18세기 영국은 봉건적 왕권 국가에서 근대 의회 민주주의로의 전환기였다. 전환기의 혼란이 이어지면서 사회가 안정을 찾지 못했고, 런던 시내는 더럽고 도둑과 부랑아들이 넘쳐났다. 사회는 민주주의를 향해 한발 더 나아갔지만, 문화와 미술에서는 프랑스나 이탈리아와 비교해서 변방으로 치부됐다. 이런 문화적 열등감을 극복해 준 최초의 영국 화가로 조슈아 레이놀즈가 주목을 받았다. 레이놀즈는 영국 출신으로는 처음으로 18세기 영국 상류계급을 만족시킨 화가였다. 이탈리아로 유학 가서 라파엘과 티치아노의 작품에 영향을 받았고, 귀국 후 영국 미술계에서 초상화로 두각을 나타냈다. 그는 고상하고 품위 있는 주제를 숭고하게 나타내는 미술만이 위대한 작품이 될 수 있다고 주장했다. 그래서 화가는 저급한 손재주 이상의 학식과 상상력이 있어야 한다고 강조했다. 그의 그림들은 ‘장엄한 양식’으로 불렸다. 그가 교훈적인 성경이나 그리스, 로마의 신화를 배경지식으로 활용해서 그림의 권위를 살리고, 인물 초상을 실제보다 더 고상하고 위엄 있게 이상화시켰기 때문이다. 그의 초상화가 당시 귀족들의 취향을 만족시킨 것도 바로 이런 특색 때문이었다. 이 그림은 레이놀즈가 그린 대표적인 어린이 초상화이다. 어린 사무엘이 기도하는 모습인데, 흔히 알려진 것처럼 소녀상이 아니라 소년상이다. 구약성서에 나오는 이스라엘 왕국의 지도자로 존경받는 인물인 사무엘의 어린 모습이다. 어린 사무엘이 하루를 무사히 보낸 것에 감사하며 기도를 드리고 있다. 무릎 자세를 가지런히 하고 두 손을 곱게 모은 채 하늘에서 내려오는 은총의 빛을 맞이한다. 진한 갈색 주조색과 은은한 명암 대비가 조화를 이루며 차분하고 경건한 분위기가 화면 가득 흐르고 있다. 초롱초롱 빛나는 사무엘의 맑고 순수한 눈망울이 우리를 빨아들인다. 그 순간, 지치고 힘든 하루를 의연하게 버틸 수 있는 힘이 솟아난다. 금요일 아침이다. 이 그림을 떠올리며 오늘 하루를 무사히 보내고 나면 즐거운 주말이 온다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

벨기에 출신 표현주의 화가 제임스 엔소르의 그림이다. 꽃장식의 중절모를 쓴 엔소르 주변으로 세상의 온갖 감정을 담은 얼굴 가면들이 가득하다. 아래쪽 다섯 명의 여인 얼굴에는 오만함과 탐욕이 넘쳐흐른다. 화면 중앙 사선으로 줄지은 얼굴들은 눈과 입 모양으로 조롱과 멸시의 표정을 짓고 있다. 화면 위쪽 빼곡하게 자리 잡은 작은 가면들에는 공포와 증오심 가득한 얼굴, 두려움에 떨고 있는 모습, 죽음을 상기시키는 해골들이 뒤죽박죽으로 뒤섞여 섬뜩함을 자아낸다. 마치 가면무도회에 둘러싸인 엔소르의 자화상 같다. 엔소르는 벨기에 북부 항구도시 오스텐더에서 태어났다. 북해를 사이에 두고 영국과 접한 작은 도시인데, 해마다 여름이면 벨기에 왕실 사람들과 영국 상류층들이 해수욕을 즐기기 위해 찾는 관광 명소였다. 사람들이 각양각색의 가면을 쓰고 자신을 표현하면서 벌인 전통 축제도 이때 열렸다. 엔소르가 그때의 경험에서 영감을 받아 이 그림의 가면들을 그렸다. 그는 10대 시절에 브뤼셀의 왕립 아카데미에서 미술을 공부하면서 두각을 나타냈다. 20대 시절에는 자신이 벨기에 출신 바로크 미술 거장인 루벤스 이후 최고의 화가라는 자부심을 나타내기도 했다. 그리고 당시 유행하던 사실주의와 인상주의에 휩쓸리지 않고 독자적인 미술을 구축해야 한다고 주장하며 표현주의로 향했다. 보이는 대상이 아니라 보이지는 않지만 우리 삶에 깊숙이 영향을 끼치는 감정을 표현하기 위해서였다. 하지만 그의 이런 선구적인 태도는 환영받지 못했다. 그의 지나친 자만심이 문제였다. 엔소르는 젊은 시절을 정신적인 고통과 경제적인 궁핍으로 찌들어 살아야만 했다. 19세기 말, 그가 40대로 접어든 비교적 늦은 나이에 조금씩 그의 작품이 주목받기 시작했다. 세기말의 불안과 위기의식 속에서 느끼는 감정을 숨김없이 표출하는 표현주의가 미술의 새바람으로 사회에서 공감을 받았기 때문이다. 자신이 겪은 세상의 모습을 감정이 담긴 얼굴 가면무도회처럼 표현한 엔소르의 이 그림도 그제야 주목을 받았다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

어느 시대나 어느 사회건 역사가 한 방향으로만 흐르지는 않았다. 주류가 지나치다 싶으면 그 흐름을 경계하는 반주류가 대립을 보이며 균형을 맞췄다. 미술도 그랬다. 산업혁명과 과학 문명의 발달을 배경으로 사실주의와 인상주의가 출현했고, 눈에 보이는 구체적 현실이나 시각적 인상의 묘사에 몰두했다. 19세기 말 이에 대한 반발로 상징주의가 등장해서 반대 축을 이뤘다. 상징주의는 물질만능적 풍조 속에서 종교나 도덕 같은 정신적인 것이 경시되는 점을 겨냥했다. 장 모레아스가 상징주의 문학을 제창했고, 미술에서 폴 고갱과 나비파로 이어지면서 영향력을 떨쳤다. 히브리어로 예언자라는 뜻의 나비파는 눈에 보이는 현실 대신 내면적 사상이나 감정을 상징하려 했다. 꿈, 신화, 전설 등에서 소재를 택하고 신비롭게 변형해서 현실 너머의 세계를 은유하려 했다. 대표적 화가인 모리스 드니는 신비로운 분위기와 정신성을 상징하는 그림에 매달렸다. 이 작품은 파리 근교 생제르망앙레의 숲을 배경으로 그리스신화의 예술의 여신 뮤즈들을 그린 것이다. 드니가 백 년 세월을 품은 마로니에 나무들과 나뭇잎들과 그 사이에 앉고 배회하는 여인들을 일상적 정경처럼 나타냈다. 여신들 모습은 그의 아내 마르트를 모델로 했다. 화면 중앙의 세 여인은 마르트의 앞모습과 옆모습과 뒷모습을 합쳐서 구성했다. 피아니스트였던 마르트가 드니에게 예술적 영감을 준 뮤즈였던 셈이다. 드니가 갈색과 검은색의 미묘한 결합과 톤의 변화로 신비로운 분위기를 꾸미고 인물들도 낯선 방식으로 배치했다. 그 결과, 익숙한 듯 보이지만 익숙지 않게 느껴지는 그림이 되었다. 일상적이며 익숙한 숲과 여인들의 모습이 낯설고 신비로운 예술세계로 변했다. 눈에 보이는 나무들과 여인들을 소재로 눈에 보이지 않는 예술적 영감의 원천을 상징한 듯하다. 드니는 미술이 정신의 창조여야 하며 자연의 재현을 넘어서야 한다고 주장했다. 이 주장이 재현을 벗어나 자유로 향한 초현실주의나 추상미술의 등장에 적지 않은 영향을 주었다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

“눈에 보이는 모습을 묘사하려면 사진을 찍으면 된다. 나는 대상의 보이지 않는 깊은 곳으로 뚫고 들어가고 싶다.” 19세기 말에서 20세기 중반까지 살았던 화가 파울 클레의 말이다. 이 기간은 미술 역사상 가장 빛나는 실험들이 이어진 시기였다. 구상미술에서 추상미술로의 변화가 대표적이었다. 화가들이 그림은 대상을 모방하는 것이어야 한다는 구속에서 벗어나면서 다양한 양식을 쏟아냈다. 표현주의, 입체파, 야수파를 거쳐 추상미술로 향해 나갔다. 클레의 이 그림에는 이런 양식적 특징들이 합쳐져 있다. 클레가 사각형, 삼각형, 원형 등의 기하학적 형태로 얼굴을 구성해서 모방으로부터 형태의 해방을 이룬 입체파 방식을 적용했다. 야수처럼 색채를 사용해서 색채의 모방적 특성을 해방시킨 야수파 방식도 끌어들였다. 눈동자는 빨간색이고, 머리는 노란색, 입 부분은 흰색, 볼에는 분홍색 등이 그 흔적이다. 표현주의 영향으로 거칠게 칠한 색채 자국을 남겼고, 이 모든 것들을 합쳐서 반추상적 초상화를 이뤘다. 이렇게 클레는 어느 한 양식에 속한 화가가 아니었다. 그 시대를 살면서 자신이 추구하는 방향에 맞게 작품을 구성해 나갔다. 그가 추상으로 향하게 된 것은 칸딘스키와의 교류를 통해서였다. 음악가 집안에서 태어나서 바이올린 연주자이기도 했던 클레가 ‘색채 음악으로서 그림’을 꿈꾸던 칸딘스키와 뮌헨에서 만나 뜻을 같이했다. 청기사파라는 추상적 표현주의 운동을 이끌면서 두 사람이 추상으로 향했다. 이 그림은 클레가 현대 건축과 디자인의 산실인 바우하우스의 교사로 재직하던 때 자화상처럼 그린 것이다. 나이가 마흔셋이었는데, 작품 제목은 라틴어로 ‘늙은이’란 뜻의 세네치오라고 붙였다. 물리적 나이가 노년은 아니었지만, 다양한 미술을 경험한 그의 예술적 나이가 노년의 경지이지 않았을까 추정된다. ‘망령 든 남자의 머리’라는 부제도 달려 있는데, 사람들이 쉽게 받아들이지 않는 새로운 미술로 향하는 그의 의지와 고뇌를 은유적으로 표현한 것 같다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

유화인데 수채화처럼 보인다. 유화 물감을 아주 묽게 희석하고 캔버스 위에 부어서 물감들 스스로 스미고 얼룩지게 해서 만들어진 작품이다. 1950년대 미국에서 유행한 추상표현주의의 대표적 여류화가인 헬렌 프랑켄탈러가 ‘스미기-얼룩지기’ 기법을 고안해 냈다. 계획된 구성과 명확한 형태의 기하학적 추상에 대한 반발로 그림의 자유분방함과 자연스러운 효과를 목표로 했다. 산은 어디에 있고 어디까지가 바다일까. 그녀가 캐나다 동부 대서양 연안의 섬 노바스코샤 지방을 여행하면서 영감을 얻었고, 자연은 계획대로 모습을 내보이지 않는다는 점에 반해서 물감을 풀어 놓았다. 출렁이는 바다를 보면서 푸른색 바닷물의 오묘한 색채 변화를 보았고, 산을 덮은 초록색 잎들과 단풍이 물들어가는 산의 풍경에 매혹되어서 이런 풍경을 만들었다. 스미기-얼룩지기 방식으로 자연의 오묘한 변화를 담은 색채 추상화를 이뤘다. 이 그림의 다른 특징은 경계가 보이지 않는다는 점이다. 분홍색이 번지며 주홍색과 자연스럽게 겹쳐지고 초록색은 퍼져나가 푸른색을 삼켜버린다. 초록색과 주홍색으로 가득 찬 산의 자태가 푸른빛을 발하는 바다와 하나가 되는 풍경이다. 바탕에 깔린 황토색 얼룩들은 땅 위에 흩어진 흙 자국처럼 배경을 만들고 있다. 어디가 산이고 어디가 바다인지, 어디까지가 주홍색이고 어디까지가 푸른색인지 구분을 없애버린 자연 풍경의 어울림이다. 그런데 참 이상하다. 전혀 어울릴 것 같지 않은 색채 얼룩들이 화면 위에서 각자의 숨을 내쉬고 들이쉬면서 대비와 조화와 긴장감을 만들어낸다. 화면을 통제하고 구획하려는 화가의 의지가 비워질 때 물감들 스스로 스미고 번지고 얼룩지고 퍼져나가면서 각자의 소리를 드러낸 결과이다. 삶의 이치도 마찬가지일 것 같다. 명확하고 간결한 논리가 삶의 대부분을 채우는 것 같지만 사실은 그렇지 않다. 세상이 혼란스러울 때는 흘러가게 내버려두고 지켜보자. 이것저것이 번지고 뒤섞이면서 조화를 이루기도 하고 예기치 않았던 만족스러운 결과와 마주할 수도 있지 않을까. 박일호 이화여대 명예교수·미학

낭만주의는 19세기 초에서 중엽에 걸쳐 전 유럽을 풍미했다. 많은 화가가 프랑스 대혁명 후의 급변하는 현실과 시대 변화를 극적이며 역동적인 방식으로 풀어냈다. 그럴 때 자연으로 눈을 돌린 화가들도 있었는데, 파리에서 남쪽으로 한 시간 정도 떨어진 바르비종 마을에서 풍경화를 그렸던 바르비종파 화가들이다. 이들 중에는 인상주의 운동으로 향한 드가와 마네가 있었고, 사실주의 양식을 개척한 장 프랑수아 밀레가 있었다. 밀레는 이곳 화가들이 순수한 풍경화를 그릴 때 농부들의 생활을 담은 풍속화 방식의 풍경화를 그렸다. 농부의 아들로 태어난 밀레가 자신이 살아가면서 느끼고 겪었던 생각이 담긴 풍경화이다. 사회적 현실이 반영된 풍경화로 불리는 사실주의 그림이다. 바르비종에서 밀레가 그린 ‘이삭줍기’와 ‘만종’이 여기에 해당한다. 자연 속에서 정직하게 살아가는 농부들의 고단한 삶의 모습을 표현하고, 소탈하고 은은한 자연풍경으로는 뿌린 만큼 거둔다는 농촌 생활의 정직함을 보여주는 식이다. 이 그림은 밀레가 죽기 직전에 완성한 풍경화이다. 화면 가운데를 가로지른 흙길 한쪽으로 꽃이 만발한 사과나무와 채소밭이 있고, 다른 쪽에는 들풀들이 어둡고 칙칙한 황무지를 뚫고 모습을 드러내려 한다. 한차례 소나기가 휩쓸고 간 후의 풍경인지라, 화면 오른쪽의 밝은 하늘이 모습을 드러내며 먹구름을 밀어내고 반대편 쌍무지개가 커다란 원을 그리며 여기에 화답한다. 쌍무지개와 밝은 햇살은 대지 위의 희망을 암시한다. 길이 끝나는 곳 나무 아래에서 소나기를 피하던 농부는 안도의 한숨을 쉬고 있다. 봄은 밝고 화사한 모습으로만 다가오지 않는다. 겨울 끝자락의 스산함과 얼어붙은 대지의 심술도 남아 있다. 이 그림이 딱 그렇다. 밀레가 봄이 왔건만 겨울의 어둠을 모두 떨쳐 버리지 못한 봄 풍경을 담았다. 사회적 문제의식과 함께한 밀레가 이 풍경화에도 농부들의 고단한 삶이라는 사회적 현실을 품었다. 그래서 밀레의 풍경화는 보이는 그림이 아니라 생각하게 하는 그림이다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

철학과 미술은 관련성이 있을까, 있다면 어떤 방식일까? 현대철학의 한 분야인 언어철학의 창시자 루드비히 비트겐슈타인의 사상을 적용해 볼 수 있다. 비트겐슈타인은 헤겔에서 정점에 이른 전통 철학의 개념적 혼란이 현실과 동떨어진 관념적 언어를 사용했기 때문이라고 비판했다. 철학이 언어 의미의 명료화에서 시작해야 한다고 주장하며, “언어가 어떻게 의미를 갖게 되는가?”라는 문제에 매달렸다. 그리고 그의 후기 철학에서 언어가 일상적으로 어떻게 사용되는가에 따라 의미가 정해진다는 ‘사용의미론’을 내세웠다. 이런 식이다. 집에서 사용하는 ‘아버지’라는 말의 의미는 평범한 가장을 뜻한다. 하지만 교회에서 목사님이 예배 중에 ‘아버지’라고 할 때는 하느님을 뜻한다. 말이나 단어가 사용되는 맥락에 따라서 의미가 달라지고 다양한 의미를 가질 수 있다는 것이다. 철학이 현실적 삶을 향한 사상이어야 한다는 입장이기도 하다. ‘황소 머리’에 이 사상을 적용해 볼 수 있다. 피카소가 길거리에 버려진 자전거를 발견했다. 그리고 자전거의 안장과 핸들을 떼어내고 안장 위에 핸들을 거꾸로 붙여 이 작품을 탄생시켰다. 그랬더니 자전거의 안장이 피카소 작품에서는 황소의 머리가 되었고, 자전거의 핸들은 피카소의 작품에서 황소의 뿔이 되었다. 자전거라는 맥락과 피카소의 작품이라는 맥락에 따라서 안장과 핸들의 의미가 달라진 것이다. 이 작품은 대상을 기하학적 형태로 분석하고 해체한 후 화면에 재구성하는 입체파 그림의 방식을 공간 속에 입체적으로 펼쳐낸 것으로 해석된다. 일상생활 속에서 만나는 소재로도 작품이 될 수 있다는 색다른 미술의 시도로 평가되기도 한다. 피카소가 비트겐슈타인의 철학을 이해한 후 이 작품을 만들었다고 할 수는 없다. 같은 시대를 살면서 가졌던 유사한 생각을 한 사람은 철학으로 다른 한 사람은 미술로 표현했다고 볼 수 있을 것이다. 기계 문명시대에 기계처럼 부분품들이 서로 상관성을 갖고 맥락을 이루며 움직여야 제대로 작동한다는 생각 말이다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

몸과 마음을 움츠러들게 했던 추위가 서서히 물러가고 있다. 한두 차례 꽃샘추위가 심술을 부리겠지만 계절의 순환이라는 자연의 원리를 이기지는 못할 듯하다. 그래서일까. 나목과 대지를 뚫고 돋아나는 녹색 새싹들의 경이로움에 내 마음도 녹고 있다. 인상주의 화가 오귀스트 르누아르의 풍경화이다. 빨간색 양산을 쓴 여인과 한 아이가 따스한 봄바람을 맞으며 비탈길을 내려오고 있다. 아이는 신이 나서 달음박질치고, 여인은 아이가 넘어지지나 않을까 불안한 마음을 감추지 못한다. 르누아르가 따사로운 햇살 아래의 이 정경을 간략한 붓 자국과 색 점들을 사용해서 나타냈다. 사물이나 인물들의 형태감보다 전체적인 분위기와 부드러운 붓 터치에 더 눈길이 간다. 노란색 풀밭과 초록색 잎을 품은 나무들, 주변의 빨간 꽃들이 이룬 색조들의 뉘앙스만이 두드러진다. 르누아르는 1874년 인상주의 최초 전시인 ‘무명작가 회원전: 관전 낙선 작가 출품기념전’에서 모네를 만났다. 둘은 창작 방법에서 뜻을 같이했다. 자연이나 외부 세계를 인습의 눈이나 규범을 통해서 정리하지 말고, 직접 경험하는 순간순간의 모습과 시각적 인상을 나타내자는 것이었다. 또한 르누아르는 모네의 가족을 모델로 한 그림도 자주 그렸는데, 여기서도 모네의 아내 카미유와 아들 장을 모델로 했다. 모네와 르누아르는 하루가 다르게 변하는 당시 도시 생활의 역동성에 바탕을 둔 그림을 그리려 했다. 현실이란 결정된 상태가 아니라 생성이요 움직이는 과정이라는 생각을 갖고, 자연 속에서 움직이며 변해 가는 것을 빠르고 거친 기교로 나타내려 했다. 그래서 야외로 나갔고, 그 방법으로 대상 표면에 나타나는 빛의 변화를 통한 색의 변화에 주목했다. 제목이나 그림의 대상은 중요치 않았고 방법만이 중요했다. 사람들과 부대끼는 만남보다 주변 풍경에 눈이 먼저 가는 계절인 지금에 꼭 어울리는 그림이다. 주말에는 이 그림처럼 마음을 따듯하게 녹일 풍경을 찾아 나서 보자. 박일호 이화여대 명예교수·미학

귀스타브 쿠르베가 사람들과 인사하며 얘기를 나누고 있다. 옆의 개도 쿠르베를 알아보고 반갑게 짖어댄다. 사람들이 쿠르베의 후원자와 그의 하인이라는 설명도 있고, 그저 평범한 이웃들이라는 설명도 있다. 누구였든지, 등 뒤 배낭 안에 이젤을 접은 막대기와 둥글게 말린 캔버스가 꽉 차 있는 걸 보면 쿠르베가 먼 길을 떠나려는 것 같다. 화면 오른쪽에 길 떠나는 마차도 그려 넣어 여행길의 분위기에 맞췄다. 쿠르베는 프랑스 동부 작은 도시 오르낭에서 태어났다. 그의 아버지는 부유한 지주였고, 아들이 법학을 공부해서 판사가 되기를 바랐다. 하지만 쿠르베는 파리로 유학 와서 루브르박물관의 렘브란트와 카라바조 그림을 본 후 법학을 포기하고 화가의 길을 택했다. 그는 거장들의 작품을 모사하며 미술을 익혔지만, 자신만의 그림을 그리려 했다. 작품의 창작이 감정이나 상상력보다 현실의 직접적인 경험을 중심으로 해야 한다고 주장했다. 그리고 “나는 천사를 그릴 수 없다. 그것을 한 번도 본 적이 없기 때문이다.”라는 유명한 말을 던졌다. 렘브란트의 영향을 받아 갈색 톤과 빛의 묘사를 화면 안에 끌어들이기도 했고, 카라바조처럼 평범한 현실이나 대상을 있는 그대로 솔직하게 나타내려 했다. 이런 그림은 당시 미술계의 대세였던 낭만주의 경향과 다른 것이었기에 미술애호가들의 사랑을 받지는 못했다. 1855년 파리 만국박람회에서 자신의 작품이 전시에서 거부당하자, 그 옆에 천막을 세우고 ‘리얼리즘 전시관’이라는 이름으로 전시하면서 미술계에 저항했다. 쿠르베의 저항으로 시작된 사실주의가 작가들 사이에 퍼져나갔다. 이들은 지금까지 미술에서 소외된 시민과 서민들의 삶 속에서 주제를 택했다. 예술 감상의 민주화를 이룬다는 목표에서 보다 넓은 층의 사람들이 쉽고 편안하게 볼 수 있는 기법이나 판화 매체를 사용하기도 했다. 가장 큰 명절인 설날을 보내고 다시 새해를 맞는다. 거창한 것보다 평범한 현실에서부터, 주변의 평범한 이웃과 반갑게 인사를 나누는 일부터 시작해 보자. 박일호 이화여대 명예교수·미학

세상이 반반으로 나뉘어 극단으로 치우칠 때, 나는 황금분할 비례를 떠올린다. 자연스러운 조화와 안정감을 주는 비례라는 점에서다. 고대 그리스 수학자 에우클레이데스(영어 이름 유클리드)가 만든 이 비례는 2000여년이 지난 지금도 건축, 조각, 패션 등 다양한 분야에서 찬탄되고 사용된다. 에우클레이데스가 한 선분을 둘로 나눌 때와 사각형의 가로와 세로의 길이에서 가장 자연스럽고 이상적인 비례를 찾으려 했다. 그는 선분을 반반으로 나누거나 가로세로가 같은 정사각형은 꾸며낸 것 같다는 점에서 두 선분에 차이가 있어야 한다고 생각했다. 그리고 긴 선분과 작은 선분의 비가 선분 전체와 긴 선분의 비와 같게 하고, 사각형의 긴 변과 작은 변의 비가 대각선과 긴 변의 비와 같게 하는 비례를 만들었다. 대략 0.618 : 0.382(1 : 0.618도 마찬가지)이다. 이 비례는 에우클레이데스가 머릿속에서만 계산해서 만든 것은 아니었다. 무수한 자연 사물들을 관찰하고, 보편적이고 이상적인 비례를 추론하고 수학으로 정리해서 만들었다. 이 비례가 그리스 시대 미의 규범으로 여겨지면서 정당성을 얻었다. 대표적인 사례가 ‘밀로의 비너스’이다. 비너스상의 탁월한 사실적 묘사가 시선을 압도하고, 몸을 약간 비틀어 나타낸 곡선의 여체미가 압권이다. 균형과 조화의 수학적 비례를 적용해서 품위 있는 자태에 정신적 아름다움도 덧붙였다. 얼굴 길이 기준으로 인체가 8등분 되는 8등신이고, 인체의 중심인 배꼽에서 정수리까지 상체와 발끝까지 하체가 황금분할 비례(0.382 : 0.618)이다. 그 후, 이 비례는 다른 조각상에도, 신전 건축 전면의 가로와 세로에도 두루 적용되었다. 그리스 시대로만 그치지 않았다. 몬드리안 작품의 화면 분할에서도 황금분할 비례와 유사한 형태들을 볼 수 있고, 일상에서 흔히 접하는 액자 구조에서도 나타난다. 반반이 아니고 차이가 있지만, 한쪽으로만 치우치지 않고 조화를 이룬 상태가 바로 황금분할 비례이다. 자연에서도 그렇고 인간사에서도 그렇다. 박일호 이화여대 명예교수·미학