미술사는 감성적 경향과 이성적 경향이 대조를 보이며 진행되어 왔다. 감성적 경향의 작품은 감정과 관련된 표현을 강조하고, 색이나 명암대비를 통해 극적이며 역동적인 분위기를 전달하려 했다. 이성적 경향의 작품은 선이나 데생을 강조하고, 조화와 균형의 형식으로 정적이며 차분한 분위기를 나타내려 했다. 대표적 예는 19세기 초 서로 대립한 낭만주의와 신고전주의였다. 1789년 프랑스 대혁명 후 유럽 사회는 근대시민사회로 향한 변화의 소용돌이 속에 있었다. 이런 배경에서 낭만주의는 격동하는 현실에 대한 감정을 솔직하게 표현하려 했고, 색과 불규칙적인 형태로 긴장감 있는 화면 구성을 이루려 했다. 대표적 화가는 외젠 들라크루아였다. 이에 반해 신고전주의는 혁명 이후의 혼란을 예술을 통해서 정화시키려 했고, 선과 데생을 강조한 절제와 균형의 형식을 선보였다. 자크 루이 다비드가 개척자였다. 다비드의 제자였던 장 오귀스트 도미니크 앵그르도 선과 데생을 강조했고, 절제된 형식을 중시했다. 그림 소장자였던 발팽송의 이름을 딴 ‘발팽송의 목욕녀’에서 그런 특징이 보인다. 간결한 선과 면의 단순한 형태로 여인의 뒷모습을 압축해서 나타냈다. 한쪽으로 가지런히 젖힌 커튼 아래 틈 사이로 목욕물이 흘러나오는 걸 보니 이제 막 목욕을 하기 위해 옷을 벗은 모습 같다. 목욕물 소리 외에는 어떤 소리도 없는 평온한 장면이어서인지 바라보는 것만으로도 차분해지는 신고전주의 작품이다. 앵그르는 다비드와 달리 시대의 감성적 분위기도 나타내려 했다. 다비드의 강하고 견고한 느낌의 선과 달리 우아한 느낌의 부드러운 곡선을 사용해서 관능적인 육체를 표현한 점을 들 수 있다. 가파르게 처진 어깨선이나 두꺼운 허리와 엉덩이 사이의 관계도 해부학적 정확성에서 벗어나 있다. 머리에 쓴 터번의 문양과 색상은 낭만주의자들이 동경한 터키나 모로코 같은 이국적인 곳에서 영향을 받았다. 이처럼 신고전주의 특징을 살리면서 시대의 낭만적 분위기도 담고 있다는 뜻에서 앵그르는 ‘차갑게 얼어붙은 낭만주의자’로 불린다. 박일호 이화여대 교수·미학

20세기 전반부 미술에 가장 큰 영향을 미친 화가는 피카소일까 마티스일까를 두고 논란이 있다. 피카소가 현실의 모방에서 미술의 형태를 해방시켰다면, 색채의 마술사로 불린 마티스는 색채를 해방시켰다는 점에서다. 하지만 20세기 후반부 미술에 가장 큰 영향을 미친 화가로는 단연 마르셀 뒤샹을 꼽는다. “작품의 창작이 어떻게 이루어져야 할까?”에서 많은 예술가들에게 발상의 전환을 일으켰기 때문이다. 이런 식이다. 작품 창작과정을 살펴보자. 예술가들이 손으로 물리적 제작 행위를 한다. 한없이 계속하지는 않고, 마음으로 어느 순간을 선택하고 ‘이제는 됐다’라고 생각하면서 미술작품으로 결정하고 제시한다. 뒤샹은 두 과정 중에서 손을 통한 물리적 과정보다 마음을 통한 선택과 결정이 더 중요하다고 보았다. 예술가가 마음으로 주변의 사물들 중 하나를 선택하고 미술작품으로 결정하는 것만으로도 작품의 창조가 될 수 있다는 거였다. 그리고 “이 세상에는 흥미로운 물건들이 너무 많이 있다. 그런데 굳이 예술가들이 새로운 것을 만들어 혼란스럽게 할 필요가 있을까?”라는 물음을 던졌다. 뒤샹에 의하면, 기성품 변기도 병 건조대나 자전거바퀴도 미술작품이 될 수 있다. 그렇게 탄생한 작품이 ‘자전거 바퀴’이다. 버려진 의자를 받침대 삼아 자전거 바퀴를 뒤집어서 얹어 놓았다. 그랬더니 자전거 바퀴의 둥근 틀이 반짝이며 당당한 자태를 뽐낸다. 촘촘히 채운 바큇살들의 모양도 예사롭지 않다. 바큇살들이 서로 어긋나게 교차하면서 만들어낸 공간감도 보이고, 그 사이를 지나가는 바람도 느껴진다. 소리를 내며 움직이면서 이 모든 것들이 하나가 되기도 한다. 형태, 공간감, 움직임, 소리, 거기에 그것들의 조화까지 갖추고 있어 어느 추상조각 작품 못지않다. 뒤샹이 미친 영향은 열거하기 힘들 정도다. 일상사물이나 이미지를 미술로 끌어들인 팝아트가 있고, 예술가의 생각이 더 중요하다는 개념미술도 있으며, 예술가의 행위도 작품 구성요소가 된다는 점에서 액션페인팅이나 프로세스 아트에도 영향을 미쳤다. 발상의 전환! 예술이든 삶이든 꼭 필요한 덕목이다. 박일호 이화여대 교수·미학

대량생산과 대량소비가 미덕처럼 여겨지던 1960년대, 참 이상한 물건이 미술관에 전시됐다. 앤디 워홀이 가루세탁 용품인 브릴로 세제를 담은 상자를 재현해서 미술작품으로 선보였다. 이른바 팝아트인데, 워홀은 이 작품으로 당시 유행한 추상미술이 너무 어렵고 때로는 모호하기도 하다는 점을 겨냥했다. 대중이 익숙하게 접하는 이미지나 상품 형태로 작품을 나타내서 예술의 대중화, 사회화를 이루자는 취지였다. 그래도 그렇지, 세제 상자가 예술이라니? 팝아트 작가들은 무언가를 새롭게 창조해서 보여주는 것보다 어떻게 보느냐가 더 중요하다고 생각했다. 그래서 세제 상자 같은 상품 이미지도, 만화나 TV에서 보는 익숙한 이미지도, 거리 간판이나 포스터들도 어떻게 보느냐에 따라 예술적 가치와 효과를 갖는다고 주장했다. 어떤 예술적 효과가 있을까. 사람들이 슈퍼마켓 구석에 수북이 쌓여 있는 세제 상자는 눈여겨보지 않는다. 하지만 워홀이 미술관에 전시한 이 작품을 대하면 흥미롭다고 생각하면서 세제 상자를 다시 한 번 주목한다. 상자 형태를 다시 보고, 상자 위에 새긴 글씨체도 다시 보고, 디자인과 색상과 그 조화도 새롭게 느낀다. 미술관에서 보는 다른 작품들과 비교되는 예술적 효과를 경험하게 된다. 그런 경험을 한 후, 이 사람은 세제 상자뿐만 아니라 그동안 하찮게 생각하고 전혀 관심을 두지 않았던 일상적인 것들 속에서도 예술적 가치를 느끼고 경험할 수 있을 것이다. 슈퍼마켓에 가서 물건을 보고 고르는 행위를 예술적 행위로 여길 수도 있고, 이런 과정을 통해서 자신의 삶의 질이 향상됐다고 생각할 수도 있지 않을까? 이렇듯 팝아트는 미술작품이 우리 삶과 멀리 떨어진 신비로운 것만이 아니라는 생각을 갖게 했으며, 생활 속의 예술로 우리 삶의 지평을 넓혀 줬다. 날이 더워지는 주말이다. 즐거운 경험을 얻기 위해 무엇을 찾기보다 어떻게 볼 것인가를 생각하면 어떨까. 그런 시선으로 주변을 둘러보면 그냥 스쳐 지나쳤던 것들 속에서 즐거움과 예술적 가치도 경험할 수 있지 않을까. 박일호 이화여대 교수·미학

세로 2m 가로 1m80㎝ 가까운 거대한 캔버스에 종이를 뜯어 붙이고 물감을 흘렸다. 왼쪽 중간 부분엔 거리에서 주워온 어린이 그림을 배치했고, 아래쪽에 날개를 활짝 편 채 날고 있는 박제 독수리를 장식하고 그 밑에 버려진 베개를 끈으로 묶어서 매달았다. 마치 쓰레기장에서나 볼법한 물건 같다. 그런데 이것이 뉴욕 근대미술관에 소장품으로 버젓이 자리 잡고 있다. 로버트 라우션버그의 작품인데, 그는 무언가를 그리고 만들어내는 창작보다 일상 사물이나 쓰레기들을 끌어다 맞추고 구성해서 작품을 창작했다. 주변의 잡동사니나 일상 사물들을 결합해서 만들었다는 뜻에서 아상블라주로 불리기도 하고, 사물들 위에 회화적 구성요소인 색도 칠해서 합쳤다는 의미로 콤바인 페인팅으로 불리기도 한다. 무엇을 나타내려 한 걸까. 제목인 ‘협곡’을 참조해서 협곡 사이를 날아가는 독수리를 연상해 볼 수 있다. 쓰레기와 물감 얼룩들이 뒤섞인 모습에서 뒤죽박죽인 우리 현실의 협곡을 연상해 볼 수 있고, 그 현실의 벽을 뚫고 앞으로 헤쳐 나오는 독수리의 은유로 이해할 수 있다. 다른 해석도 있다. 당시 미술평론가들은 ‘전혀 어울릴 것 같지 않은 이질적인 것들이 모여서 동등한 가치를 갖게 되는 장소’라고 해석했다. 다양한 인종과 성격의 사람들이 모여서 살아가는 문화적 용광로 뉴욕이 그렇다는 의미이다. 많은 관광객이 찾는 대형미술관이란 곳이 그렇다는 뜻도 있다. 서로 다른 시대와 장소에서 제작된 서로 다른 성격의 작품들이 한곳에 모여서 본래의 의미를 잃은 채, 그저 동등한 미술작품이란 자격으로 전시되고 있다는 점에서다. 이런 것도 미술작품이라고 할 수 있을까. 미술작품이 아름다운 것이어야만 한다는 생각에서 벗어나 우리를 향한 예술가의 발언이라고 생각하면 어떨까. 라우션버그는 한 사회의 성격이 그 사회에서 버려진 쓰레기들을 보면 드러난다고 말했다. 그것들이 모여서 결합된 작품의 풍경 속에서 그 사회의 속성이 짐작될 수 있다는 얘기다. 박일호 이화여대 교수·미학

꿈에서도 보기 힘든 이 이미지는 무얼까? 자칭 타칭 20세기 기인 살바도르 달리가 그린 초현실주의 그림이다. 1차 세계대전이 끝난 후 유럽의 현실은 절망적이었다. 거리엔 폭격으로 부서진 건물들이 즐비했고, 전사자로 인한 가족 파괴와 상실감도 극에 달했다. 초현실주의는 이렇게 비참하고 절망적인 현실을 넘어서는 또 다른 현실이란 뜻의 ‘초현실’ 세계를 예술을 통해서 나타내려 했다. 그 세계가 어떤 것이고, 어떻게 나타낼 수 있을까? 이들은 일상적이며 상식적인 사고를 벗어난 곳으로 향했다. 우연한 사건이나 행동, 꿈 또는 무의식의 세계같이 낯설고 신비스러운 느낌을 주는 것들에 주목했다. 특히, 달리는 상상력을 적극적으로 발동시키는 방법을 사용했다. 현실의 이미지 위에 백일몽처럼 불쑥 튀어나오는 이미지를 중첩시켜 모호한 이중적 의미를 만들었다. 아니 절망적 현실로 인한 사람들의 상실감을 환상적인 이미지로 뒤덮어 버리려 했다. ‘해변에 나타난 얼굴의 환영’에는 이런 모호한 이미지들로 가득 차 있다. 해변에 있는 거대한 과일 접시가 우리를 당황하게 만든다. 접시의 크기와 형태도 기괴하지만, 그것이 사람 얼굴의 환영처럼 보이기도 하는 이중적 이미지여서 더욱 의아하게 한다. 오른쪽에 있는 산의 모습을 찬찬히 살펴보면 개의 귀와 눈과 코의 형태를 볼 수 있고, 구름다리가 개의 목줄이 되는 것도 볼 수 있다. 산의 형태와 개의 옆모습이라는 두 가지 의미가 담긴 모호한 이미지로 만들었기 때문이다. 산 아래와 과일접시 뒤에는 병든 물체들처럼 일그러진 형상들을 모아 놓아 절망적이며 파괴적인 현실을 한탄하듯이 연상케 했다. 과연 달리의 이 작품은 꿈과 무의식의 이미지라고 할 수 있을까? 눈에 보이는 세계를 나타낸 수많은 작품도 만족스럽지 못한데, 어찌 눈에 보이지도 않는 꿈과 무의식의 세계를 나타낼 수 있었을까? 상식 밖의 이미지와 모호함을 이용해서 새로운 미술 창작의 길을 열었고, 사람들에게 잠시나마 절망적 현실에서 벗어나도록 했다. 박일호 이화여대 교수·미학

로물루스가 팔라티노 언덕에 로마를 건국할 때 사람들을 모으기 위해 들어오는 사람들 누구도 처벌하지 않는다고 공표했다. 그랬더니 범죄자나 도망자들이 구름처럼 모여들었는데, 그들 대부분이 남자였다. 해서 로물루스는 자손이 많아야 나라가 번창한다는 생각으로 이웃 사비니족 사람들을 초청했고, 로마 병사들이 사비니의 여인들을 약탈한 사건이 있었다. 그 후 로마와 사비니 사이에는 전쟁이 끊임없이 이어졌다. 이 그림은 전쟁이 친정과의 싸움이라고 생각한 여인들이 아이들을 데리고 나와 전쟁을 막으려는 장면이다. 늑대 젖을 먹는 아이를 새긴 방패를 든 로물루스가 반쯤 물러선 사비니족 지도자 타티우스를 향해 창을 던지려고 한다. 가운데 여인은 타티우스의 딸이며 로물루스의 아내인 헤르실리아인데, 두 팔을 벌려 두 사람을 진정시키고 있다. 아이를 안고 있는 여인, 아이들을 보호하는 여인, 싸움 중지를 절규하듯 외치는 노파의 모습도 보인다. 이 험악하고 끔찍한 상황에도 아랑곳하지 않는 아이들 모습은 그저 천진난만하기만 하다. 신고전주의 화가 자크 루이 다비드의 그림이다. 18세기 말 프랑스에서 유행한 신고전주의 양식은 프랑스 대혁명 후 계속된 혁명과 세기말의 혼란을 예술을 통해 정화한다는 의도에서 출발했다. 윤곽선과 형태를 두드러지게 하고 절제와 균형을 강조해서 고대 그리스 로마의 안정적인 고전적 형식의 정신을 사회에 보인다는 목표를 내세웠다. 다비드가 로마 건국 신화를 다룬 것은 프랑스 대혁명 후 프랑스가 로마와 같은 공화정 수립으로 향한다는 메시지를 주기 위해서였다. 날뛰는 말, 흥분한 병사들, 전투의 혼란한 모습 가운데 중재하는 여인들을 위치시켜 좌우 균형도 유지하려 했고, 혼란이 거듭되던 당시 사회를 향해서 전쟁 중지를 외치는 여인들의 용기와 현명함을 귀감으로 보여 주려 했다. 로마에 가면 흔적이 남아 있는 뒤 배경의 성채와 절벽은 로마에서 반역자들을 처벌할 때 떨어뜨린 형벌의 장소인데, 마치 이 전쟁의 책임에 대한 형벌을 암시하는 듯하다. 박일호 이화여대 교수·미학

모든 일이 그렇듯이 원칙과 규범을 지나치게 강조하다 보면 반발이 일어난다. 예술도 마찬가지다. 현실에선 그 반발이 어떤 결과로 이어질지 확신할 수 없지만, 예술에선 반발로부터 새로운 예술경향이 탄생했다. 서양미술사 최고봉으로 일컬어진 르네상스 미술에 대해 반발했던 매너리즘이 바로크 미술이라는 감성적 경향으로 이어지면서 미술이 더욱 풍성해졌다. 르네상스가 한창이던 16세기 초 당시 평론가들은 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 등의 거장들이 미술의 모든 것을 다 이루었다고 평가했다. 더 이상의 새로운 창작은 없다는 주장이었다. 과연 그랬을까? 그랬으면 이들 이후의 미술은 더 이상 없어야만 할 텐데, 지금까지도 새로운 미술이 계속해서 나타나고 있다. 당시도 이런 조급한 결론에 대한 반발이 일어났으며, 젊은 예술가들을 중심으로 매너리즘이란 반르네상스 경향이 일어났다. 매너리즘의 대표적인 화가는 이탈리아의 프란체스코 파르미자니노였다. 그는 라파엘로 작품의 우아함에 감동을 받았지만, 라파엘로와는 다른 방식으로 우아함을 나타내려 했다. 이 작품에선 마리아의 신체, 특히 손과 목을 길게 늘이고, 하얀 살색으로 가냘픈 인상과 우아한 분위기를 나타냈다. 아기 예수의 몸도 길게 늘이고, 마리아의 몸과 연결해서 유려한 곡선의 흐름으로 만들었다. 인체비례 규범은 어디에서도 찾아볼 수 없다. 그는 공간적 통일성도 의도적으로 해체하려 했다. 성모자와 인물들을 왼쪽에 집중적으로 배치해서 좌우 균형과 조화를 의도적으로 파기한 비대칭적인 구도로 만들었다. 오른쪽엔 이해할 수 없는 기둥과 이상한 동작의 인물을 깊숙이 배치해서 그림의 배경처럼 만들었는데, 이것들 모두 각각의 공간적 가치를 갖게 해서 전체적 통일성과 조화를 파기하고 있다. 이런 매너리즘 미술에 대해 처음에는 부정적 평가가 강했지만 점차 긍정적으로 받아들여졌다. 르네상스 미술의 객관적이며 정확한 묘사와 다른 감성적 표현을 이룬 참신한 그림이라는 점에서였다. 이 점이 17세기 바로크 미술에 영향을 주고, 르네상스 미술과 다른 새로운 미술의 큰 흐름을 탄생시켰다. 박일호 이화여대 교수·미학

로마에 가면 많은 사람이 한 번쯤 들르는 곳, 바티칸 미술관이다. 그 안에 태양의 신이며 이성의 신인 아폴론 조각상이 있다. 아폴론상 중에서 가장 유명한 작품인데, 바티칸 궁 벨베데레 광장에 놓여 있었기에 ‘벨베데레의 아폴론’으로 불린다. 기원전 4세기 그리스 시대 조각가인 레오카레스가 청동으로 만든 것을 로마 시대에 대리석으로 모작한 것이 전해 온다. 당당한 자세와 자신감 넘치는 얼굴 표정이 대리석을 깎아서 만든 것으로 믿기지 않을 정도로 무척 사실적이다. 무슨 동작일까. 아폴론은 궁술의 신이기도 했는데, 대지의 여신 가이아가 남성 없이 낳은 구렁이 아들인 피톤이 사람들을 괴롭히자 피톤을 향해 활을 쏜 후 날아가는 화살을 바라보는 모습이다. 악을 물리치는 정의의 투사로서 아폴론이라는 설명이다. 이런 내용이 아니어도, 대중을 향해 호령하는 군주의 당당한 자세와 위엄 있는 풍채라는 해석만으로도 손색없는 사실감이 느껴진다. 작품 앞에서 많은 사람이 감탄하는 것은 이런 사실적 묘사 때문만은 아니다. 아폴론의 자세 안에 치밀하게 계산된 수학적 비례도 담겼기 때문이다. 인체 전체 길이가 머리 길이의 8배가 되는 8등신의 인체 비례가 적용됐다. 인체 중심을 배꼽이라 할 때 정수리부터 배꼽까지 길이인 상체와 배꼽부터 발끝까지 길이인 하체의 비례가 0.382대 0.618 인 황금분할 비례를 이루도록 균형도 맞췄다. 그뿐 아니라, 한쪽 다리에 중심을 두고 다른 쪽 다리를 굽혀서 뒤로 빼는 콘트라포스토 자세로 제작해서 한 동작에서 다른 동작으로 움직임을 기하학적인 자연스러움으로 나타냈다. 사실적인 묘사가 수학적, 기하학적 규범과 조화를 이루면서 동작의 역동성이 살아났고, 군주의 모습이 더욱 위엄 있고 기품 있는 모습으로 탄생했다. 그래서겠지! 고대의 부활을 꿈꾼 르네상스 시대, 고전주의 시대, 그리고 그 후 많은 조각가가 남성 조각상의 전형적인 모습으로 여기고 모방했다. 사실감과 기하학적 균형 위로 배어나는 지도자의 위엄과 권위까지도 추구한 작품이었기에. 박일호 이화여대 교수·미학

그림으로 감정을 표현할 수 있을까? 눈에 보이지 않는 슬픔이나 우울함을 눈에 보이는 색채와 형태로 나타낼 수 있을까? 음악을 생각해 보자. 현충일이나 장례식에서 장송곡을 들으며 우리는 슬픈 감정을 느낀다. 그리고 그 음악이 슬프다고 말한다. 왜 그럴까. 슬픈 음악들 대부분이 느리고 단조의 속성을 갖고 있기 때문이다. 슬플 때의 우리 행동과 유사한 특징들을 음악 형식 안에 담았기 때문이다. 슬플 때는 걸음걸이가 느려지고 목소리가 잠긴 저음으로 울먹울먹하는 등의 특징 말이다. 그림도 마찬가지고, 표현주의 화가들의 고민도 여기에 있었다. 눈에 보이지 않는 감정을 그림으로 나타낼 수 있을까? 그럴 수 있다면 어떻게 해야 할까? 라는 물음이 이들을 괴롭혔다. 표현주의는 19세기 말 당시 사람들 사이에 퍼진 위기감과 정신적 혼란이 인간 스스로에 의해서 초래된 것임을 인정하고, 그로 인한 감정을 숨김없이 드러내려 했다. 감정을 통해 바라본 세계를 나타내려 한 고흐와 달리 표현주의는 감정 자체를 표현하려 했다. 그래서 고흐 그림과 표현주의 그림은 유사하면서도 달랐다. ‘멜랑코리’란 그림에서 뭉크는 ‘우울함’ 자체를 표현하려 했다. 우울할 때의 우리 행동이나 표정과 유사한 점, 우울할 때면 힘이 빠지고 심각하고 축 처진 모습을 보인다는 점 등을 그림의 형식으로 나타내려 했다. 우선 황량한 바닷가에 배 한 척이 떠 있고 누군가 떠나는 것을 배웅하는 세 여인의 모습을 배경으로 삼았다. 그 모습을 뒤로하고 턱을 괸 한 남자가 심각하고 우울한 표정을 짓고 있는 모습도 그려 넣었다. 이것만으로도 우울함을 느낄 수 있지만, 뭉크는 여기에 우울함을 강조하는 형식까지 더했다. 물체의 윤곽선을 흐리게 하고 가라앉은 색채가 화면 가득 은은히 흐르게 해서 힘이 빠지고 축 처지는 듯한 느낌도 살렸다. 그래서 그림의 분위기가 한결 더 절실해졌다. 예술은 이처럼 우리 느낌과의 공감을 바탕으로 힘을 발휘했고 전개돼 나갔다. 박일호 이화여대 교수·미학

다가오던 봄이 폭설에 놀라 한 걸음 물러나는 듯하다. 또 한 번 밀려올 꽃샘추위 생각에 몸이 움츠러들기도 한다. 그래도 집 뒤뜰의 모란이 꽃봉오리를 품는 걸 보니 계절의 변화를 거스를 수는 없는가 보다. 봄을 기대하면서 에두아르 마네의 ‘봄’ 그림을 마주했다. 당시 여배우를 모델로 한 봄의 한 장면이다. 마네가 화사한 꽃무늬 옷을 차려입고 양산을 받쳐 든 채 어딘가로 향하는 여배우를 그렸다. 꽃장식을 단 멋쟁이 모자도 씌우고, 옆모습으로 오뚝한 코도 강조해서 도도한 여인의 모습을 실감 있게 표현했다. 봄나들이에 발그레 달아오른 볼이 그녀의 들뜬 마음을 짐작하게 한다. 초록빛 무성한 잎들이 우거진 배경을 보면 봄보다는 초여름을 배경으로 한 것 같다. 봄을 기다리는 마네의 조급한 마음까지 담은 탓일까. 마네는 인상주의 운동에 직접 참여하진 않았지만, 두 가지 점에서 뜻을 같이했다. 하나는 주제에서였다. 인상주의는 무도회나 뱃놀이, 경마 등 당시 파리 중심의 도시 중산층이 즐긴 삶의 내용을 주제로 했다. 산업문명의 급속한 발전으로 유행이 빠르게 변해 나간 당시 도시 속의 생활 감정을 담아내려 했기 때문이다. 그런 점에서 인상주의는 도시적인 예술이었고, 마네는 도시를 배경으로 한 봄을 담기 위해 여배우의 봄나들이를 택했다. 다른 하나는 당시 아카데미 위주의 경직된 미술에 반대했다는 점에서다. 다른 인상주의자들처럼, 마네는 색의 밝고 어두움을 단계적으로 변화시켜 입체감을 나타냈던 전통적인 방식을 거부했다. 색점들로 분해하는 모네식의 색채 묘사를 따르진 않았지만, 여배우의 옷과 장갑, 주변 풍경의 묘사에서 뚜렷한 형태감보다 거친 색채 자국이 두드러지게 해서 실체감보다 분위기를 더 강조했다. 2월의 마지막 주말이다. 심술 맞은 함박눈과 봄비가 지나간 후 대지가 숨을 고르고, 추위에 지쳤던 나무들도 봄기운을 맞으려 생기를 띤다. 오늘은 바쁜 일상을 뒤로하고, 봄맞이 산책을 즐기고 싶다. 박일호 이화여대 교수·미학