노란색으로 칠한 이상한 말 세 마리가 있다. 머리는 셋인데 몸과 엉덩이가 잘 구분되지 않고, 곡선 형태로 서로 뒤섞여 일체감을 이루고 있다. 배경의 구름이나 산과 마을도 신비로운 느낌의 색채로 표현되어 현실세계를 초월한 분위기를 연상케 한다. 청기사파 표현주의자인 프란츠 마르크의 작품이다. 왜 이렇게 그렸을까? 표현주의는 19세기 말 사람들 사이에 퍼진 사회적 위기의식을 배경으로 등장했다. 그 위기가 인간 스스로에 의해서 초래된 것임을 인정하고, 그로 인해 겪는 고통이나 비극적 느낌을 숨김없이 솔직하게 드러내려 했다. 표현주의는 두 단계로 진행됐는데, 다리파 표현주의는 독일 시골 작은 도시인 드레스덴의 투박한 성격과 유사하게 다듬어지지 않은 색채와 형태들을 거칠게 표현했다. 이에 비해 청기사파는 그 중심지인 뮌헨의 국제도시 분위기 영향으로 보다 세련된 형식의 추상적 표현주의 경향으로 향해 나갔다. 인간의 한계를 느끼게 하는 것, 눈에 보이는 세계 이면의 힘을 신비적으로 나타내려 했다. 마르크도 그중 한 사람이었다. 마르크는 과학으로 설명할 수 없는 현실과 자연세계 너머 불가사의하고 원초적인 힘을 표현하려 했다. 인위적이며 합리적으로 구분되고 이성을 통해 정리된 형태를 피하려 했고, 그렇게 구분되기 이전의 원초적인 형태로 나타내려 했다. 그래서 세 마리 말들이 서로 뒤섞여 일체감을 이루게 했고, 색채에서도 자연에서 볼 수 없는 신비스런 느낌을 강조했다. 자연의 불가사의함을 암시하기 위해서 구성과 색의 선택에서 상상력을 발휘했다. 과학으로 해결되지 않는 일은 지금도 많지만 양면성이 있는 듯하다. 코로나바이러스가 잠잠해지는가 하면 다시 번지는 일이 반복되면서 과학의 한계를 생각하게 한다. 반면 온라인으로 한 학기 수업을 마칠 수 있었던 것은 과학기술의 발달 덕택이다. 일회로 그치는 현장수업보다 반복해서 볼 수 있다는 장점은 있지만 표정을 보면서 갖는 인간적 교감이 없었던 것이 아쉬움으로 남는다. 과학기술의 두 가지 상반된 모습이다. 박일호 이화여대 교수·미학

알쏭달쏭한 미술 양식 중 하나가 개념미술이다. 미술작품의 이미지나 형태 구성보다 아이디어나 생각을 더 중요하게 여기는 양식이다. 예술가가 어떤 대상을 어떤 재료를 사용해서 어떻게 나타내느냐보다 작품을 창작하면서 가졌던 생각이 더 본질적이라는 것이다. 감상자도 작품의 외형적 형태보다 그 이면에 있는 예술가의 생각을 읽어내야만 한다. 그렇다고 작품 제작을 다른 사람에게 맡겨도 된다는 것은 아니다. 예술가의 아이디어만 읽힌다면 어떤 재료나 방식이든 상관없고, 시각적 형태로 만들어지지 않더라도 완성된 것과 똑같다는 창작 이론에 의한 것이다. 지금까지 미술작품이 감각적 형태를 떠나서 존재할 수 없다고 여겨졌다면, 이제부터는 비물질적 속성도 주목하자는 입장이다. 대표적인 작가로 조지프 코수스를 들 수 있다. ‘하나 그리고 세 의자’에서 코수스는 실제 의자를 바닥에 놓고, 한쪽 벽에는 의자 이미지를 붙였으며, 그 옆에 사전에 있는 의자의 언어적 정의를 붙였다. 이 작품에서 그가 의도한 것은 무엇일까? 이미지와 사물이라는 형태로 의자를 설명하려 했다고 이해한다면, 너무 소박한 생각이 될 것이다. 그런 시각적인 형태에서 떠난 미술을 의도했기 때문이다. 이 작품에서 코수스는 우리가 의자라고 생각하는 실체가 과연 무엇에 의한 것인가라는 물음을 던지고 있다. 실제 사물에 의한 것인지, 의자 이미지에 의한 것인지, 의자의 언어적 설명에 의한 것인지를 생각해 보자는 것이다. 나아가 의자뿐만 아니라 우리가 만나는 모든 실체에 대한 생각을 이런 방식으로 해보자는 제안이기도 하다. 금년의 절반에 다가가는 주말이다. 정치 경제 사회적으로 답답한 현실이 우리 앞에 있다. 지금 우리 삶의 중심은 어디에 놓였을까? 현실을 이미지처럼 대하고 만들어진 이미지로 현실을 판단하고 있는 것은 아닌지, 나만의 언어적 틀에 갇혀 사고하면서 주변과 한치 앞 미래도 내다보지 못하는 것은 아닌지, 보고 싶은 것만 보고 생각하고 싶은 것만 생각하는 것은 아닌지. 중간 점검이 필요한 때다. 박일호 이화여대 교수·미학

에디슨이 축음기와 백열등을 발명했고, 디젤엔진과 공기타이어가 발명되면서 포드자동차가 대량으로 생산됐다. 라이트형제가 비행기를 발명한 지 10년도 안 돼 루이 블레리오가 프랑스 칼레에서 영국 도버까지 영국해협을 건너는 비행에 성공했다. 기술자인 에펠이 파리 만국박람회를 기념해서 하늘을 향해 310여 미터나 뻗은 에펠탑을 건설했다. 사람들은 이 시대를 산업 자본과 기계시대의 산물이며, 과거에 대한 현재의 승리로 칭송했다. 지금부터 100여년 전 과학기술의 발달로 세계가 급변하는 모습이다. 미술도 변했는데, 예술가들은 과학문명의 발달로 변화된 사람들의 감성과 의식에 맞는 미술이어야 한다고 생각했다. 로베르 들로네도 그런 예술가 중 한 사람이었다. 그는 에펠탑을 30번 이상 그렸는데, 산업기술의 결정체인 에펠탑이 현대성을 대표하는 이미지라고 여겼기 때문이다. ‘블레리오에 대한 경배’에서 들로네는 그런 의도를 나타냈다. 에펠탑 주위를 날고 있는 비행기와 프로펠러와 프로펠러가 그리는 원반을 입체파 방식으로 재현했다. 당시 현대성의 또 다른 이미지는 프로펠러 비행기였는데, 블레리오의 영국해협 비행이 미래의 희망으로 생각됐기 때문이다. 그래서 제목도 ‘블레리오에 대한 경배’이다. 하늘을 나는 비행기에 의해 미래의 새로운 영역이 개척되고, 새로운 사회가 건설된다는 생각이 그림 안에 낙관주의적으로 담겼다. 프로펠러가 돌아가는 모습에서 착안한 형형색색의 원반들은 모든 사물을 움직이는 에너지를 암시하는 이미지였다. 블레리오의 비행에 경탄했던 일이 불과 100년 전인데, 일론 머스크가 유인 우주선을 쏘아 올려 국제우주정거장에 안착했다는 소식이 화제다. 그는 언젠가는 화성에 사람이 사는 식민지를 설립하겠다는 포부도 밝혔다. 2년 전 죽은 스티븐 호킹은 인류가 직면한 위협의 하나로 전염병의 유행을 들었고, 인류가 멸종을 피하려면 100년 이내 다른 행성으로 이주해야 한다고 말했다. 좋은 아침! 정말 화성시대가 올까 상상하며 코로나19를 잠시 잊는다. 박일호 이화여대 교수·미학

이 그림은 카미유 피사로가 파리의 한 호텔에서 내려다본 ‘해질 무렵 몽마르트르 거리’의 모습이다. 차도에는 마차들이 가득하고, 인도에는 사람들이 넘쳐흐른다. 하루 일을 마치고 각자가 다시 바쁜 일상생활로 돌아가기 위해서 서두르는 부산한 모습이다. 싱그러운 가로수의 녹색으로 보아 지금 같은 초여름의 거리 풍경임을 짐작할 수 있다. 그런데 피사로는 이 모든 것을 나타내는데 어떤 윤곽선이나 원근법적 구도도 사용하지 않았다. 몽마르트르 거리임을 알 수 있는 특징적인 모습들도 드러나지 않고, 사람들의 형태조차도 구분되지 않는다. 해가 질 때 볼 수 있는 빛과 색의 변화와 그때의 분위기만이 화면을 가득 채우고 있다. 입체감은 사라졌고, 색 조절로 어렴풋이 나타낸 거리감과 색 간의 뉘앙스가 그림 전체를 지배하고 있다. 왜 이런 효과가 나타난 걸까. 모네와 함께 인상주의에 가담했던 피사로는 물감을 팔레트에서 섞지 않고, 순색 물감의 붓 자국들이 화면 위에서 동등한 가치를 갖도록 사용했다. 가까이서 보면 색 점들을 나열한 것처럼 보이지만, 멀리서 보면 색 점들이 혼합해서 형태감을 만들어 내는 ‘색채분할법’이라는 표현방법이다. 이 방법 때문에 그림에서 윤곽선과 형태보다 색채의 효과가 강조됐고, 평평한 표면의 느낌도 가져왔다. 이전 그림들이 입체감을 위해서 어느 부분은 강조하고 다른 부분은 위축시키는 방법을 사용했다면, 피사로는 시각적 인상을 담기 위해 모든 부분의 색들을 동등하게 다루었기 때문이다. 그래서 파랑, 녹색, 주황, 빨강 계통의 색들이 중심을 이루며 색 간의 조화와 뉘앙스가 두드러졌다. 화사한 날씨와 생명이 움트는 자연을 즐기지도 못했는데 봄날은 지나간다. 이번 주부터 고등학생들이 등교를 시작했다. 집에만 있으면서 답답해했던 아이들이 조심스럽게 기지개를 켜고, 각자 바쁜 학교생활로 돌아가고 있다. 오래 묶인 생활 속의 긴장과 다시 맞은 자유로움이 조화를 이루며 피사로의 그림처럼 생기 있는 삶의 뉘앙스가 만들어졌으면. 박일호 이화여대 교수·미학

바넷 뉴먼은 세로 242센티미터, 가로 543센티미터나 되는 거대한 크기의 화면 위에 붉은색 물감을 고른 밀도로 칠했다. 그 위에 흰색, 검은색, 좀 옅은 붉은 색선을 사용해서 그 색면을 구분해 놓았는데, 단순하고 무의미해 보이며 공허한 느낌마저 갖게 한다. 어떤 주제나 대상에 대한 암시도 없고, 화면 구성을 위한 어떤 흔적도 보이지 않는다. 극도로 단순화한 형태로 회화 평면 자체를 강조했으며, 붉은색 면이 끝없이 펼쳐지는 색채공간의 자유스런 흐름이나 무한성의 공간을 암시하려 한 듯하다. 제목은 ‘영웅적 숭고를 향하여’이다. 숭고가 무얼까? 18세기 미학에서 미가 아닌 자연과 예술의 다른 가치로 새롭게 주목한 개념이 ‘숭고’였다. 자연을 예로 들어 보자. 우리가 화사하고 평온한 자연풍경을 보면서 친화감을 갖고 조화를 느낄 때 쾌의 감정을 갖게 되며, 그 대상을 아름답다고 한다. 다른 경우로 거친 파도에 휩싸인 망망대해나 거대한 산 앞에서 처음엔 위협적인 힘과 크기로 인해서 부조화와 공포의 감정을 갖게 된다. 하지만 시간이 지나면서 극복할 수 있을 때 생명감이나 삶의 의지가 고양되면서 처음의 공포가 자연의 경이로움에 대한 찬탄과 감동으로 바뀌는 것도 경험한다. 이때 나타나는 가치가 숭고다. 칸트는 인간의 한계에 대한 인식에서 찬탄으로 이어지는 이 숭고를 특정 형식이나 이미지로 가둘 수 없다는 점에서 무형식과 무한성의 이미지라고 했다. 그러면 뉴먼 그림의 거대한 크기가 우리 시야의 통제를 벗어나게 하고, 붉은색 면이 무한히 펼쳐질 것 같다는 무한성의 이미지가 숭고와 닮았다는 점이 이해될 것 같다. 살다 보면 공포심과 한계를 느끼는 일에 부딪히기도 한다. 이번 코로나19 사태가 그랬다. 자연의 섭리를 거스른 데서 비롯됐고, 자연이 주는 인간의 한계 각성이 눈에 보이지 않는 바이러스에 의해서 찾아온 셈이다. 사태가 어느 정도 극복되면서 생활방역이라는 다소 약화된 방식이 얘기된다. 그래도 조심해야지. 자연의 위협은 언제나 예측 불가능하니까. 박일호 이화여대 교수·미학

클로드 모네와 인상주의에 의해서 새로운 회화의 길이 열린 것처럼 이 시대의 조각에서도 새로운 움직임과 방향성이 제시됐다. 천재적인 조각가 오귀스트 로댕이 있었기 때문이다. 모네가 사진 같은 기계적인 묘사나 입체감으로부터 회화를 해방시켰듯이, 로댕은 조각을 기계적인 사실성으로부터 해방시켰다. 이를 위해서 로댕은 전통적인 조각의 원리를 부정했는데, 가장 주목받는 것은 매끄러운 표면처리를 거부하고 표면에 자국을 남기거나 주름을 잡는 수법을 사용한 점이다. 거친 표면을 그대로 남겨서 미완성이며 생성되어가는 상태임을 암시하기도 했다. 조각의 형태란 무한히 변화할 수 있는 돌 속의 잠재적인 형태들을 깨어나게 하는 것이고, 예술가의 영감을 통해서 드러나게 하는 것임을 나타내려는 의도에서였다. 이렇듯 로댕은 돌이나 청동 같은 죽은 물체가 미술가의 손을 통해서 생명을 얻게 되는 과정을 나타내려 했다. 미의 본질은 생명이라는 그의 생각에서였다. 생명을 가장 고귀하고 실감나게 나타내는 방법은 무얼까. 다양한 상황에 처한 인간의 자세나 표정을 나타내는 것이다. 이런 맥락에서 로댕은 ‘지옥문’의 인물상들에 인간이 운명적으로 맞이하는 고뇌, 절망, 소외와 죽음 등을 다양한 표정과 자세로 나타냈다. 1879년 파리 공예미술관의 문을 만들기 위해서 단테의 신곡 지옥 편에서 착상을 얻어 제작했는데, 완성하지는 못했고 그 안에 있는 것들이 나중에 만든 독립적인 작품들의 모체 역할을 했다. 그 가운데 가장 유명한 것이 ‘생각하는 사람’인데, ‘지옥문’에 묘사된 인물들을 대변하듯 인간의 삶과 운명, 절망에 관해서 생각하는 모습이 인상적인 자세로 표현됐다. 사색하는 자세와 근육의 움직임은 삶에서 느끼는 긴장감과 역동성을 은유적으로 드러낸다. 고뇌에 찬 표정과 웅크린 자세가 거친 표면처리나 근육 묘사 형식과도 조화를 이루고 있다. 삶과 운명에 대해 고뇌하는 이 인물상이 작품 중앙 윗부분을 차지하고 있다는 점이 우리 모두 힘든 시기인 지금이기에 새삼 뜻깊게 보인다. 이 시간이 잘 지나가겠지. 박일호 이화여대 교수·미학

미니멀 아트는 예술가의 개인적 의도를 최소화한다는 의도에서 시작됐다. 대표적 조각가 도널드 저드는 이 작품에서 똑같은 크기의 단순한 육면체들을 규칙적인 간격으로 벽면에 설치했다. 기하학적인 육면체가 규칙적으로 반복되고 있을 뿐 조각작품에서 흔히 볼 수 있는 형식적 관계 구성을 위한 노력은 보이지 않는다. 도대체 무슨 내용을 담고 있는 것일까? 예술의 특성을 조금이라고 갖고 있는 걸까? 일상적인 사물과 다른 점은 무엇일까? 많은 의문이 생길 수 있지만, 저드가 미술작품의 모든 의미를 부정하려 한 것은 아니었다. 지금까지 작품의 의미가 너무 예술가의 개인적 의도에 의해 지배받았던 점을 부정하려 했다. 작품의 의미는 사적인 것이 아니라 공적인 것이어야 한다는 것이다. 작품 자체와 관람자 사이에 만들어진 공적 공간에서 나타나는 의미여야 한다는 뜻에서다. 작품 속에 작가의 개인적 의도에 의한 신비적이고 상징적인 의미가 있다고 가정해서는 안 된다는 주장이다. 그런 의미란 무엇일까. 저드를 포함한 미니멀 아티스트들은 조각에서 가장 기본이 되는 형태에 대한 체험을 들었다. 단순한 육면체를 규칙적인 간격으로 반복했지만 그것이 놓인 위치, 조명조건, 그리고 관람자가 바라보는 시선의 방향이나 각도 등이 달라짐에 따라 형태의 다양한 변화를 체험할 수 있다는 논리이다. 미니멀 아트에 의해서 위치나 조명조건이 작품의 새로운 구성요소가 됐고, 관람자의 참여가 주목받게 됐다. 지금까지 작품 감상에서 관람자가 수동적인 입장에 머물렀다면, 능동적으로 참여해서 단순한 작품으로부터 다양한 형태 변화를 체험한다는 점이 부각됐다. 이 점이 작가 중심의 작품에서 작가와 관람자의 상호작용에 의한 작품으로 향하는 미술 경향들로 이어졌다. 다음 주 수요일은 21대 국회의원 선거일이다. 우리가 나랏일의 관람자가 아닌 참여자가 되는 날이다. 예술에서 참여가 삶의 풍요로움을 가져온다면 선거에서 참여는 우리 삶과 직접 관련되는 변화를 만드는 일이다. 앞으로 새로운 4년이 우리에게 달렸다. 박일호 이화여대 교수·미학

거리두기라는 말이 유행이다. 친구들과 만남이 줄고, 외식보다 배달음식을 먹으며, 강의도 온라인으로 해야 하는 등 익숙지 않은 삶의 패턴이 다소 당황스럽다. 미술에서는 전시대 양식과 거리두기로 새로운 미술이 나타났다. 추상미술도 마찬가지인데, 삶의 내용의 사실적 재현에서 생략과 축약의 과정을 거쳐 추상회화가 나타났다. 조각에서는 루마니아 출신으로 파리에서 평생을 보냈던 콘스탄틴 브랑쿠시가 추상조각의 길을 열었다. 그의 작품 ‘뮤즈’는 대리석으로 만든 예술의 여신 뮤즈의 얼굴 모습이다. 사실적인 얼굴 형태보다 대리석 덩어리의 양감이나 흰 표면 질감과 색감이 두드러진다. 브랑쿠시는 얼굴과 상반신 일부분으로 짐작되는 흔적만을 나타내서 새로운 조각의 개념을 제시했다. 하나는 전통적인 조각이 부분들을 결합해서 긴장과 대비 같은 갈등의 요소를 보였다면 그것을 제거하려 한 점이다. 브랑쿠시는 구분되지 않는 단일한 형태로 모든 물체의 근원적인 형태를 보이려 했고, 그 안에 생명성과 정신성을 표현하려 했다. 뮤즈의 계란형 형태, 단일체로 된 인간의 몸통, 새나 물고기의 움직임을 단순화한 유선형 형태 등을 강조했다. 다른 하나는 사용하는 재료 자체에 비중을 두고, 내용보다 작품 자체의 형식을 강조하려 한 점이다. 돌은 돌답게, 나무는 나무답게, 쇠는 쇠답게 나타내고 그렇게 보이도록 해야만 한다는 것이 브랑쿠시의 생각이었다. 전통적인 조각이 재료 자체 이상의 무엇으로 보이기 위해서 꾸미고 다듬어서 사람들의 눈을 현혹시켰다고 보았다. 조각의 목적은 각 재료의 특성을 최대한 살리고, 그것을 바탕으로 형태를 창조하는 것이어야만 한다고 브랑쿠시는 주장했다. 기교에 물든 과거의 조각으로부터 벗어나고, 재료 자체의 특성을 강조하기 위해 표면을 고르게 갈아서 매끄러운 질감과 반짝이며 반사되는 빛의 효과도 덧붙였다. 브랑쿠시의 거리두기가 새로운 조각의 길을 만든 것처럼 우리의 거리두기로 잃는 것도 많지만 지금까지 무심했던 새로운 삶의 패턴이 나타날 수 있을까. 박일호 이화여대 교수·미학

고대 이집트 시대 풍요로운 시기를 이룬 한 명, ‘라모스 왕의 무덤 벽화’다. 위는 그가 싸워서 이긴 전투장면을, 아래는 그의 장례 행렬을 담고 있다. 중간은 왕에 대한 기록이 상형문자로 새겨져 있다. 전투 승리 장면으로 왕이 죽은 후에도 적들이 침범하지 않길 바라는 마음을 표현했고, 장례 행렬에 침대와 의자 등을 그려 넣어 죽은 왕이 영원히 자신들 곁에 머물러 있기를 바랐다. 그런데 인물 묘사 방식이 좀 이상하다. 머리와 팔과 다리는 옆에서 본 모습으로, 눈과 어깨와 가슴은 앞에서 본 모습으로 나타낸 점이 낯설다. 사실적 묘사 능력이 없어서 그랬을까? 그렇진 않았고, 미술의 기능이나 역할이 우리가 지금 생각하는 것과 달랐기 때문이다. 이집트 미술은 사실적이고 아름다운 형태보다 묘사한 사건과 인물의 형상에 영원성을 담으려 했다. 이를 위해 형태를 되도록이면 명확하게 나타내려 했고, 사물이나 인물의 특징적인 모습을 가장 잘 나타낼 수 있는 각도로 표현했다. 머리와 팔과 다리의 옆모습과 눈과 가슴의 앞모습이 혼합된 것은 그런 연유에서다. 혹자는 이런 점을 헤아리지 못하고, 이집트 미술이 너무 단순하고 유치하다고 말한다. 하지만 그가 이 그림을 그대로 따라 그려본다면 쉽지 않음을 알게 될 것이다. 비례관계나 균형이 철저히 지켜졌기 때문이다. 피라미드 제작에서 보인 기하학적 질서 감각이 인체 묘사에도 적용됐고, 이런 특징이 지중해를 건너서 그리스 미술에 영향을 주었다. 한 통계학자가 전염병 확산에 대한 통계함수를 근거로 다른 나라와 비교해서 내놓은 코로나19 사태에 대한 조심스러운 예측이 눈길을 끈다. 확진자가 처음 나온 날짜가 2월 19일, 최고조에 달한 시점이 3월 초, 그래프상으로 3월 23일부터는 확진자 수가 10명 이하가 되고 잠복기를 고려하면 4월 5일 경 일상을 찾을 거란다. 물론 돌발변수가 없다는 전제에서다. 박일호 이화여대 교수·미학

18세기 런던은 더럽고 도둑과 부랑아들로 들끓었다. 영국이 명예혁명에서 시작된 민주사회로 전환기의 몸살을 앓았기 때문이다. 미술은 이런 사회에 교훈을 주려 했는데, 당시를 대변한 작가가 윌리엄 호가스였다. 그는 혼란에 빠진 영국 대중을 계몽하기 위해서 교훈을 주는 그림을 그렸다. 대표적인 작품은 연작 형태로 그린 ‘탕아의 일생’이다. 여기서 호가스는 방탕하고 나태한 생활에 빠진 탕아가 결국 정신병원에서 죽게 된다는 이야기를 8장의 그림으로 나타내서 청교도적인 교육을 강조했다. 구두쇠였던 아버지가 죽고 나자 상속자인 아들이 아버지가 모아둔 재산을 쓰면서 다른 삶을 살아가려 한다. 벽난로에 땔감들을 가득 채우고, 양복장이를 불러 새 옷도 맞추며, 사교계에 진출해서 춤과 펜싱도 배운다. 뿐만 아니라 탕아는 건달들과 어울리며 술과 여자에 파묻혀 물려받은 아버지의 재산을 탕진한다. ‘난잡한 술자리’는 호가스가 그때의 한 장면을 그린 것이다. 술에 취한 탕아가 반쯤 누워 있는 자세로 두 여자에 둘러싸여 있다. 여기저기서 음탕한 남녀의 괴성이 흘러나오는 듯하다. 그들 모두 화려한 의상을 입고, 퇴폐적인 분위기 속에서 서로를 아랑곳하지 않고 즐기려 한다. 양식적으로는 호가스가 인물들의 다양한 자세를 다채로운 색상과 명암 대비로 담아내서 난잡하고 퇴폐적인 장면을 사실적으로 묘사했다. 인물들의 성격을 얼굴뿐만 아니라 의상과 행동을 통해서 표현했고, 빛과 색의 배합이나 인물들의 배치도 강조한 점에서 수준 높은 질적 평가를 받았다. 코로나19가 물러가고 봄의 환희를 맞을 줄 알았는데 사태가 거꾸로 가고 있다. 전국 어디 한 군데 안전한 곳은 없지만, 특히 대구·경북의 피해가 막심하다. 언제나 그렇듯이 이 시대 탕아인 정치인과 요설가들이 아전인수식으로 해석하며 날뛰고 있다. 다른 나라 일처럼 말하는 장관들은 상처에 소금을 뿌리고 있다. 반면 아픔을 함께하려는 전국의 의료인들과 성원이 답지한다는 미담도 들려온다. 이 난국이 슬기롭게 빨리 매듭지어지질 바라며 대구 경북 파이팅! 박일호 이화여대 교수·미학