, 하나의 판에 구멍들을 송송 내고 그 약해진 자리를 접어 형태를 만든 발상의 전환이다. 전시장 중앙에서 눈길을 사로잡는 대형 조명 작품 스티치 라이팅(stich lightingⅠ)은 어느 미래 도시의 건축물처럼 우뚝 솟아 있는데 알루미늄 판들이 접힌 모서리 틈새로 빛이 은은하게 새어나온다. 금속의 차가움과 빛의 따뜻함이 조화롭게 어우러진다. 접힌 자리에서 나오는 빛은 강함을 이기는 부드러움의 힘을 은유한 것처럼 다가온다. 내부에 숨겨져 있는 조명은 이리저리 움직이고 있어 밖으로 새어나오는 빛 역시 매 순간 변한다. 작가는 “마치 촛불이 제 자리에서 한순간도 가만히 있지 않는 것처럼, 또 그 움직이는 모습을 바라보는 사람들이 ‘불멍’에 빠져드는 것처럼 만들고 싶었다”며 “관객에게 자연스러운 빛을 멍하니 바라보는 순간을 선사하고 싶었다”고 말했다. 또다른 스티치 라이팅(stich lighting Ⅶ)은 혼합된 빛의 색깔이 갖는 아름다움이 눈길을 사로잡는다. 도심 밤거리에서 촌스럽게만 보였던 빨강, 노랑, 초록 조명 빛이 작가의 의도에 따라 혼합되고, 그 빛은 알루미늄 판을 비춰 간접적으로 사람들의 눈에 들어와 은은하고 세련되게 변한다. 작가는 “노을이 지는 하늘 빛 느낌을 기억했다가 구현하고자 했다”고 말했다. 고연수 미술평론가는 “인간의 마음과 행동을 관찰하고 통찰하려는 애정과 관심이 작업의 바탕을 이룬다”며 “빛을 조형화한 다양하고 친근한 모습이 때론 달콤하게 때론 환상적인 일루전으로 우리에게 말을 걸어온다”고 평했다. 다음달 12일까지. 김예진 기자

미술계 인사들이 ‘국립근대미술관을 원하는 사람들의 모임’을 발족했다. 국가가 소장하게 된 ‘이건희 컬렉션’의 근대 명작들을 모아 국립근대미술관을 건립을 촉구했다. 이들은 27일 서울 종로구 삼청동 한국출판문화회관 강당에서 ‘국립근대미술관을 원하는 사람들의 모임’ 발족식을 열고 선언문을 발표했다. 이들은 선언문에서 “대한민국 정체성을 형성하는데 가장 영향력이 있는 시기가 근대”라며 “근대의 정신과 물질을 상징하는 국립근대미술관의 존재는 선택이 아닌 필수”라고 강조했다. 이어 “국립근대미술관 설립이야말로 코로나 이후의 선진 대한민국을 경제적, 문화적으로 선도할 계기가 될 것”이라고 밝혔다. 이들은 “때마침 근대의 위대한 유산 1000여 점이 포함된 이건희 소장품의 국가 기증 사건이 발생했다”며 “이와 같은 계기를 역사의 전기로 삼아야 한다”고 강조했다. 이들은 “천문학적 금액의 구입예산을 확보한다고 해도 이제는 최고 수준의 근대 명작을 구입할 수 없는 시대의 한계에 봉착한 지금, 이건희 소장품은 바로 그 한계의 빗장을 풀어놓았다”며 “국립현대미술관의 ‘근대기’ 소장 작품과 더불어 이건희 기증품의 ‘근대기’ 해당 작품을 합해 ‘국립근대미술관’을 설립한다면 오랫동안 그늘 속에 버려져왔던 ‘근대’의 영혼과 감성, 고통을 극복해 온 ‘근대’의 역사가 장엄한 모습으로 우리 곁에 다시 우뚝 설 것”이라고 덧붙였다. 이들은 특히 세계 10위로 도약한 경제력에도 불구하고 미술계 현실은 고전, 근대, 현대, 동시대라는 4관 체제는 커녕 고전(국립중앙박물관)과 현대(국립현대미술관)라는 2관 체제에 머물러 있다고 주장했다. 이들은 “세계사를 돌이켜 보면 국민국가를 이룩한 선진제국의 경우 자기 공동체의 정체성과 고유성을 표상하는 미술박물관을 시대별, 종류별로 구비하지 않은 나라가 없다”며 “미술의 장르에 따른 특성별 미술박물관으로 공동체가 어떤 역사를 거쳐왔는지 드러내 문명국가의 위상을 확고히 각인시켜왔다”고 밝혔다. 그러면서 “고대를 포함한 ‘중세’의 국립박물관과 ‘현대’의 국립현대미술관으로 양분된 우리의 미술관‧박물관 구성은 우리의 반만년 역사 속의 문화와 예술의 폭과 깊이를 도외시한 결과”라고 덧붙였다. 발족을 기념해 열린 세미나에서는 조은정 고려대 초빙교수, 정준모 전 국립현대미술관 학예연구실장, 홍재승 홍익대 겸임교수 겸 플랫/폼 아키텍츠(PLAT/FORM ARCHITECTS ) 대표가 한국 근대미술과 국립근대미술관 설립 필요성, 적절한 부지와 건축적 제안을 주제로 발표했다. 김예진 기자 yejin@segye.com

2600년 전, 고대 이집트인이 숭배했던 고양이는 과연 어떤 모습일까. 기묘하고 신비로운 질문의 답을 뜻밖에도 한국에서 찾을 수 있게 됐다. 동서고금의 다채로운 유물 컬렉션과 시공간을 넘나드는 전시 기획으로 이름 높은 바라캇 서울이 5월 18일부터 8월 31일까지 선보이는 특별전시 ‘환상게임: 바라캇 이집트 보물전’에서 고대 이집트의 고양이 미라를 만날 수 있게 된 덕분이다. ‘환상게임: 바라캇 이집트 보물전’은 150년의 역사를 갖춘 바라캇 갤러리의 컬렉션 가운데 독보적인 역사적 가치와 고도의 희소성, 그리고 대중적 인기를 모두 갖춘 이집트 예술품을 집대성한다. 이번 전시에서는 4000여년 전 이집트 고왕국 시대의 고위관직자 초상화와 이집트 성각문자(聖刻文字)가 기록된 중왕국 시대의 석비, 이집트 파라오의 초상을 담은 석조상, 말기왕조시대에 봉헌된 고양이 미라 등을 만날 수 있다. 특히 이번 전시를 위해 바라캇 서울이 마련한 무대는 한층 더 특별하다. 고대 이집트인들이 실제로 즐겼던 보드게임 세네트를 재해석해 거대한 게임판을 조성한 ‘환상게임: 바라캇 이집트 보물전’은 고대 이집트의 신관이 되어 옛 문명의 신들과 함께 환상적인 게임을 즐기듯 오랜 예술품과 마주하는 드문 기회를 제공한다. 바라캇 서울의 박민경 유물관 연구원은 “세네트를 통해 이계(異界)로 진입하고 다른 차원의 존재들과 경합을 펼치는 고대 이집트인의 관념이야 말로 ‘환상게임: 바라캇 이집트 보물전’의 동선을 이루는 바탕”이라며 “건조하게 전시된 유물의 감상을 넘어 옛 문명의 찬란한 기억 속으로 진입해 역사와 예술을 체험하게 하는 것이 이번 전시의 목표”라고 기획 의도를 설명했다. 한편 바라캇 서울은 코로나바이러스감염증-19의 확산 방지 및 예방을 위해 ‘환상게임: 바라캇 이집트 보물전’을 예약제로 운영하며 유료 관람으로 진행된다. 전시에 관한 자세한 정보는 바라캇 서울 홈페이지(www.barakat.kr)를 통해 확인할 수 있다. 한윤종 기자 hyj0709@segye.com 사진=바라캇 서울 제공

국립현대미술관이 신종코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 인한 전 지구적인 재난 상황을 동시대 예술가들의 관점에서 살펴보는 전시 ‘재난과 치유’를 개최한다. 국립현대미술관은 지난 22일부터 오는 8월 1일까지 서울 종로구 삼청동에 위치한 국립현대미술관 서울관에서 ‘재난과 치유’전을 연다고 25일 밝혔다. 이번 전시는 전 지구적인 팬데믹(pandemic, 감염병 세계적 유행)이 개인과 사회에 미친 영향을 동시대 예술가들의 관점에서 살펴보고, 재난 속에서도 예술을 통해 삶의 의미를 성찰하기 위해 마련됐다. 위로하는 공감대를 형성하고 치유와 회복의 계기를 삼으려는 시도이기도 하다. 전시에는 국내‧외 작가 35명이 참여한다. 프란시스 알리스, 리암 길릭, 서도호, 이배, 오원배, 써니킴, 최태윤 등은 코로나19를 주제로 한 신작을 선보인다. 에이샤-리사 아틸라, 노은님, 아니카 이, 질리언 웨어링, 미야지마 타츠오, 이영주, 칸디다 회퍼, 신디케이트(사진가 그룹), 요제프 보이스, 전인경, 이진주, 오원배, 박영균, 성능경, 김지아나, 안드레아 지텔, 써니 킴, 리우 와, 홍진훤, 무진형제, 차재민, 프란시스 알리스, 미야지마 타츠오, 이지원(아키타입), 최태윤, 김범, 서도호, 이혜인, 토마스 스트루스, 서승모, 노은님, 허윤희, 조나단 호로비츠, 봉준호, 염지혜, 이배, 남선우, 권태현, 김신재가 참여한다. 전시장 안팎에서는 재난의 상황에서 미술관의 역할 변화와 대안적인 전시 방향을 모색하는 ‘위성프로젝트’가 진행된다. 위성프로젝트에서는 장소 기반 오디오 가이드와 집으로 가지고 갈 수 있는 향, 관객 참여형 촉각적 관람도구, 온라인 스트리밍 등 다양한 플랫폼에서 실험적인 작업이 펼쳐진다는 설명이다. 김예진 기자 yejin@segye.com

#봄날의 발레가 있는 장면 벌써 봄의 끝이 코앞이다. 일간 기온 차가 커서 초겨울과 초여름이 공존했던 봄. 이 이상했던 계절을 마무리해야 할 때가 왔다. 그 마무리를 앞두고 지난 3월과 4월 그리고 5월을 되돌아봤다. 그리고 한 장면이 소중하게 마음에 아로새겼음을 깨닫게 되었다. 그 장면은 햇살 좋은 날 벚꽃 휘날리는 아래를 걷는 경험이 아니었다. 대신 TV를 통해 본 드라마에서 짧은 순간 동안 일어난 것이었는데 잊지 못할 기억으로 남았다. 최근 종영한 한 드라마에서 배우 박인환은 주연을 맡았다. 그가 연기한 인물 덕출은 평생 우편집배원 일을 하며 공무원으로 산 사람이다. 정년 이후 무료한 시간을 보내던 그는 우연히 발레 연습실 안을 보게 된다. 그 순간 공연 관람을 좋아했던 젊은 시절이 떠오르며 가슴이 두근거리기 시작한다. 결국 발레 연습실에 들어가 발레를 배워보고 싶다며 연습실의 주인에게 이야기한다. 극 중 그의 나이는 일흔이다. 덕출은 하나의 테스트를 통과하면 발레를 배우기로 한다. 그 테스트는 발레 기본 동작 중 하나를 취한 채 일 분간 멈추는 것이다. 덕출의 나이에는 쉽지 않은 동작이지만 그는 식은땀을 흘리며 버텨낸다. 발목을 꼿꼿이 세우고, 두 팔을 앞으로 둥글게 모았다가 천장을 향하고 그렇게 성공해낸다. 이 성공을 가능하게 한 것은 덕출이 며칠간 급하게 기른 몸의 근력이 아니라 성실함이다. 집배원 시절 실수를 줄이려 코피를 흘리며 배달 주소를 외웠던 그. 그는 결국 그렇게 평생의 꿈을 향해 한 걸음 내디딘다. 누군가의 말처럼 꿈을 이루기 위해서는 운이 필요하다. 하지만 나는 그 운은 성실히 준비해온 사람만이 잡을 수 있는 것이라고 믿는다. 덕출이 버텨낸 그 일 분의 시간을 담은 장면은 이런 맥락에서 마음에 깊이 남았다. 일흔에 새로운 일에 도전하는 용기만큼 그가 평생 지녀온 성실한 태도가 존경스러웠다. 어느 순간부터 그가 점차 발레 동작을 하나씩 배워갈 때마다 내 일처럼 기쁨을 느꼈다. 덕출과 함께 발레에 빠져들었고 자연스럽게 드가의 발레하는 소녀들 작품을 떠올렸다. #근대 파리의 화가, 에드가르 드가 에드가르 드가(1834~1917)로 알려진 드가의 이름은 일레르 제르맹 에드가르 드가(Hilaire Germain Edgar De Gas)다. 그는 파리의 부유한 은행가 집안의 장남으로 태어났다. 이름에서 ‘일레르’는 은행가 조부, ‘제르맹’은 사업가 외조부에서 딴 것이다. 친가와 외가 모두 부유한 당대 전형적인 부르주아 출신이었다. 이러한 배경 덕에 그는 마흔 중반까지도 작품을 팔 이유를 크게 찾지 못했다고 전해진다. 가업을 잇기 위해 소르본 법학부에 진학해 법률을 배웠으나 곧 그만두었다. 어린 시절 박물관에서 그림에 갖게 된 관심으로 화가를 지망하게 되었다. 에콜 데 보자르에 진학해 앵그르의 제자인 루이 라모트에게 그림을 배웠다. 전통적인 미술 교육 방식에 의해 선의 표현과 그것을 반영한 드로잉 등을 배웠다. 이러한 신고전주의 화가들의 영향으로 고전주의에 대한 경의가 생겨났다. 10여년간 고전 연구에 힘을 쏟는 시간을 보냈다. 이 과정에서 이탈리아로 여행을 떠나 많은 그림을 보기도 했다. 그러던 중 아버지가 세상을 떠나며 그의 삶에도 변화가 생겼다. 동생들은 여러 사건에 휘말리며 빚을 졌다. 드가는 집안의 명예를 지키기 위해 보불전쟁이 일어나자 자진 입대했다. 전쟁이 끝난 뒤에도 조국의 입장에 충실한 발언들을 했다. 그 대표적인 예가 유대인이라는 이유로 간첩 혐의를 뒤집어쓴 드레퓌스 사건이다. 그는 이 사건을 두고 반드레퓌스, 즉 반유대주의적 입장을 표명한 바 있다. 이러한 그의 삶과 사회 정치적 태도에서 그가 보수주의적 성향을 가진 것으로 추측한다. 인상 깊은 점은 그런 그가 미술에서는 열린 태도를 지니고 새로움을 즐겼다는 것이다. 드가가 미술을 배우고 화가로 활동한 시기는 미술에 커다란 변화가 일어난 때다. 혁명적이라 할 수 있는 사실주의와 인상주의가 등장했기 때문이다. 구스타브 쿠르베는 왕과 귀족이 아닌 돌 깨는 사람을 그려 세상을 사실 그대로 표현했다. 모네는 빛과 함께 시시각각 변화는 풍경의 인상을 화면에 담았다. 드가는 이러한 새로운 사상과 기술에 개방적이었으며 이 작가들과 어울리기도 했다. 그가 프랑스 인상주의 화가로 분류되기도 하는 이유다. 하지만 그는 마지막까지 ‘독립파’로 불리는 것을 좋아했다. 그 밑바탕에는 자기 작업의 기조를 고전주의로 삼은 이유가 있었다. #드가의 발레하는 소녀들 드가는 고전주의에서 비롯한 작품 세계를 펼쳤다. 그렇지만 그의 작품은 과거가 아니라 현실에 속해 있었다. 틀에 박히거나 시대착오적이지 않았으며 신선하면서 현실적이라 주목받았다. 그는 르네상스 작품에서 느껴지는 ‘영원’이 자기 시대에 실현되기 어렵다는 것을 알았다. 사람의 걸음걸이마저 빠르게 변하기 시작한 근대 도시, 파리에 살며 깨달았다. 근대의 작품은 작은 구석, 한순간, 파편을 그릴 수 있을 뿐이라고 말한 이유다. 이렇게 드가는 작품에서 근대 사회의 고단함과 인간 고립을 표현했다. 그리고 그중 대중에게 널리 알려진 것은 발레를 하는 소녀를 다룬 것들이다. ‘무용 수업(The Dance Class)’(1874)은 한 발레 교습소의 모습을 그린 작품이다. 스무 명이 넘는 소녀들과 그녀들의 엄마, 그리고 지도자가 한자리에 모여 있다. 화면에 등장하는 이 지도자는 파리에서 무용수 겸 안무가로 이름을 알린 쥘 페로다. 페로의 발레 교습소에 이렇게 많은 이가 등장한 이유는 이날 그동안 배운 발레 동작들의 시험이 있기 때문이다. 이 상상의 장면은 파리 오페라의 리허설 룸을 그 배경으로 한다. 벽에 걸린 커다란 거울 옆에는 오페라 ‘윌리엄 텔’의 포스터가 보인다. 이는 작품을 의뢰한 오페라 가수 장 밥티스트 포레에게 보내는 헌정의 의미다. 작품을 보는 순간 감탄하게 되는 것은 소묘 능력으로 정확하게 그려낸 형태들이다. 그 위를 감싸듯 덮은 신선하고도 부드러운 색채는 눈을 뗄 수 없게 만든다. 덕출만큼 성실했던 드가는 루브르에 있는 거장의 작품을 거의 다 모사할 정도로 수련한 것으로 알려졌다. 이 결과처럼 드러나는 소녀들이 입은 순백색 발레 스커트의 묘사는 특히 섬세하다. 스커트를 이루는 얇은 모슬린 천의 겹겹이 나풀대는 모습이 눈에 보이는 듯하다. 벽 전체에 칠해진 에메랄드 녹색은 소녀들의 하얀 스커트, 분홍빛 토슈즈와 어우러져 화사한 분위기를 만든다. ‘14살의 어린 무용수’(1879~1881, 1922 제작)는 이렇게 발레를 하는 소녀를 표현한 조각이다. 드가는 1860년대부터 대상의 형태와 움직임을 파악하기 위해 조각을 시작했다. 1881년 제6회 인상주의 전시에서 발표한 이 작품은 그의 조각 중 유일하게 전시에서 선보인 것이다. 이 작품은 발표와 동시에 미술계의 이목을 집중시키며 논란이 되었다. 작품의 모델이 마리라는 인물이었기 때문이다. 드가의 작업실 근처에 살던 마리는 발레리나로 활동했다. 하지만 성공하지 못하고 매춘부로 살게 되었다. 무용수들이 후원자에게 몸을 팔다 결국 직업을 바꾸는 일은 당시에 비일비재했다. 흔했지만 무대의 뒤에서만 은밀하게 이루어진 일이었다. 사람들은 마리를 모델로 삼고 이를 무대 앞으로 내세운 드가가 비도덕적이라며 비난했다. 그렇지만 비난만 있었던 것은 아니다. 이 작품을 향한 찬사도 쏟아졌다. 조각은 해부학에 기반한 듯 실제 인물 같은 얼굴 형상과 인체 묘사를 보였다. 그러면서도 14살 소녀를 대상으로 삼아 여성의 이상적인 고전미를 강조하던 조각 경향을 깼다. 더불어 천으로 만든 스커트를 입혀 현실과의 연결을 강화했다. 결국, 이 작품은 아카데믹한 전통 기술로 제작하는 동시에 거기서 지속하던 미에 관한 관습을 깨고 재료의 혼합 등을 통한 실험으로 혁신적 조각이었다. 로댕의 ‘생각하는 사람’만큼 중요한 모던 조각 중 하나로 평가받는 이유다. 이 작품을 향한 찬사는 지금까지도 이어진다. 매춘부라는 주제를 사회 문화적 담론을 통해 드러낸 것 역시 주목할 점이다. 김한들 큐레이터

서울시립미술관이 웹툰 작가 주호민과 서양화가 주재환 부자의 개인전 ‘호민과 재환’을 개최했다고 전했다. 해당 전시는 한국 현대사의 주요 이슈들을 유머러스하면서도 날카로운 시선으로 조망해온 미술 작가 주재환과, 한국 신화를 기반으로 삶과 죽음의 경계를 해석한 웹툰 ‘신과 함께’로 이미 많은 국내 팬들을 거느린 작가 주호민 부자의 2인전이다. 호민은 호민대로, 재환은 재환대로 서로 다른 분야에서 각자의 개성을 드러내며 자연스럽게 어우러진 전시는 두 작가가 공통으로 가진 타고난 ‘이야기꾼’으로서의 면모가 세대를 거쳐 어떻게 진화했는지, 매체적 특성에 따라 어떻게 나타나는지를 조명할 예정이다. 작품은 회화, 조각, 설치, 영상, 웹툰 등 이들의 대표작은 물론이고 이번 전시를 위해 새롭게 제작한 신작까지 다채로운 작품으로 구성됐다. 또한 호민이 재환을, 재환이 호민을 그려준 초상 작품으로 구현된 포스터도 눈길을 사로잡았다. 한편 전시와 관련된 기자간담회에서 주호민은 “아버지와 함께 그림을 걸게 돼 신기하기도 하고 엄청나게 부담스럽기도 하다. 만화를 그리면서 사회문제를 녹이는 작업을 하다 보니 아버지가 너무 심각하게 보이지 않으면서도 유머러스하게 잘 풀어내는 경지였음을 느꼈다”고 밝혀 아버지의 대한 존경심을 드러냈다. 전시는 오는 8월 1일까지 서울시립미술관 서소문 본관에서 무료로 진행된다. 강민선 온라인 뉴스 기자 mingtung@segye.com

“생명의 원초적인 절정의 순간을 빛의 변신에서 찾고 있다.” 다수 단체전에서 생생한 자연의 생명력을 온화한 자연 풍경 속에 녹여 표현해 온 유연홍 작가가 첫 개인전을 연다. 서울 종로구 인사동 토포하우스 갤러리에서 유 작가의 개인전 ‘빛 색(色) 꽃 색(色)이 되다’전이 최근 시작됐다. 소나무, 꽃, 솔방울 연작으로 구성된 작품 20여 점을 선보인다. 유 작가는 추상화가 주류이던 1980년대 홍익대학교 회화과에 입학했다. 농촌에서 보낸 유년과 대학 진학을 위해 상경한 도회의 시공간을 표현하는 비구상을 그리다가 고뇌 끝에 구상화로 회귀했다. 그는 스스로 그림을 그리려는 이유를 스스로에게 끝없이 묻다가, 사실적이고 원초적인 구상화에 평생을 진력하기로 결심했다고 한다. 이어 ‘빛과 대상의 관계는 어떻게 작용하고 나타나는가, 어떻게 이미지를 표현해서 그려낼 것인가’를 화두로 삼았다. 전라북도 정읍의 가난한 농부 아들로 태어난 그는 어린 시절 내장산이라는 대자연 품속에서 미술의 꿈을 품었다. 구상으로의 회귀는 그가 미술이라는 꿈을 품었던, 꾸밈없고 진실한 소년 시절로 돌아가는 것이자, 소년의 눈으로 본 자연의 기억을 떠올리는 것이기도 했다. 그는 “자연 풍경은 심리적 고향”이라고 말한다. 이번 전시에서는 작가가 2000년대 초반부터 화폭에 담아온 소재인 소나무 숲과 꽃 외에, 새로 소재로 들여온 솔방울 시리즈를 만나볼 수 있다. 그는 “솔방울이 거대한 나무의 어머니고, 그 나무에서 다시 그 열매가 자라고, 다시 피고 지며 돌고 돈다는 생각이 들었다”며 “그 순환의 의미를 그림으로 표현하고자 했다”고 말했다. 자연의 품처럼 순하고 편안한 풍경을 화폭에 담아 번잡한 일상에 사로잡힌 현대인들에게 위안을 선사한다. 25일까지. 김예진 기자

2031년 4월. 한국이 낳은 글로벌 기업 타임워커사는 세계 최초로 시간여행 기술을 실행해 1990년대부터 2080년대까지 을숙도의 과거와 미래를 둘러보는 여행상품을 개발 출시한다. 2025년 최첨단 양자물리학을 이용해 다차원 시간관측술 특허 출원을 성공적으로 마친 지 6년 만이다. 상위 1%만 체험할 수 있다는 시간여행 상품을 찾은 관광객들이 시간여행선 TW-07편에 탑승한다. 천연기념물 제179호 아름다운 섬 을숙도의 100년이 펼쳐질 거라는 타임워커의 광고와 달리, 시간여행선은 예기치 못한 시공간에 불시착한다. 무슨 일이 벌어진 걸까. 관광객은 불시착 시공간에서 ‘탈출게임’을 시작한다. 드라마나 소설 속 이야기가 아니다. 이 탈출게임이 벌어지고 있는 곳은 미술관이다. 부산 사하구 을숙도에 위치한 부산현대미술관이 최근 시작한 생태환경전시 ‘시간여행사 타임워커’ 현장이다. ◆미술관에서 방탈출 게임을? 방탈출부터 웹툰까지, 미술관의 변신이 눈길을 끌고 있다. 부산현대미술관이 생태 환경 문제를 주제로 전시를 열기에 앞서 고민한 것은 ‘어떻게 하면 전시의 주제의식을 오래도록 관람객들의 기억 속에 남길 수 있을까’였다. 김가현 학예연구사는 “환경을 주제로 한 전시를 하면 다들 금방 잊는 것 같았다“며 “사람들이 잊지 못할 방식을 찾다 방탈출 게임 아이디어를 냈다”고 말했다. 이어 “해외에서는 교육 현장에서 이미 많이 쓰이고 있는 것이 바로 게임방법론”이라며 “미술관에서 시도한 건 처음일 것”이라고 말했다. SF소설가 심너울이 스토리를 짜고 미술가, 건축가들이 시나리오를 기반으로 참여자들이 누비고 다닐 공간을 만들었다. 김진휘, 문지욱, 이완, 정이삭, 황문정, 안성식, 김은서 작가와 몰입형 미디어아트를 연구하는 중앙대 FMA 연구소가 영상, 드로잉, 조각, 설치작품들을 배치했다. 그 결과, 과거 쓰레기매립장으로 쓰이다 우여곡절 끝에 철새도래지로서 보호받기까지 험난한 역사를 가진 을숙도를 배경으로, 미래의 가상 여행사 타임워커가 개발한 타임머신의 불시착 사건을 발단으로 한 서사가 완성됐다. 관람객은 그 속에서 작가들의 작품들을 만질 수도 있고, 작품들 사이를 오가며 퀴즈를 풀고 각종 과제를 수행한다. 과제에 성공할 때마다 다음 방으로, 또 다음 방으로 이동해 나간다. 방을 하나씩 탈출할 때마다 흥미가 배가되고 자연스럽게 을숙도의 역사와 생태 보호라는 메시지를 접하게 된다. 전시는 벌써 입소문을 타고 일주일치 관람 예약을 받을 때마다 매진이라고 한다. 방탈출은 약 60분 걸리는 수준으로 설계됐고, 가장 빨리 탈출에 성공한 관람객은 37분 만에 나온 대학생이었다고 한다. 김성연 관장은 “게임형 인터미디어(intermedia)라는 새로운 형태의 전시로, 오늘날 놀이문화와 환경 문제를 결합해 더 효과적으로 사회 현상에 접근하려는 시도”라고 설명했다. 방탈출에 앞서 관람객은 실제 미래에 온 것처럼 시간여행선 탑승 티케팅을 하고 안내를 받는다. 방탈출 후에는 일반적인 전시에서 접하는 아카이브를 미래의 가상 신문사가 타임워커의 불시착 사건을 취재하고 만든 신문처럼 만들었다. 전시의 시작부터 끝까지 관람객들에게 이색적인 체험을 선사하기 위해 전시 기획자가 많은 품을 들였음이 느껴진다. ◆미술관에 들어온 웹툰 주재환·주호민 부자의 2인전으로 관심을 끈 ‘호민과 재환’전시도 웹툰을 미술관으로 들였다는 점에서 또 다른 이색 풍경이다. 웹툰 ‘신과 함께’의 작가로 잘 알려져 있는 주호민(40) 작가는 민중미술 화가 주재환(81) 작가의 아들이다. 서울시립미술관 서소문본관에서 열리고 있는 이번 전시는 부자가 처음으로 함께 회화, 설치, 영상, 웹툰 등 약 130점 작품을 선보인다. 미술과 웹툰이라는 서로 다른 영역에서 활동 중인 두 작가는 시대의 이야기꾼이라는 공통점을 갖고있다. 이야기꾼으로서 두 작가의 작품을 대를 이은 진화로, 부자 간의 대화로 살펴보기도 하는 재미가 있다. 특히 친근한 디지털 웹툰체의 그림이 미술관에 들어와 작품으로 걸린 모습, 웹툰의 콘티, 스케치 등이 마치 미술관의 전통적인 전시 때 보는 원화 작품의 드로잉이나 아카이빙처럼 함께 공개된 점이 신선하다. 아버지의 작품 ‘계단을 내려오는 봄비’를 만화로 재해석해 내놓은 주호민의 ‘계단에서 뭐 하는 거지’도 그렇다. 가로 220㎝, 세로 740㎝로 미술관 2, 3층에 걸쳐 걸려있는 초대형 작품인데, 스마트폰 속 작은 화면에서만 보던 만화의 경험과 대비된다. 기자간담회에 참석한 주호민 작가도 “미술관에서 전시를 하리라고는 상상도 못 했다”며 “신기하면서도 엄청나게 부담스러워 중간에 도망가려고 했는데 학예사에게 잡혀 열심히 하게 됐다”며 웃어 보였다. ‘시간여행사 타임워커’는 8월29일, ‘호민과 재환’은 8월1일까지. 부산·서울=김예진 기자 yejin@segye.com

국내 최대 미술품 경매사 서울옥션의 관계사 서울옥션블루가 국제적인 개인간 미술품 거래 사업에 참여한다. 서울옥션블루가 지분참여를 한 글로벌 기업 ‘라이브아트(LiveArt)’를 통해서다. 서울옥션블루 측은 라이브아트(LiveArt)가 다음달부터 본격 서비스를 시작한다고 18일 밝혔다. 라이브아트는 뉴욕 기반의 기업으로, 개인간(P2P) 미술품 거래를 중개하는 회사다. 서울옥션블루가 개발해 운영해온 라이브 옥션 아트(Live Auction Art)를 모태로 만들어졌다. 라이브아트는 국제적인 미술품 경매사 소더비 출신들이 모여 만든 회사다. 최고경영자(CEO)는 2015년 또다른 세계적 경매사인 크리스티에 인수된 디지털 인벤토리 사이트(미술품 가격, 소장자 히스토리 등의 정보를 제공하는 사이트) 콜렉트리움(Collectrium)을 만든 보리스 페브즈너(Boris Pevzner)가 맡았다. 그 외에, 아담 친(Adam Chinn) 전 소더비 최고운영책임자(COO), 존 아우어바흐(John Auerbach) 전 소더비 비즈니스 책임자, 조지 오델(George O’Dell) 소더비 런던 현대미술 시니어 스페셜리스트들이 참여했다. 라이브아트는 전 세계 경매시장의 데이터를 취합해 제공하는 시장정보제공 플랫폼 ‘라이브아트 에이아이(LiveArt.ai)’와 개인간 미술작품 거래를 할 수 있는 플래폼 ‘라이브아트 마켓(LiveArt.market)’ 두 개의 플랫폼으로 운영된다. 약 400만 건의 경매 데이터를 기반으로 특정 작품에 대해 적정가를 책정하고 이를 기반으로 개인간 거래가 이뤄질 수 있도록 하는 구조다. 개인들이 직접 판매 작품을 업로드할 수 있고, 특정 작품에 대해 구매 희망자가 나오면 라이브아트 에이아이(LiveArt.ai)가 산출한 적정 가격을 토대로 판매자와 구매자가 협의해 판매 여부를 결정한다. 구매자가 판매를 1차적으로 확정하면, 실물 확인을 위해 각 지역 거점 창고로 작품이 이동된다. 구매 희망자가 실물을 통해 진위 여부를 확인한 뒤, 구매 여부를 최종 결정하게 된다. 수수료는 구매자에게 10%가 부과된다. 라이브아트(LiveArt)의 CEO 보리스 페브즈너는 “미술시장의 환경이 온라인 기반으로 변하고 있지만, 적정 가격과 진위 문제 등의 문제를 해결하지 못했다”며 “라이브아트(LiveArt)는 온라인 기반으로 이러한 문제까지 해결하는 플랫폼”이라고 말했다고 서울옥션블루 측이 전했다. 서울옥션블루 측은 20일 “라이브아트의 전략적 파트너로 미술 시장의 투명성 제고와 신뢰성 확보를 위해 지속적으로 협업할 것”이라고 밝혔다. 김예진 기자