인터뷰 중인 바리톤 강형규 ©정다훈 기자“수차례 오페라 무대에 올라 더 이상 배울 것이 없어 보이는 고령의 테너 플라시도 도밍고도 여전히 소속 매니저와 함께 하나 하나 트레이닝을 한다. 실제 공연처럼 소리는 내지 않더라도 손 처리, 무대를 바라보는 에너지 등을 그대로 연습하는 것이다.”1일 오후 예술의 전당 내 까페에서 만난 바리톤 강형규(39)는 세계적인 매니지먼트사 ‘오페라 아트’ 전속 가수 시절(2004년) 플라시도 도밍고와의 일화를 전하며 “매 순간 진지한 오페라 가수”가 되고 싶다고 했다.2일부터 4일까지 예술의 전당 오페라하우스에서 공연되는 오페라 ‘리골레토’의 주역을 맡은 그는 딸을 위해 분노하고 애원하는 리골레토의 절창을 위해 교수직은 잠시 잊고 혼신의 힘을 다해 연습중이다. 국내 오페라 무대에서 그를 보는 건 2009년 ‘사랑의 묘약’의 벨코레 역 이후 2년만이다.2011년 경희대 음악대학 성악과 교수로 초빙된 강씨는 “귀국 후 첫 작품이다. 모든 바리톤들이 가장 이상적으로 생각하는 오페라 ‘리골레토’가 첫 작품이 되길 원했는데, 좋은 기회가 찾아왔다”며 설레임을 감추지 않았다.베르디의 걸작 오페라 ‘리골레토’는 궁정광대 꼽추 리골레토가 자신의 딸 질다를 겁탈한 만토바 공작에게 복수하기 위해 살인을 청부하지만, 정작 딸이 그 함정에 빠지게 된다는 비극이다. 오페라의 타이틀 롤인 ‘리골레토’는 격정의 드라마를 이끌어나가는 존재인 동시에 음악적으로도 가장 깊이 있고 에너지 넘치는 가창을 들려줘야 한다.“베르디 바리톤의 가장 대표적인 역할이지만 결코 쉽지 않은 배역이다. 노래만 잘해서도 안되고 연기만 잘해서도 안된다”며 말문을 연 강씨는 “특히, 이번 리골레토는 진짜 아버지가 된 후 무대에 오르는 작품이어서 감회가 남다르다”고 전했다.“2006년 이탈리아 돈 카를로 극장에서 ‘리골레토’ 무대에 선 게 마지막이다. 그 전에 ‘리골레토’를 표현하기 위해 보컬 쪽에 더 신경을 썼다면, 실제 아빠(2007년 딸이 태어남)의 자리에 서게 된 뒤에는 감정몰입에 더욱 강점을 두게 됐다. ”수지오페라단 '리골레토' 중 만토바 공작(테너 스테판 마리안 포프)과 질다(소프라노 라우라 죠르다노) ©정다훈 기자‘리골레토’란 인물은 바람둥이인 공작의 본능을 악용해 그를 점점 더 악의 구렁으로 빠지게 한다. 즉 그를 증오하면서 타락시키는 인물이다. 그렇다고 전적으로 서민들의 편에 선 것도 아니다. 서민들은 리골레토 자신과 달리 장애를 지니지 않았다는 이유로 달갑게 생각하지 않기 때문이다. 반면 그의 숨겨논 딸 질다에게만은 인간적인 면을 보인다.이러한 ‘리골레토’란 캐릭터에 대해 강씨의 해석은 어떠할까. “리골레토는 양면성을 지닌 인물이다. 광대로서 밖에선 재롱을 떨고 웃기도 하지만 딸에게만은 엄한 아빠이다. 왕실의 광대이지만 결코 신분이 낮지 않다. 함부로 대할 수도 없는 존재인 것이다. 금전적으로도 어렵지 않다. 극중에서 드러나듯 돈이 있기 때문에 살인청부업자도 살 수 있었던 거다.”실제로 ‘딸 바보’라고 밝힌 강씨는 딸에 대한 애정이 남달랐다. 딸을 염려하는 마음은 오페라 ‘리골레토’에 그대로 반영될 예정이다.“1막에서 딸 질다와 함께 부르는 2중창 ‘딸아. 아버지!’ 이 부분을 정말 잘 표현해내고 싶다.” 이 장면은 이중생활을 하는 아버지 리골레토가 평범한 아버지로 돌아오는 장면이다. 이 감정선이 제대로 살아나야만 2막의 장대한 독창곡 ‘가신들, 이 천벌을 받을 놈들아’와 3막의 죽어가는 딸과 함께 부르는 피날레 ‘그를 너무 사랑했기에’로 이어지는 극적 감흥이 최고치로 올라간다.온전히 아버지 ‘리골레토’역에 빠져 살고 있는 강씨는 “3막 테마 음악이 정말 극적이다. 리골레토의 테마 음악을 듣고 있다보면, 누가 너를 죽였느냐에 대한 질문에 바로 당신 자신이다는 답을 들을 수 있다.”며 연신 작품에 대한 몰입을 드러냈다.총체적 예술인 ‘오페라’란 장르에서 가장 중요한 건 ‘앙상블’이라고 말하는 강씨는 “ 자기 혼자 노래하고 끝난다면 결코 오페라가 아니다. 제자들에게도 항상 강조하는 부분이 ‘앙상블’의 중요성이다. 오케스트라, 합창, 연기, 심지어 소품 하나 하나도 앙상블에 포함된다. 앙상블이 좋아아만 클래식의 퀄리티가 높아진다”며 최근 본 좋았던 오페라 ‘파우스트’의 앙상블에 대해서 이야기꽃을 피웠다. 추가적으로 “3일 공연에서 함께 출연하는 딸 질다 역 소프라노 박미자씨와의 앙상블이 좋아 기분이 좋다”는 감회도 전했다.한편, 수지오페라단의 ‘리골레토’에선 파격적 누드장면이 나온다. 서곡의 시작과 함께 만토바 공작 일행들에게 몬테로네의 딸이 겁탈을 당하고, 한쪽에서는 반라의 여자들이 남자 귀족들과 노골적인 유희를 선보이는 장면이다. 오페라 ‘리골레토’의 내용을 모르는 관객들의 눈과 귀를 활짝 열게 할 대목임은 분명하다. 이에 대해 강씨는 “노출이 포인트가 되서는 안된다. 리골레토가 살았던 시대적 배경을 생각하며 극을 감상할 것”을 당부했다. 이어 “많은 것을 접할 수 있는 오페라 ‘리골레토’에서 베르디가 여성 합창을 넣지 않은 이유가 (노출 장면 때문에)있는 것”같다는 해석을 내놓기도 했다.경희대학교 음악대학과 이태리 밀라노 베르디 국립음악원을 졸업한 바리톤 강형규는 이태리 벨리니 국제콩쿠르, 파르마 베르디 콩쿠르, 이태리 마리아 칼라스 국제콩쿠르, 스페인 빌바오 콩쿠르등 일일이 열거하기 힘들정도로 화려한 입상 경력을 지녔다.“동양인 성악가가 유럽 오페라 무대에 서기 위해서는 콩쿠르 우승으로 존재감을 알리는 것 밖에 없었다.10년이 넘게 해외 무대를 돌아다녔지만 관광한번 제대로 해본 적 없다. 매번 새로운 도시, 새로운 사람들과 관계를 형성하며 살아야 하는 오페라 가수는 정말 외로운 직업이다. 자기와의 싸움이자, 희생이 없으면 절대 할 수 없는 직업이기도 하다.”1997년부터 해외 이곳 저곳을 돌아다니며 생생한 경험을 한 오페라 가수 강형규의 인생에서 가장 행복했던 시기는 언제일까. “2004년 이탈리아 꼬모극장에서 올려진 조르다노의 오페라 ‘안드레아 쉐니에’ 공연때이다. 3막 제라르의 아리아 ‘조국의 적’ 장면에서 박수가 끊이지 않고 앵콜이 터져나왔다. 똑같은 아리아를 다시 부르게 되면 감흥이 떨어질 만도 한데 관객들의 박수와 앵콜은 계속됐다. 명바리톤 레오누치가 부럽지 않은 날이었다.”국내 무대에서 자주 보기 힘들었던 바리톤 강형규를 이제는 자주 만날 수 있을 것 같다. ‘리골레토’ 공연을 끝낸 후 강씨는 ‘국립오페라단 2011 오페라 갈라 콘서트(12.29~31)’에 선다.  바그너 오페라 ‘탄호이저’에 나오는 ‘순례자의 합창’과 ‘저녁별의 노래’를 들려줄 예정.내년 3월에는 예술의 전당 IBK 챔버홀에서 귀국독창회도 연다. “내가 정말 사랑하는 작품인 베르디의 ‘돈 카를로’ ‘시칠리아 섬의 저녁기도’등을 들려줄 것이다. 그동안 공부했던 음악을 공개하는 거다. ”바리톤 강형규는 우리나라 나이로 39세. “바리톤을 이해할 수 있는 나이가 바로 지금이지 않을까 싶다. 지금부터 시작이다. 테너보다 돋보이는 바리톤 보다는 무대에 서 있는 것 자체가 감동인 오페라 가수가 되고 싶다”며 포부를 전했다. 그의 바리톤 2막 무대가 궁금해지는 인터뷰 시간이었다.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

연극 '갈매기'의 오경택 연출가 ©정다훈 기자지난 25일 서강대 메리홀에서 막을 올린 극단 맨씨어터의 ‘갈매기’는 대사 한마디 한마디가 귀에 쏙쏙 들어오도록 생동감 넘쳤다. 체홉의 ‘갈매기’를 보면서 그렇게 웃음을 터트리는 경우도 흔하지 않을 듯 싶다. 실제 극장을 나선 관객들의 입에선 “연출가가 누군지 궁금하다”는 말이 흘러나왔다. 이미 체홉의 ‘세 자매’를 통해 고전의 힘을 잃지 않으면서도 동시대성을 공유한 연극을  선보였다는 평가를 받은 오경택(38) 연출의 파워였다.30일 오후 신사동 근처 까페에서 만난 오연출가는 “밋밋한 거 보다는 낫다” 며 “연극을 본 뒤 단순히 ‘잘 봤어’ 라는 미지근한 반응이 아닌 점이 오히려 더 좋았다”며 웃음을 지었다.■ 오경택 표 ‘갈매기’, 삶의 코미디를 그리다흔히, 체홉의 연극은 극사실적인 상황과 대사들 때문에 지루해지기 쉽다. 그러나 2011년 오경택 표 ‘갈매기’는 다르다. 그는 “이번 ‘갈매기’에서 슬프거나 우울한 감정을 대사로 보여주기 보다는 슬픔이나 우울함을 극복하기 위해 ‘행동’하는 등장인물들의 모습을 보여주고자 했다.” 고 연출의도를 밝혔다. “슬픈 일이 있을 때 눈물을 흘리면 후련해지는 것이나 괴로운 일이 있을 때 친구들과 술을 한잔 하거나 수다를 떠는 일이 그러한 행동이다.”‘갈매기’는 등장인물 13명의 복잡하게 얽힌 5개의 삼각관계를 중심으로 그려지는 인생과 예술 그리고 사랑 이야기다. 충족되지 않은 예술에 대한 갈망과 이루지 못한 사랑에 대한 열망으로 자살을 시도하는 뜨레플레프(박해수), 뜨레플레프의 연인이지만 뜨리고린과 사랑에 빠져버리는 배우지망생 니나(전미도). 질투와 허영심에 가득 찬 유명여배우이자 뜨레플레프의 어머니인 아르카지나(우현주), 세속적인 성공에 연연하는 작가 뜨리고린(박호산)등이 등장한다.각각의 인물들은 자신의 성격을 드러내주는 이름을 지니고 있다. 오연출가는 “뜨리고린=늑대, 뜨레플레프=어디로 튈지 모르는 게으른 수다쟁이, 니나=호수를 건너온, 혹은 비상하는 존재, 아르까지나=이상향”이란 비밀스런 작명이 있음을 밝히며, 체홉의 이런 디테일한 면이 그를 더욱 좋아하게 만든다고 전했다.가까이서 보면 비극이지만 멀리서 보면 희극인 ‘체홉식 희극’을 어떻게 표현했을까. “우선, 서브텍스트가 많이 드러나는 ‘갈매기’의 초판본을 대본으로 삼았다. 뽈리나와 도른의 20년간 지속된 불륜관계, 관리인의 딸임에도 공주처럼 키워진 마샤가 ‘결혼’개념도 제대로 알지 못한 채 울컥하는 마음에 메드베젠코와 결혼하는 상황, 아르까지나와 동거를 하다 니나와 사랑에 빠지지만 곧 배신하고 다시 아르까지나에게 돌아오는 뻔뻔한 캐릭터인 뜨리고린 등 각각 캐릭터의 색이 보다 명확하다.”2008년 대학원 졸업 작품으로 한차례 ‘갈매기’를 올린 바 있는 그는 “연극 작업에서 공간이 풀려야만 작품이 풀릴 정도로 공간에 대한 컨셉을 중요시한다.”며 “공간 개념을 그때 포맷했다. 3년의 시간이 흐른 뒤 보다 심플하게 깎아냈다. 정승호 무대 디자이너가 만든 대형 판은 야외무대, 거실, 식탁으로 자유자재로 변하는데, 그 속에 극중극 공간, 주인공들의 심연등을 염두해두고 장면을 구획했다”고 밝혔다. 연극 '갈매기'의 다양한 인간군상■ 속도감 있는 오경택과 느릿한 체홉이 만났을 때 극단 맨씨어터의 ‘갈매기’는 삼류연애와 코미디와 인간의 고독이 속도감 있게 버무려졌다. 각자의 취향에 따라 호불호가 갈릴 수 있다. 다만 분명한 건 ‘색다른 갈매기’라는 점이다. 극중에서 도른 역으로 출연하는 배우 김태훈은 ‘생전 이런 갈매기는 처음본다’고 말했다고 한다. 참고로 연출가 겸 배우 김태훈은 체홉과 스타니슬랍스키의 고장인 러시아에서 7년을 공부하고 50회 이상 직접 갈매기를 연출 및 출연, 관람한 이력을 지니고 있다.상징적인 오브제가 극에 역동성을 부여하며 관객을 몰입시켰다. 아들인 뜨레플레프와 아르까지나의 관계 설정을 읽을 수 있게 만든 붕대씬에서는 마치 감정의 줄다리기를 하듯 연출했다. 니나가 모스크바로 떠났다가 돌아오는 시간의 경과를 폭우가 쏟아지는 장면으로 표현하거나, 계절이 지나갔음을 알리는 오브제는 천정에서 내려오는 외투로 극대화됐다. 그는 “갈매기의 1막과 4막은 서로를 비추는 거울구조로 되어 있다. 여름밤에서 시작해 늦가을로 끝난다. 시간의 흐름을 말로써 설명하기 보다는 그런 변화로 알려주고 싶었다”고 부연설명했다.연출가의 상상력은 무궁무진했다. “후반에 니나가 점프해서 날라가게 만들고 싶었다. 종이가 후루루 날아가는게 마치 새가 날라갈 때 퍼덕거리는 깃털같다. 이미지의 연결고리를 만들고 싶었다.” 실제로 연극 속에는 이용하지 못했지만, 니나의 혼란과 절망어린 내면은 조명과 오브제등으로 충분히 전달됐다.인터뷰 중인 연출가 오경택 ©정다훈 기자■ 체홉과 호흡하고 싶은 연출가 오경택 오연출가는 체홉의 작품을 한마디로 설명하라고 했을때, “투명한 유리 안에 둘러싸인 채 제자리에서 춤을 추고 있는 오르골이 떠오른다”고 말했다. “오르골에서 하얀 눈이 내리면서 처연한 음악이 흘러나오지 않는가. 그 느낌과 같다. 마치 눈 덮힌 시베리아 한 복판에 홀로 서서 춤을 추는 기분이다. 아름답지만 측은한 우리 인생이 체홉의 연극 속엔 담겨있다”음악과 춤으로 완성되는 무대미학에 희극적 요소가 하늘에 별이 박히듯 요소요소 첨가되어 여러 맛을 냈다. 특히, 배우들이 직접 연주하는 피아노와 섹스폰의 선율, 그리고 공연의 대미를 장식하는 왈츠를 도입해 희극과 비극이 등을 맞대고 굴러가는 쳇바퀴 같은 인생을 상징적으로 보여 줬다. 사실, 왈츠 장면은 오 연출가가 2009년 국립극단에서 올린 ‘세자매’에서도 볼 수 있었다. “체홉의 작품에는 계속 왈츠를 넣고 싶다. 절실하게 제자리를 맴도는 이미지를 그리고 싶었기 때문이다”오연출가는 체홉에 대한 애정이 남달랐다. “체홉의 4대 장막('벚꽃동산', '바냐아저씨', '갈매기', '세자매')다 하고 싶다. 아직 정해지건 없지만 ‘바냐 아저씨’를 꼭 올리고 싶다. ”던 그는 곧 “‘벛꽃동산’은 아직까지 어떤 작품인지 자신있게 말하기 힘들다. 가슴을 치지 않았기 때문이다.”는 속마음도 전했다.‘갈매기’ 속 인물들 하나 하나는 얼마나 생생하게 살아나는지 모든 캐릭터에 애정이 생기게 만든다. 다만 원작과 달리 뜨레플레프는 관객들이 보는 앞에서 자살한다. “내가 주인공이라면 극중극 무대로 갈 것 같다.”고 대변했다. 이어 “야외무대의 막으로 이용됐던 빨간 스카프가 핏빛 죽음의 이미지에 차용된다. 뜨레플레프의 뜨거웠던 예술혼이기도 하다.”■ 빨간 얼굴의 선량한 연출가 오경택 무대위에서 배우를 충분히 놀수 있게 만들어 주는 그를 두고 누군가는 “빨간 얼굴을 지닌 선량한 연출가” 혹은 “날로 먹는 연출가”라고 말했다고 한다. 실제로 그는 약간은 빨갛게 상기된 얼굴로 차분히 상대의 이야기를 경청했다. 게다가 오연출이 최근 동국대 이해랑 예술극장 무대에 올린 연극 ‘레드’가 떠올라 빨간 연출의 얼굴과 찰떡궁합인 듯 해 웃음이 터져나왔다.옆에 있던 연극열전 조수곤 과장이 거든다. 연출가 오경택에 대한 정의를 배우 황영희는 “배우가 지닌 열가지의 재능보다 더 많은 열두가지 재능을 이끌어 주는 분이다. 부드러운 카리스마를 지닌 연출가이다”는 후문을 전했기 때문이다.솔직한 오경택 연출은 “연출로서 갖추어야 할 덕목인 고무, 자극, 격려, 즉 연출 공부를 하면서 배운 지식밖에 없다.”고 말문을 열었다. 곧 “사람마다 다른 우주가 있고 색깔이 있다. 선수들끼리(?) 즐겁게 작업하고 싶다”는 연출관을 밝혔다.‘연극’은 하면 할수록 어려운 작업이지만, 매번 돌아보면 행복한 작업이 ‘연극’이었다고 말하는 오경택 연출가. ‘연극이란 뭘까요?’라는 지극히 어렵고도 간단한 질문을 던졌다. “인간을 가장 가까이서 볼 수 있는...”이라고 말하고선 “멋있는 말은 못해요”라는 말로 말끝을 흐리셨다. 그후 곧 “좋은 연극과 좋지 않은 연극은 확실히 구분된다”고 말했다.포장된 말을 싫어하는 오연출가는 “연극을 하는 사람, 보는 사람 모두가 좋아하는 연극이 좋은 연극이지 않을까요”라고 마지막 멘트를 날렸다. 오는 12월 11일까지 서강대 메리홀에서 공연되는 연극 ‘갈매기’역시 배우와 관객 모두가 좋아하는 ‘좋은 연극’임이 분명하다. 한마디 더. 수없이 ‘갈매기’가 공연되지만, 체홉의 ‘갈매기’ 입문용으로 이보다 더 적절한 연극은 없지 않을 듯 싶다.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

솔 오페라단 '나비부인' 의 빛의 예술로 쏘아올린 무대 멀게만 느껴지던 오페라가 대중화의 물결을 타고 있다. tvN ‘오페라 스타’가 남녀노소 누구나 오페라를 쉽게 느끼게 만든 계기를 마련한 한편 아마추어도 오페라무대에 설 수 있는 “나 오페라 가수”(인씨엠예술단 주최) 오디션도 급물살을 타고 있다. 인류가 남긴 최고의 예술 ‘오페라’에 대한 대중의 관심을 반영한다.연말에도 오페라의 열기는 뜨겁다. 먼저 솔 오페라단의 ‘나비부인’(25~27일)이 국내 관객들에게 안방문을 열어 제꼈다. 다니엘 아바도가 연출한 오페라의 본고장 이탈리아의 프로덕션을 그대로 불러온 결과 한편의 미술 작품을 감상하는 듯한 인상을 남겼다.2018 평창동계올림픽 유치 기념으로,12월 2일부터 4일까지 3일간 총 3회 공연을 올리는 수지오페라단의 ‘리골레토’ 도 기대작 중 하나이다.  푸치니 탄생 50주년 기념 페스티벌에서 뛰어난 기질을 유감없이 선사한 비비엔 휴잇이 연출한다. 원작 그대로의 파격적인 연출 컨셉으로 인간의 잠재된 본능을 일깨울 예정.[리뷰] 타의 추종을 불허한 초초상 김유섬의 승리… 솔 오페라단 ‘나비부인’ 지난 주말 예술의 전당 무대를 아름답게 수놓은 솔 오페라단의 ‘나비부인’은 첫날 공연보다 마지막 공연이 한층 행복했던 오페라다. 부산 무대에서 활발하게 활동해온 소프라노 김유섬의 무대를 서울에서 두 눈으로 생생하게 확인할 수 있는 특별한 날이었기 때문이다. 1막 ‘난 열다섯 살이에요’ 하는 장면에서 전혀 웃음이 나오지 않았다. 열 다섯 살의 게이샤부터 한 아이의 엄마가 된 강인한 여성의 면모를 변화무쌍하게 표현해내며 관객을 쥐락펴락한 결과이다.솔오페라단(단장 이소영)과 이탈리아 페트루첼리 국립극장이 공동으로 올린 이번 작품은 빛의 예술로 쏘아올린 한편의 걸작이었다. 오로지 나비부인의 내면으로 한발씩 내딛게 만든 조명예술로 인해 그녀에게 유일한 남자 ‘핑커톤’ 그녀의 행로를 방해하는 ‘샤플레스’ ‘본조’ ‘야마도리’의 존재가 디테일하게 표현됐다. 리프트를 타고 스르르 올라오는 장치도 동양적 신비감을 더했다. 사랑과 죽음을 의미하는 빨간 색은 초초상을 상징하는 색이었다. 머나먼 이국의 냄새와 차가움을 동시에 지니고 있는 파란색은 초초상과 이루어질 수 없는 핑커톤의 색깔이었다. 솔 오페라단 '나비부인' 중 삼촌 본조가 등장하자 무대가 노란색으로 변한다‘나비부인’의 파레트 속 붓놀림은 바빠졌다. 언뜻보면, 유럽신사처럼 보이지만 전적으로 초초상 편도 아니고 핑커톤편도 아닌 샤플레스는 빨간색(초초상)과 파란색(핑거톤)을 섞어놓은 보라색으로 표현해냈다. 일본의 승려이자 나비부인의 삼촌인 본조와 나비부인에게 구혼을 펼치는 일본귀족 야마도리의 등장은 ‘위험’의 의미를 지닌 노란색과 함께 등장하게 만들었다. 나비부인의 기본 줄거리를 모를지라도 색깔의 변화만 살펴봐도 충분히 이해할 수 있게 배치해놓은 연출기법으로 보인다.아크릴 상자로 만든 무대 위 사각의 프레임은 초초상의 집이자 초초상의 마음이었다. 조명으로 초초상과 그녀를 둘러싸고 있는 인물들의 관계설정을 효과적으로 그려냈다면, 정면문과 사이드 문에 비치는 (죽음의)그림자와 프레임 변화로 그녀의 내면이 어디를 향해 달려가는지 알수 있게 만들었다. 특히, 나비부인의 애달픔을 노래하는 허밍코러스 뒤에 바뀌어진 무대을 채우고 있는 ‘너덜 너덜해진 창호지 문’은 그녀의 심정을 정확히 관통했다. 곧 나비부인의 자결 장면에서 하얀 창호지 같은 막에 칼자국이 세로로 깊게 새겨지며 극대화됐다.빛의 예술로 승화시킨 연출기법이 관객들의 눈을 잡아끌었다면, 소프라노 김유섬의 존재 자체는 관객들의 마음을 공략했다. 어린애 같은 투명한 음색과 차근차근 빨려들듯 고조되는 감정선을 피아니시모와 포르테까지 완벽히 소화해낸 성량에 ‘나비부인’이 이렇게 애절한 오페라인지 예전엔 미처 몰랐다고 말할 정도이다.이탈리아 테너 프란체스코 아닐레는 드라마틱한 음성과 연기가 다소 아쉬웠다. 샤플레스 영사 역을 맡은 바리톤 최종우와 파울로 코니는 핑커튼과 대조를 이루는 배려깊은 신사로서 따뜻한 음색을 드러냈다. 본조 역 베이스 박준혁은 짧은 등장임에도 유연하고 깊이있는 저음으로 임팩트 있는 인상을 남겼다.이탈리아 문화 기사작위를 받은 여류 지휘자 쟌나 프라타와 프라임필하모닉 오케스트라와의 호흡은 완전히 밀착 돼 보이진 않았다. 오케스트라와 주역들이 다소 힘겹게 지휘자의 지휘봉을 따라가고 있는 모습이 보인 점이 선율의 유려함을 살리지 못하게 만들었다. 그럼에도 타의 추종을 불허한 초초상 김유섬의 승리로 공연은 막을 내렸다.베르디 원작에 충실한 파격적 연출, 수지오페라단 ‘리골레토’ 음악성과 연극적인 요소가 절묘하게 배합된 비극적인 이태리 정통 그랜드 오페라인 ‘리골레토’가 국내 관객들을 찾아온다. 베르디가 작곡한 3막의 오페라로 프랑스 낭만주의의 거장 빅토르 위고가 30세 때 쓴 희곡 "왕의 환락"(Le roi s'amuse)을 바탕으로 한다.‘리골레토’는 경박한 테너, 순수한 소프라노, 극적인 바리톤의 조합됐을 때 감동이 극대화된다. 딸을 한없이 사랑하는 부성애, 경박한 테너에게 휘둘리는 순수한 소프라노의 운명, 폭풍우 속의 비극, ‘저주구나’를 외치는 부녀의 애절한 사별의 장면들이 함께 하는 드라마틱한 오페라로 유명하다.수지오페라단(단장 박수지)은 푸치니 탄생 50주년 기념 페스티벌에서 뛰어난 예술가적인 기질을 유감없이 선사한 연출가 ‘비비안 휴잇’를 초빙했다.연출을 맡은 비비엔 휴잇은 “이번 작품을 통해 원작에서 나타내려 했던 주제의 효과적인 표현을 위해 다양한 시도를 힐 예정” 이라며 “인간 본능의 잠재된 감성을 깨워 끓어오르는 전율을 느낄 수 있는 무대를 만들 것”이라며 연출의도를 밝혔다. 한편, 실제 극 중에서는 서곡의 시작과 함께 만토바 공작 일행들에게 몬테로네의 딸이 겁탈을 당하고, 한쪽에서는 반라의 여자들이 남자 귀족들과 노골적인 유희를 관객들에게 보이는 등 수위 높은 장면들이 연출될 예정.주역가수들의 면모도 화려하다. 리골레토 역은 유럽 오페라 무대의 단골 주역인 세계적인 바리톤 쥬세페 알토마레와 이탈리아가 인정한 매혹의 바리톤 강형규가 더블 캐스팅 됐다.리골레토의 딸 질다 역에는 세계적인 지휘자 발레리 게르기에프, 리카르도 무티가 찬사하는 미모와 실력을 겸비한 스칼라의 주역 소프라노 라우라 죠르다노와 2010 대한민국 오페라대상 여자 주역상을 수상한 소프라노 박미자가 함께 한다.또한 지난 해 서울국제음악콩쿨 1위, 플라시도 도밍고 콩쿨 1위를 거머쥐며 새로운 스타로 떠오르는 테너 스테판 마리안 포프가 만토바 공작 역을 맡으며 가장 완벽한 조합의 캐스팅을 선사할 예정이다. 수려한 외모와 뜨거운 감성의 테너 엄성화가 번갈아 공연한다.이외 살인청부업자인 스파라푸칠레 역에 베이스 김요한 변승욱, 스파라푸칠레 여동생인 마딜레나 역에 메조소프라노 양송미가 캐스팅 됐다. 3일 토요일 저녁 공연은 공개 오디션을 통해 선발된 국내의 역량 있는 실력파 성악가들로 만 캐스팅 됐다.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

서울시 오페라단 '라트라비아타' 이탈리아 공연 장면‘라트라비아타’가 최고의 오페라는 말에 동의해본 적 없다. 연말 갈라 콘서트 말미를 장식하는 ‘축배의 노래’가 나오는 흔한 오페라로만 기억했으니 말이다.  이번엔 바꿔야 할 것 같다. 서울시 오페라단의 ‘라트라비아타’는 최고였다고.24일 첫 막을 올린 ‘라트라비아타’는 2막의 비올렛타와 제르몽이 20여분간 함께하는 대중창부터 관객들의 은밀한 내면을 자극하더니, 알프레도가 자신의 진심을 알아줄 것이라며 한올 한올 실을 뽑듯이 뽑아내는 소프라노 솔로에서 밀도있게 피치를 올렸다. 곧 ‘지난 날이야 안녕’으로 결정적 카타르시스를 안겼다. 촉촉이 젖어오는 눈가를 훔치는 관객이 여럿 보였을 정도이니 이 정도면 성공이다. 오페라도 ‘삶의 청량제’가 될 수 있음을 충분히 알려준 무대였다.프랑스 파리 사교계의 꽃 비올레타와 그를 흠모해온 청년 알프레도의 비극적인 사랑을 그린 베르디 오페라 ‘라 트라비아타’는 1853년 베네치아 라 페니체 극장에서 초연됐다. ‘길을 잘못 든 여자’라는 뜻을 담고 있는 ‘라 트라비아타’는 대실패로 끝난 초연 이후 시대를 1700년대로 수정한 후 성공한다. 프랑스 작가 알렉산드르 뒤마피스의 소설 ‘춘희’가 원작이다.서울시오페라단이 ‘라 트라비아타’를 선보이기는 이번이 3년 만이다. 이탈리아 현지서도 극찬한 오페라이다. 파격적인 연출기법이나 웅장한 무대도 없음에도 베르디가 작곡할 당시에 의도했던 바를 가장 충실하게 표현해내 2008년 이탈리아를 감동시킨 그 작품이다. 새롭게 투입된 방정욱 연출은 상징적인 기법을 동원해 존재감을 과하게 드러내는 여타의 연출가와 달리 디테일하게 손을 쓴 흔적이 보였다. 타의적 실연과 죽음의 이별 앞에 선 비올렛타의 내면이 돋보이도록 연출된 결과 대중들의 동의를 한층 이끌어냈다.이학순 디자이너의 손을 거친 서울시 오페라단의 무대 역시 전통적인 기법을 중심에 둔 채 현대를 접목했다. 1막과 2막 2장은 반짝이는 장식과 샹들리에로 가득한 파리 사교계의 여왕다운 화려한 무대로, 2막 1장에서는 사랑하는 남자를 위해 희생하는 비극적 운명을 소박한 들판 무대로 표현했다. 3막에서는 화려한 카니발을 배경막으로 사용해 죽음을 통해 사랑을 완성하는 비올렛타의 내면을 보다 효과적으로 그려냈다.서울시오페라단 '라트라비아타' 스탭 및 출연진지적이고 감각적인 지휘자 마르첼로 모타델리의 지휘봉과 손끝은 어둠 속에서 빛났다. 1막 전주곡부터 세심한 조율로 기대감을 높여준 경기필하모닉오케스트라(예술감독 구자감)의 존재감도 칭찬하지 않을 수 있다. 지휘자와 오케스트레이션, 무대위 가수들과의 절묘한 호흡이 돋보인 공연이었다.진정한 프리마돈나 존재감을 아로새긴 소프라노 오은경은 2시간이 넘는 시간동안 관객들의 온 몸에 울림을 줬다. 고난이도의 콜로라투라도로 이어지는 ‘아, 그이인가’로 관객을 온전히 제 편으로 만들었다. 곧 웅장한 관혁악과 함께 포르테로 부르는 비올레타의 격정, 가냘픈 소프라노 솔로 어느 하나 빼놓치 않고 프로의 무대를 선보였다. 관객이 2막부터 어깨를 들척이기 시작했다면 더 말해 무엇하랴. 알프레도를 연기한 테너 나승서의 진정성 있는 연기와 가창 역시 ‘브라보’를 연발하게 만들었다.서울시 오페라단의 ‘라트라비아타’는 비올렛타와 제르몽의 인간적 면모를 강조했다. 특히, 두 사람의 사랑을 가로막는 알프레도의 아버지 제르몽 역을 실제 나이 지긋한 아버지 뻘 되는 가수가 맡은 것 자체가 감동으로 이어졌다. 바리톤 김성길은 실제 아버지의 내면이 느껴지는 깊이있는 음색을 들려줘, 비올렛타의 숭고한 사랑과 희생의 의미에 대해 돌아보게 만들었다. 특히 제르몽이 비올렛타에게 ‘마음껏 우시오’라는 대사가 관객에게 이토록 정확하고 절묘하게 꽂힌 적은 지금까지 없지 않을까 싶다.든든하게 무대를 뒷받침해준 서울시합창단(지휘 오세종) 활약, 이고은 발레단이 가세한 2막 플로라 집 내에서 펼쳐진 화려한 파티 장면도 확실히 시선을 끌었다. 주역 비올렛타는 소프라노 오은경 ·박재연·김은경이 트리플 캐스팅 됐다. 알프레도 역은 테너 나승서와 최성수가 번갈아 공연한다. 이외 바리톤 김성길·유승공·공병우(제르몽), 메조소프라노 박수연·추희명·김정미(플로라), 베이스 김민석·김남수·전준환(그랑빌), 바리톤 장동일·이창원·최희윤(듀폴), 베이스 송필화·한진만·김승윤(도비니) 테너 김현호·장주훈·조민규(가스톤), 소프라노 윤정인·최주희·김진아(안니나)가 무대를 빛낸다.눈이 휘둥그레 해지는 파격적 연출기법을 기대하고 오는 관객이라면 정중히 사양한다. 어렵게만 느껴지는 오페라와 친구과 되고 싶은 관객, 일상의 피로에 지친 현대인들, 마음껏 울고 싶은 관객에게 권하고 싶은 오페라이다. 27일까지 세종문화회관대극장.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

솔 오페라단의 '나비부인' 제작발표회 ⓒ정다훈 기자“빛이 노래하고 색깔이 춤춘다.” 솔 오페라단 이소영 단장이 이탈리아 현지 ‘나비부인’ 공연을 보고 난 후 느낀 감정이다. “모든 것이 정지된 순간에 음악만이 살아있는 그야말로 충격적인 공연이었다”며 작품에 대한 애정을 드러낸 이 단장은 ‘나비부인’의 키 포인트로 ‘빛과 색’을 꼽았다. 솔오페라단의 ‘나비부인’은 ‘만남과 충돌의 대비’를 무대와 조명의 테크놀로지로 승화시킬 예정. 이소영 단장은 “세계적 연출가의 진수를 제대로 느낄 수 있을 것이다”며 특히 “조명예술”에 주목할 것을 밝혔다. “바닥 및 천장 그리고 벽면, 뒷면에도 조명기를 달아 경사진 무대에서 조명변화가 다 보일 수 있게 연출됐다”며 “오페라 가수의 움직임과 조명이 완벽히 일치해야 돼서 한 치의 실수도 허용되지 않는 무대의 감흥이 특별함”을 전했다.푸치니의 ‘나비부인’은 연극적 재미가 큰 작품이다. 다만 어느 연출가의 손을 거치는지에 따라 극적감흥은 양극으로 갈리게 돼 있다. 이번엔 세계적 지휘자 클라우디오 아바도의 아들인 다니엘레 아바도가 연출을 맡았다. ‘프랑코 제페렐리’의 뒤를 잇는 이탈리아 연출계의 최고봉으로 불리운다. 특히, 실험적이고 전위적인 작품연출로 유명하다.22일 서울 프레스센터에서 열린 오페라 ‘나비부인’의 제작발표회에서 조연출 보리스 스테카는, “이번 작품의 연출컨셉은 아무것도 넣지 않는 ‘공간 그 자체’임”을 밝혔다. 이어 “무대 위 사각의 프레임(초초상의 작은 집)을 컨셉으로 빈 공간 안에서 누구나 느낄 수 있는 외로움”을 표현하고자 했음을 언급했다. 아바도는 연출의 변에서 “초초상에게 핑커톤이란 존재가 그러하듯, 문은 밖의 세상과 연결할 수 있는 단 하나의 고리이자, 초초상이 그리고 있는 사랑의 판타지로 이끌어줄 수 있는 유일한 수단이다”고 제시했다. 솔 오페라단 '나비부인' 포스터‘나비부인’의 감동에 빠진 관객이라면, ‘나비부인’의 후속편도 기대하기 마련. 페트루첼리 국립극장장측은 “현재 주니어 버터플라이(나비부인)도 제작중이다”며 “엄마(초초상)의 죽음 이후 미국으로 보내진 아들, 그 후의 이야기가 감성을 자극한다”고 전했다.이번 ‘나비부인’은 솔오페라단이 이탈리아 페트루첼리 국립극장의 우수한 공연 컨텐츠를 한국에 소개하기 위해 추진한 공연이다. 현지 극장의 모든 시스템이 국내 무대에 들어오는 경우로 이례적이라 할만하다. 부산에서 출발한 ‘솔오페라단’은 창단 오페라 ‘춘희’를 시작으로, ‘아이다’ ‘리골레토’ ‘카르멘’ ‘투란도트’ 등 대작들을 통해 그 역량을 인정받은 바 있다.주역인 ‘나비부인’역에는 유럽의 음악마니아들에게 호평을 받고 있는 소프라노 쟈스미나 트롬페타스· 눈치아 산토디로코·김유섬이 트리플 캐스팅 됐다. 특히 국내 소프라노 김유섬은 ‘초초상 그 자체’라는 평을 받을 정도로 한국이 낳은 동양최고의 나비부인이다.국내 성악가들로 바리톤 최종우(샤플레스), 베이스 박준혁·김경훈(본조), 베이스 김현민(신관), 바리톤 김대수(야마도리), 메소소프라노 이지현·박충경(케이트)가 함께한다.이탈리아 문화 기사작위를 받은 여류 지휘자 쟌나 프라타가 프라임필하모닉 오케스트라를 지휘. 인천오페라합창단이 협연한다.한편, 이태리 작곡가 푸치니의 ‘나비부인’은 제국주의시대 미국 해군중위 ‘핑거톤’과 일본인 현지처인 ‘초초상’의 사랑과 이별, 그리고 자살을 그린 오페라다. 남편이 돌아온다던 어느 맑게 개인 날을 기다리는 나비부인의 희망이 담긴 아리아 ‘어느 개인 날’, 남편을 기다리며 홀로 미동도 없이 밤을 지새는 나비부인의 애련함을 노래하는 ‘허밍코러스’외에도 초초상과 하녀 스즈키가 함께 부르는 ‘꽃의 이중창’이 유명하다.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

다 나쁜 남자 ‘오네긴’ 때문이었다. 한 여자의 꿈 속에까지 나타나 온 몸을 뒤흔들만큼 강렬한 사랑을 나누던 남자가 현실에선 거들떠보지도 않는다. 게다가 여자의 동생이자, 이미 다른 남자와 약혼을 한 ‘올가’에게 추파를 던지고 있다. ‘오네긴’의 얄미운 동작 하나 하나, 이런 현실을 받아들여야 하는 ‘타티아나’의 심정이 그대로 드라마로 탄생했다. 작은 파문은 거기서 시작됐다.  유니버설 발레단의 '오네긴' 주역무용수 이현준(좌)강미선(우)정신을 차리고 보니 ‘눈이 호강하는 발레’를 감상하고 있는 게 아니라, ‘가슴이 물컹해지는 한편의 시’를 쓰고 있었다.“온 우주가 당신 한 사람으로 좁혀지던 시절이 있었습니다. 당신의 우주에 초대받지 못했던 이방인으로 살 때, 거리는 온통 쓸쓸한 가을이었습니다. 당신의 처음이자 마지막 밀어는 무척이나 거룩했습니다. 원망하지 않으리. 그럼에도 찬란한 슬픔이 차오릅니다. 단단한 돌처럼 제 가슴에 뿌리를 내린 당신, ‘오네긴’이라는 책을 이젠 덮어야 할 시간입니다. 언뜻 다시 펴고 싶어질때마다 그레민 공작을 떠올립니다. 그 없이 나는 이미 완전할 수 없으니까요.”‘타티아나’가 수백가지의 감정을 얼굴에 담은 채 뒤로 맞잡은 ‘오네긴’의 손을 천천히 밀었다 당겼다 하는 마지막 장면은, ‘오네긴과 타티아나의 천형’처럼 느껴졌다. ‘오네긴’의 손끝터치를 온 몸으로 받아낸 뒤 ‘타티아나’의 흐느끼는 어깨와 가슴이 압권이다. 마치 한 가정을 꾸리고 잘 살고 있는 중년의 여인 앞에 홀연히 나타나 잃어버린 첫 사랑을 다시 이뤄주겠다고 제안하는 악마의 속삭임에 흔들리는 모습 그대로였다. 많은 관객들이 ‘타티아나’와 함께 울먹였다. 그렇게 발레 ‘오네긴’의 감동은 깊은 여운이 가득했다.독일 슈투트가르트발레단 예술감독이었던 존 크랑코가 안무한 ‘오네긴’은 자유분방하고 오만한 남자 ‘오네긴’과 순진한 소녀 ‘타티아나’의 엇갈린 사랑이 주요 테마이다. 존 크랑코의 드라마틱한 안무는 고난이도의 리프트와 격렬한 파트너링으로 이루어진 남녀 주인공의 파드되 외에도, 각 막에서 장이 바뀔 때 이중 막을 사용해 주역들의 심리를 밀도 있게 뒷받침했다. 오네긴에 대한 사랑과 아쉬움을 내비친 채 멀어져가는 타티아나의 ‘파드 부레’(발끝으로 서면서 종종걸음으로 걸어가는 발레동작), 오네긴의 과거 행적을 파노라마처럼 펼쳐주는 장면 등이 그러했다. 유니버설 발레단의 '오네긴' 중 3막 그레민 공작의 무도회 장면12~19일까지 LG아트센터에서 공연된 유니버셜 발레단의 ‘오네긴’에 사용된 음악들은 차이코프스키의 피아노곡들을 관현악으로 편곡한 곡들이다. 3막 환상서곡 ‘프란체스카 다 리미니’에 맞춰 무용수 이현준·강미선은 마지막으로 허락된 사랑의 희열과 슬픔을 최고치로 끌어올렸다. ‘오네긴’의 마지막 구애를 나타나는 공중회전은 매 순간 아찔하면서도 안정감 있는 실력을 뽐냈다. 수차례 이어지는 ‘오네긴의 절절한 속마음’에 관객들은 이미 ‘오네긴’의 그간 행적을 용서하고도 남았다. 무용수들의 뛰어난 기량도 중요하지만, 연기적인 면에서 미흡하면 관객들은 절대 동요하지 않는다. 그런 점에서 이번 타티아나(강미선)는 엇갈린 사랑을 경험한 뒤, 다홍빛 의상을 입고 추는 그레민 공작(정위)과의 2인무에서 성숙한 여인의 면모를 물씬 보여줬다. 곧 어긋난 사랑의 타이밍 앞에 비탄에 빠진 여인의 모습을 유감없이 무대로 불러냈다. 무용수 이현준(오네긴)은 고난이도 동작임에도 어떤 중압감도 없이 완벽히 소화하는 것으로 유명하다. 이번에는 연기까지 일취월장했다. 특히, 이현준 표 ‘오네긴’은 여성관객들의 모성을 자극해 절대 미워할 수 없는 나쁜 남자를 탄생시켰다. 장면 사이 사이 관객들이 서브 텍스트를 이해할 수 있게 디테일한 동작 및 연기를 펼쳤기 때문이다.올가 역을 한 무용수 손유희의 발랄한 동작 하나 하나도 관객들의 시선을 꽉 붙들었다. 몸으로 표현해 낼 수 있는 가장 아름다운 사랑이 무대를 수 놓은 일주일 이었다.추후 유니버설발레단은 오는 12월 21일부터 31일까지 유니버설 아트센테에서 공연되는 발레 ‘호두까기 인형’으로 관객들을 찾아올 예정이다.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

남장 여인 바이올라와 오시노 공작, 올리비아 사이의 꼬이고 꼬이는 헛소동을 통해 사랑의 본질을 말하는 셰익스피어의 희극 ‘십이야’의 열기가 뜨겁다. 강동아트센터 기획연극 '십이야'한국 전통의 마당놀이와 만난 극단 여행자의 ‘십이야’가 첫 스타트를 끊었고, 17일 강동아트센터 무대에 오르는 ‘십이야’가 그 여세를 몰아간다. 곧 일본 꽃미남들 배우들로 구성된 극단 ‘스튜디오 라이프’의 ‘십이야’가 관객들을 찾아온다. 여기에 시민극단 2010의 연극 ‘십이야’와 청소년 극단의 ‘십이야’가 추가돼 ‘5색’의 ‘십이야’잔치가 벌어질 예정이다.‘십이야’가 오늘날 관객들에게 던지는 메시지는 뭘까. 강동아트센터 기획연극 ‘십이야’의 김관 연출은 “드라마 ‘커피 프린스 1호점’과 ‘성균관 스캔들’에 남장여자가 차용 돼 인기를 얻듯 요즘도 첫 눈에 반하는 사랑이 많다.”며 “사랑에 대한 감각적 오류 및 불완전한 사랑의 속성을 유쾌하게 그려내 관객 자신을 돌아보게 만드는 점”이 현 시대와도 잘 통하는 고전임을 밝혔다.그렇다면 각기 다른 ‘십이야’의 매력이 궁금해진다. 16일 기자들에게 먼저 선보인 유정민 각색ㆍ김관 연출의 ‘십이야’는 한 편의 뮤지컬로 불러도 손색이 없을만큼 김승진 음악감독의 흡인력 있는 선율이 귀에 꽂히는 작품이었다. 극 중간 중간 연출가의 분신으로서, 연출가가 전달하고자 하는 바를 대신하는 해설자 역(위훈)의 부드러운 목소리도 극 감상에 도움을 준다. 결론적으로 고전 연극보기를 부담스러워하는 관객에게 안성맞춤이었다. 강동아트센터의 ‘명작입문과정 명작시리즈 첫 작품’의 역할을 톡톡히 했다. 극단 여행자의 '십이야' 에서 배우 오민석과 김상보 연극은 관객과의 암묵적인 약속하에 이루어진다. 그런데, 간혹 대놓고 관객과 모의를 하기도 한다. 극장이라는 상상의 공간 안에 관객들을 보다 적극적으로 초대하겠다는 의도이다. MJ플래닛(대표 오준석)과 강동아트센터가 공동으로 기획한 ‘십이야’와 서울남산국악당의 ‘전통, 새 옷으로 갈아입다’ 기획작인 극단 여행자의 ‘십이야’ 모두 사회자(해설자)가 등장해 객석을 향해 직접적인 말을 건넨다.극단 여행자의 ‘십이야’는 매끈한 오렌지색 무대위에서 ‘광대’처럼 뛰노는 11명 남자배우들의 에너지가 돋보이는 연극이었다. 어느 작품이 더 뛰어나다고 말 할 수 없을 정도로 두 작품 모두 자신만의 색깔이 확고했다. ‘남장여자’, ‘여장남자’ 등의 작품의 구조와 연출(양정웅) 컨셉의 구조가 뒤얽히며 발생하는 웃음포인트가 백미. 맥문아재비(토비 경)가 ‘밀당의 진실’을 알려주는 장면, 섬초롱(올리비아)을 찾아온 홍가시(바이올라)를 속이기 위해 초록색 문으로 장면을 구획한 장면이 인상적이다.작품을 제 편으로 만드는 두 연극의 공통 분모는, 열린 공간을 지향하며 객석을 포함한 극장 전체를 활용한다는 점이다. 또한, 무대 한 켠에서 배우 역할을 톡톡히 해 내는 생음악이 함께한다. 말볼리오 역 배우 한동규의 코믹연기, 섬초롱 역 배우 오민석, 홍가시 역 배우 김상보의 언뜻 언뜻 드러나는 여성미와 능청맞은 연기도 두 번 말하면 잔소리다. 일본극단 '스튜디오 라이프'의 '십이야'한편, 아직 공개되지 않은 일본 꽃미남 배우들이 펼치는 ‘십이야’도 빼놓으면 섭섭하다. 극단 여행자의 남자배우들은 한 눈에 봐도 까만 콧수염이 나 있는 남자를 바로 떠올릴 수 있게 구수한 외모를 자랑한다면, 일본 극단 ‘스튜디오 라이프’의 남자배우들은 진짜 선이 고운 여자가 아닌가? 하는 착각에 빠지게 할 정도로 수려한 외모를 지녔다. 그 결과 현실 세계에서는 찾을 수 없는, 무대 공간에서만 볼 수 있는 “중성(中性)의 미(美)와의 조우(遭遇)”를 체험하는 것이다.이번 공연은 극단 ‘스튜디오 라이프’가 도쿄, 오사카, 니가타에 이어 재팬파운데이션의 국제교류기금을 받아 진행하는 투어의 마지막 일정이다. ‘스튜디오 라이프’의 특징은 미학적으로 철저히 계산하여 캐스팅 된 모든 출연진이 남성이라는 점과, 연출가 쿠라다 준의 독창적인 각색력과 아름다운 세계관이 빚어내는 섬세한 무대이다.  오는 18(금), 19(토) 오후 8시 ‘십이야’를, 19(토), 20(일) 오후 3시에는 ‘한여름 밤의 꿈’을 동덕여대 공연예술센터에서 번갈아 공연한다.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

연극 '해무' 중 배우 손수정과 송새벽#1. 망망대해를 항해하는 어부들이 밀항을 결심하면서 겪게 되는 갈등과 고민을 담고 있는 연극 ‘해무’(11월 4~20일)를 보고 왔다. 2001년 전남 여수에서 밀입국을 시도하던 중국인과 조선족이 어창에 갇혀 질식사한 '제7태창호 사건'을 바탕으로 한다.#2. 곧 이어  ‘혜화동 1번지’ 5기 동인 가을페스티벌 시심(詩心): 두 번째 주자 윤한솔 연출의 ‘아무튼 백석’(11월 9~13일)을 관람했다. 극단 그린피그의 ‘아무튼백석’은 백석이 남긴 텍스트들과 백석 연구자들의 글, 그리고 백석의 동료, 연인들의 글, 증언을 통해 백석의 삶을 재구성하였다. 이러한 사료들을 기반으로 재구성하여, 한 천재 시인의 잊혀진 32년을 연대기적으로 펼쳐 놓는다. #3. 11월 2일부터 13일까지 각각 2틀씩 무대에 올린 ‘2011 봄 작가 겨울무대’ 총 4편을 빠짐없이 만나고 왔다. 한국공연예술센터(이사장 최치림)의 차세대 공연예술인 시리즈 일환인 ‘봄 작가, 겨울 무대’는 매년 신춘문예 희곡부문에 당선된 신인 작가에게 신작을 의뢰하여 공연제작까지 책임지는 프로젝트다.#4.  연극인 故 김상열 선생의 70주기를 기념해서 올린 ‘등신과 머저리’는 1974년 당시 신문 사회면 머리기사를 장식하던 "희대의 살인마" 이종대와 문도석의 얘기를 다루고 있다. 그 당시 사건을 담당했던 수사기관의 사건보고 형식을 빌려, 개인윤리의 타락은 사회윤리의 타락에서 영향을 받는다는 사회풍자성 실화 극인 셈이다.여기까지는 보도자료 상 내용들이다. 관람자인 나의 견해가 포함되지 않은 연극에 대한 간략 설명이란 뜻이다. 화려하지 않은 7편의 연극을 통해서 뭘 느꼈고, 무엇을 얻었나? 라는 질문을 한다면, 대답은 그리 간단하지 않을 듯 하다. 기자의 시선을 걷어낸 채 관객의 시선으로 감상을 말하고자 한다.■ 지루한 일상에 던지는 활력소  ‘2011 봄 작가 겨울무대’ 4작품은 지루한 일상이 더욱 빛나보이게 만든 연극이었다.‘오세혁 작·유수미 연출의 ‘홀연했던 사나이’는 연극판 ‘한지붕 세가족’이다.‘ 80년대 인기드라마인 ‘한지붕 세가족’의 배경음악이 깔리면서 시작되는 연극인데, 그만큼 소박하고 따뜻한 정서가 큰 줄기를 형성하고 있다. 사기꾼인지 영화감독인지 알 수 없는 수상한 사나이 즉 ‘홀연했던 사나이’(이승기)가 까마득히 잊고 있던 관객들의 꿈을 되살려주는 점이 압권. 인생의 루저처럼 활기없던 다방마담, 레지, 늙은 교감 등의 눈에 생기가 하나씩 도는 걸 보던 관객들은 자신과 비슷한 인간형을 발견하고 ‘짠한’ 공감의 마음을 갖게 된다.  ‘홀연했던 사나이’는 지긋지긋한 ‘현실의 리얼’을 ‘꿈의 리얼’이라는 환상적 외투와 함께 입혀 관객에게 선보였다. 자신들의 시나리오가 도착할 때까지 레드카펫 위를 거니는 꿈을 꾸는 인물들, 꿈 꿀 수 있다는 것만으로도 행복임을 따뜻하게 일깨워준 연극이다.김성배 작·전인철 연출의 ‘그날들’은 불확실한 인생의 단편들을 축구경기에 빗대어 이야기했다. 축구경기장 앞에서 헤어진 연인을 기다리는 두 남녀의 대화가 축구 경기와 함께 순행 혹은 역행으로 펼쳐졌다. 과거 연인들의 에피소드는 과장된 연기로 확연히 장면을 구분했다. 플라타너스처럼 푸르른 청춘의 추억을 잔잔하게 혹은 축구경기장의 떠들썩한 함성으로 새겨놓은 연극이었다. 지나갈 날들, 이미 지나버린 날들에 대한 기억들이 단편처럼 펼쳐진 점, 마지막 홀로 조명을 받던 종이로 만든 ‘플라타너스 꽃’이 건네는 작은 위로가 인상적이다. 연극 '서글퍼도 커튼콜' 중 반지 역 배우 이혜진■ 더 인간이 되는 느낌김슬기 작·오유경 연출의 ‘서글퍼도 커튼콜’은 배우 송인성(우람의 엄마 유정란 역), 이혜진(은반지 역), 천용철(최우람 역)의 힘이 단연 돋보인 연극이었다. 달달한 서민음식인 제육볶음(우람의 엄마가 유일하게 외출시 해주었던 음식)의 냄새로 기억되는 연극이기도 하다.‘서글퍼도 커튼콜’은 자식을 내다버린 엄마, 그로 인해 치명적인 사건을 겪게 되는 반지, 18세의 나이에 원하지 않는 임신을 하게 된 후 ‘모성본능’에 대해 의문을 표하게 된 반지 엄마 정란, 자신과 동갑인 남자친구를 가진 엄마에게 반항심을 키운 우람의 삶을 허름한 까페 안으로 초대했다. 서글픈 인생을 살고 있는 이들도 박수를 받을 이유는 충분하다. ‘욕망이라는 이름의 전차’로 시작된 반지와 정란의 연극 놀이가 가장 솔직한 대화로 연결되기까지의 연극적 재미가 장점이다. 눈물을 가슴에 삼키고 살아가는 ‘눅눅한 옷을 말 없이 입고 있는’ 세 인생을 박수 소리를 닮은 빗소리와 함께 응원하고 싶어지는 연극이다. 연극 '서울은 지금 맑음'연습장면배진아 작·이용주 연출의 ‘서울은 지금 맑음’은 ‘반짝 반짝 빛나는 연극’이다. 세상 사람을 둘러보면 사연 없는 사람이 한 명도 없다. KTX 서울행 열차안 승객 6명 역시 각기 사연을 가슴에 숨겨놓은 채 목적지를 향해 달려간다. 바퀴달린 의자만으로 공간은 무한대로 넓어졌다.타인의 드라마를 이렇게 매혹적으로 그려낼 수 있을까? 할 정도로 연극적 재미로 무장했다. 자신의 존재나 타인의 존재는 자기 혼자 알 수 있는 게 아니고 남과의 관계를 통해서 알게 된다. 연극 ‘서울은 지금 맑음’을 보고 나면 더 인간이 되는 느낌이다. 6명의 캐릭터가 어느 누구 하나 빠지지 않고 애정이 가득했는데, 이들이 상대의 대화에 끼어들거나, 상대의 공간에 침투하는 장면, 현실과 비현실을 구분하는 장면구획이 탁월하다.약 120분간 관객들의 호기심을 연신 자극하며, 이야기를 풀어나간 배진아 작가의 필력과 곳곳에서 빛나는 위트, ‘대사 라는 종이배가 춤 출 수 있는 파도와 너울’을 만들겠다던 이용주 연출의 배려가 빛을 발했던 작품으로 기억될 듯 하다. 연극 속 위트를 한껏 돋보이게 한 배우 윤영균(키다리 할아버지), 박준석(하얀 양복을 입은 작은 키 할아버지)의 연기도 칭찬하지 않고 넘어갈 수 없다. 한가지 더. 개그맨 서세원은 ‘책읽어주는 죠바니의 카르멘’ 공연시에도 객석에서 얼굴을 볼 수 있었는데, 이번에도 특유의 웃음을 간간히 흘리며 즐겁게 연극을 감상했다. 극단 ‘벼랑끝 날다’ 관계자 누군가와 인연이 있나보다 하고 짐작할 뿐이었다. 연극 '아무튼 백석'의 컨셉사진■ 다르게 생각해보기 윤한솔 연출의 ‘아무튼 백석’은 인공 잔디밭에서 펼쳐진 인간 ‘백석’에 대한 '모호한' 이야기이다. 잘생긴 꽃미남 시인 ‘백석’의 예찬을 기대하고 온 관객이라면 실망할수 있겠다. 백석의 늙은 얼굴이 궁금한 관객이라면 한번쯤은 권하고 싶은 연극이다. 윤한솔 연출의 작품을 보러가기 위해서는 ‘큰 마음’이 필요하다. 여기서 ‘큰 마음’이라면 어떤 파격적인 연출도 다 받아들이겠다는 아량 넓은 관객의 마음이다. 이번 작품 역시 그러했다. 좁은 혜화동 1번지 극장을 니은자로 배치해, 이쪽에서 잘보이는 장면은 저쪽 끝에서는 안보여 군데 군데 사석이 발생했다. 그럼에도 상관없다. 관객을 위한 친절한 시선보다는 뚝심있는 ‘그린피그’만의 시각으로 밀고나가겠다는 작품이기 때문이다. ‘아무튼 백석’은 39%가 암전으로 진행된다. 어둠 속에서 들리는 배우들의 목소리를 통해 관객은 ‘이게 뭐하자는 건가?  정말 답답하다’ 혹은 ‘백석 인생의 39%에 해당하는 빈 세월에 대한 채워 넣기를 이렇게 하겠다는 건가?’라고 반항심을 내비칠 수도 있다. 연극 속에서 탄생한 ‘백석’도 참 잘생겼다. 목소리도 이만하만 좋다. 배우 이동영이다. 팬티만 입은 모습도 아주 조금 멋있다. 그런데, 하염없이 앉았다 일어섰다 하며 호미질을 한다. 주변인들은 바닥에 널부러져 비몽사몽 호미질을 한다. 모던보이 시인 백석과 집단농장의 농부 백석이 동시에 오버랩됐다. 연극은 역시 위트가 있어야 한다. ‘백석’을 다룬 작품인만큼 좌석수도 백석(100석)이어야 한다는 멘트가 나온다. 여기서 웃는 관객들 몇 보였다. 하지만 혜화동 1번지 극장 내에는 약 40석정도만 만들어졌다. 그마저도 다 채워지진 않았다. 변명아닌 변명이 흘러나온다. ‘채워진 자리에 집중하겠다’는 말.‘아무튼 백석’은 어둠 속에서 어딘가로 달릴 듯 달리지 않는 7명 배우들의 발,(특히 배우 황미영의 무대포적인 에너지가 강렬하다) 일본시인 노리다 가즈오의 ‘파를 드리운 백석’에 등장하는 싱싱한 대파가 하나 하나 던져지던 장면으로 머릿 속에 남을 듯 하다.1930년대의 시대상과 2010년대의 시대상의 연결점은 극중에 등장하는 ‘다산 콜센터’와 시민이라면 누구나 사용하는 ‘버스카드’에서 떠올려졌다. 그도 평범한 인간이었음이 '아무튼 백석'에서 증명됐다. ‘아무튼’.‘혜화동 1번지’ 5기 동인 가을페스티벌 시심(詩心): 세 번째 주자는 김한내 연출의 ‘삼년상’(11월 16~ 20일)이다. 연극 '등신과 머저리' 출연배우 이지수, 한보경, 신기섭, 차승민, 김지훈, 유명상, 이문하, 신소현, 윤미, 권범택(노래)■ 이 사회의 문제 발견 연극 속에는 우리가 살아가는 사회의 문제가 담겨있어 관객들에게 파문을 던져주기도 한다. 그 속에서 관객들은 그 동안 외면해왔던 문제에 대해서 고민하게 된다. 그런 점에서 연극은 우리가 나아가야 할 사회의 모습을 제시해주기도 한다.김상열 작·장승세 연출의 ‘등신과 머저리’(원제: 그대의 말일 뿐)는  삶을 철저하게 사랑했던 두 바보들의 자서전 같은 이야기이다. 짧고도 길었던 운 나쁜 두 녀석의 험난했던 인생이 오히려 폭소를 자극하는 점이 작품의 백미. 관객이 감상에 빠지려는 찰나 등장하는 권범택의 ‘등신과 머저리’ 테마음악, 수사반장의 나래이션이 동참자로서의 시선을 유지하게 만든다. 죽은 사람이 살아놔서 증언하는 연극적 놀이, 극명하게 대조되는 이종대 부인과 문도석의 부인의 사고방식의 연극의 맛을 살렸다.“사회는 언제나 책임이 없다고 고개를 돌리고, 개인은 사회에 책임이 있다고 눈을 흘긴다.”이러한 생각을 한번이라도 한 적이 있는 관객이라면, ‘나는 과연 모든 세상과 무관한가!’라는 질문에 봉착하게 된다.[이 작품이 초연된 지 어언 9년........ 세상은 그때나 지금이나 똑같이 시끄럽고 간교한 현실의 소리와 진리의 소리가 뒤범벅이 돼서 모든 활자와 음향들은 오로지 ‘그대의 말일 뿐’이고 정의와 진실의 가면을 쓴 낮도깨비들의 난무가 절정인 이 시대에 개처럼 살다간 이종대와 문도석의 그 처절한 절규와 총소리를 들음으로써 ‘나는 과연 모든 세상과 무관한가.’를 잠시 자각하는 시간을 갖고 싶은 것뿐이다.]-1989년 김상열 작.연출의 글에서김민정 작·안경모 연출의 ‘해무’는 누구도 쉽게 드러내지 못하는 인간 내면의 본성을 해무:海霧 즉, 바다안개에 빗대어 이야기한다. 앞에는 해경선이 가로막고, 뒤에는 태풍이 몰려오는, 망망대해 배 위에 갇혀버린 사람들의 몸부림을 사실적으로 그려냈다.극단 연우무대의 ‘해무’는 안개 속에 갇혀 한 치 앞을 예측하지 못하는바다 위의 삶과 죽음, 두려움과 갈등이 극한으로 치닫는 심리상태를 사실적인 무대장치와 음향으로 완성시켰다.너무도 선량한 사람들이 미쳐가는 상황은 관객들을 서서히 동화시켰다. 동식과 연인 사이가 되어 간신히 살아남은 조선족 홍매의 순박한 사랑, 이들의 사랑에 칼을 꽂는 순박한 뱃사람 창욱의 모습, 진퇴양난의 상황에서 환청에서 시달리던 완호아재의 마지막 선택 등에 나약한 인간본성이 감지된다.‘죄책감’이란 것이 한 인간을 얼마나 나락으로 빠지게 할 수 있는가. 코리안 드림을 꿈꾸며 밀항하던 그들이 어창에서 죽어간 것처럼. 그들을 수장시키고 죄책감을 이기지 못해 자기를 파멸로 이끈 선원들과 선장처럼. 살기 위해서. 삶을 계속하기 위해서. 희망을 붙잡기 위해서 위험한 길을 가고 또 가는 인간의 역사에 대해 다시 한번 생각하게 만드는 작품이다. 다만 대극장으로 옮겨오면서 숨소리도 다 들리는 소극장의 싱싱함이 다소 반감된 점은 아쉽다.■ 결국은 탁월한 선택… 연극 보기  연극 관람 후 뭘 얻었다는 표현보다는, 연극을 통해서 자기 자신과 사회를 알아간다는 말이 더 정확한 말일 것이다. 연극 한편, 한편이 인간의 내면에 꿈틀거리며 존재했던 본능 그대로 다른 사람도 아닌 자기 자신과 사회를 알게 해 줬다. 결국은 탁월한 선택이었던 것이다. 그렇기 때문에 여전히 멈출 수 없다. 공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

가수 겸 뮤지컬 배우 '리사'“배우의 진실은 정해진 무대 위에서만 존재하는 게 아니죠. 공식대로만 연기한 뒤 무대에서 내려온다면 감동이 따라올 수 없어요. 내 진심을 담아 관객 앞에 서고 싶어요”오는 12월 9일부터 LG아트센터 무대에 오르는 ‘에비타’ 연습에 한창인 뮤지컬 배우 리사를 8일 오후 남산예술센터 근처 까페에서 만났다. 그녀는 ‘에바타’에 대한 애정으로 가득했다.“여자 주인공을 앞세운 뮤지컬이 많지 않다. ‘에비타’는 여배우라면 누구나 탐낼만한 역할이다. 배역 자체가 제목인만큼 잘 소화해내면 정말 멋있는 역할이다. 반면 그렇지 않으면 크게 욕을 먹을 수 있는 위험부담도 지녔다.”노래로만 이어지는 송스루(Song thru)' 뮤지컬 ‘에비타’는 배우의 역량이 매우 중요한 작품이다. 특히, 주인공 ‘에비타’는 무대의 70%이상을 책임진다. 거의 전 장면에 걸쳐 노래를 하기 때문에 풍성한 성량과 다양한 음색을 구사해야 한다.이렇듯 ‘에비타’로 시작해서 ‘에비타’로 완성되는 뮤지컬을 위해 그녀는 어떤 노력을 기울이고 있을까. “실존했던 인물인만큼 관련 리서치를 먼저했다. 물론 개인적으로 주인공의 굴곡진 삶과 비슷한 경험을 하진 못했다. 최대한 진정성 있게 다가가려고 노력하고 있다. 앤드루 로이드 웨버의 음악을 천천히 되새김질 하며 들었다. ‘노래의 힘으로 ‘에비타’란 인물이 잘 표현되고 있구나‘ 느끼게 됐다, 죽음 앞에서도 서민을 생각한 그녀의 삶에 짠한 마음이 들기도 했다”‘에비타’는 경쾌한 재즈에서 장엄한 미사곡, 웅장한 합창곡에 이르기까지 26곡의 다양한 스타일의 곡으로도 유명하다. “노래 자체에만 집중하면 지루할 수도 있다. 노래, 춤, 연기의 호흡을 지켜보다 보면 매력적인 작품으로 다가 올 것이다”'에비타' 컨셉사진빼놓을 수 없는 볼거리는 ‘탱고’를 공격적으로 배치했다는 점. “이미 한차례 박지훈 안무가의 도움을 받아 ‘광화문 연가’ 공연 때 라틴 댄스를 잠시 선 보였다, 이번엔 보다 적극적으로 춤을 춘다. 라틴 춤은 연애의 ‘밀당(밀고 당기기)’같다. 순식간에 리듬을 넣거나 뺀다. 혹은 갑자기 힘을 줬다 빼는 식이다. 기존의 멋있는 뮤지컬 춤과는 확연히 다르다.”삼류 배우에서 퍼스트레이디에 오르기까지 불꽃 같은 삶을 산 ‘에비타’의 영혼이 그녀의 몸에 안착한 듯 보였다. 아르헨티나의 국모 에바페론의 삶을 그린 뮤지컬  2011 ‘에비타’ 여 주인공은 리사 정선아 이렇게 두 명이 나눠 맡는다. 두 배우 모두 뛰어난 가창력과 카리스마를 자랑한다. “정선아 배우와 공통점이라면, 흔들림 없는 주관을 지녔다는 점이다. 그럼에도 각자가 만들어가는 ‘에비타’의 색깔은 분명 다르다. 비슷하면서도 다른 에너지로 무대를 채울 것이다.” ■  ‘리사’를 끝까지 믿어 준 이지나 연출가그는 2007년 뮤지컬 ‘밴디트’로 데뷔했고 이어 ‘대장금’(2008년)에서 천민출신 의녀를 맡아 이름을 알렸다. 여주 역을 맡은 뮤지컬 ‘광화문 연가’로 뮤지컬계의 스타로 자리를 굳혔다. 그녀가 지금까지 출연했던 4작품은 모두 이지나 연출가와 호흡을 맞춘 작품이다. ‘에비타’까지 더하면 5작품인 셈이다.이지나 연출은 ‘광화문 연가’의 캐스팅 과정에서 ‘여주 역은 리사 아니면 안 된다’며 그를 고집했다고 한다. 이지나 연출은 공식석상에서 기자들도 충분히 감지할 수 있을 정도로 리사에 대한 애정을 숨기지 않았다. 그러나 리사는 겸손했다. 또한 연출에 대한 애정이 남달랐다.“저를 끝까지 믿어주는 사람 중 한명이다. 남들이 못 본 저의 매력을 가장 먼저 발견해주신 분이기도 하다. 가수 시절 저의 팬이었다고 말씀하셨다. 그 인연이 계속 이어져 오고 있는 것 같다.”이지나 연출에 대해 이야기 할 때 리사의 표정은 유난히 빛났다. “판타지라고 할수도 있는데, 내가 모르는 나의 매력을 끌어낼 수 있는 사람이 옆에 있으면 좋겠다고 생각한 적이 있다. 처음으로 그런 사람을 만났다. 바로 선생님이시다. 나뿐만 아니라 선생님은 어떤 배우를 선택하기로 마음먹은 이상 끝까지 버리지 않는 분으로도 유명하시다. 멋있는 연출가 중 한 명 이시다.” 연출가와 배우의 궁합이 이보다 더 좋을 수 있을까 할 정도로 이지나 리사 콤비의 작품은 좋은 평가를 받아온 것도 사실.그녀의 작품 목록을 하나 하나 짚어보다 우연히 드는 생각 하나. 30대 초반인 그녀가 결혼을 하고 30대 후반이 되면, 이지나 연출의 ‘버자이너 모놀로그’ 무대에 서지 않을까? 이런 가상의 질문에 대해 그녀는 “정식 연기 수업을 받은 적도 없고. 아직 제 연기가 그만큼은 가지 못했어요. 만약 하게 된다면 영광이죠. 유명한 작품이라는 말만 들었지 직접 본 적은 없어요. 이번 공연은 꼭 챙겨봐야겠내요”라며 기쁨을 감추지 못했다.■ 상대의 마음을 움직이는 진지한 배우 ‘리사’리사는 뮤지컬 배우이기도 하지만 2003년 ‘사랑하긴 했었나요’로 데뷔한 9년차 가수이다. 서울종합예술전문학교 교수이기도 하다. 그녀를 수식하는 말은 또 있다. 홍익대 서양화학과 출신 화가이다. 오는 12월 1일부터 10일까지 청담동 갤러리 원에서 전시회까지 열 계획이다.“이 많은 역할을 하려면 정신없겠다고 하는 분도 계신다. 하지만 제 성격상 이렇게 바쁘게 돌아갈 때 좋은 작품이 나오는 것 같다.”“사실, 미술과 음악이 시작되는 선과 펼쳐진 화면은 비슷하다. 음악가와 미술가가 세상을 표출하는 방식이 다를 뿐이다.” 실제로 그녀는 뮤지컬 및 음반 작업이 없는 경우에 그림을 그리며 시간을 보낸다고 한다.리사는 폭발적 에너지를 가진 배우로 대중들에게 알려졌다. 그런 그녀인만큼 무대 뒤편에서 배우들이 흔히 겪는 초조한 떨림을 경험하지 않았을 듯 싶다. “무대 오르기 10분 전, 물론 떨리죠. 하지만 기분 좋은 떨림이에요. 배우가 긴장하기 시작하면 다른 동료 배우 및 관객들에게도 전달된다는 것을 알게 된 뒤론 무대를 즐기기로 마음 먹었어요. 연습 때 하던 대로 떨지 않고 하면 모두를 위해서 좋은 무대가 만들어지더라구요”매사에 당당한 그녀지만 슬럼프가 없었던 건 아니다. “강해보이지만 소심하고 여린 성격이다. 남들이 ‘작품 좋았다. 연기 잘했다’고 아무리 말해도 내 스스로 괜찮았다고 평가하지 않으면 감정적으로 힘들어지는 것 같다. 그러다 (디테일한 캐릭터 잡기)고민이 해결되고 한 단계 올라가는 느낌을 받으면 괜찮아진다”뮤지컬 배우로서의 삶에 대해 평가해달라고 부탁했다. “연기자, 가수, 뮤지컬 배우 중 가장 어렵고 할 일이 많은 직업이 뮤지컬 배우인 것 같다. 유명 배우 외에는 돈을 크게 벌 수 있는 직업도 아니다. ‘작은 티끌이 모여서 하나의 큰 산이 되듯’ 뮤지컬 배우 한명 한명이 모여 기쁨을 만들어내는 작업을 해낸다. 아무나 할 수 있는 직업은 아닌 게 분명하다. 배우의 길이 주어진 것에 감사하고 있다.”다시 태어나도 여자로 태어나고 싶다는 리사. ‘우먼파워’를 가져갈 수 있는 작품이라면 어떤 작품이라도 출연하고 싶다는 포부를 밝혔다. 곧바로 대작 뮤지컬로 관객몰이를 하고 있는 ‘조로’가 떠올랐다. “여배우가  ‘조로’가 될 수 있다면 당연 하고 싶죠. 날렵하게 공중을 날라 다니고, 높은 곳을 오르는 건 자신 있어요. 하하하. 기회가 된다면 할리우드 영화 속 카메오로도 출연해 보고 싶어요”. 스키, 웨이크보드등 못하는 운동이 없는 ‘만능 스포츠우먼’스런 대답이다. ‘광화문 연가’에 함께 출연한 배우 구원영과 절친이라고 밝힌 리사는 “예쁜 척 하는 사람을 보면 솔직히 짜증난다. 언니(구원영)는 그런 것 없이 털털해서 좋다”는 말도 전했다.인터뷰 말미 그녀의 연인 ‘송창의’에 대한 질문을 넌지시 물었다. “우리는 ‘진지커플’이에요. 남들이 농담으로 던진 말들도 ‘왜 그러는데?’ ‘도대체 왜 그랬을까?’라며 되묻는 커플이에요. 그런 부분에서 성격이 잘 맞아요. 하하하 ” 불편한 질문이 되지 않을까 우려했던 기자의 선입견을 깡그리 무너뜨리는 대답이었다. 곧 그녀는 사랑에 빠진 그 또래 평범한 여자 아이들처럼 자신의 남자친구 ‘송창의’에 대한 따뜻한 마음을 전했다. 정해진 틀에서 벗어난 질문은 절대 용납하지 않은 채 접대용 대사를 중얼거리는 여타의 배우들과는 달랐다. 이 점이 배우 리사의 매력인 것은 분명해 보인다.“누군가에게 진실한 감정을 느낀 후에는 믿음감이 생긴다.” 인터뷰 내내 들었던 생각이다. 이지나 연출도 이 점을 미리 간파한 듯 보인다. 상대의 마음을 움직이는 리사의 진실한 에너지는 12월 9일 ‘에비타’ 무대에서 만천하에 공개될 예정이다.공연 칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

뮤지컬 '조로'에서 배우 조승우 공연장면(사진제공:쇼팩)모두가 기다리던 ‘조로’가 가면을 벗었다. 단연 화제는 대한민국 최고의 뮤지컬 스타 조승우, 박건형, 김준현이 맡은 3인 3색의 조로다. 이들은 부상당할 상황을 대비해 보상 금액이 최대 10억원 상당인 상해 보험에 가입하기도 했다. 런던 웨스트엔드 흥행작+배우에 대한 신뢰감+스펙타클한 볼거리에 대한 설레임이 추가 돼 관객의 기대치는 더욱더 높아졌다.작품의 첫 인상은 ‘쇼 뮤지컬’의 전형이었다. 영웅의 등장을 알리는 특유의 음악과 함께 바람처럼 나타난 ‘조로’는 아찔한 공중 아크로바틱을 선보였다. 곧 마술처럼 사라지며 다음을 예고한다. 결정적 순간에 다시 나타난 ‘조로’는 검술로 남성미를 과시한다. 변장하지 않은 ‘조로’ 즉 ‘디에고’는 재킷 앞 섶을 풀어해쳐 탄탄한 복근을 언뜻언뜻 내비친다. 무대 앞뒤를 종횡무진 뛰어다니느라 ‘헉헉’ 거리는 와중에도 로맨틱한 사랑을 나눈다. 게다가 유머감각까지 갖췄다. 가히 여심을 녹일만한 남자다.블루스퀘어 객석에선 웃음소리가 끊이지 않았다. 이를 위트 넘치는 대사로 받아들인 이는 긍정표에 한 표를 던졌겠지만, 탄탄한 이야기구조에 강점을 두는 관객이라면 부정표로 돌아설수도 있겠다. 실제 극장에선, 진지한 장면임에도 객석에서 웃음보가 터져 과히 몰입이 쉽지 않았다. 뮤지컬 '조로'에서 배우 박건형과 문종원‘조로’는 어릴적 친구인 ‘라몬’의 악행으로 고통 받는 아버지와 민중을 구하기 위해 캘리포니아로 다시 돌아온 '디에고‘의 복수극이다. 그럼에도 우리의 영웅 ’조로‘는 정의의 사도 ‘조로’로 자리매김 하지 못했다. 오히려 ‘자유’, ‘정의’에 대한 갈망은 집시 킹스(The Gipsy Kings)의 음악에 맞춰 선보인 집시여인들의 처절한 구음과 플라멩코 춤에서 나왔다.최고의 명장면은 객석 위를 대각선으로 가로지르는 와이어 액션 장면과 와이어를 매달고 천장을 오가며 펼치는 전투 신. 밧줄 하나에 의지한 채 펼치는 아슬아슬한 공중 액션은 분명 스릴 있었다. 실제 불꽃이 무대를 화려하게 장식한 ‘조로’의 이니셜을 딴 ‘Z’ 플레임, 거대한 십자가와 브릿지의 전복 장면도 긴장감 넘친다.이렇듯 역동적인 장면 전환과 뜨거운 정열의 플라멩코와 음악에도 불구하고 ‘뮤지컬 조로’는 전체적으로 평면적이다. 가장 큰 이유는 주인공들의 심리를 전달해 줄 넘버가 부족하다. 그나마 삽입된 넘버 역시 찰떡궁합을 이루지 못하고 있다. 곁다리 이야기에 매여있다보니 설명적 장면들이 자주 끼어든다. 반면 영웅 ‘조로’의 고뇌는 입체적으로 구축되지 않아 관객들을 설득 시키지 못했다. 악한 ‘라몬’의 캐릭터 역시 명확한 색깔을 띠지 않고 있는데, 단순히 아랫사람에게 큰소리치는 매력 없는 악한으로만 그려져 거부감을 갖게 했다. 최고 13만원을 내고 티켓을 산 뮤지컬 팬들을 만족시킬 수 있을까. 쉽사리 ‘네’라고 답하기 힘들다. 뮤지컬 '조로'중 앙상블과 배우 김선영자유로운 영혼의 소유자, 집시 스피릿의 전형을 보여준 배우 김선영 이영미(이네즈 역)의 존재감이 빛난다. 주역들 외에 앙상블들이 숱한 고생을 했음이 짐작되고도 남는다. 하지만 대작 뮤지컬에 대한 관객들의 평가는 냉철하다. 오래 기억에 남는 ‘쿵’ 소리나는 감동의 뮤지컬이 되지 못한 점이 아쉽다.‘조로’가 공연되는 블루스퀘어 ‘3층은 아예 사석’이라는 극장에 대한 불만도 계속 쏟아져 나오고 있다. 제대로 교육받지 못한 블루스퀘어 하우스매니저에 대한 불만도 한마디 더해야겠다. 늦게 입장한 관객을 뒤쪽 빈자리가 남아있음에도, 공연에 집중하고 있는 여러 관객을 헤쳐 나간 후 앉을 수 있는 가운데 원래좌석에 앉혀주는 의도를 알 수가 없었기 때문이다. 그 하우스매니저가 왼쪽 시야를 가리고 늦게 입장한 관객이 오른쪽 시야를 가려 결국 ‘조로’가 순식간에 사라지는 중요한 장면을 보지 못했다. 이렇게 황당한 경우는 처음이다. 뮤지컬 전용관에 맞는 직원교육이 실시되야 할 듯 싶다. 2012년 1월 15일까지 한남동 블루스퀘어.공연칼럼니스트 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)