최초의 낭만주의 작품으로 여겨지는 테오도르 제리코의 ‘메두사의 뗏목’이다. 균형과 절제를 강조했던 고전주의자들이 감정을 불러일으킨다는 점에서 억제하려 한 역동적이며 극적인 분위기가 넘쳐흐른다. 1816년 관리들과 사람들을 싣고 식민지인 아프리카 세네갈로 가던 프랑스의 메두사호가 지중해에서 난파된 사건을 그린 그림이다. 350명이 죽고 15명만이 살아남아 뗏목을 만들어 구조를 요청하는 장면을 제리코가 상상력을 발휘해서 나타냈다. 전경에 죽은 사람과 죽어가는 사람의 축 처진 모습과 체념한 듯 비탄에 잠긴 사람을 그렸고, 그 위에 파도 사이로 구조선을 발견하고 흥분에 차 기뻐하는 사람들을 그려 넣었다. 꼭대기에는 찢어진 옷을 벗어 구조선을 향해 흔들고 있는 흑인을 그려 넣는 등, 비극적 상황에서 고통과 싸우면서도 희망의 끈을 놓지 않는 사람들을 다양한 모습으로 묘사했다. 그림 형식에서는 색, 명암 대비, 감정의 흐름을 강조한 낭만주의 특징이 두드러진다. 고전주의자들이 강조하는 선이나 형태보다 어둠침침한 갈색 톤을 화면 전체에 흐르게 해 불안한 분위기를 표현했고, 강한 명암 대비로 희망과 절망이 교차되는 극적인 순간도 잘 나타냈다. 왼쪽 아래에서 오른쪽 위로 화면을 가로지르는 사선 구도를 사용해서 당시 긴박했던 순간의 역동성을 느끼게 했다. 그 꼭대기에 흑인을 그려 넣은 것은 ‘타락한 서구 문명’과 ‘고상한 야만’을 대비시키며 자연적인 것을 강조한 루소의 낭만주의 이론을 표현하기 위해서였다. 그림 크기는 세로가 5m에 가깝고, 가로는 7m가 조금 넘는다. 루브르 박물관에 가면 볼 수 있는데, 올여름 파리를 방문할 계획이 있다면 현장에서 이 그림을 직접 볼 것을 권하고 싶다. 성인 키의 2배를 훌쩍 넘는 높이와 5∼6명을 감싸고도 남는 폭의 거대한 그림 앞에 서면 그 크기에 압도당하고, 당시 사람들이 겪었던 고통과 공포의 감정이 우리 안으로 밀려들어옴을 느낄 수 있다. 책 속의 작은 사진으로만 접했던 그림에 대한 감동이 현장에서 접할 때는 어떻게 달라지는가를 경험할 수 있다.

화사한 하늘과 푸른 강물, 산뜻한 색감의 강기슭 숲 풍경 여기저기 목욕하는 여인들이 보인다. 한여름의 시원한 물놀이가 떠오르는데 그린 방식은 다소 색다르다. 전경의 두 여인은 육감적인 모습이지만, 윤곽선과 형태감을 어렴풋이 짐작할 수 있을 뿐이다. 멀리 보이는 두 여인도 형태감보다 분위기만을 짐작할 수 있게 간략하고 거친 색채 흔적으로 표현됐다. 선보다 색채 효과로 인물과 풍경의 관계를 나타낸 인상주의자 오귀스트 르누아르의 그림이다. 인상주의는 자연과 현실 속 대상의 시각적 진실에 가까이 가려 했다. 그 방법 중 하나는 대상 표면에 나타나는 빛의 변화를 통한 색의 변화를 담아내는 것이다. 현실이란 고정된 물체가 아니라 생성이요, 결정된 상태가 아니라 움직이는 과정임을 나타내려 했다. 자연 속의 모든 것은 끊임없이 움직이며 변해간다는 생각을 갖고, 빠르고 거친 기교로 빛의 효과들을 그림에 담으려 했다. 인상주의의 이런 이론은 당시 발달한 과학의 영향에 의해서 탄생했다. 프리즘이 발명되고 광학이론이 발달하면서 자연 대상이 고유색을 갖는다는 전통적인 생각이 무너졌고, 대상의 색은 빛을 이루는 7가지 색 중에서 반사되는 색에 의한 것이며, 시간에 따라 빛의 양이나 세기가 달라지면 대상 표면의 색도 변한다는 주장을 그림에 반영하는 것이다. 르누아르는 이런 색채 구사 방식에다 인물 묘사도 강조해서 풍경만을 주로 다룬 다른 인상주의자들과 차이점을 보였다. 르누아르가 1883∼1884년 이탈리아에 머물면서 르네상스의 대가 라파엘의 그림을 보고, 그의 인물 묘사 방식과 데생에 심취했던 것이 계기가 됐다. 귀국 후 육감적인 여체를 부드러운 윤곽선으로 묘사하는 그림을 그렸는데, 1887년 이후는 다시 인상주의적 색채 구사를 살리고, 부드럽고 육감적인 여체 묘사를 결합한 목욕하는 여인들 작품을 연속해서 그렸다. 이 그림은 그때 그린 것 중 하나이다. 여름 한가운데로 들어가는 요즘 날씨를 잠시 식혀주는 그림이기도 하다.

기원전 4세기쯤 도시국가 아테네와 스파르타가 그리스 반도 패권을 다툰 펠로폰네소스 전쟁에서 아테네가 패배했다. 그 후 그리스 도시국가들은 혼란에 빠졌고, 이때를 틈타 마케도니아의 필리포스 2세가 쳐들어와 그리스를 정복했다. 그의 아들 알렉산드로스 대왕은 20세 나이에 왕위에 올라 동방으로 영토를 넓혔고, 멀리 인도 국경에 이르는 제국을 이뤘다. 알렉산드로스가 원정길에 전염병으로 죽자 제국도 쇠퇴했으며, 유럽의 새로운 강자로 로마가 부상했다. 이 그림은 알렉산드로스 대왕이 동방 원정을 나서 이소스(지금의 터키 아나톨리아 지방)에서 페르시아 왕 다리우스 3세를 격퇴하는 장면이다. 전쟁에 패하고 허겁지겁 도망가는 다리우스 3세의 당황한 얼굴 표정이 측은해 보인다. 전차병은 말들에 채찍질하며 후퇴를 재촉하고, 병사들이 창을 세워 도망치는 왕을 보호하려 한다. 다리우스 3세 아래 쓰러진 병사, 놀라서 날뛰는 말과 뒤꽁무니 빼는 말이 뒤얽힌 어수선함이 패배자의 모습 그 자체다. 혼란스런 전쟁터 상황이 다양한 자세와 동작의 사람들과 말들의 복합적 구성으로 잘 처리됐다. 색조는 빨강, 노랑, 검정, 흰색 네 가지만을 사용해 단순함과 통일감을 만들어냈다. 복잡하고 다양한 요소들이 주는 산만함을 없애고, 전투 승리라는 메시지를 강조하기 위해서였다. 이탈리아 나폴리 고고학박물관에 가면 볼 수 있는데, 본래 폼페이 유적에 있던 것을 복원해 옮겨 놓은 것이다. 폼페이는 기원후 1세기쯤 나폴리만 근처 베수비우스 화산이 폭발해 묻힌 로마의 작은 도시였다. 18세기 우물을 파던 한 농부가 우연히 발견했고, 로마 시대 생활 수준을 가늠해볼 수 있는 자료들이 발굴됐다. 당시 폼페이의 부유한 사람들이 집 안을 벽화나 모자이크화로 장식했는데, 가장 유명한 것이 이 작품이다. 코로나19 유행으로 눌린 해외여행 욕구가 분출하며 인천공항이 활기를 찾고 있다. 세계 3대 미항으로 불리는 나폴리를 찾는다면, 폼페이 유적과 고고학박물관에 들러 역사 속으로 사라진 영광도 생각해보면 어떨까.

20세기 현대미술은 시각적 인상에 치우친 인상주의 영향으로 대상의 묘사에서 벗어나기 시작했고, 자유로운 형식 구성을 목표로 한 추상미술에 이르렀다. 미술이 예술가의 자유로운 형식 구성이라 할 때, 예술가가 선택할 수 있는 방향은 크게 두 가지다. 마음의 능력인 이성과 감성 중 어느 쪽을 더 강조하는가에 따라 결정된다. 전자의 흐름을 대표하는 추상화가로 피트 몬드리안을 들 수 있다. 네덜란드와 파리를 오가며 활동했던 몬드리안은 기하학적인 선과 형태를 중심으로 한 추상미술을 시도했다. 선과 색과 형태를 절제된 관계와 형식으로 표현해서 비례나 균형, 조화 같은 순수한 수학적 아름다움을 나타내려 했다. 그것을 통해 자연과 세계에서 만날 수 있는 질서와 비례라든지 변화 속의 리듬을 나타내기 위해서였다. 이런 몬드리안의 추상미술은 이성적이며, 이성이 차가운 속성을 갖는다는 점에서 ‘차가운 추상’으로도 불린다. 몬드리안은 자연의 법칙성을 표현하기 위해 십자 무늬 구성 방식도 창안했다. 가로와 세로 길이나 색의 농담을 조절하면서 자연에서 만날 수 있는 수평적인 것과 수직적인 것, 물질과 공허, 차 있음과 비어 있음의 관계 등 자연의 법칙성을 나타내는 방법이다. ‘브로드웨이 부기우기’는 이런 화면 구성 방식이 사용된 대표적인 작품이다. 자연의 리듬이나 비례를 나타내려 한 십자 무늬 구성 방식이 도시의 이미지에 적용됐다. 몬드리안이 2차 세계대전을 피해 미국으로 망명한 후, 뉴욕의 한 고층빌딩에서 내려다본 뉴욕 시가의 모습을 바탕으로 그린 그림이다. 거리가 십자 무늬들이 모인 바둑판 모양처럼 구획되고, 그 사이를 바쁘게 오가는 노란색 택시들과 휘황찬란한 거리 불빛으로 활기찬 뉴욕의 모습을 연상케 했다. 몬드리안은 이 활기찬 도시 분위기가 미국을 상징한다고 생각했고, 경쾌하고 빠른 리듬의 ‘브로드웨이 부기우기’라는 곡을 작품 제목으로 붙였다. 잘게 쪼갠 색면들로 경쾌하고 빠른 느낌을 만들고, 형형색색의 사각형들을 교차시킨 리듬감을 덧붙여 눈에 보이는 음악을 탄생시켰다.

1789년 프랑스 대혁명에서 시작된 시민혁명으로 근대 시민사회가 탄생했고, 유럽 사회 전반에 자유주의 정신이 퍼져 나갔다. 예술가들은 급변하는 현실에서 소재를 취하고, 감정과 상상력의 자유로운 창작에 의한 낭만주의를 열었다. 19세기 중엽을 지나 각 나라가 혼란한 정치적 현실을 극복하면서 예술도 격동하는 현실 세계 대신 자연 풍경을 대상으로 삼기 시작했다. 낭만주의 회화의 또 다른 흐름인 낭만적 자연주의로 불리는 경향이다. 고전주의 풍경화가 자연에 입혀 온 이성적이며 인위적인 틀을 벗기고, 자연 그대로의 모습과 느낌을 담자는 것이다. 낭만적 자연주의의 대표적인 작가로 영국의 윌리엄 터너를 들 수 있다. 그는 주로 바다 풍경을 택해 거친 파도가 몰아치는 망망대해 같은 대자연의 장엄함과 숭고함을 나타냈다. 그리고 여기서 인간이 느끼는 한계나 자연에 대한 외경심도 암시하려 했다. 공포와 압박감을 주는 위협적인 자연과 작고 나약한 인간의 모습을 대비시켜 자연에 대한 공포감뿐만 아니라 경이로움도 일으킨다는 점이 그의 그림의 특징이다. ‘노예선’은 노예를 싣고 가다 죽은 사람을 바다에 던져 버리는 노예 상인의 이야기를 그린 그림이다. 전경 오른쪽 아래 버려진 시체를 상어들이 달려들어 물어뜯으려 한다. 거친 물결 위로 요란한 소리를 내며 떠도는 갈매기들의 모습은 이 장면을 더 끔찍하게 만들고 있다. 터너는 이 광경으로 노예 상인들의 탐욕과 잔인함을 상징하려 했다. 험한 파도에 휩쓸리며 출렁이는 위태로운 배의 모습은 거대한 파도 앞에서 왜소해질 수밖에 없는 인간의 모습을 연상케 한다. 현실적인 인간의 탐욕이 대자연의 위력 앞에서 무슨 의미를 갖게 될까 생각하게 한다. 붉은 노을을 배경으로 휘감듯 몰아치는 소용돌이가 금방이라도 배를 삼켜버릴 것만 같다. 터너는 물체들의 형태를 알아볼 수 없을 정도로 뭉그러뜨리고, 빛과 색의 세계로 웅장하면서 신비롭게 펼쳐냈다. 그래서 바다 풍경이 더욱 위협적으로 다가온다.

그리스 문명을 이은 로마는 지중해 주변 대부분의 영토를 정복하고, 인도 국경까지 이르는 대제국을 이뤘다. 330년 콘스탄티누스 황제는 광대한 영토의 효율적 통치를 위해 비잔티움(지금 터키 이스탄불)에 새 수도를 세우고, 자신의 이름을 따서 콘스탄티노플이라고 했다. 그 후 도시 로마를 중심으로 한 서로마제국과 콘스탄티노플을 중심으로 한 동로마제국으로 분열되고, 서로마제국은 476년 북쪽 게르만족에 의해서 멸망했다. 서로마제국의 멸망 후 서양의 고대가 끝나고 중세가 시작됐고, 두 개의 문화권으로 갈라졌다. 하나는 비잔틴제국이란 이름으로 중세 내내 지속된 동로마제국이 중심인 그리스 정교 바탕의 그리스·비잔틴 문화권이다. 다른 하나는 서로마제국 영토 위에 새로 생긴 라틴·게르만 문화권인데, 여기서 동유럽 문화와 서유럽 문화가 시작됐다. 이 작품은 비잔틴제국의 산비탈레 교회 안에 있는 모자이크화다. 비잔틴제국이 황제의 권위를 정치적으로나 종교적으로 절대적이라고 생각했던 점이 반영됐다. 유스티니아누스 황제가 막시미아누스 대주교에게 황금접시를 봉헌하는 장면인데, 가운데 황제를 배치해서 그의 권위가 절대적이었음을 나타냈다. 황제 바로 옆에 대주교를 배치하고, 양옆으로 지위와 신분의 중요도에 따라 신하들과 사제들을 배열했다. 가장 지위가 낮은 병사들은 왼쪽 구석에 모아 놓고, 그 모습을 방패로 가리기까지 했다. 방패에는 X와 P가 교차된 십자가 모양이 새겨져 있는데, X는 그리스도의 십자가 책형을, P는 목동의 지팡이 모양으로 교회의 목자적 사명을 의미했다. 신비롭고 초월적인 분위기를 만들기 위해서 황금빛 배경도 사용했다. 황금이 가장 변하지 않는 금속이란 점에서 불멸의 이미지를 나타내기에 적합하다고 생각됐기 때문이다. 비잔틴제국은 1453년 오스만튀르크에 의해 멸망했고, 그리스·비잔틴 문화 중심지는 러시아로 옮겨 갔다. 지금 우크라이나 전쟁은 러시아의 시대착오적 지배사상과 블라디미르 푸틴 러시아 대통령의 광기가 만들어 낸 결과다. 이 비극이 멈추길 기대하면서 모자이크화를 다시 한번 본다.

모자 쓴 한 남자가 어딘가로 바삐 가고 있다. 바람을 가르며 길을 재촉하는 모습에서 휙휙 바람 소리가 들리는 듯하다. 이런 모습을 조각작품으론 어떻게 나타낼까? 미래주의 작가 움베르토 보초니는 바람에 옷깃이 휘날리는 형태들을 연속적으로 이어 붙여 속도감까지 표현했다. 제목도 ‘공간에서 연속성의 독특한 형태’라 붙였다. 청동 표면을 반짝반짝 빛나도록 처리해서 움직임에 활기도 더했다. 20세기에는 급변하는 복잡한 사회 상황만큼이나 다양한 미술양식들이 부침을 거듭했다. 그중에는 조형적인 방법보다 예술이 처한 사회적 상황에 주목하고, 예술가가 보여야 할 태도나 관점을 더 중요하게 생각한 경향도 있었다. 그 대표적인 한 예가 미래주의였다. 미래주의는 1909년 이탈리아를 중심으로 미술·문학·연극·음악 등에 걸쳐 나타났고, 1차 세계대전이 일어난 1914년까지 지속됐다. 특히 미술에서는 기계문명 시대를 맞아 변화한 현대인의 의식과 감성에 부응하는 미술을 이루려 했다. 기계나 자동차 등 과학기술 발달로 사람들의 감각세계도 변한 만큼 그 안에 담긴 속도감, 활력, 움직임 자체를 주제로 삼아야 한다는 것이었다. 보초니는 “자동차 밸브가 열리고 닫히는 리듬은 동물 눈꺼풀의 깜빡임만큼 아름답지만, 그것보다 더 무한히 새롭다”고 했다. 자연에서 얻는 감흥보다 기계 시대 움직임이 더 매력적이라는 말이다. 그리고 이 작품에서는 그가 창안한 미래주의 조형 방법을 적용했다. 걸어가는 사람과 바람에 휘날리는 옷자락을 조각적으로 해석했다. 바람결과 펄럭이는 옷자락이 공간 속에 그리는 흔적을 해체된 형태로 분할하고, 연속적으로 이어 붙였다. 그래서일까. 청동으로 만들어졌지만 전혀 무거운 느낌을 주지 않고, 경쾌한 움직임을 연상케 한다. 새로운 점은 또 있다. 조각은 정지된 순간을 담는 예술이지만, 그 안에 과거와 현재의 형태를 함축적으로 압축해 담으려 했다. 이 점이 공간예술로 분류되는 조각작품 안에 시간의 흐름을 담아내려 한 시도라는 평가로 이어졌다.

고대 그리스 시대 이야기다. 밀로란 이름의 병사가 어쩌다 나무줄기 틈새에 손이 끼자 손을 비틀며 고통스러워 한다. 당황하는 모습이 역력한데, 이때를 놓치지 않고 사자가 달려들어 그의 엉덩이를 물어뜯고 있다. 엎친 데 덮친 격이다. 17세기 프랑스 조각가 피에르 퓌제의 작품인데 당시 고전주의 비평가들에 의해 모진 비판을 받았다. 고전주의 이론에 맞지 않는다는 이유에서였다. 17세기 프랑스 고전주의 미술은 고대 그리스의 예술정신을 본받고, 고대의 부활을 외친 르네상스 미술의 양식적 특징도 되살리려 했다. 미술가들이 두 시대 미술의 특징인 균형과 조화와 절제의 방법을 고전처럼 신봉했기 때문이다. 이성적 규칙에 의한 작품을 이루는데 루이 14세가 설립한 왕립 회화조각 아카데미도 앞장섰다. 아카데미가 표현 방법의 기준을 설정하고 규범적 사례를 만들어서 창작 지침으로 제시했다. 이른바 ‘아카데미즘’이라는 관학파 미술의 전형이 이렇게 탄생하고 다듬어졌다. 지금 우리는 아카데미즘 하면 자유로운 창작보다 규칙에 입각한 판에 박힌 미술이라는 부정적인 의미로 사용한다. 하지만 당시에는 아카데미가 중심이 돼 미술 전반을 통제했다 ‘크로토나의 밀로’가 어떤 점에서 고전주의자들을 불편하게 했을까? 퓌제가 병사와 사자의 역동적인 자세를 강조하고, 중심축 밖으로 퍼져나가는 형상으로 만들어서 불균형의 구조가 두드러졌기 때문이다. 난폭한 사자와 병사 얼굴의 표정을 전율을 일으킬 정도로 사실적으로 묘사하고, 순간적인 동작을 실감나게 표현한 점도 아카데미의 눈 밖에 났다. 반면 퓌제가 대리석 부분 부분에 생명력을 불어넣어 사자의 포악함과 병사의 고통, 뒤틀린 팔 등을 긴장감 넘치게 표현한 점, 이성적 절제보다 감정이 살아 넘치는 작품으로 만든 점이 생기 넘치고 활력 있는 새로운 조각의 지평을 열었다는 평가도 있었다. 그런데 그리스 병사는 위기를 잘 극복했을까? 이어지는 이야기가 없어 그저 상상의 모습을 그려볼 뿐이다. 잘 벗어났길 바라는 마음을 담아서.

상황이 변하면 사람들의 생각도 행동도 달라진다. 미술도 그랬다. 1960년대 대중문화가 넘쳐나던 때 예술가들은 새로운 길을 나섰다. 대중매체에서 쏟아져 나오는 이미지들의 홍수, 대량생산되는 새로운 상품들, 번잡한 대도시 고층 건물과 인공구조물에 둘러싸인 예술가들은 자연에서 감수성을 얻고 표현했던 것과 다른 방식을 꿈꿨다. 어떤 방식이었을까? 전통적 회화나 조각의 이미지와 대중문화 속 이미지가 갖고 있는 차이점에서 그 단서를 찾았다. 회화나 조각의 이미지는 어떤 매체를 사용하는지, 어떤 방식으로 구성되어 있는지에 따라서 서로 다른 뉘앙스를 갖는다. 똑같은 대상일지라도 어떤 예술가의 작품인가에 따라서 서로 다른 의미와 느낌을 불러일으키기도 한다. 미술작품의 이미지는 미묘하고 암시적이며 때론 불명료하다. 이에 반해 광고나 상품 이미지는 그 효과를 발휘하기 위해서 명확하고 단일한 의미를 고집한다. 개인의 주관적 요소에 의해 영향 받지 않는 중립적이며 객관적인 의미를 제시한다. 대중문화의 이런 특성을 잘 읽어내고, 자신의 미술세계로 끌어들인 팝아트 화가가 미국의 로이 릭턴스타인이었다. 그는 복잡하고 모호한 이미지를 새로 만들어 보는 이를 혼란에 빠트리는 길을 버리고, 사람들이 익숙하게 접하는 만화 이미지를 소재로 자신의 작품을 만들었다. 대중문화 시대 사람들의 감성이 변했고 그에 따라 예술도 달라져야만 한다는 생각에서였다. 그는 줄거리나 사실성에 중점을 두는 만화를 형식적 소재로만 사용했다. 만화의 한 컷을 골라 스케치하고, 영사기를 통해 화면에 확대 투사한 후, 그 형상에 색을 입혔다. 빨강 파랑 노랑 하양 등 색면을 강조하고, 검은 선으로 테두리를 둘렀다. 신문 그림 인쇄에 사용되던 망점도 만화의 말풍선도 그림의 요소로 변형했다. 이렇게 만화의 모든 것이 릭턴스타인화되어 그만의 형식세계 그림이 탄생했다. 그 결과는? 음-어쩌면 몬드리안의 기하학적 색면이 주는 공허함을 넘어 보는 재미와 읽는 재미까지 주지 않을까.

일교차가 크기는 하지만 한낮은 포근해서 곧 봄을 만끽할 수 있을 것 같다. 다음 주엔 좋은 일이 있으려나 기대해 보며 봄 그림을 골랐다. ‘비너스의 탄생’과 함께 르네상스 시대 화가 산드로 보티첼리를 대표하는 그림이다. 르네상스 미술은 15세기부터 16세기 중반까지 150여 년 지속됐고, 서양미술사 최고봉을 이뤘다. 중세가 끝나 갈 무렵 고대 그리스 문화의 이성적 경향의 부활을 꿈꾸며 시작됐다. 15세기에 기초를 다졌고, 16세기에 다빈치·라파엘로·미켈란젤로 등으로 대표되는 전성기에 도달했다. 이런 전환의 바탕을 이룬 화가가 보티첼리였다. 전체적 구도와 공간적 통일성이란 측면에서 15세기 미술을 한 단계 발전시켰기 때문이다. 그림을 보자. 주제가 종교적 내용이 아니라 그리스 신화의 내용이란 점에서 고대의 부활이라는 르네상스 정신이 담겼다. 부드러운 곡선 위주로 표현됐지만 윤곽선이 두드러져 간결하고 분명한 느낌을 준다. 대지의 지평선, 인물과 나무의 수직선을 중심으로 한 구도가 그림 전체의 틀을 이루고 그 안에서 다양한 요소들이 어울린다. 미의 여신 비너스와 그의 아들 큐피드가 가운데 있고, 왼쪽 가장자리 샌들과 날개 달린 모자 차림을 한 전령의 신 헤르메스가 봄소식을 전한다. 그 옆으로 항상 비너스와 동행했던 순결·사랑·아름다움을 상징하는 삼미신이 자리했다. 오른쪽은 땅의 요정 클로리스가 꽃의 여신 플로라로 변하는 장면이다. 클로리스에게 반한 제피로스가 그녀의 마음을 얻으려 하지만 쉽지 않은 듯 어쩔 줄 몰라 하는 모습이다. 땅과 나무 곳곳에 봄의 꽃과 식물들이 가득하고 만물이 생동하는 완연한 봄 풍경이다. 전성기 르네상스 미술의 묘사 수준에 이르지 못한 아쉬움도 보인다. 머리카락과 옷과 외투의 곡선이 여전히 중세 고딕 미술의 장식적 전통에 묶여 있다. 우아함을 강조하기 위함인지 인물들의 목 부분이 어색하리만치 길게 묘사됐고 어깨도 가파르게 처져 있다. 피렌체 우피치 미술관에 가면 볼 수 있다. 올여름엔 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 위기가 풀려 가 볼 수 있으면 좋을 텐데.