로버트 모리스가 공장에서 만들어낸 것 같은 덩어리 물체 하나를 바닥에 놓았다. 제목은 ‘무제’ 즉 제목 없음이다. 이렇게 아무 내용도 없고 성의도 없어 보이는 이 작품은 내용과 형식의 최소화를 뜻하는 미니멀 아트라고 불린다. 무슨 의도가 있는 걸까? 미니멀 아트는 무계획적으로 휘갈긴 듯한 붓질과 색채 자국들로 뒤덮인 추상표현주의 그림이 작가의 주관성에 치우친 점을 겨냥했다. 아무런 질서도 없는 이런 그림이 주는 자유분방함이나 자의적인 점을 비판하면서 새로운 미술을 제시하려 했다. 이 작품이 일반적인 물체와 다른 점은 무얼까? 미술작품의 특성을 조금이라도 갖고 있는 걸까? 미니멀 아티스트들은 지금까지 작품의 의미가 너무 작가의 주관적 의도에 의해서 결정되고 지배받았던 점을 문제 삼았다. 작품의 의미가 사적인 것이 아니라 공적인 것이어야 한다는 입장이다. 공적 의미란 무얼까? 작품 자체와 관람자 사이에 만들어진 공적 공간에서 나타나는 의미여야 한다. 작품 안에 작가의 개인적 의도에 의해 담긴 신비적이고 상징적인 의미들이 있다고 가정해서는 안 된다. 작품과 관람자의 공적인 관계로 생겨난 의미를 말한다. 그럴 때, 모리스의 단순한 물체가 그것이 놓인 위치, 조명 조건, 관람자가 바라보는 시선의 방향이나 각도 등에 따라 형태들의 다양한 변화를 드러낸다. 원형이 보이기도 하고 타원형이 되기도 하며, 사각형이었다가 사다리꼴로 변화를 보이기도 한다. 그뿐일까. 관람자가 조명에 따른 빛의 변화까지 덧붙이면, 단순한 작품에서 형태의 무한한 변화를 체험할 수도 있다. 그 결과, 지금까지 작품 감상에서 수동적인 입장에 머물렀던 관람자가 능동적으로 참여하고 다양한 형태와 의미를 체험한다는 점이 부각됐다. 작품이 놓인 위치나 상황 설정도 한몫하게 됐다. 벽면인가, 바닥인가, 실내인가, 실외인가 등의 차이에 따라 의미나 느낌이 달라질 수도 있다. 1월 한 달이 훌쩍 지나갔다. 아쉬운 한 달이라고 볼 수도 있지만, 달리 보면 힘찬 2월을 시작하게 한 시간일 수도 있다.

19세기 초 유럽은 긴박하게 돌아갔다. 프랑스 대혁명 후 격동하는 현실과 자유주의를 향한 열정이 넘쳐났고, 이익을 향한 각 나라의 대립과 갈등이 표출되는 시대였다. 이런 시대적 흐름을 작품으로 담아내는 데에는 안정적 규범을 추구하는 고전주의보다 변화를 나타낼 수 있는 양식이어야 했다. 그래서 규범과 제도로부터의 해방과 자유, 일체의 외부적 권위를 배제하는 낭만주의가 그 중심에 자리 잡았다. 19세기 중엽을 지나자 혼란한 정치적 현실이 가라앉았고, 낭만주의 미술도 달라졌다. 격동하는 현실 세계 대신 자연풍경을 대상으로 삼았고, 낭만주의의 또 다른 경향인 낭만적 자연주의가 나타났다. 감성을 통해서 직접 체험한 자연풍경을 솔직하게 나타내려 한 낭만주의였다. 고전주의 풍경화가 자연에 입혀온 이성적이며 인위적인 틀을 벗기고, 자연 그대로의 모습과 느낌을 담아내자는 것이었다. 대표적 작가 중 한 명인 조지프 말러드 윌리엄 터너는 거친 파도나 망망대해 같은 대자연의 장엄함과 숭고함을 나타내려 했다. 그 안에서 인간이 느끼는 한계나 자연에 대한 외경심을 표현하려 했다. 위협적인 자연을 통해 두려움과 공포를 느끼게 하면서도 배후의 신비스러운 힘에 대한 동경과 경외감을 불러일으키는 시도이다. 증기선이 눈 폭풍을 뚫고 항해를 떠나는 그림이다. 휘몰아치는 눈 폭풍과 거친 파도가 배에 부딪혀 위험천만해 보인다. 터너가 이 급박한 상황을 형태를 알아볼 수 없을 정도로 거칠게 표현했고, 눈 폭풍과 바다는 빛과 색으로 웅장하면서 신비롭게 나타냈다. 자연의 위협적인 모습으로 공포와 압박감을 느끼게 했고, 증기선으로는 자연 앞에서 나약한 인간의 모습을 은유했다. 자연에 대한 공포감뿐 아니라 외경심과 경이로운 감동도 불러일으키는 방식이다. 그럼에도 증기선은 눈 폭풍을 뚫고 어딘가로 힘차게 나아간다는 메시지도 읽힌다. 올겨울은 눈이 참 많다. 눈 덮인 풍경이 보기는 좋은데, 오가며 생활하는 데 무척 불편하다. 그래서 새해 출발부터 일이 조금 더뎌지지만 그래도 안전과 건강이 첫째.

인상주의 회화는 19세기 후반 문학이나 음악을 선도하는 진보적인 예술로 여겨졌다. 인상주의자들이 과학기계 시대에 현실과 자연의 새로운 측면을 발견해서 나타냈다는 점에서였다. 이들은 새로운 문명의 도구들이 쏟아져 나오는 도시 문화의 생동감 있는 환경에 사로잡혔다. 카메라와 영사기가 발명되고 기술이 발달함에 따라 폭넓은 시야의 장면을 담아내고 순간 동작을 잡아내는 방법도 배울 수 있었다. 인상주의는 이렇게 당시 발달한 과학기계와 도시 생활의 역동성에 힘입어 탄생했다. 한편 인상주의자들은 현실이란 고정된 물체나 존재가 아니라 생성이요, 결정된 상태가 아니라 움직이는 과정이라고 생각했다. 자연이나 외부세계가 끊임없이 움직이며 변해 간다는 점에 주목했고, 순간적 동작이나 효과를 놓치지 않고 담아내려 빠르고 압축된 기교를 사용했다. 특히 에드가르 드가는 순간 동작의 압축된 묘사에서 단연 두각을 보였다. 다른 인상주의자와 달리, 드가는 자연보다 도시 사람들이 즐겼던 여가생활에서 소재를 찾았다. 발레나 승마 모습에서 빠르고 경쾌한 동작과 자세를 특징적으로 포착해서 나타내려 했다. 물론 이런 순간을 잡아내기 위해서 카메라의 도움을 받았고, 연속해서 이어지는 동작 묘사를 위해서는 영사기도 활용했다. 이 그림에서 드가는 순간 동작의 역동성을 표현하기 위해 경마 장면을 선택했다. 앞을 향해 달려나가는 경마 기수의 힘찬 동작이 돋보인다. 마주치는 세찬 바람을 피해 얼굴을 돌리고 말의 몸에 박차를 가하는 장면이다. 말의 머리와 다리는 생략한 채 몸통만으로 말의 모습을 압축한 드로잉이지만, 기수의 힘찬 움직임이 더욱 실감 나게 느껴진다. 말보다 말을 이끄는 기수를 더 강조해서, 변해 가는 현실을 헤쳐 나가는 사람들의 역할과 삶의 자세가 더 중요함을 상징하려 한 듯하다. 새해가 시작됐다. 어지러운 정치, 경제, 사회적 현실들이 펼쳐질 것이라고 여기저기서 말한다. 그래도 굴하지 말고 꿋꿋하게 나를 지키면서 또 한 번 힘차게 달려나가 보자.

서양미술사의 가장 화려한 시기인 르네상스가 되면서 미술이 지적이며 창조적인 작업으로 여겨졌다. 그 바탕에는 인간의 능력에 대한 새로운 인식인 휴머니즘이 있었다. 휴머니즘은 인간이 자신을 둘러싼 세계의 중심에 서게 됐고, 스스로 세계를 이해하고 설명하는 주체가 되었음을 뜻했다. 미술에서는 직접적인 관찰을 통한 묘사가 나타났고, 원근법이나 해부학 같은 이성적, 과학적인 방법이 강조됐다. 그 결과, 미술가들도 인문 학자나 시인들처럼 교양을 갖춘 사람으로 대접받게 되면서 르네상스 미술은 전성기에 도달했다. 전성기 르네상스를 대표하는 이탈리아 화가는 레오나르도 다 빈치와 미켈란젤로 그리고 라파엘로였다. 그중 가장 어렸던 라파엘로는 다 빈치와 미켈란젤로가 예술적 명성을 떨치고 있을 때, 이탈리아 중부 작은 도시에서 피렌체로 와서 평온하고 고귀하며 우아한 이미지로 명성을 날렸다. 이 그림은 성모마리아를 그린 많은 그림들 중 성모마리아를 가장 자애로운 모습으로 나타냈다는 평가를 받고 있다. 어린 요한이 아기 예수에게 검은 방울새를 건네는 장면인데, 여기서 검은 방울새는 그리스도의 수난을 상징한다. 십자가를 진 그리스도가 가시관을 쓰고 골고다 언덕을 오를 때 검은 방울새가 그리스도의 이마에 박힌 가시를 빼주었다는 일화에서 유래했다. 온화한 시선으로 이들을 바라보는 성모마리아의 모습이 그리스도의 험난한 미래와 대비를 이루며, 성스럽고 숙연한 분위기를 자아낸다. 형식적으로도 평온하고 안정된 분위기를 나타냈다. 삼각형 구도 안에 인물들을 배치해서 안정감을 주었고, 그리스도의 엉덩이에서 시작해서 성모마리아의 어깨와 머리를 지나 다시 아래로 흘러내리는 곡선의 흐름으로 부드럽고 온화한 느낌을 덧붙였다. 즐거운 크리스마스를 앞둔 주말이다. 연일 강추위가 기승을 부리고 있지만, 성모마리아의 온화함과 자애로움을 생각하며 가족과 함께 하는 크리스마스가 되길.

영국 윌트셔 지방 솔즈베리 평원 위에는 신기한 모양의 돌 구조물이 자리 잡고 있다. 거대한 돌덩어리와 평평한 돌 판들을 접착 물질 없이 쌓아 올린 스톤헨지인데, 신석기 시대에 만들어진 기념비적 구조물이다. 곧게 세운 돌기둥들이 수평으로 놓인 평평한 돌을 떠받치는 원형 구조물이 둘러서 배열됐다. 그 안에도 같은 형태의 구조물이 작은 원형을 이루고, 중심부에는 제단처럼 보이는 길고 평평한 돌이 놓여 있다. 지금 우리가 보아도 경외감과 초인간적인 분위기를 느낄 수 있는 이 기념비는 실용적인 목적보다는 종교적 의식을 위한 것이었다. 이 시대 사람들이 자연에 대한 불안감과 위협에서 벗어나고 정신적인 안정을 이루기 위해서 만든 제의를 위한 구조물이라 할 수 있다. 구조물의 전체 모습이 해가 뜨는 쪽을 향하고 있어 태양에 대한 숭배의식을 짐작할 수 있게 한다. 이것도 미술작품일까? 하늘, 해와 달, 대지, 그 사이를 가르는 바람의 존재, 그리고 돌 구조물이 만들어내는 미적 경험을 주목해 보자. 수직과 수평으로 만나는 돌 구조물이 짙은 초록색 평원과 이루는 대비와 조화를 볼 수 있다. 해가 뜨고 햇빛의 찬란함이 대지를 채울 때, 어둠을 찾아온 달이 주변의 적막함을 덮고 장엄한 분위기를 만들어낼 때의 경험은 어떤가. 돌 구조물을 스쳐 지나가는 바람을 느낄 수 있고, 풀벌레 소리가 우리 귀를 즐겁게 하는 것은 덤이다. 이 모든 걸 어디 그림 한 장을 볼 때의 감동과 비교할 수 있을까. 자연의 모든 것들도 미술작품으로 될 수 있다는 총체미술 얘기인데, 20세기 후반 자연 속에서 작품을 이루려 했던 대지미술가들의 생각도 이랬다. 즐거운 주말이다. 지금 이 순간 그저 아무렇지 않게 지나쳤던 풍경들이 눈에 들어온다. 눈부시게 파란 하늘빛에 마음이 설레고, 발길에 차이던 돌멩이도 다시 보게 되고, 햇빛도 바람 소리도 어둠 속의 달도 느껴 보고 싶다. 예술은 그렇게 어려운 것도 복잡하고 심오한 것만도 아니다. 지금 우리가 자연이 만든 예술 속에서 살고 있다.

어두운 밤을 밝히는 초승달 아래 가로등에서 빛이 쏟아져 나온다. 거리의 낭만적 모습을 상상해 볼 수도 있으련만, 아쉽게도 이 그림에선 그런 흥취가 전혀 일어나지 않는다. 빨갛고 노랗고 하얀 꺾쇠 모양 색선들이 밤하늘을 가득 메운 빛의 향연처럼 보인다. 밤길을 흠뻑 적시는 산만함 때문인지 도통 차분한 마음으로 풍경과 거리에 빠져들 수가 없다. 이탈리아 미래주의 화가 자코모 발라 그림인데 그의 그림의 목적은 내가 기대하는 것과 달랐다. 자연을 묘사하고 자연에서 영감을 얻어 감흥을 주는 그림과 달라야 한다는 것이 미래주의의 양식적 특징이었고, 발라의 생각도 그랬다. 미래주의자들은 20세기 초 기계문명이 넘쳐나던 시절에 적합한 미술을 주장했다. 기계나 자동차 등의 발달로 사람들의 감각세계가 변한 만큼 미술 작품도 달라져야 한다는 것이었다. “자동차 밸브가 열리고 닫히는 리듬은 동물 눈꺼풀의 깜빡임만큼 아름답지만, 그것보다 더 무한히 새롭다”는 식이다. 그래서 이들은 새 시대 미술이 기계나 자동차의 활력적인 힘이나 속도, 역동적인 운동성 자체를 나타내야 한다고 생각했다. 주관적인 표현이나 전통적인 공간구성법을 피하고, 그림 속 형태들이 연속적으로 움직이는 것처럼 나타내는 표현 방식을 찾으려 했다. 2차원의 평면 위에 3차원의 물체가 시간에 따라 움직이는 것을 나타내기 위한 형식이었다. 이 그림에서 발라는 가로등에서 퍼져 나가는 빛을 화면 가득 채워 초승달의 빛을 덮으려 했다. 그림표면 위에 빛의 발산을 담을 방법을 궁리했고, 눈부신 전등 빛을 형형색색의 꺾쇠 모양 선으로 분석한 후 이어 붙이는 방법으로 빛의 시간을 나타냈다. 전등 빛이 자연을 이길 수는 없겠지만, 기계문명의 화려함이 자연을 넘어서는 순간을 상상했다. 금년도 한 달을 남겨 놓고 있다. 아쉬움도 남겠지만 곧 다시 시작을 맞는다. 발라 그림의 색선들이 어두운 밤거리가 아니라 새로 맞는 아침을 향해 퍼져 나가는 빛의 축복이 되길 바란다.

낭만주의는 고전주의에 대한 반발로 19세기 초에서 중엽에 걸쳐 나타났다. 절제된 형식과 규범을 강조한 고전주의가 예술도 과학과 마찬가지로 이성적 활동이라고 주장했다면, 낭만주의는 예술과 과학이 서로 다름을 내세웠다. 어떻게 다른가를 설명하는 관점의 차이에 따라 두 종류로 구분된다. 하나는 예술이 이성보다 감성이나 느낌과 관련을 갖는다는 주정적 낭만주의이고, 다른 하나는 주지적 낭만주의이다. 주지적 낭만주의는 과학으로 설명할 수 없는 초월적인 세계를 예술 작품을 통해 상징하고 암시하려 했다. 윌리엄 터너의 그림이 여기에 해당된다. 터너는 초월적인 세계를 어떻게 나타내려 했을까. 거친 파도나 망망대해 같은 대자연의 위협적이며 장엄한 모습을 나타내고, 그 안에서 인간이 느끼는 공포나 한계, 자연에 대한 외경심, 자연의 무한함에 대한 동경 등을 표현하려 했다. 위협적인 자연에서 두려움과 공포를 느끼지만 그 배후의 신비스러운 힘에 대한 동경과 외경심도 갖게 된다는 암시이기도 했다. 터너의 이 그림에는 거칠게 솟아오르는 파도와 먹구름이 좌초된 배와 구명정을 삼켜버릴 듯한 위협적인 바다 풍경이 가득하다. 한 소녀가 그곳을 향해서 절규하듯이 외치고 있고, 어머니처럼 보이는 한 여인은 부서진 배를 넋 놓고 바라보고 있다. 이 광경을 터너가 물체들의 형태를 알아볼 수 없을 정도로 신비롭고 위협적인 모습으로 나타냈다. 그리고 하늘을 뒤덮은 먹구름과 거친 바다를 빛과 색의 효과로 웅장하게 표현해서 공포감을 더했다. 이렇듯 터너의 주지적 낭만주의는 공포와 압박감을 주는 대자연과 작고 나약한 인간의 모습을 대비시키는 방식이다. 위협적인 자연 앞에서 왜소해질 수밖에 없는 인간의 한계에 대한 인식이며, 무한하고 절대적인 자연 배후의 힘을 향한 동경이기도 하다. 자연에 대한 공포감에서 시작해서 외경심과 경이로운 감동으로 향하는 숭고의 표현으로 설명되기도 한다. 과학으로 모두 설명할 수 없는 대자연의 세계 앞에서 겸손할 줄 알아야 한다는 교훈처럼 보일 수도 있다.

미술사에서 고전주의란 명칭은 고대 그리스 미술이 이룬 균형, 절제 같은 이성적 규범을 구현하려는 시도였다. 사회가 혼란에 빠졌을 때 미술을 통해 정화한다는 의도를 보이기도 했다. 18세기 말에서 19세기 초에 걸쳐 전개된 신고전주의가 특히 그랬다. 1789년 프랑스 대혁명은 봉건왕정을 무너뜨리고, 개인의 자유를 존중하는 근대 시민사회를 만들어냈다. 하지만 이후 계속된 혁명과 세기말의 혼란은 쉽사리 가라앉지 않았다. 신고전주의는 이런 사회적 혼란을 예술을 통해서 정화해 보려는 하나의 시도였다. 고대 그리스 미술의 절제되고 균형 잡힌 형식을 구현함으로써 작품을 통한 정신적 영향이 사회 속에 퍼져 나가길 바랐다. 이런 신고전주의의 대표적 화가는 자크 루이 다비드였다. ‘호라티우스의 서약’은 그가 프랑스 대혁명 5년 전에 그린 것인데, 고대 로마의 영웅적, 애국적 정신을 절제된 형식으로 잘 표현해서 신고전주의의 교과서처럼 여겨지는 작품이다. 로마의 호라티우스 집안과 알바의 큐라티우스 집안이 혼인을 통해 사돈 관계가 됐다. 그런데 그 후 로마와 알바 간에 전쟁이 일어나자, 늙은 호라티우스가 전쟁터로 가는 세 아들을 모아 놓고 로마의 명예를 드높이고 오라는 서약을 받고 있다. 그 전쟁이 집안 간의 싸움이라는 생각에서 오른쪽의 여인들은 슬픔에 빠져 있다. 각 인물이 명확한 선으로 묘사되어 강한 인상을 나타낸다. 호라티우스를 중심으로 좌우 균형을 이루고, 그림의 중심은 칼 세 자루를 들고 있는 호라티우스의 손에 있다. 흥미롭게도 그림의 모든 구성요소가 셋이라는 숫자와 양상으로 정돈된다. 인물이 아들들, 호라티우스, 여인들이라는 세 그룹이고, 형제도 여인도 칼도 모두 셋이다. 중경에도 좌우 대칭을 이루는 세 개의 아치가 있고, 공간적 차원도 인물들이 있는 전경, 아치로 이루어진 중경, 그 뒤의 배경이라는 세 개로 평행하게 전개된다. 혼란한 시대를 겪은 화가의 발언이 적절했다는 평가가 이어졌고, 오늘날까지 이 작품이 시대정신을 반영한 명작으로 기억되고 있다.

미술의 변화를 가져온 20세기의 큰 사건은 두 차례에 걸쳐 일어난 세계대전이었다. 1차 세계대전 이후 예술가들은 인류를 전쟁으로 내몬 사회의 광기로부터 벗어나려 했고, 사회적 관습과 전통의 부정을 넘어 예술적 사고까지 부정하는 반예술 운동인 다다이즘이 뒤를 이었다. 하지만 1차 세계대전이 끝난 지 20년 만에 2차 세계대전이 일어났고, 이번에는 철학, 문화, 예술 전반에 걸친 변화를 일으켰다. 문명의 발달을 가져온 이성적 능력으로 무기도 만들어 인간을 대량으로 살상한 비극적 상황을 목격했기에 사회 전반에 걸쳐 이성적, 합리적 사고에 대한 불신 풍조가 퍼져 나갔다. 예술가들은 자유롭게 활동할 수 있는 지역을 찾아서 새로운 경제적, 문화적 중심지가 된 미국의 뉴욕으로 향했다. 현대미술의 중심지가 유럽의 파리에서 미국의 뉴욕으로 바뀌었고, 1940년대 후반부터 뉴욕을 중심으로 한 새로운 추상미술이 일어났다. 기하학적 추상처럼 논리적이며 이성적인 경향은 더 이상 지속될 수 없었고, 추상표현주의라는 반이성적 경향의 미술이 등장했다. 기하학적 추상의 선명한 윤곽선, 정형적인 형태, 평면적인 색채 대신 느슨하면서도 빠른 붓놀림, 무정형의 형태들, 끊어진 색채 자국들과 리듬, 물감의 불균등한 밀도와 채도 등이 강조됐다. 뒤늦게 추상표현주의에 합류한 프란츠 클라인은 거친 붓 자국을 화면 아래위로 휘갈겨 ‘8’자를 변형해 놓은 듯한 형상을 만들었다. 거대한 캔버스 위에 검은색 붓질을 휘갈긴 행위가 동양의 서예를 연상시키면서 무성의해 보였던 그림에서 힘과 역동성이 배어 나온다. 거친 붓 자국이 위를 향해 뻗어 올라가기도 하고 아래로 곡선 커브를 그리며 떨어지기도 한다. 급히 꺾이고 끊어졌다가 이어지기도 하는 다양한 리듬이 우리를 조용한 화면 속으로 빨아들인다. 하얀 여백과 힘찬 검은색 선들 사이의 긴장감도 주목할 만하다. 검은색선 하나만으로 이루어낸 효과가 이처럼 다채로울 수 있고, 붓질 자체만으로도 감동을 줄 수 있다는 예술적 가능성이 클라인에 의해서 새롭게 열렸다.

어느 분야나 그렇듯 한계를 넘어서려는 새로운 시도에 의해 발전이 이루어진다. 미술도 마찬가지다. 미술작품은 일정한 형태가 정지된 상태로 공간을 차지한다는 점에서 공간예술로 불린다. 이런 공간예술의 한계를 넘어서려는 작업 중 하나가 작품에 시간성을 끌어들이는 것이다. 시간의 흐름에 따른 작품의 전개과정을 보여 주자는 것인데, 대표적인 양식이 비디오 아트이다. 비디오 아트는 TV가 대중매체로서 일상생활에서 차지하는 비중이 커지고, 사람들이 TV 이미지에 익숙해졌다는 점을 배경으로 탄생했다. TV 영상이라는 새로운 매체를 사용해서 시간의 흐름에 따른 내용을 보여 주려 했다. 그 시작은 1963년 서독 부퍼탈의 갤러리 파르나스에서 백남준이 보여 준 TV 조각이다. 여기서 그는 이야기를 전달하기 위해 영상을 사용하는 TV 방식과 달리 전자 이미지로서 TV 영상을 그림의 색채와 형태처럼 사용했다. 종전의 고정된 매체들과는 다르게 순간적으로 나타났다가 사라지는 과정을 반복하고. TV에 자석을 붙여 영상의 흔들림이나 불규칙한 전개과정을 만들어내기도 했다. 일관성 있게 이야기를 전달하는 TV의 방식을 파괴함으로써 사람들이 지나치게 TV에 의존하고 있는 당시의 현실도 비판하려 했다. 그의 작품 ‘TV부처’에는 영상의 흐름뿐만 아니라 메시지까지 담겼다. 백남준이 부처상 앞에 카메라와 TV를 두고, 카메라를 통해서 찍은 부처의 모습이 다시 TV 화면에 나타나게 구성했다. 그 모습을 부처가 바라보게 해서 자신의 모습을 돌아보는 부처상을 아이러니하게 나타냈다. 부처가 동양적인 것과 정신적인 것을 상징하고, 과학문명의 산물인 TV가 서구적인 것과 물질적인 것을 상징한다는 점에서 동서양 문화의 대비라는 생각도 불러일으키려 했다. 백남준이 씨를 뿌린 비디오 아트는 발전을 거듭해서 컴퓨터까지 동원된 미디어 아트라는 새로운 미술세계를 열었다. 그 현주소를 볼 수 있는 전시회가 지금 서울 시립미술관에서 열리고 있다. 새로운 미술 현장에서 첨단의 미술작품들과 함께해 보면 어떨까.