소송이 진행되는 법정 풍경이다. 방청석에 사람들이 가득 모인 것을 보니 꽤 관심을 끄는 사건 소송 같다. 피고 측 변호인이 두 팔까지 휘저으면서 변론을 펼치며 재판장의 시선을 끌려 한다. 피고를 위해 거짓 눈물까지 떨어뜨리며 사람들의 동정심도 유발하고 있다. 화려한 코트를 입은 피고는 차림새로 보아 힘이 센 집안 마나님 같다. 반성은커녕 교활한 미소가 얼굴에 가득하다. 재판에서 이길 것을 확신한 듯하다. 19세기 프랑스 사실주의 화가 오노레 도미에의 작품이다. 도미에는 묘사 방식보다 사회적 현실을 날카롭고 비판적으로 풍자했다는 점에서 사실주의 화가로 분류된다. 그는 근대 시민사회로 변화를 가져온 프랑스 대혁명을 겪었고, 자본주의 사회 변화를 일으킨 산업혁명도 겪었다. 그리고 두 혁명에서 소외된 사람들의 삶을 소재로 사회적 현실을 비판적으로 다루었다. 그는 핍박받던 민중의 편에 서서 부르주아 계층의 몰인정함이라든지 정치가, 법률가, 성직자 등의 위선과 기만적인 모습을 그림에 담았다. 19세기 경제를 뒤바꾼 산업혁명의 문제점에도 주목했다. 산업화로 인한 빈부 갈등, 분업으로 인해서 겪게 된 고립감, 그곳에서 서민들이 느끼는 삶의 애환 같은 시대적 감정을 주제로 했다. 그는 파리의 여러 주간지에 이런 내용을 담은 정치적 풍자화를 기고하며 지냈다. 그 탓에 화가로서 그의 그림은 캐리커처와 순수 미술 사이의 경계에 해당하는 독특함을 보였다. 형태를 생략하고 과도하게 변형시킨 것은 그가 오랫동안 풍자화를 그리면서 터득한 방법이었다. 이런 그림이 특정 부류의 인간들이 보이는 동작의 한 측면이나 사회적 성격을 잘 드러냈다. 그래서 도미에는 현실의 비판적 내용을 축약한 작품으로 당시 사람들의 시선을 끌고 깊은 공감을 자아냈다. 보다 널리 전파하기 위해서 석판화 기법을 사용하고 많은 사람이 감상할 수 있게 해서 예술 감상의 민주화도 이루었다. 예나 지금이나 어느 나라에서나 법률가들의 말장난과 말잔치가 서민들의 가슴을 멍들게 하는 것 같다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

20세기 현대미술은 새로운 시도들이 짧은 기간 동안 나타났다가 사라지는 부침의 연속이었다. 야수파가 그랬고 나비파도 그랬고 입체파도 그리 오래 지속되지 않았다. 그중에서 가장 오래 영향력을 유지한 미술 양식은 초현실주의였다. 초현실주의는 1차 세계대전 후 폐허가 되어 버린 현실을 배경으로 등장해서 20여년 동안 예술가들을 사로잡았다. 1920년대와 1930년대 유럽 사회는 불안정했다. 1차 세계대전의 상처가 남아 있었고, 1929년 시작된 세계 경제 대공황은 사람들의 생활과 미래에 대한 믿음을 크게 흔들어 놓았다. 초현실주의 예술가들은 절망적 현실을 넘어서는 또 하나의 현실이라는 의미의 ‘초현실’세계를 표현하려고 했다. 이들은 이런 세계를 일상세계의 논리나 합리적 사고를 벗어난 곳에서 찾으려 했다. 그래서 꿈 또는 무의식의 세계같이 비합리적이며 낯설고 신비스러운 것들에 주목했다. 살바도르 달리의 이 작품에서 특히 두드러졌다. 작품에 대한 여러 해석들이 있는데, 다음은 그중 하나이다. 달리가 그의 고향 카탈루냐의 스산한 해안 풍경을 배경으로 삼았다. 황량하게 깎인 바위산과 앙상하게 말라 죽은 올리브나무에 회중시계 속 시간을 갉아먹는 개미들을 덧붙여 폐허 속의 절망과 허무함이라는 시대적 이미지를 암시했다. 여기저기 늘어진 시계들은 금속성 시계의 객관적, 물리적인 시간보다 우리가 느끼는 주관적인 시간을 은유한다. 지루한 일을 할 때의 한 시간은 길게 늘어지는 것처럼 느끼지만, 즐거운 여행에서의 하루는 너무 빠른 것처럼 느끼는 식의 시간이다. 이런 시간 안에서 기억들이 자리 잡고, 거기에도 느낌이 동반된다. 전쟁과 같은 큰 사건에 대한 기억이 지속되며 우리를 고통스럽게 한다. 하지만 일상 속 사소한 일들이 기쁨, 반가움 등의 감정과 함께 기억되면서 사회적 고통에서 잠시나마 벗어나게 해준다. 달리와 초현실주의는 이런 식으로 그 시대 사람들이 바라던 기대와 소망을 풀어냈고, 다른 미술 양식들보다 더 오랫동안 유지될 수 있었다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

코카콜라병 이미지들이 반복해서 나열되었다. 아래에 빨간색 코카콜라 상품 로고까지 덧붙여서인지 도무지 미술작품으로 받아들여지지 않는다. 실크스크린 판화 방법도 엉망이다. 콜라병 이미지들의 선명도나 명확성이 서로 달라서 거칠고 어설픈 아마추어 작품처럼 보인다. 이 모든 평범함과 지루한 반복 그리고 조악함을 특징으로 하는 이것은 미국 팝아트를 대표하는 앤디 워홀의 작품이다. 1960년대 미술계의 대세였던 미니멀 아트는 극단적인 추상 작품들을 쏟아냈다. 이런 작품들이 대중들을 당혹감에 빠뜨렸고, 상업 미술로 성공을 거둔 워홀이 그 사이를 영리하게 파고들었다. 워홀은 대중사회와 대중문화의 등장, 자본주의 생산과 소비라는 시대의 흐름을 읽고 작품으로 끌어들여 새로운 미술의 출발을 알렸다. 20세기 대중사회로 전환이 이루어지면서 일부 엘리트들의 문화독점 현상이 무너지기 시작했다. 대중문화라는 새로운 문화형식이 출현하고 사회 전체에 영향력을 행사하게 되었다. 그래서 워홀은 가장 평범한 소재인 코카콜라병을 선택해서 대중문화의 상징물로 만들고 대중들에게 다가가는 미술작품을 제시했다. 또한 워홀은 미국 자본주의가 대량으로 생산되고 소비되는 물질문화와 연관되어 있음을 간파했다. 서적이나 잡지, 사진, 레코드 등의 대량생산처럼, 미술작품을 실크스크린 기법을 사용해서 대량으로 생산했다. 순수미술의 엘리트주의를 비판하기 위해서였다. 그뿐만 아니라, 의도적으로 콜라병 이미지들 사이의 선명도에 차이점을 만들어내서 자본주의 상품 마케팅도 흉내 냈다. 똑같은 상품이지만 포장만 약간 다르게 해서 내용물에도 차이가 있는 것처럼 호도하는 상업적 마케팅을 풍자하기 위해서였다. 콜라병 이미지들의 단조로운 반복이 상품문화가 지배하는 삶에 대한 한탄과 공허함을 시사한다. 똑같은 구조의 집에서 살면서 똑같은 스타일의 옷을 입고 똑같은 음식을 반복해서 먹는 지루한 동일성의 사회 속 삶의 이야기이다. 워홀의 이 메시지가 지금 우리에게도 울림을 주고 있다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

트로이 전쟁 영웅 오디세우스가 전쟁에서 승리한 후 고향으로 돌아가는 여정을 다룬 영화 ‘오디세이’가 화제다. 트로이는 지금의 튀르키예 북서부에 있었던 고대의 도시국가였다. 트로이 전쟁에 대해서는 신화적 설명과 역사적 설명이 많이 다른데, 신화적 설명이 더 흥미롭고 예술로도 자주 다루어진다. 질투의 여신 에리스가 바다의 여신 테티스의 결혼식에 초대받지 못하자 심술을 부려 ‘세상에서 가장 아름다운 여신에게’라고 쓰인 황금사과를 던져 넣었다. 헤라, 아테나, 아프로디테(로마식 이름 비너스)가 서로 자기 거라고 싸우면서 결혼식장은 난장판이 됐다. 보다 못한 제우스가 트로이의 왕자 파리스에게 심판을 맡겼고, 파리스는 자신을 선택해 주면 아름다운 여인을 소개해 주겠다는 아프로디테에게 황금사과를 안겨 주었다. 그리고 그 대가로 소개받은 스파르타 왕비 헬레네를 데리고 트로이로 귀국했다. 그 후 헬레네를 찾아오기 위해서 그리스 연합군이 트로이를 침공하며 트로이 전쟁이 시작됐다. 트로이의 저항은 만만치 않았고, 성문은 좀처럼 열리지 않았다. 급기야 그리스 연합군이 병사들을 숨긴 목마를 성안으로 들여다 넣으려는 계략을 꾸몄는데, 트로이 신전의 제사장 라오콘이 그 계략을 눈치채고 끝까지 반대했다. 그러자 그리스 연합군 편에 선 신들이 두 마리의 뱀을 보내 라오콘과 그의 두 아들을 물어 죽이게 했다. ‘라오콘 군상’은 이 내용을 나타낸 작품이다. 두 마리 뱀이 세 사람의 몸을 휘감고 있는 모습이 역동적으로 잘 표현됐다. 뱀과 싸우고 있는 라오콘과 두 아들이 고통스러워하는 표정도 실감 나게 보인다. 라오콘과 두 아들의 뒤틀린 몸통이나 팔의 근육 묘사에서도 고통과 절망감이 느껴지고 모든 점이 모여 당시의 극적인 장면을 생생하게 드러낸다. 절제와 균형의 고전기 그리스 미술을 넘어 과장되고 장식적인 느낌으로 향한 그리스 미술 말기 헬레니즘 시대 작품이다. 르네상스 시대에 발굴된 것을 미켈란젤로가 복원했고, 강렬한 표정 묘사나 격정적인 자세가 화려하고 장식적인 바로크풍의 조각에 영향을 주었다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

특정의 한 시대에 하나의 미술 양식만이 유행하지는 않았다. 특히 17세기가 그랬다. ‘불규칙적인’이란 뜻을 품은 감성적 경향의 바로크 미술이 로마에서 시작해서 전 유럽으로 확산될 때, 유독 프랑스에서는 한계를 드러냈다. 루이 14세가 정치적 안정의 시대를 이루고, 외부로부터의 영향에 휩쓸리지 않도록 한 덕분이었다. 프랑스인들은 이 시대 미술을 바로크 미술과 구분해서 ‘고전주의‘ 또는 ‘루이 14세 양식’이라고 불렀다. 고전적 고대의 양식과 주제를 바탕으로 삼았고, 방법에서는 균형과 절제를 중시하는 이성적 경향을 선보였다. 하지만 이런 고전주의도 바로크라는 시대적 흐름을 완전히 외면할 수는 없었다. 바로크적 특성을 반영하되 절제되고 균형 잡힌 형식 속에 담으려 했다. 그래서 17세기 프랑스 고전주의는 ‘고전주의적 바로크’ 또는 ‘바로크적 고전주의’로 불리기도 한다. 이런 특징의 전형을 풍경화로 보여준 화가가 클로드 로랭이었다. 그는 생애의 대부분을 로마에서 보냈고, 장엄한 유적들이 있는 로마 근교를 답사하면서 그림을 그렸다. 그렇게 탄생한 ‘전원풍경’은 바로크풍의 감성적 경향으로 가득하다. 전경의 두 인물에서 풀을 뜯는 소떼와 나무들을 거쳐 멀리 보이는 성곽으로 향하는 지그재그식 전개가 공간의 운동감을 만들어낸다. 나뭇잎들의 불규칙하고 오밀조밀한 형태와 색채 변화는 바로크풍 묘사를 연상케 한다. 노을이 산 너머로 지면서 붉은 기운을 뿜어 사방으로 퍼지며 고즈넉한 저녁 분위기로 우리를 물들이고 있다. 그런데 로랭이 좌우 수직 축의 나무들로 정형화된 틀을 만들어 화면 전체를 정돈된 형식 안에 자리 잡게 했다. 인물과 소떼의 전경, 성곽이 자리 잡은 중경, 노을 아래 산의 원경을 르네상스식 그림처럼 그림 표면을 향해서 평행하게 중첩시키면서 꽉 짜인 이성적 구도의 그림을 만들었다. 그 결과, 평온한 목가적 정경이 되고 안정과 균형을 추구했던 고대에 대한 추억과 분위기 속으로 빠져들게 한다. ‘바로크풍의 고전주의 화가’로 불리는 로랭 그림만의 매력이다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

2차 세계대전 후 미국 미술이 세계 미술계의 주목을 받게 된 데에는 추상표현주의의 시작을 연 잭슨 폴록의 공이 컸다. 그 이후의 화가들은 물감을 뿌리고 흘리고 떨어뜨리는 폴록의 방법에 매혹됐고, 자신들만의 작업 방식을 개척해 나갔다. 그중 한 명이 모리스 루이스였다. 루이스는 묽은 아크릴 물감을 캔버스에 부어서 물감이 캔버스 속으로 스며들게 했는데, 자연스러운 물감 자체의 효과를 만들기 위해서였다. 간혹 물감이 스미는 캔버스를 움직여서 물감의 흐름을 조절하고 변화를 연출하기도 했다. 이 그림도 그렇게 탄생했고, 색 면 추상 회화로 불렸다. ‘… 하는 동안(while)’이란 제목을 통해 이 작품의 의미들을 짐작해 볼 수 있다. 하나는 작품의 결과물보다 탄생 과정이 더 중요하다는 의미이다. 단순한 색 띠들로 구성되어 있지만 그것들이 이루어지는 과정과 작가에 의해서 발휘된 변화의 제스처가 중요하다는 것이다. 다른 하나는 그렇게 탄생한 색 띠와 색 면들이 우리에게 말을 걸고 효과를 발휘하는 과정을 주목해 보자는 의도이다. 1960년대 루이스를 포함한 미국의 색 면 추상 화가들은 색채 평면이 무엇을 서술하거나 은유하는 수단이 아니라 그 자체로 목적이 될 수 있고 하나의 작품이 될 수 있다는 것을 보여주려 했다. 입체적 이미지를 연상시키려 한 구상미술과 달리, 가장 회화적인 특성인 평면성과 색의 영역을 강조해서 회화가 평면작업 자체임을 나타내려 했다. 그런 색 면들 스스로 서로 간섭하고 영향을 끼치면서 만들어 내는 효과가 작품의 객관적이며 공적인 의미가 된다는 관점에서였다. “루이스의 작품들이 한곳에 모인다면, 그 작품끼리 서로 이야기를 나눌 것이다.” 루이스의 예술 세계를 비평가들이 해석하고 설명할 때 주로 사용하는 문장이다. 루이스가 물감을 붓고 캔버스를 흔드는 기법으로 제작한 작품들이 각각 고유한 색채와 형태의 울림을 갖게 되고, 그것들끼리 한 공간에 모이면 서로 대화를 나누듯 시각적인 공명을 일으킨다는 것이다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

입체파가 20세기 첫 번째 4반세기 미술의 방향을 제시했다면, 20세기 두 번째 4반세기 미술을 결정지은 양식은 야수파였다. 입체파에서 기하학적 추상미술로 이어졌다면, 표현주의적 추상미술이 야수파로부터 비롯됐다는 점에서이다. 야수파는 앙리 마티스의 색에 대한 열정에 공감하고 따르면서 작품을 창작한 12명의 젊은 예술가들 그룹이었다. 마티스만이 30대였고 나머지는 모두 20대였던 만큼 전통적인 미술에 비판적이었고, 과감하게 실험적인 방법을 시도했다. 야수파 화가들은 과학과 물질문명이 놀랄 만큼 발전했지만, 그것들이 이루지 못한 신비의 세계가 있으며 예술이 그것을 드러내야 한다고 생각했다. 따라서 미술에 적용했던 과학적이며 합리적인 근거들을 없애려 했고, 원근법이나 고전주의적인 규범 같은 것들을 부정하려 했다. 그 대신 색채의 감각적인 표현이나 선의 자연스럽고 율동적인 흐름을 강조했다. 이 그림은 마티스가 낙원을 상상하며 그린 작품이다. 그림이란 지친 사업가에게 안락의자 같은 역할을 해야 한다는 생각에 따라 제목을 ‘삶의 기쁨’으로 붙였다. 많은 여성과 남성들이 벌거벗은 채 울긋불긋한 풍경 속에서 즐기고 있다. 그림 중앙에서는 남녀가 어울려 흥겹게 춤을 추고 있고, 다양한 자세의 사람들이 뒤엉켜 있으며, 여기저기 피리를 불며 흥을 돋우는 이들도 보인다. 신비로운 색채 물결로 가득해서 모든 이의 동작이 더욱 이상하게 보인다. 사람들의 묘사 방식도 독특하다. 인체는 고무처럼 축 늘어져 있고, 인체 비례도 제각각이라서 그림 속 자유분방한 분위기를 한껏 더 고조시킨다. 거리에 따른 비례 관계도 맞지 않고 색채도 자연에서 볼 수 있는 색이 아니다. 이 그림이 공개되자 미술 비평가들의 비난이 쏟아졌다. 인체 묘사, 색채 사용, 거리 관계 등이 엉망으로 보였기 때문이다. 하지만 피카소는 이 그림을 보고 ‘아비뇽의 아가씨들’이라는 새롭고 실험적인 작품을 만들어냈다. 그 후 이 두 화가에 의해서 현대미술의 큰 흐름이 만들어졌다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

산업혁명은 19세기 유럽 사회에 다방면의 변화를 불러일으켰다. 산업자본주의라는 근대적 경제체제가 탄생했고, 사람들이 직접 부딪치는 생활환경이 나날이 달라졌다. 증기기관차, 가스등, 사진기 등의 발명으로 사람들이 생활의 편안함과 여유를 즐기게 되었다. 영국에서 시작된 산업혁명이 프랑스로 전파되고, 역동적인 현실을 바탕으로 인상주의 미술도 나타났다. 인상주의는 물질문명의 발달과 그에 따른 유행이 빠르게 변했던 당시의 생활 감정을 예술로 담아내려 했다. 그런 생활 감정을 담아내기에 적합한 곳은 도시였으며, 그런 점에서 인상주의는 도시적인 예술이었다. 특히 파리를 중심으로 한 도시 중산층의 삶의 내용에서 소재를 선택했다. 이 그림은 센강변 샤투 지역의 푸르네즈 식당에서 오후를 즐기는 사람들 모습이다. 르누아르가 뱃놀이 후에 점심을 먹던 친구들과 미술계 지인들을 묘사해서 도시인의 낭만적이며 여유로운 생활을 표현했다. 전경 왼쪽 아래에는 그의 여자 친구이며 후일 아내가 된 알린 샤리고를 그렸는데, 모자의 꽃장식과 작은 개의 모습까지 자세히 나타냈다. 그녀의 맞은편으로 같은 인상주의 화가인 카유보트가 있고, 여배우 엘렌 앙드레는 카유보트의 말을 유심히 듣고 무언가를 묻고 있다. 술잔을 들고 있는 모델 앙젤과 중절모를 쓴 모파상의 친구 바르비에 남작과 난간에 기대고 서 있는 식당 주인 푸르네즈도 보인다. 전경의 인물들과 천막 사이의 배경에는 여름날의 따사로운 햇살, 잡풀과 나무가 뒤섞인 강가의 숲, 멀리 보이는 요트가 자리 잡고 있다. 강 위 철도교의 희미한 모습은 기차와 철도로 상징되는 산업혁명 시대의 분위기를 암시하고 있다. 빛과 색의 변화에 초점을 두고 간략한 붓 자국과 색 점들을 사용해서인지, 인물과 배경의 형태감보다 색조들의 뉘앙스가 더 두드러지고 풍요로운 분위기까지 자아내는 그림이다. 연일 장맛비에 시달리고 곳곳의 비 피해 소식까지 접하면서 기분까지 우울해진다. 햇살이 비치는 화사한 날과 낭만과 여유가 넘치는 주말을 기대하며 이 그림을 본다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

기원전 3000년쯤 나일강 유역의 도시국가들이 통일국가를 이루며 이집트 문명이 시작됐다. 고왕국, 중왕국, 신왕국을 거쳐 2000년 동안 30왕조가 이어졌고, 번영의 시기와 혼란과 갈등의 시기가 번갈아 나타났다. 하지만 미술에서는 안정된 양식적 특징이 유지되었는데, 미술이 추구하는 일관된 목표가 있었기 때문이었다. 이집트 미술은 묘사한 사건이나 사물과 인물이 영원히 지속되게 하려 했다. 이미지에 영원성을 담으려 했는데, 이를 위해서 이미지의 형태들을 되도록 명확하게 나타내려 했다. 그래서 사물이나 인물의 특징적인 형태를 가장 잘 나타낼 수 있는 각도에서 표현했다. 머리는 옆모습, 눈이나 어깨나 가슴은 앞모습, 팔이나 다리는 옆에서 본 모습 등이다. ‘네바문의 정원’은 신왕국 시대 곡식 창고 관리관인 네바문의 무덤에 그려진 벽화이다. 고왕국 시대 벽화의 단순하고 엄숙한 느낌과 달리 화려한 색채와 복잡한 구도로 이루어졌다. 하지만 인물이나 사물의 이미지에 영원성을 담기 위한 묘사 방식은 변함이 없다. 중앙의 연못 주변으로 무화과나무, 대추야자나무, 종려나무 등 온갖 나무들이 둘러싸고 있는 풍경이다. 오른쪽 위의 누트 여신이 무화과 열매를 네바문에게 건네고 있는데, 네바문의 모습은 훼손되어 보이지 않는다. 고대 이집트 신화에서 누트는 신성한 생명력을 상징하는 밤하늘의 여신이고, 무화과나무는 사람들에게 안식과 생명력을 주는 존재로 여겨졌다. 묘사 방식은 전통을 따르고 있다. 누트의 얼굴은 옆모습, 눈과 어깨는 앞모습, 팔은 옆모습으로 그려졌다. 연못은 위에서 본 모습이고, 오리와 물고기는 옆에서 본 모습이며, 수련도 옆에서 본 모습이다. 나무들은 모두 옆모습으로 그려져 마치 연못 주변에 누워있는 것처럼 보인다. 나무의 열매들까지 그려 넣어서 어떤 나무인지 쉽게 구분이 간다. 풍성한 연못과 누트 여신의 상징적 의미가 합쳐져 네바문이 살아서 누린 풍요가 그의 죽음 이후에도 이어지기를 기원하고 있다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

중앙의 붉은 보라색 점, 그 주위를 둘러싼 붉은 보라색 작은 원 그리고 모두를 감싸안은 겨자색 큰 원이 모여 한 장의 추상화가 됐다. 그림에 집중해 보자. 중앙의 점이 두드러져 보일 때가 있고, 작은 원이 두드러져 보일 때가 있으며, 겨자색 큰 원이 두드러져 보일 때도 있다. 그때마다 마음의 상태 변화가 미묘하게 느껴진다. 마음의 움직임과 그림이 관계를 맺는다. 이번에는 중앙의 점에 시선을 모으고 마음을 집중해 보자. 오늘 겪은 일의 옳고 그름을 따지지 말고, 내가 지금 집착하는 모든 것도 떨쳐 버리고, 내면에서 꿈틀거리는 욕구나 희망도 잠시 접어 둔 채 중앙의 점으로만 마음이 향하게 하자. 잠시나마 마음이 평온해지고 무언가에 의해 치유받는 순간을 경험할 수 있으리라. 미국의 색면추상화가 케네스 놀런드의 작품이다. 과녁처럼 보이지만, 놀런드가 선불교에 영향을 받아서 그린 마음의 관조를 돕는 작품들 중 하나이다. 선불교는 이론적인 경전 공부보다 참선과 명상 체험을 통한 깨달음을 추구하는 불교 종파이다. 당시 미국에 선불교가 유행하면서 많은 사람이 명상과 참선에 관심을 가졌고, 놀런드가 색 면 추상화에 그 정신을 담았다. 놀런드는 미국 미술의 독창적이고 실험적인 미술 토양을 만든 블랙마운틴 칼리지에서 회화를 전공했다. 여기서 몬드리안의 기하학적 추상과 바우하우스의 조형 이론과 색채를 공부했다. 그 후 미국적 추상화인 후기 색채 추상 전시회에 참가하며 색면회화가 1960년대 미국 현대 미술의 중요한 운동으로 자리 잡는 데 기여했다. 그의 색면회화에는 선불교의 영향인 명상과 정신적 관조의 방법이 반영되었다. 감정의 격렬한 표출을 제한하고 마음을 비우고 정돈하는 명상적 태도를 취하면서 작품 창작에 몰입했고, 감상자들도 명상적 태도로 작품을 대하며 평온과 치유의 순간을 경험하길 기대했다. 그래서 마음의 변화와 집중, 명상과 관조의 순간, 주관적 감정의 배제 등이 놀런드 그림의 기하학적 점과 원과 색채의 순수한 관계로 승화됐다. 박일호 이화여대 명예교수·미학