페르낭 레제는 파블로 피카소와 함께 입체파라는 새로운 양식을 탄생시켰다. 전후좌우 360도 각도에서 바라본 모습을 분석 해체한 후 하나의 화면에 재구성해 놓는 방식이다. 하나의 관점으로 파악한 모습으로는 대상의 모습을 제대로 파악할 수 없다는 점에서였다. 그들이 살았던 20세기 초 기계문명의 발달로 인한 상대주의 경향도 깔려 있었다. 예술가들은 자신이 속한 시대나 사회의 사상이나 경향으로부터 은연중에 영향을 받는다. 기계문명이 발달했던 당시에는 하나의 기계가 부속품의 상대적인 관계에 의해서 움직이듯이 독자적으로 존재하는 것은 없고, 서로 협력과 연계 관계에 의해서 사회가 유지된다는 사상이 중심을 이뤘다. 레제는 이런 기계시대를 상징하는 구체적 이미지를 그림으로 나타내려 했다. 카드, 파이프, 팔과 손, 몸통 등을 분석적 형태로 해체한 후 재구성했다. 등장인물의 손과 팔 머리 등을 철제 튜브나 기름통 또는 기계의 부속품처럼 묘사했다. 인간을 마치 기계처럼 묘사해놓아 기계시대의 예찬으로 볼 수도 있지만, 보다 깊은 의미가 깔려 있다. 기계가 많은 부속품의 상관관계로 움직인다는 점에서 사람 사는 사회에도 연계성, 상대성, 역동성 같은 기계 시대 이념이 필요하다는 생각을 담았다. 이런 작품은 어떻게 보아야 할까? 그림 안에서 하나의 형태나 색채를 선택하고, 그것을 기준으로 다른 형태들이나 색채들과의 관계를 떠올려보자. 그리고 다른 형태나 색채를 기준으로 해서 똑 같은 일을 반복해 보자. 그때마다 다른 결과를 경험하게 되고, 지금까지 뒤죽박죽으로 보인 그림 안에서 무수한 변화와 관계를 볼 수 있을 것이다. 우리가 일상생활에서도 똑같은 대상을 어떤 관점에서 보느냐에 따라 의미가 달라지듯이, 그림 공간이나 형태들 사이의 관계도 관점에 따라서 변할 수 있다는 것이다. 입체파가 의도한 것은 이런 점이었다. 그림이든 인생살이든 관점이 중요한데, 많은 이의 눈을 무시하고 자기 안에 갇혀 우겨대는 이들을 향한 교훈 같다.

시골 헛간에서 벌어지는 혼인잔치가 흥미롭다. 잔치가 막 시작됐고, 식탁에 앉은 사람은 먹고 마시며 이야기하느라 정신이 없다. 파란 휘장 밑에 수줍어하는 신부가 앉아 있는데 신랑의 모습은 보이지 않는다. 그의 오른쪽에서 음식을 게걸스레 먹고 있는 이가 신랑일 것으로 추측된다. 철없는 신랑이 분위기를 망치고 있지만 그래도 모두 흥겨운 분위기에 흠뻑 젖어 있다. 피터 브뤼겔이 시골의 잔치 풍경을 통해서 밝고 쾌활하게 살아가는 농민들의 모습을 잘 나타냈다고 평가받는 그림이다. 브뤼겔은 이렇게 많은 사람들을 그리면서 정돈된 모습으로 화면을 구성해서 그림 안의 인물과 정경의 일체감을 만들어냈다. 식탁을 원근법적 방식으로 배치하고, 등장인물의 흐름에 통일성을 부여했기 때문이다. 그래서일까. 그림을 보는 우리 시선이 사람들이 밀려 들어오는 입구에서 시작해서 중간에 있는 악사들을 거친다. 그 후 왼쪽 아래에서 술을 따르는 사람과 접시에서 음식을 긁어 먹는 아이로 이어지고, 끝으로 음식을 나르는 두 사람과 음식이 놓인 상에서 모인다. 바쁘지만 신이 난 두 사람의 동작으로 잔치 풍경이 한결 쾌활해 보인다. 음식을 매개로 다시 잔치 식탁과 식탁 위의 사람들로 연결되는 순환형의 구조가 되면서 그림 전체의 통일성이 두드러진다. 17세기 네덜란드에서 풍속화의 거장으로 불린 브뤼겔은 주로 농민들의 생활상을 그렸다. 상류층의 생활보다 시골의 소박하고 쾌활한 생활 속에서 가식적이지 않은 인간 본연의 모습을 볼 수 있다는 점에서였다. 브뤼겔의 이런 그림이 계기가 돼 북유럽의 다른 나라에서도 인간의 삶을 다룬 다양한 주제의 풍속화들이 제작됐다. 코로나19 사태로 인한 거리두기 일환으로 결혼식장에서도 ‘하객 49인, 식사 미실시 99인’ 규칙이 적용되고 있다. 다른 집회가 방관되는 데 비하면 방역수칙이 형평성에 맞지 않는다는 불만이 예비부부 사이에서 터져 나오고 있다. 가장 기쁜 출발의 날이어야 할 결혼식인데. 그저 부러운 마음으로 시골 결혼잔치 그림을 바라본다.

세계 2차 대전 후 형성된 자유주의 진영과 공산주의 진영 간의 동서냉전 체제는 오래가지 않았다. 구 러시아 중심 소비에트 연합(소련)의 지도자 스탈린이 죽은 후 니키타 흐루쇼프가 자유주의진영과 평화공존을 제안했다. 아시아와 아프리카의 신생독립국이 국제연합에 가입해서 미국과 소련 중심의 세계질서에 제3세력 역할을 했다. 자유진영, 공산진영, 제3세력이 자리 잡으면서 세계는 다원주의적으로 변해 갔다. 이데올로기보다 자국의 이익과 문화적 특성을 강조하면서 사회적 문화적으로도 다원주의 경향이 퍼져 나갔다. 미술도 예외는 아니었다. 1970년대가 되면서 서로 다른 가치를 추구하는 다양한 미술 양식이 공존했고, 그중 하나가 대지미술이었다. 대지미술은 미술작품이 놓인 환경과 작품의 관계에 따라 의미를 드러내는 양식이다. 똑 같은 작품이라도 어디에 놓느냐에 따라 작품의 의미가 달라질 수 있다는 생각에서 출발했다. 실내 화랑에 놓느냐, 자연 공간에 놓느냐, 고층건물이 가득한 도심 한복판에 놓느냐에 따라 그 효과가 달라진다는 점에 착안했다. 대표적 작가인 로버트 스미스슨은 자연 속에 큰 스케일의 작품을 만들어서 자연과 어울려 나타나는 효과를 제시했다. ‘부서진 원’은 네덜란드 에먼 지방에 설치된 것인데 폭이 42.67m나 되는 거대한 작품이다. 원형이 반으로 나뉘어 물과 육지의 형태가 서로 감싸는 모습이다. 위쪽 반에는 반원형의 물을 호 형태인 육지가 감싸고 있고, 아래쪽 반에는 반대로 반원형의 육지를 호 형태인 물이 감싸고 있다. 동양의 태극 사상을 연상케 하는 이 작품을 통해서 스미스슨은 물과 육지의 상생과 조화를 나타내려 했다. 시간이 지나면 인위적인 작품이 물의 침식 작용으로 사라져 간다는 것을 보여주어 인간이 만든 것이 결국 자연에 순응하게 된다는 자연의 섭리도 표현하려 했다. 자연 파괴와 환경문제가 사회적 관심거리가 되고 있는 현실에서 자연의 소중함에 대한 생각을 불러일으키려 한 점도 있다. 역시 자연의 상생과 조화의 원리를 이기는 것은 없다.

폭염이 한풀 꺾이는 듯싶더니 다시 늦더위가 기승을 부린다. 그래서 가을 정취가 물씬 나는 그림 한 장에 눈길이 갔다. 프랑스 로코코 화가 앙투안 와토의 그림 ‘시테라 섬으로의 여행’은 누가 봐도 완연한 가을 풍경이다. 하지만 이 그림에는 그 이상의 의미가 담겨 있다. 미술사적으로 로코코 양식은 바로크 양식이 수정되고 약화된 것 또는 여성화된 바로크로 불린다. 그만큼 조형적 차이점도 있다. 바로크 양식은 시대라는 보다 큰 분위기를 강조하고, 궁정이나 대저택, 거리 등과 같은 큰 규모의 환경을 장식하기 위한 대작을 위주로 했다. 이에 비해 로코코 양식은 개인의 감성적 체험에 주목하고, 지방 귀족이나 중산층의 주거 장식을 위한 소품 위주의 작품을 만들어냈다. 바로크 미술이 기념비적인 것, 장엄하고 권위적인 것, 격정적인 것을 강조했다면, 로코코 미술은 우아하고 친근한 것이나 당시 부르주아의 주관적 경향에 맞는 작품을 쏟아냈다. 바로크 미술이 강하면서 명확한 선을 구사하고 격렬한 역동적 스타일을 나타냈다면, 로코코 미술은 색채와 음영을 강조하고 아늑하고 감미로운 분위기를 전하려 했다. 그런 분위기 아래 와토는 자신의 작품에 18세기 귀족의 삶의 흔적을 담았다. 이 그림은 당시 귀족이 비너스에게 바친 섬인 시테라에서 황홀한 하루를 보내고, 사랑의 신인 큐피드의 안내를 받으며 배를 타려는 장면이다. 젊은 남녀의 곱게 차려입은 옷과 세련된 색채가 조화를 이루면서 지상낙원 같은 분위기가 만들어졌다. 작품 곳곳의 우아하고 섬세한 장식적 요소가 18세기 프랑스 귀족의 취미를 대변하는 듯하다. 그러나 전체적 분위기는 쾌활하지 않고 우울해 보인다. 사람도 활기찬 모습이기보다 일시적 쾌락에 빠진 몽환적 세계에 떠있는 것처럼 보인다. 와토 그림의 특징인 가라앉은 색조와 명료하지 않은 형태 묘사 때문인데, 평생 결핵을 앓았고 항상 그 병으로부터 벗어나고 싶어 한 와토의 정서가 그림 속의 우울함으로 표현된 것 같다. 우리의 가을은 우울하지 않겠지.

폐막식을 향해 가는 올림픽 열기가 달아오르고 있다. 양궁, 펜싱, 체조 경기 등 평소 잘 접하지 않던 경기 속에 푹 빠져 봤다. 코로나로 인한 우울한 마음과 폭염으로 지친 몸을 잠시 달래보면서. 메달 색이야 어떻든 선수들이 힘든 시절을 극복하며 살아온 이야기가 콧날을 시큰하게 한다. 공정한 경쟁과 최선을 다하는 올림픽 정신이 빚어낸 여러 편의 드라마다. 고대 그리스에서 유래한 올림픽이기에 운동선수를 새긴 그리스 조각 작품도 여럿 있다. 그중 예술적으로도 주목받는 작품이 ‘아폭시오메노스’상이다. 그리스 후기 문화인 헬레니즘을 대표하는 조각가 리시포스가 제작했다. 전 시대 조각이 기하학적 균형에 치중했다면 리시포스는 생동감 있는 자세와 형태를 강조했다. 인체 동작의 실감나는 묘사만 아니라 8등신 인체 비례를 이상적인 인체의 모습으로도 제시했다. 7등신보다 좀 더 우아하고 가늘어진 몸매인데, 이 작품에서 8등신 인체 비례의 전형을 선보였다. 이 작품은 리시포스가 당시 운동선수인 아폭시오메노스를 모델로 청동으로 제작한 것을 로마 시대에 대리석으로 모작한 것이다. 리시포스가 신화 속 영웅이나 귀족이 아닌 평범한 운동선수를 모델로 해서 작품 자체의 형식적 특징이 두드러지도록 했다. 한쪽 다리에 중심을 두고 다른 쪽 다리를 뒤로 빼는 콘트라포스토 자세를 좀 더 큰 동작으로 활용했고, 팔과 몸의 자세도 날렵하면서 역동적인 힘을 느끼게 했다. 발과 팔의 움직임이 서로 유기적인 통일성을 이루고, 얼굴 표정도 생생해 보인다. 몸을 약간 비틀어 그리스 초기 조각상의 경직된 모습이나 정면 중심 원리로부터 완전히 벗어난 점이 주목된다. 리시포스가 정면상뿐 아니라 여러 방향에서 바라본 모습 모두 중요하다고 생각했고, 여러 시점에서 본 인물의 동작과 자세를 종합하고 연속된 동작을 압축해서 표현했기 때문이다. 이런 리시포스의 묘사 방식이 헬레니즘 시대 다른 인체 조각 작품으로 이어졌으며, 대표적 예가 8등신 인체비례를 여성미에 적용한 ‘밀로의 비너스’이다.

연일 폭염이 기승을 부린다. 엎친 데 덮친 격으로 코로나 델타 변이까지 퍼지면서 더욱 덥고 짜증 나는 나날이 이어지고 있다. 거리두기 4단계로 개장 준비를 했던 해수욕장도, 여름철 장사를 계획했던 상인들도 어려움이 극에 달하고 있다. 17세기 당시 시원한 공간 전개로 관심을 끈 한 장의 해양풍경화가 위안이 될까 해서 그림 한 장을 선택했다. 네덜란드 화가 얀 반 호이엔은 해양풍경화라는 새로운 영역의 그림을 개척했다. 새로운 공간성을 나타내기 위해서 빛의 묘사도 이용했다. ‘해변의 풍차’는 자기 고향 바닷가의 평범한 풍경과 풍차의 모습을 간결하고 소박하게 나타낸 그림이다. 그곳만의 고유하고 독특한 특징은 없고, 어디서든지 볼 수 있는 바닷가 풍경일 뿐이다. 하지만 풍경화를 그린 방식만큼은 종전의 풍경화와 다른 특징을 보여준다. 종전의 풍경화들은 공간관계를 나타내기 위해서 르네상스식 원근법적인 방법을 사용했다. 화면 안 요소들의 크기를 거리에 따라 조절해서 보는 이의 시선을 앞뒤로 움직이게 하면서 공간적 깊이감을 만들어냈다. 이에 비해 호이엔의 풍경화에는 원근법적인 크기 조절이 없다. 화면의 반 이상을 하늘이 차지했고, 그 아래에 물과 지상 풍경이 평행하게 배치돼서 탁 트인 공간의 시원함을 선사한다. 호이엔이 풍경을 마치 하나의 띠를 두른 것처럼 평행하게 전개시켜 시선을 옆으로 움직이게 하는 파노라마식 풍경을 선보였다. 공간적 깊이는 빛으로 인한 대기의 농도 차이를 통해서 나타냈다. 르네상스식 풍경화처럼 이성적 추론을 통해서 화면의 깊이와 공간을 파악하는 것이 아니라, 자연풍경을 직접 체험하는 것처럼 나타내려 한 바로크 양식의 풍경화이다. 호이엔 외에도 17세기 네덜란드에는 다양한 주제의 그림을 그리는 많은 화가들이 있었다. 이들은 하나의 주제를 평생 동안 전문적으로 그렸는데, 그러다 보니 동일한 주제를 보다 잘 나타내기 위한 회화적 수단과 방법의 연구로 향했다. 그 결과 그림에서 중요한 것은 주제보다 방법이라는 생각을 낳았다.

꽤 시간이 지난 얘긴데, 책을 만들기 위해 모 출판사에 이 그림 도판을 주었더니 거꾸로 된 모습을 뒤집어서 보내왔다. 그래서 이 작가는 원래 거꾸로 된 인물을 특징으로 한다고 말하며 바로잡은 적이 있다. 게오르그 바젤리츠는 주로 인간의 형상을 거꾸로 된 형태로 나타낸다. 사회의 조직적 사고나 정형화된 규범과 제약으로부터 벗어나고 싶은 마음을 표현하기 위해서였다. 합리성 위주 사회에서 강조되는 획일화나 형식에 얽매이는 것을 피하고, 자유분방한 감정 표현으로 향하기 위한 점도 있다. 2차 세계대전이 끝난 후 전범국인 독일에서는 반성과 새로운 예술적 모색을 향한 움직임이 있었다. 그중 한 경향이 바젤리츠로 대표되는 신표현주의였다. 이들은 바이마르 공화국이 무너지고 나치가 들어서면서 2차 대전으로 향했다는 문제의식에서 출발한다. 그래서 바이마르 공화국 이전 독일이 전통적으로 강세를 보인 표현주의로 돌아가 문화적 정체성을 다시 확립하려 했다. 다른 한편 2차 세계대전 이후 등장한 반이성주의와도 관련된다. 이성을 통한 과학 발전이 문명의 편안함을 가져다주었지만, 무기를 만들어 인간을 대량으로 살상하는 비극도 만들어냈다. 그 후 인간 이성이 과연 믿을 만한가. 합리적 사고가 과연 바람직한가에 대한 회의가 일어났다. 이를 배경으로 철학적·문화적으로 반이성주의가 나타났고, 신표현주의도 그중 하나였다. 대표적 작가인 바젤리츠는 여기서 붉은색과 검은색 물감을 거침없이 사용해서 거친 인상의 거꾸로 선 인물을 표현했다. 색채의 강렬함에 격렬한 필치를 덧붙여 당시 유행했던 추상미술의 단순한 형식성에 반발했다. 이런 신표현주의를 시작으로 1970년대 말과 1980년대 초 전 세계에 표현적인 구상미술 운동이 퍼져 나갔다. 코로나 확진자가 다시 1000명을 훌쩍 넘어서면서 4차 대유행으로 번지지 않을까 걱정이다. 오랫동안 구속과 제약에 지친 사람들의 벗어나고 싶은 욕구에 정부의 성급한 방역완화가 불을 붙인 탓이다. 조금만 더 참지 그새를 못 참고.

암스테르담 프란츠 코크 부시장이 민병대를 이끌고 야간 순찰을 나가고 있다. 신교국인 네덜란드가 구교국인 스페인의 통치에서 벗어난 지 얼마 되지 않은 17세기 당시 모습이다. 사람들이 스스로 민병대를 조직해서 치안을 유지해야만 했다. 화면 중앙에 대장인 코크와 부관이 있고, 그 옆 화관을 쓴 여인은 렘브란트의 부인 사스키아이다. 사스키아가 민병대를 상징하는 닭을 허리춤에 차고 있다. 이 상황에 전혀 어울리지 않는 모습인데 렘브란트는 종종 다른 그림에도 부인의 모습을 그려 넣어 자신의 사랑을 표현했다. 대원들 15명이 담긴 집단초상화로 이들이 렘브란트에게 돈을 모아 주면서 자신들의 모습을 잘 그려달라고 부탁했다고 한다. 그런데 그림 속 인물들은 고상하고 위엄 있기는커녕 허둥대는 모습이다. 신체의 부분만 보이는 사람도 있고, 거친 붓 자국으로 단순하게 생략된 이들도 있다. 이런 점을 용납할 수 없었던 의뢰인들이 화를 내며 항의했고, 이 작품 이후로 렘브란트는 초상화가로서 쇠퇴의 길로 접어들었다. 렘브란트는 눈에 보이는 대로의 모습을 극적인 방식으로 나타내는 것을 중요시했다. 화면 안의 긴장감 있는 구성을 극대화하기 위해서 인물들의 상대적 관계라는 관점에서 묘사했다. 그래서 의뢰인들이 원하는 개인의 위엄 있는 모습은 끼어들 수 없었다. 빛의 묘사도 강조했다. 화면 가운데로 빛을 모아 시선을 집중시키고, 극적이면서 활력 있는 분위기를 만들어내는 식이다. 이 그림처럼 어두운 갈색을 중심 색조로 하면서 코크의 얼굴과 부관의 의상 그리고 사스키아에 스포트라이트를 주는 방법이다. 그래서 주변 갈색이 힘차고 강하게 보이면서 그림 전체에 연극무대 같은 극적 분위기도 연출됐다. 렘브란트는 부유한 제분업자의 아들로 태어났고, 젊은 시절 초상화가로 명성을 날리면서 부와 명예를 한 몸에 지녔었다. 그러나 부인이 죽고 방황하면서 재산을 탕진했고, 이 그림 이후로 초상화가로서 인기도 떨어지며 말년에는 무척 곤궁한 생활을 했다. 어려운 시절의 시작이 된 그림이지만 예술적으론 더 가치를 발하고 있다. 박일호 이화여대 교수·미학

건축이 예술인가 공학인가라는 문제를 두고 논란이 일 때가 있다. 예술적 측면과 기술적 지식이 합쳐지고, 회화나 조각 등에 비해 실용성이 강하다는 이유에서다. 하지만 미학에서는 건축에 적용되는 기술이나 실용적 기능도 예술에 필요한 요소로 다루어진다. 그래서 이번 주 미술여행은 건축물 이야기로 꾸몄다. 백신을 맞으면 해외여행이 자유로워진다 해서 사람들의 마음이 설레고 있다. 아직은 이르겠지만, 유럽 여행을 가면 한 번씩 들르는 도시가 로마고, 거기서 꼭 가보는 곳이 콜로세움이다. 로마 시대의 대표적 건축물이다. 로마 미술의 바탕에는 그리스 미술이 있었다. 로마인들은 순수 미술 대부분을 그리스 시대 작품에 근거했다. 그리스 작품으로 알려진 ‘밀로의 비너스’도 로마 시대에 모작한 것이다. 명상적인 그리스인들과 달리 현실적 성격의 로마인들은 건축에서 탁월한 능력을 발휘했다. 지금도 사용되는 아치가 로마의 독창적인 업적이다. 아치는 로마인들이 그리스의 기하학을 근거로 원과 삼각형의 수치개념을 응용해 만든 것이다. 분리된 돌들을 반원형으로 이어서 아름답게 만들고, 수학적 계산으로 힘의 분산의 원리를 적용해 튼튼하게 했다. 아치를 이용한 대표적 건축물이 원형경기장 ‘콜로세움’이다. 콜로세움은 베스파시아누스 황제가 네로 황제에 의해 피폐해진 로마를 다시 재건하자는 의도에서 시작했다. 그의 아들인 티투스 황제에 이르기까지 8년에 걸쳐 완성됐다. 실제 타원 모양인 경기장에서 검투사들의 시합이 벌어졌는데, 황제들이 긴박하고 극적인 구경거리를 제공해서 백성들이 긴장감도 갖고 일체감도 이루게 해 자신들의 정치적 입지를 굳히려 했다. 5만명을 수용했고, 총 4층에 각 층마다 80개의 기둥이 설치됐다. 기둥과 기둥 사이가 아치로 연결됐고, 출입구 역할을 했다. 1층 기둥은 도리아식, 2층은 이오니아식, 3층은 코린트식으로 만들어, 그리스 기둥 양식에 로마의 실용성을 적절히 조화시켰다. 흔히 고대문화 하면 그 앞에 그리스와 로마의 이름이 나란히 붙는 이유가 여기에 있다. 박일호 이화여대 교수·미학

5월의 마지막 주다. 우거진 나무의 녹색이 마음을 차분하게 가라앉혀 준다. 사이사이로 언뜻언뜻 얼굴을 드러내는 넝쿨장미의 빨간색을 보면서 생기 있는 하루를 시작한다. 색채가 주는 효과다. 이런 색채 효과를 일찌감치 주목한 양식이 인상주의였고, 8회에 걸친 전시회를 열었다. 마지막 전시회에서는 폴 시냐크와 조르주 쇠라의 ‘신인상주의 선언’이 있었다. 이들은 인상주의 색채 효과를 이어갔지만, 과학적인 이론을 근거로 그림을 그리려 했다. 인상주의 색채분할법이 본능적이며 직감적으로 이뤄진다고 보았다. 과학 이론을 근거로 색의 대비와 보색 관계, 색 점의 크기까지 고려한 색채 분할이어야 한다고 주장했다. 그래서 시냐크의 ‘생 트롱페즈 풍경’에서는 인상주의 그림과 달리 형태의 윤곽이나 거리감과 공간적인 깊이를 느낄 수 있다. 선에 의한 형태감은 아니지만, 시냐크가 색 점들을 계산적으로 사용해서 형태감을 살렸다. 전경 오른쪽 나무에서 언덕의 능선과 마을의 집들을 거쳐 멀리 강 건너 산과 하늘로 이르는 화면을 지그재그 식으로 구성해 거리감과 공간 관계도 나타냈다. 꽃밭과 마을을 규칙적인 크기의 색 점들로 화려하게 꾸며 놓아 화면 안에 생동감과 활력이 넘쳐난다. 당시에는 과학적 낙관주의와 실증주의가 유행했다. 화학에서 원소주기율표가 발명되면서 사람들은 물질의 구성단위를 완벽하게 파악할 수 있다고 자신했다. 눈부신 발전을 보이는 과학의 힘을 신뢰했고, 시냐크는 이런 과학적 업적에 고무되어 자연의 관찰된 장면을 단위 요소들로 구성하는 그림 공식을 만들려 했다. 색 점의 크기나 색채 사용법을 정밀하게 계산하고 조절하는 시도가 나온 배경이다. 시냐크가 고안한 그림 공식은 자연을 나타내는 해답이었을까? 그랬으면 시냐크 이후 미술이 다 같은 결과였겠지만, 지금도 새로운 미술은 여전히 나타나고 있다. 시냐크의 미술이 새로운 효과를 이뤘지만, 해답이 될 수는 없었다. 인간이 만든 과학이 자연의 모든 것을 해결할 수 없는 것처럼. 자연의 색을 보면서 고마움과 겸손함도 생각해 본다. 박일호 이화여대 교수·미학