스페인 바르셀로나의 카탈루냐 국립미술관에는 눈길을 끄는 벽화가 있다. 본래 카탈루냐 타울 지방의 성 클레멘트 성당에 있던 작품을, 보존을 위해 옮겨 놓은 것이다. 가장 중요한 그리스도는 다른 인물들보다 훨씬 크고 그림의 한가운데를 차지하고 있다. 그가 천상 세계로 이어지는 무지개 위에 앉아 있으며, 주위의 천사들과 복음전도자들이 성스러운 분위기를 더하고 있다. 여기까지는 기독교 미술의 특징적 부분들이다. 그런데 그리스도의 묘사 방식이 독특하다. 그리스도의 작은 입, 코 가까이 그려 놓은 크게 부릅뜬 눈, 거의 평행하게 그어 내린 코의 선들이 조금 부자연스럽게 보인다. 강렬한 원색과 길게 늘인 인체와 평면적인 인물 배치 방식도 색다르게 보이는데, 모든 것이 이슬람교 미술의 영향에 의한 것이다. 기독교 미술과 이슬람교 미술의 특징들이 융합된 모자라빅 양식이다. 이런 작품을 스페인의 일부 지방에서 볼 수 있는 것은 스페인이 8세기쯤부터 이슬람 세력의 식민지였기 때문이다. 중세 시대 이슬람 국가인 사라센제국이 정교일치를 내세우며 영토 확장에 나서 시리아와 이집트와 페르시아를 정복하고, 지중해를 건너 유럽으로 진출해서 서고트 왕국(지금의 스페인)을 점령했다. 1212년이 되어서야 스페인이 이슬람 세력에게서 벗어났고, 한동안 스페인에는 기독교 정신과 이슬람교 정신이 공존하는 시기가 이어졌다. 이 시기 교회는 전시대의 혼란을 극복하기 위해서 교회 의식과 교리를 통일시키려 했다. 교회 사상을 체계화해서 정신적 권위를 세우려 했으며, 그 수단으로 종교적 건축물과 미술작품에 종교적 메시지를 담은 복음서 역할을 기대했다. 하지만 오랫동안 지속된 이슬람교 미술의 영향을 완전히 배제할 수는 없었고, 모자라빅이라는 특이한 형태의 미술이 탄생했다. 지금은 많은 관광객들이 이 작품을 보기 위해서 카탈루냐 국립미술관을 찾는다. 그리고 아니러니하게도 탄생 배경과는 다르게 근원이 다른 두 종교의 화합이라는 메시지를 읽어내기도 한다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

수평선 위로 붉은 해가 떠오르고 있다. 하늘은 이에 화답하듯 주변을 온통 붉게 물들였다. 수면 위는 아직 채 가시지 않은 어둠과 물안개가 뒤범벅이다. 그 길을 뚫고 바다 가운데를 가로지른 해 그림자를 벗 삼아 나룻배들이 하루를 힘차게 시작한다. 클로드 모네의 ‘일출: 인상’이다. 프랑스 북부 르아브르 항이 아침 일찍 깨어나는 장면을 거칠고 생략된 붓 자국으로 담았다. 풍경이나 인물의 구체적인 모습보다 해가 뜰 때의 시각적인 인상을 강조했다. 그래서 윤곽선과 형태감은 사라졌고, 바다 풍경 가득 메운 색들과 짧게 끊긴 선들과 거친 붓 자국 흔적이 어울린 조화와 뉘앙스만이 두드러진다. 아직은 윤곽선과 형태를 살린 그림이 대세이던 시절이었기에, 사람들이 이 파격과 실험적 시도를 보고 충격을 받았다. 당시 유명한 평론가인 루이 르루아가 동행한 미술 애호가에게 형편없는 그림이란 뜻에서 “일출 인상이라네요”라고 비꼰 말이 ‘인상주의’ 명칭을 생겨나게 했다고 전해진다. 인상주의는 19세기 말 산업혁명으로 인한 사회 변화를 배경으로 탄생했다. 과학 물질문명이 발달하면서 사람들의 생각과 감각에 많은 변화가 일어났고, 역동적인 현실을 바탕으로 생활환경도 빠르게 변해 나갔다. 인상주의자들은 이런 역동적인 생활 감정을 표현하려 했고, 일시적이며 순간적인 것들에 관심을 갖고 시각적인 인상에 매달렸다. 모네는 순간적으로 나타났다 사라지는 일출의 인상을 담기 위해서 거친 붓 자국과 색선들을 빠르고 활기차게 구사했다. 그림의 주제보다 방법을 더 중요하게 생각해서였는데, 이 점이 그 후의 미술가들에게 영향을 미쳤다. 미술가들이 그림의 ‘무엇’보다 ‘어떻게’를 더 중요하게 생각하게 됐고, 전통적인 미술에서 벗어나 다양한 창작 방법으로 향하면서 미술의 새로운 길이 열렸다. 새해가 밝았다. 모네의 파격적인 시도로는 새로움을 향한 변화를, 붉은 아침 해로는 희망의 메시지를, 나룻배의 거침없는 행로로는 힘찬 활력을 생각하고 기대하면서 올해를 시작한다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

한 여인이 세찬 바람에 맞서서 옷자락을 휘날리며 앞을 향하고 있다. 그리스신화에서 니케, 로마신화에서는 빅토리아로 불리는 승리의 여신상이다. 1863년 오스만제국(지금의 튀르키예)의 프랑스 부영사가 에게해 북부 사모트라케 섬에서 몸체와 가슴, 옷과 날개 파편들을 발견해서 루브르박물관으로 가져가 복원한 모습이다. 지금은 루브르박물관에서 ‘모나리자’만큼 유명세를 타고 있다. 그리스 후기 헬레니즘 시대 작품이다. 아테네가 펠로폰네소스전쟁에서 스파르타에 패배한 후, 그리스의 정치적인 안정은 중단되었고 도시국가들 사이에 혼란이 계속됐다. 이때를 틈타 북쪽 마케도니아의 필립 Ⅱ세가 쳐들어와 그리스를 정복했고, 그의 아들 알렉산더대왕은 동방 원정을 펼쳐 이집트, 페르시아, 인도 국경에까지 이르는 거대한 제국을 이루었다. 이 국가가 알렉산더 제국이며, 이 시대의 미술이 헬레니즘 미술이다. 그 형태에서 대제국의 힘과 위엄을 과시하는 화려하고 강한 인상이 강조되고, 사실적이며 표현적인 특징이 두드러졌다. ‘승리의 여신상’은 그런 경향을 대표하는 작품이다. 승리의 여신이 전쟁에서 이기고 돌아오는 전함의 뱃머리에 내려서는 순간을 나타냈다. 머리와 두 팔은 없지만, 오른손에는 승리를 상징하는 깃발을 들었고 왼쪽으로 바다 멀리 전쟁터를 응시하는 모습이었을 것으로 추정된다. 세찬 바닷바람에 날려 휘감기고 펄럭이는 옷자락, 깃털이 촘촘히 박힌 날개의 묘사를 보면 대리석을 깎아서 만들었다고 믿기지 않을 정도로 인상적이다. 탁월한 사실적 묘사와 화려한 기교를 발휘해서 고전적 그리스 미술의 단순한 장엄함을 벗어났다고 평가된다. 양 날개를 한껏 벌려 새로운 승리를 향해 날아오르는 모습으로 해석되기도 한다. 대학교수들이 뽑은 올해의 사자성어는 ‘변동불거’다. 잠시도 멈추지 않고 끊임없이 변하고 흘러간 격동의 해였다는 의미다. 대립과 갈등의 정치가 우리 마음에 답답함을 가득 채운 한 해이기도 했다. 답답함을 떨치고 날아오르는 여신상을 상상하면서 올해를 마무리하고 싶다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

추상회화나 추상조각이 유행한 20세기 초 건축에서는 모더니즘 건축이란 이름의 유사한 경향이 나타났다. 모더니즘 건축은 건물 자체의 기능과 형식을 강조했다. 건물의 장식이나 부속물의 아름다움보다 ‘기능이 곧 미’라는 순수기능주의를 내세웠다. 철골 구조와 유리 등을 사용해서 수직선이 압도하는 고층 건물을 만들어 단순한 구조와 건축 고유의 형식이 두드러지게 했다. 20세기 후반 들어 이런 모더니즘 건축에 대한 반발로 포스트모더니즘 건축이 등장했다. 포스트모더니즘 건축가들은 모더니즘 건축의 획일화된 양식이 전 세계로 퍼져나가 국제적인 양식이 된 것에 반발했다. 그중 한 경향은 직선적 구조와 형식에 치우친 모더니즘 건축에 반대해서 곡선이나 변형된 형태들을 사용하기도 했다. 대표적인 건축가가 지난 4일 별세한 프랭크 게리였다. 게리가 독특한 모습으로 설계한 빌바오 구겐하임 미술관이다. 철강 산업이 쇠퇴하면서 몰락해가던 스페인의 빌바오에 건축했는데, 기둥을 쓰지 않고 변형된 곡선 형태의 티타늄판들을 결합해서 50m 높이의 기괴한 미술관 건물을 만들었다. 모더니즘 건축의 상징인 직선적 구조나 정형화된 형식은 전혀 보이지 않는다. 내부 중앙에는 나선형 형태로 올라가는 아트리움이 있고, 아트리움을 따라 배치된 작은 전시 공간들이 서로 연결되는 개방형 구조로 되어 있다. 각 전시장의 모양과 용도도 일부를 제외하고는 서로 다르게 해서 기능 중심의 공간형식을 파괴했다. 기능이 곧 아름다움이라는 모더니즘 건축 원리를 비판한 해체주의 건축으로 불린다. 그 후, 미술관의 독특한 모습 때문에 관광객들이 몰려들면서 예술을 통해 도시 경제를 살려낸 대표적인 사례로 여겨지기도 한다. 이런 시도로 게리는 예술과 공학 사이에 놓인 건축을 명실상부한 미술작품으로 자리 잡게 했다. 경직된 사회 분위기에 신선한 충격을 주고 건축계에 새바람도 일으켰다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

로마제국 초기 대조를 이루는 두 황제는 네로와 베스파시아누스였다. 네로는 처음엔 철학자 세네카의 보좌를 받고 비교적 온건한 정치를 펼쳤다. 문화예술의 후원으로 명성도 쌓았다. 하지만 로마 대화재 이후 돌변했다. 그 책임을 기독교도에게 돌려 기독교를 박해했고, 잔혹한 행동을 일삼아 귀족과 군부의 반발이 일어나자 스스로 목숨을 끊었다. 베스파시아누스는 네로가 죽은 후 일어난 내전에서 승리를 거두고 새 왕조의 황제로 즉위했다. 폭군 네로에 의해서 피폐해진 로마를 다시 세우기 위해서 무너진 제도와 재정을 정비하고 동요하는 민심을 수습하기 위한 대규모 건축 사업도 벌였다. 대표적인 것이 원형경기장인 콜로세움인데, 베스파시아누스 황제가 시작해서 그의 아들인 티투스 황제에 이르기까지 8년에 걸쳐 제작됐다. 그 베스파시아누스 황제의 흉상이다. 간략하지만 사실적인 묘사 안에 섬세한 효과들이 담겼다. 짧은 곱슬머리가 바짝 붙은 둥글고 단단한 두상, 선이 굵고 오뚝한 콧날과 턱과 목의 깊게 파인 주름 등이 강인함을 풍긴다. 꽉 다문 입과 크게 부릅뜬 눈, 이마와 미간의 험악한 주름 등이 조금은 무자비하다는 인상도 만들어낸다. 황제의 모습이지만 미화하거나 위엄 있는 모습으로 꾸미려 하지 않았고, 인상과 표정을 있는 그대로 사실적으로 나타내려 한 흔적을 볼 수 있다. 로마는 그리스가 꽃피운 서양 고대 문화를 확장해서 절정에 이르게 했다. 사색적인 그리스인들이 이룬 철학과 예술의 업적 대부분을 계승했고, 로마제국의 거대한 영토로 확산시켰다. 또 호전적이며 실용적인 로마인들이 그리스 문화를 건축, 토목 등의 분야로 확대 적용했다는 평가도 받는다. 순수미술에서는 그리스 작품들의 모작이란 형태로 명맥을 유지했다. 지금 우리가 보는 그리스 조각상 대부분이 로마 시대에 제작된 것은 그런 연유에서이다. 로마 미술 특유의 성과가 없었던 것은 아니었는데, 로마인들의 현실적인 성격이 미술작품에서 사실적인 묘사를 중시했고, 그 영향으로 제작된 것이 베스파시아누스 흉상이었다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

훌륭한 회화를 만들기 위해서는 무엇이 중요한가? 미술 창작 방법이 다양해진 오늘날 이런 질문은 많은 사람에게 웃음거리가 될 수 있다. 하지만 17세기 말 프랑스에서는 전혀 그렇지 않았다. 루이 14세의 명을 받고 설립된 왕립 회화조각 아카데미는 규칙과 원리를 내세우며 미술을 통제하려 했고, 그렇게 형성된 사조가 프랑스 고전주의였다. 하지만 창작에 관료주의적 사고와 틀에 박힌 원리를 적용하려 한 점이 한계를 드러냈다. 훌륭한 회화의 조건을 놓고 논쟁이 일어났다. 처음엔 선과 형태가 이루는 데생이 중요하다는 주장이 대세를 이뤘다. 오래지 않아 이성에 호소하는 데생은 소수의 전문가만을 만족하게 하지만, 감각에 호소하는 색채는 모든 이에게 감동을 준다는 반대 목소리가 점점 더 강해졌다. 급기야 루이 14세가 죽고 아카데미의 권위가 내리막을 걷던 18세기 중엽 색채를 강조하는 로코코 미술이 등장했다. 로코코 미술은 개인의 감성적 체험에 주목하고, 아늑하고 감미로운 분위기와 색채를 강조해서 귀족들의 극찬을 받았다. 특히 프랑수아 부셰는 관능적인 여체 묘사의 그림으로 이름을 날렸다. 그의 그림 ‘비너스의 화장’에는 쾌락적인 느낌이 화면을 지배한다. 비너스가 어딘가로 가기 위해 서둘러 몸단장을 하고 있고, 그의 아들인 사랑의 신 큐피드가 비너스에게 무언가를 말하고 있다. 사랑의 달콤함을 상징하는 장식품들이 널려 있고, 감미롭고 부드러운 느낌의 세밀한 묘사들이 분위기를 한껏 북돋운다. 누가 봐도 탐미적인 이 그림에 18세기 귀족들이 열광했고, 한쪽 벽면에 장식해 두고 향락적인 분위기로 빠져들기도 했다. 로코코 미술의 이런 측면이 후세 사람들에 의해 비판을 받았지만, 창작에서 개인의 감성적 체험을 강조한 점은 낭만주의에 영향을 미치기도 했다. 감각적 경험을 강조하는 경험론 철학이 데카르트의 합리론 철학과 맞서는 인식론으로 받아들여진 상황도 한몫했다. 사회적 인식론적 변화를 배경으로 감성과 상상력을 강조하는 낭만주의가 새 시대 미술언어로 자리 잡았다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

축제가 벌어지고 있다. 그런데 좀 이상하다. 전라, 반라의 여인과 사람들이 뒤섞여 머리를 풀어헤친 채 몸을 격렬하게 흔들어댄다. 사방을 향해 축 처진 팔다리와 고개를 휘젓고 괴성까지 질러대는 것 같다. 덴마크 출신의 독일 작가 에밀 놀데 작품인데, 그 시대의 불안함과 위기의식을 구약성서 내용을 끌어들여 은유적으로 표현했다. 모세가 하느님을 만나러 시내산에 올라가 보이지 않자, 사람들이 황금 송아지라는 눈에 보이는 우상을 만들어 노래하며 춤추는 장면에서 따왔다. 그림이 그려진 1910년은 유럽에 1차 세계대전의 전운이 감돌던 시기였다. 19세기 말 20세기 초 기계 물질문명의 발달은 새로운 시대를 열고 미래의 진보를 약속하는 듯했다. 하지만 각 나라의 이익 추구가 제국주의를 낳았고, 첨단의 무기까지 만들어내면서 인류가 큰 비극으로 치닫게 됐다. 놀데가 이런 시대 분위기를 물질문명과 자본주의의 향락에 심취한 황금만능적인 풍조로 비판했다. 황금 송아지로 우상 숭배라는 의미와 물질 만능적인 세태를 상징했다. 사람들이 그 주위를 돌며 춤추는 광경으로는 비정상적으로 돌아가는 시대 분위기에 취한 모습을 풍자했다. 인상주의 화가였던 놀데는 이런 세태를 인상주의 방식으로는 나타낼 수 없다고 생각했고, 거친 붓 자국과 화려한 색채를 사용하는 표현주의 경향으로 향했다. 인상주의적인 밝은 색채를 사용했지만, 어두운 시대 분위기를 나타내기 위해서 얼굴과 신체 그리고 색채들을 거칠고 해체된 형식으로 표현했다. 표현주의 화가들은 왜곡된 형태와 거칠고 현란한 색채로 마음속의 불편한 감정을 해소하는 카타르시스 효과를 노렸다. 19세기 말 사람들 사이에 퍼진 사회적 위기의식과 정신적 혼란이 인간 스스로가 자초한 것이라는 경계의 메시지도 담았다. 놀데가 표현주의로 향한 이유다. 그래서일까. 축제 그림이 주는 카타르시스보다 경계의 메시지가 더 와닿는다. 눈앞의 자기 이익만을 앞세우는 지금의 국내외 상황 같다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

아침저녁으로 제법 선선한 바람이 분다. 끝나지 않을 것처럼 위세를 떨던 무더위도 이제 숨을 고른다. 쌀쌀함이 약간씩 느껴지는 게 이젠 가을인가 싶다. 심술궂은 여름이 우리를 아무리 힘들게 해도 계절의 변화는 거스를 수 없나니, 자연의 위대함을 새삼 실감한다. 자연의 위대함을 그림으로는 어떻게 나타낼까. 예부터 많은 화가가 자연을 그렸는데 크게 두 가지 예술적 가치, 미와 숭고와 관련된다. 우리가 화사하고 평온한 자연풍경을 보면서 만족감을 느낄 때, 그때 적용되는 가치는 아름다움이다. 한편 우리는 거친 파도에 휩싸인 바다나 무시무시하고 거대한 산 앞에서도 만족감을 느낀다. 자연의 위력에 압도되면서도 그 안으로 빠져들며 감탄하고 경외심을 갖는다. 여기에 적용되는 가치가 숭고이다. 숭고를 잘 표현한 대표적인 화가가 카스파르 다비트 프리드리히이고, 이 그림은 그 예 중 하나이다. 무섭게 몰아치는 거친 파도와 자욱한 물안개가 주변의 모든 풍경을 금방 삼켜버릴 것 같다. 바위섬을 가로질러 저 멀리 보이는 산맥을 향해 자연의 위협적인 위용이 뻗어 나가고 있다. 먼 길을 유랑하며 지친 듯한 사람이 지팡이를 짚은 채 노을이 내려앉는 이 광경 속에 푹 빠져 있다. 뒷모습은 평온하게 상념에 잠긴 듯하지만, 절벽 끝 험준한 바위 위에 서 있는 모습이 위태롭고 불안한 마음을 갖게 한다. 이렇듯 숭고는 위협적인 자연과 그 앞의 나약한 인간의 대비를 통해 그림 안에 담긴다. 위협적인 대자연에서 느끼는 인간의 한계와 대자연에 대한 경외심을 나타내는 방식이다. 프리드리히의 그림은 주지적 낭만주의로 불린다. 고전주의가 예술이 과학과 마찬가지로 이성적 활동이라고 했다면, 낭만주의는 그 반발로 예술과 과학이 다름을 주장했다. 주정적 낭만주의가 예술이 이성보다 감성이나 느낌과 관련됨을 강조했다면, 주지적 낭만주의는 예술이 과학으로 설명할 수 없는 초월적인 세계를 나타낼 수 있다고 보았다. 자연의 위대함과 경외감을 상징하고 암시하는 방법을 통해서였다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

그리스 역사가 헤로도토스는 이집트문명은 나일강의 선물이라고 했다. 해마다 6~7월이면 강이 범람해서 강가에 비옥한 흑토가 조성되었고, 사람들이 이를 이용하기 위한 지식과 시설을 발전시켜 가면서 문명이 탄생되었다는 얘기다. 이집트 미술은 이 강 유역의 풍요 속에서 두 번의 전성기를 이뤘다. 첫 번째 전성기는 하류의 멤피스를 중심으로 한 고왕국 시대로 왕의 절대 권력을 상징하는 피라미드가 많이 지어진 ‘피라미드 시대’이다. 두 번째 전성기는 그보다 대략 1000년 후 상류의 테베를 중심으로 한 신왕국 시대로 ‘위대한 신전들의 시대’로 불린다. 돌을 쌓아 올리는 피라미드 방식과 달리, 돌을 깎아서 만든 무덤들과 거대한 신전이 많이 지어졌다. 대표적인 곳이 60여명의 왕들 무덤이 모여 있는 ‘왕들의 계곡’이다. 이 작품은 ‘왕들의 계곡’의 한 무덤에서 발견된 궁정 관료의 조각이다. 육면체인 돌덩어리를 그 형태를 살리면서 깎아서 단순하고 정돈된 모습이다. 얼굴은 사실적으로 나타냈지만, 팔과 발은 흔적만 보이고 육면체 자체가 몸통을 대신하고 있다. 몸통의 전면과 받침대의 전면에는 그 시대와 왕을 보필했던 그 관료의 행적에 대해서 상형문자로 기록해 놓았다. 왜 이렇게 만들었을까. 이집트인들은 미술작품에서 사건과 인물들이 영원히 지속되길 바랐다. 이를 위해서 형태를 되도록이면 명확하게 나타내려 했고, 원칙을 철저히 지키려 했다. 조각에서는 육면체를 기준으로 작품을 깎는 방향도 정면, 측면, 위에서 아래로 세 방향만을 허용했으며, 좌상의 경우 양손을 무릎 위에 올려놓고 양발도 가지런하게 정렬해서 단순함과 엄숙함을 드러내려 했다. 이 작품의 얼굴 묘사를 보면, 이집트 미술이 사실적 묘사력이 떨어진다는 평가가 설득력이 없음을 알 수 있다. 이집트 미술의 목적과 기능은 영원히 지속되고 후대 사람들이 기억할 수 있게 하는 것이었다. 그래서 자세한 기록을 남기고, 명확한 원칙을 지킨 이미지를 만들어 내려 했다. 박일호 이화여대 명예교수·미학

프리즈와 키아프. 올해 미술계를 결산하는 두 행사가 막을 내렸다. 런던, 뉴욕, LA와 서울에서 열리는 프리즈와 한국화랑협회가 주최하는 키아프 모두 아트 페어 즉 미술품을 파는 시장이다. 구상미술과 팝아트적인 작품들, 보다 정확히 표현하면 구체적 이미지가 담긴 작품들과 내용이나 이야기가 중심인 작품들이 많이 팔렸다 한다. 이런 현상은 미술사의 큰 흐름과도 무관하지 않다. 구상미술 이후 20세기 한 세기 동안 추상미술이 대세였지만, 내용과 형식을 최소화한 미니멀리즘이나 개념미술에 이르면서 공허한 형식이라는 비판이 이어졌다. 그 반발로 구체적 이미지가 다시 등장하고 대중문화와 관련을 갖는 팝아트적 작품이 유행하고 있다. 추상미술은 과연 공허한 형식이기만 할까. 다른 주장도 있다. 구상미술이 삶의 경험과 직접적, 구체적인 관련을 갖는다면, 추상미술은 간접적, 은유적으로 관련된다는 견해이다. 빌럼 더코닝의 ‘강으로 향한 문’을 보자. 추상표현주의 화가 더코닝은 물감을 속도감 있게 바르고 휘갈기고 문질러서 꺾인 각도, 밀도나 농담 차이를 만들어내서 물감층 아래에서 배어 나오는 깊이감과 거리 효과를 느끼게 한다. 노란색 붓 자국으로 힘차고 활기찬 바탕을 만들고, 그 사이를 거칠고 검은 붓 자국들로 메워서 변화를 준 후, 역시 거칠게 뻗은 연한 분홍색 기둥으로 그림 전체의 균형을 맞췄다. 그 결과 노랑과 검정과 분홍이 서로 어울리며 색채들의 역동적인 조화도 만들어낸다. 더코닝이 이 그림을 강으로 향한 문 앞에 서서 혹은 강과 문을 바라보면서 그렸을 수도 있다. 하지만 더 중요한 것은 깊이감과 거리 효과, 힘차고 강렬함, 역동성과 변화와 균형 등 우리가 살아가면서 겪고 느끼는 것들을 더코닝이 색채와 붓 자국의 은유로 형상화했다는 점이다. 그렇다. 추상미술의 매력은 이런 삶의 은유에서 느끼는 만족감에 있다. 미술이 항상 한 방향으로만 흐르지 않았듯이 내년 프리즈와 키아프에서는 이런 추상의 세계가 주목받지 않을까. 박일호 이화여대 명예교수·미학