사회적 거리두기 단계가 격상되었지만, 여전히 영화를 보러 극장에 가는 이들이 있다. 나중에 거리두기 단계가 완화되면 영화박물관에 전시를 보러 가는 것도 영화에 대한 이해 폭을 넓혀줄 것이다. 영화의 발명 이후, 영화가 어떻게 변화했는지, 그리고 현재 한국영화가 어떤 역사적 경로를 거쳐서 지금과 같이 국제적 위상이 높아졌는지를 영화박물관에 가면 한눈에 볼 수 있다. 박물관의 영화 관련 자료의 수집, 보존과 전시도 영화문화의 한 부분이다. 내가 한국에서 가본 영화박물관은 세 곳이다. 우선, 서울 상암동의 한국영상자료원이다. 주변에 방송국과 디지털 미디어 관련 회사들이 많아서 눈에 잘 띄지 않지만, 영화 전문가나 애호가들이 즐겨 찾는 곳이다. 지하의 시네마테크에서는 국내외 고전영화와 독립예술영화들을 무료로 상영한다. 1층 영화박물관에서는 한국영화 역사 관련 유물의 상설전시와 특별전시를 무료로 관람할 수 있다. 2층에 있는 영상도서실은 영화 관련 도서, 잡지, 자료가 있고, DVD와 비디오를 볼 수 있는 시설도 갖추어져 있다. 자료를 열람하려면 회원으로 가입하는 것이 좋다. 나는 영화 강의를 하면서 영상자료원에 다녀오고 감상문을 쓰는 과제를 내주는데 수강생들의 만족도도 높다. 두 번째는 강원도 강릉의 손성목 영화박물관이다. 6·25전쟁 당시 아버지를 따라 월남할 때 아버지께서 어린 손 관장이 포탄 소리에 놀라지 않도록 에디슨 축음기로 음악을 들려주었다. 손 관장은 어른이 된 후 축음기를 시작으로 에디슨 발명품들을 수집하다가 영화 관련 카메라와 영사기 등도 추가해서 박물관을 열었다. 영상자료원이 한국영화 역사 관련 전시를 주로 하는데, 손성목 영화박물관은 매체, 기계, 기술로서 영화의 변천사로 짜여 있다. 전시된 수집물도 볼 만하지만 박물관을 차릴 정도로 꾸준히 수집해온 손 관장의 수집광으로서 헌신과 열정도 놀랍다. 세 번째는 제주도 서귀포의 신영영화박물관이다. 신영영화박물관은 원로영화인 신영균이 만들었다. 원로영화인이 자기 소장품을 박물관에 기증하는 경우는 있는데 직접 영화박물관을 만든 것은 보기 드문 경우이다. 영화박물관은 과거를 담은 공간이기도 하지만 관람객에게 영화감상의 추억과 더불어 새로운 영상매체 기술 관련 전시도 하면서 영화의 미래를 생각하게끔 해주기도 한다.

멀티플렉스가 등장하기 전에 영화관은 개봉관, 재개봉관, 삼봉관으로 구분됐다. 1990년대에 서울 중심가에는 개봉관이 두 개의 축에 모여 있었다. 하나는 종로3가와 충무로를 연결하는 축이었고, 다른 하나는 종로2가에서 명동으로 연결되는 축이었다. 종로3가에는 단성사, 서울극장, 피카디리, 피카소 극장이 있었고, 충무로와 퇴계로 근처에는 명보극장, 스카라극장, 대한극장이 있었다. 이 축의 중간에는 청계천에 아세아극장, 을지로에는 국도극장이 있었다. 이 축이 해방 후 한국영화 산업의 중심지였던 충무로와 연결돼 한국영화의 성장과 함께했다. 종로2가 근처에 허리우드극장·명보아트홀·시네코아, 종로1가에는 코아아트홀, 을지로에는 중앙극장, 명동에 코리아극장이 있다. 허리우드극장과 중앙극장은 비교적 오래된 극장이었고 코아아트홀과 시네코아가 나중에 개관함으로써 종로3가·충무로 축과 비교할 만한 극장가가 됐다. 그러나 1980년대부터 강남의 발전과 더불어 서울 부도심의 재개봉관들이 개봉관으로 승격하고 1990년대 중반 이후 전국적인 멀티플렉스가 등장함으로써 점점 개봉관, 재개봉관, 삼봉관의 위계는 약화됐다. 서울극장, 대한극장, 명보극장, 허리우드극장은 복합상영관으로 바꾸면서 변화된 환경에 적응해나갔지만 적응하지 못한 다른 극장은 다른 멀티플렉스에 인수되거나 영업 종료 후 다른 용도의 공간으로 바뀌었다. 그런데 이 전통적인 상영관 건물은 한국영화의 변천사를 보여주고 경험할 수 있는 문화적인 공간이 되지 못했고 철거되거나 새로운 건물이 들어섰다. 종로3가의 서울극장이 8월에 영업을 종료한다. 앞으로 그 건물이 철거될지 리모델링이 될지는 모르겠다. 한국영화의 국제적인 위상이 나날이 높아져 간다. 그런데 충무로 근처에는 한국영화의 역사를 보고 느낄 만한 장소나 전시관이 없다. 상암동에 영상자료원이 있기는 하지만 충무로에는 영화 및 영상 관련 전시실과 예술영화와 고전영화를 상영하는 두세 개의 소극장을 갖춘 한국영화역사관이 있으면 관광명소가 될 수도 있었을 것이다. 미국 초기 영화산업의 중심지였던 뉴욕 아스토리아 지역에는 ‘뮤지엄 오브 더 무밍 이미지’(Museum of the Moving Image)가 있다. 이 뮤지엄은 미국의 영상문화 역사와 관련된 전시와 교육, 영화 상영 공간으로 활용되고 있다.

‘여고괴담 여섯 번째 이야기: 모교’가 상영 중이다. 이 작품의 제작사 씨네 2000의 고 이춘연 대표가 제작한 마지막 작품이다. 씨네 2000의 작품 중 ‘여고괴담’이 유일한 시리즈물이다. 이 시리즈의 1편은 1998년에 개봉했고 1990년대 말에 한국 영화가 한 단계 성장하는 데 밑거름이 되었다. ‘여고괴담’은 고등학교를 배경으로 한 학원물과 공포영화가 결합된 작품이다. 한국의 학원물은 1970년대에 ‘진짜 진짜’ 시리즈와 ‘고교 얄개’ 시리즈가 만들어지면서 태동했다. 1980년대에는 ‘고교생 일기’라는 텔레비전 드라마 시리즈가 주목받았지만, 영화로는 주목할 만한 작품이 없었다. 1989년에 ‘행복은 성적순이 아니잖아요’가 개봉함으로써 1990년대 초반 학원물은 성적과 입시를 중시하는 학교의 문제점을 본격적으로 다루기 시작했다. 공포영화 측면에서는 1970년대와 1980년대에도 공포영화가 제작된 적은 있으나 사회적으로 화제가 된 적은 드물었다. ‘여고괴담’은 한국의 학교 체제의 억압성과 교내 폭력의 문제를 한 맺힌 귀신으로 형상화함으로써 관객의 공감을 얻었다. ‘여고괴담’은 우리 사회가 지닌 문제를 사실주의적인 현실 고발 드라마에서 다루는 것뿐만 아니라 공포영화에서도 충분히 다룰 수 있음을 알게 해주었다. ‘여고괴담’이 성공한 이후에 한국에서도 다양한 방식의 공포영화들이 제작되었지만 최근 좀비영화가 각광받기 전에는 ‘폰’, ‘스승의 은혜’, ‘분신사바’, ‘고사’와 같이 학교를 배경으로 한 공포영화들이 계속 만들어졌다. ‘여고괴담’ 시리즈의 두 번째 작품인 ‘여고괴담 두 번째 이야기’는 한국 영화에서 잘 다루지 않았던 학교 내 동성애를 소재로 다루었다. 즉, ‘여고괴담’은 학원물과 공포영화를 동시에 중흥시켰고 다룰 수 있는 소재의 폭을 확대했다. ‘여고괴담’ 시리즈 이외에 ‘고사’ 시리즈가 학교를 배경으로 한 다른 공포영화 시리즈이다. ‘여고괴담’은 한이 서리고 슬픈 학원 귀신물이고 ‘고사’는 무한경쟁 구도에서 경쟁자들을 적극적으로 제거하는 학원 난도질 영화이다. 요즘 예전에 개봉한 영화들을 극장에서 재개봉하는 경우가 종종 있다. 21세기 한국 영화의 성장에 기여한 바가 큰 작품이니 ‘여고괴담’ 1편이나 전 시리즈를 재개봉하는 것도 고려할 만하다.

영화 ‘타임머신’에서는 주인공이 발명한 타임머신을 타고 미래로 간다. 우리나라 영화와 드라마는 영화 ‘열한시’(2013)를 제외하고 대체로 시간여행자가 과거와 현재를 오간다. 그래서 시간여행을 다룬 작품을 포함해서 현재 주인공이 과거를 회상하거나 현재 주인공과 과거 주인공 선조의 삶을 교차하고 대비해서 보여주는 방식의 작품들이 등장했다. 한국고전영화 중에서는 김승옥의 소설 ‘무진기행’을 각색한 영화 ‘안개’(1967)가 이런 방식으로 되어 있다. 이 영화에서 서울에서 출세한 윤기준은 고향 무진으로 휴가차 돌아가지만, 부정적인 경험으로 가득 찬 과거를 전혀 그리워하지 않는다. 윤기준의 고향과 과거에 대한 거부감은 1960년대 조국 근대화 정책으로 인해 벌어지는 근대적인 서울과 전근대적인 비서울의 격차를 반영한다. 1990년대 말과 2000년대 초반의 영화들은 부모 세대가 겪었던 억압과 고난의 한국사를 소환한다. 영화 ‘클래식’(2003)과 ‘인어공주’(2004)가 대표적인 예이다. 한 배우가 딸과 어머니 역할을 맡은 이 영화들은 부모 세대가 겪은 고난을 자식 세대가 재발견하고 자식 세대의 현재 삶과 비교하는 방식으로 구성되어 있다. 2010년대 작품들은 중년이 된 주인공이 자기 학창 시절을 회상하는 방식이 많다. 영화 ‘써니’(2010)와 ‘건축학개론’(2012), 텔레비전 드라마 ‘응답하라’ 시리즈는 주인공의 십대 시절과 대학교 시절의 첫사랑을 주로 다루었고, 1980년대와 1990년대의 대중가요와 문화상품을 주요한 기호로 삽입했다. 이전 세대가 경험한 정치적 억압과 폭력은 사라졌지만 고단한 사회생활을 하기 전의 개인적인 첫 경험에 대한 향수를 불러일으키는 대중가요와 문화상품이 주요한 기호로 등장했다. 그리고 예능에서는 ‘무한도전 토토가 특집’(2015)이 1990년대 말의 대중가요를 소환하면서 2010년대 레트로 붐의 정점을 찍었다. 최근에는 뉴 미디어 콘텐츠 ‘문명특급’이 2010년대 초반의 2세대 K팝 아이돌을 소환했다. 당시에 2세대 K팝을 즐겼고 이제는 삼십대에 진입할 세대들은 지금 어떻게 살면서 어떻게 그 시절을 회상하는지를 다룬 영화와 드라마도 이제 곧 나올 것으로 보인다. 노광우 영화평론가

영화가 19세기 말에 회화나 사진과 비교해서 혁신적이었던 것은 영화는 동작을 기록한다는 점이었다. 그렇지만 단순히 동작을 기록한다는 점만으로는 영화를 예술이라고 인정하기는 어려웠다. 그래서 어떤 면에서는 초창기 영화이론들은 영화가 예술인 이유를 입증하려는 노력의 산물들이었다. 그런 노력 중 하나로 헝가리의 영화이론가 벨라 발라즈는 영화의 클로즈업에 주목했다. 연극과 무용 등 공연예술은 무대와 객석 사이에 거리가 있어서 관객이 배우의 얼굴표정 연기를 보기는 어려웠다. 그렇지만 영화관에서 관객은 대형 화면에 나타난 클로즈업으로 어떤 상황에 처한 인물의 표정이 담아내는 미묘한 심리상태를 잘 포착하고 그 인물의 처지에 공감하게 된다. 최근에 개봉한 영화 ‘혼자 사는 사람들’은 주연을 맡은 배우 공승연의 얼굴 클로즈업이 부각된다. 영화에서 배우 공승연이 맡은 주인공 진아는 사무실 책상, 혼자서 점심을 먹는 식당의 식탁, 그리고 자기 숙소가 있는 아파트의 복도나 자기 침실과 현관문 사이 등 비좁은 공간에 갇혀 있는 것처럼 보인다. 그는 카드 회사의 콜센터 직원으로 카드 고객들의 문의에 대답하고 불만을 접수하는 일을 한다. 그는 주로 컴퓨터 모니터를 바라보거나 고개를 숙이고 스마트폰을 보고, 다른 사람과 눈을 마주치지 않으려는 모습으로 등장한다. 비좁은 공간에 있는 진아의 물리적 고립은 타인이 자기 삶에 들어오는 것을 허락하고 싶지 않은 진아의 사회적 고립을 암시한다. 진아가 만나는 사람은 일로 만나는 직장 동료, 신입 직원인 수진과 출퇴근 시 마주치는 옆집 사람, 그리고 수진이 어렸을 때 바람이 나서 집을 나갔다가 늙어서 어머니에게 되돌아온 만나고 싶지 않은 아버지뿐이다. 이 영화에서 진아는 친구나 연인, 심지어는 반려동물도 없다. 영화의 어디에서도 진아는 주위의 어떤 대상에 대해 친밀함을 보여주지 않는다. 진아의 얼굴은 시무룩하고 귀찮음과 짜증, 꾹 눌렀던 분노의 감정을 표출한다. 이는 청춘을 다룬 다른 영화에서 보통 주인공의 친구나 연인, 가족이 등장해서 주인공과 교류하는 모습과 전혀 다른 모습이다. 영화는 진아가 주위 사람들과 거리를 두려 했던 계기나 이유에 대해 굳이 설명하려 하지 않는다. 영화는 단지 서서히 주위 사람들에게 마음을 여는 모습을 보여줄 뿐이다. 노광우 영화칼럼니스트

보통 남자 두 명을 주인공으로 내세운 영화들은 이 두 명의 성격이나 선택을 대비해서 보여주곤 한다. 한 사람이 능동적이고 감정적이라면 다른 사람은 수동적이고 이성적이다. 또는 세상에 적극적으로 개입해서 실천하는 이가 있는가 하면 자기 집단의 원칙과 규율을 고수하는 이가 있다. 그런데 보통 이 두 사람은 비슷한 일을 하거나 함께 길을 떠나는 것으로 설정된다. 이 둘은 차이는 있지만 결국 같은 길을 간다는 공통점이 있다. 이준익 감독의 ‘자산어보’를 보면 임권택 감독의 ‘만다라’(1981)가 생각난다. 두 작품 다 두 남자의 삶을 대비해서 보여준다. 1801년 신유박해로 정약전은 흑산도에 유배되어 어류 사전을 쓰면서 지낸다. 이는 그의 동생 정약용이 강진에 유배되어 후학을 키우고 세상을 개혁할 다양한 생각을 개진하는 왕성한 집필활동을 이어가는 것과 대비된다. 영화 속의 정약전은 자기 생각이 너무 혁신적이어서 주위 사람들을 위험에 빠지게 할까 두려워 함부로 자기 사상을 펼치지 않고 일종의 은둔을 선택한다. 한편, 정약전에게서 글을 배운 흑산도 청년 창대는 정약용이 지은 책들을 읽으면서 그의 노선을 더 옳은 것으로 간주하고 과거에 합격하여 관직에 나가 세상을 더 낫게 만들려고 한다. ‘만다라’는 파계승 지산과 계율을 고수하는 법운을 대비시킨다. 지산은 수도 생활 중 추문에 휩싸여 절에서 쫓겨난 후에 세상을 떠돌다가 전염병에 걸린 중생들을 구제하려고 열심히 간호하고 기도하며 속인들의 고정관념을 깨고 깨달음으로 인도하려 한다. 그에 비해 법운은 상식을 벗어난 지산의 파행을 비판하지만 개인적인 번뇌를 떨치지 못하면서 계율을 고수하려고 한다. 두 작품 모두 나이 든 스승 격인 정약전과 지산이 먼저 죽고 창대와 법운이 자기 갈 길을 가는 것으로 끝난다. 차이점은 ‘만다라’에서 법운은 개인적인 번뇌를 떨치고 세상으로 나아가지만, ‘자산어보’에서 창대는 좌절하고 흑산도로 돌아온다는 점이다. ‘만다라’가 나왔던 그 시절에는 세상을 바꾸려는 지식인의 실천을 높이 숭상했었지만, ‘자산어보’가 나온 지금은 개혁이 쉽지 않음을 체감하는 시기이다. 흑산도로 돌아간 창대도 당분간 정약전처럼 후학을 양성하면서 시간을 보냈을 것 같다. 노광우 영화칼럼니스트

윤여정의 여우조연상 수상으로 화제가 된 지난 아카데미 시상식에서 ‘노매드랜드’가 작품상, 감독상, 여우주연상을 수상했다. ‘노매드랜드’는 적은 예산으로 찍은 로드무비이다. 과거에 아카데미는 대작 영화들에 작품상을 선정하곤 했으나 이제는 예술성과 사회성이 짙은 영화들에 작품상을 시상하는 경향을 보이고 있다. 특히 ‘노매드랜드’가 작품상을 수상한 것으로 작년에 ‘기생충’이 작품상을 받은 이유 중 하나를 추측할 수 있다. 물론 ‘기생충’이 작년에 작품상을 받은 것은 작품 자체가 뛰어나서 그렇기도 하고, 오랫동안 ‘플란다스의 개’가 미국 영화계에 소개된 이래 그에 대한 평가가 미국영화계의 저변에서 확대되어서 마침내 인정받았다는 점도 있다. 그렇지만 그래도 외국어 영화에 작품상을 주는 경우는 처음이었다. 과연 영화의 어떤 점이 미국 관객들과 아카데미 회원들에게 소구했을까라는 점이 궁금했었다. ‘노매드랜드’와 ‘기생충’은 둘 다 자기 집을 잃고 경제적으로 불안전한 빈곤층을 다룬다. ‘기생충’에서는 곤궁한 일가족이 다른 부유한 집에 침투해서 일을 하나씩 장악해 나가는 과정을 보여준다. ‘노매드랜드’는 주인공 펀이 아마존 물류창고에서 일하는 장면으로 시작한다. 펀은 남편과 함께 다니던 석고공장이 폐쇄된 후에 임시직을 전전한다. 11월 추수감사절과 12월 성탄절 시기에는 미국의 물류량이 늘어나기에 일을 구할 수 있지만, 그 뒤에는 일자리를 구하기 어렵다. 일정한 소득이 없고 자기 명의로 된 집이나 월셋집을 마련할 형편이 못 되어 자기 차에서 숙식을 한다. 자기와 비슷한 처지의 동료의 조언으로 애리조나의 사막 한 벌판에 가서 비슷한 처지의 사람들과 정보와 경험, 그리고 정서를 공유한다. 그 뒤에 이들은 각자 일자리를 찾아서 떠난다. 영화는 사우스다코타와 네브래스카의 아름다운 풍광을 배경으로 펀이 각지를 돌아다니면서 새로 사람들을 만나고 새로 하는 일에 적응하는 모습을 보여준다. 두 영화는 비슷한 처지에 놓인 인물들이 다른 방식을 선택한다. 사람이 많은 한국에서는 다른 사람의 영역으로 침투하고 사람이 적은 미국에서는 자기 차를 집으로 삼고 살아간다. 노광우 영화칼럼니스트

갱스터 영화와 누아르 영화가 조직 폭력배와 폭력을 미화한다고 보는 부정적인 입장이 있다. 그럼에도 불구하고 이런 영화가 관심을 끌고 계속 만들어지는 데에는 다른 이유가 있다. 이런 유의 영화는 대체로 도시에서 벌어지는 남자들의 출세와 승진을 위한 분투와 합종연횡, 그리고 동료의 배신과 의리를 주로 보여주곤 한다. 그 과정에서 생존을 위해 필사적인 노력을 하는 등장인물의 처지와 심리에 감정을 이입해서 보는 관객들이 있다. 관객은 주인공이 느끼는 상실감과 세상에 대한 환멸을 보면서 세상이 부조리하고 잔인하다는 것을 다시 확인한다. 영화 ‘낙원의 밤’은 여느 갱스터 영화처럼 초반부에 주요한 사건이 도시에서 벌어진다. 어느 조직의 간부 박태구는 더 큰 조직인 북성파의 스카우트 대상이 된다. 박태구는 병원에서 퇴원하는 누나와 조카를 자기 차에 태워 집에 보냈지만, 나중에 교통사고로 죽었다는 것을 알게 된다. 박태구는 이를 북성파의 소행으로 여기고 북성파의 보스를 응징한다. 그 뒤에 자기 조직의 보스 양사장의 배려로 블라디보스토크로 피신하기로 하고 잠시 제주도로 가서 전직 킬러였던 쿠토와 그의 조카 재연의 집에 잠시 기거한다. 양사장은 기세를 살려서 북성파를 습격하지만 주요 인물들을 제거하지 못하고, 북성파의 2인자 마이사는 반격을 준비한다. 영화의 줄거리는 특별히 새롭지 않다. 영화에서 범죄자가 해외로 도주하려 하지만 실패하는 경우가 많아서 태구도 결국 실패하리라고 충분히 예상할 수 있다. 그래서 이 영화는 이야기보다는 다른 것들이 더 눈에 들어온다. 햇빛이 밝은 제주도가 영화의 주 무대이지만 화면의 전체적인 톤은 대체로 푸른색이다. 이는 세상의 차갑고 비정한 느낌과 허무주의적 정서를 강조한다. 태구는 영화에서 주로 고개를 숙이거나 시선을 아래로 깐 모습으로 등장하고 무표정하며 대체로 말이 없다. 그를 대하는 재연은 치료하기 어려운 병을 앓고 있으며 어린 시절에 부모를 잃었기에 더 나은 미래를 꿈꾸지 않는다. 태구와 재연은 가족을 잃고 미래를 기약하기 어려운 비슷한 상황에 놓여 있고 서로 가시 돋친 말을 주고받으면서 서서히 가까워진다. 낙원처럼 보이는 제주도는 그들이 다른 곳으로 갈 기회를 제공하지 못했지만, 잠시나마 그들이 감정을 교류할 기회는 준 셈이다. 노광우 영화칼럼니스트

‘고질라 VS. 콩’이 극장에서 상영 중이다. 영화 역사에서 가장 유명한 두 괴수가 대결한다는 점에서 괴수 영화 팬들에게는 관심을 끌 만하다. 이런 괴수 영화들을 살펴보면 원작이 나오던 그 시절의 낯선 외부에 대한 공포감을 알 수 있다. 영화 ‘킹콩’은 1933년에 만들어졌다. 킹콩은 열대 지역의 전설의 해골섬에 사는 괴물로 나온다. 유럽 문명에서 멀리 떨어진 곳에 사는 괴물이라는 점은 고대신화의 괴물들과 많이 닮았다. 킹콩은 밀림에서는 원주민들에게 경외의 대상이었지만 이 지역에서 영화를 찍으려던 백인 사업가에게 생포되어 뉴욕으로 끌려오고 볼거리로 전락해서 백인 사업가의 흥행업에 이용당한다. 이 백인 사업가와 킹콩의 관계는 20세기 초의 비서구에 대한 서구의 제국주의적 착취를 암시한다. ‘고질라’는 1954년에 일본에서 개봉한 이후, 시리즈로 계속 만들어졌다. 다른 영화사들이 비슷한 괴수 영화를 만들게 되어서, ‘고질라’는 일본 괴수 영화의 원조가 되었다. 태평양에서 벌어진 수소폭탄 실험으로 인해 태평양 심해에서 잠자던 전설의 괴물 고질라가 깨어나고 도쿄만에 등장한다. 이 괴물을 퇴치하기 위해 과학자들은 고질라의 약점을 알아내려 하고 정부는 자위대를 파견해서 방어막을 설치한다. 마침내 한 과학자가 특수무기를 개발하고 고질라를 퇴치한다. 수소폭탄 실험으로 인해 고질라가 깨어난다는 점과 강력한 특수무기의 사용을 두고 과학자가 고민하는 모습은 2차 세계대전 말에 원자폭탄 피폭의 경험과 관련이 있다. ‘고질라 이후 일본 괴수 영화에 등장하는 괴수들은 대체로 바다 건너나 우주와 같은 외부에서 오는 것으로 설정되어 있다. 한국의 괴수 영화로는 봉준호의 ‘괴물’, 1967년에 나온 ‘우주괴인 왕마귀’와 ‘대괴수 용가리’, 심형래의 리메이크작 ‘용가리’(1999), 그리고 1976년 작 ‘킹콩의 대역습’이 있다. 흥미롭게도 봉준호의 ‘괴물’에 나오는 괴물은 고질라나 킹콩 같은 이름이 없다. 이 이름 없는 괴물은 건물이나 시설은 그대로 둔 채 사람들만 잡아먹는다. 사람들이 그 괴물에게 희생당하는 동안 정부는 과학자들을 모아서 괴물에 대해 알아내려 하지 않고, 언론은 괴물의 존재를 제대로 보도하지 않는다. 노광우 영화칼럼니스트

넷플릭스에서 공개된 ‘맹크’(Mank)는 올해 아카데미 시상식에서 10개 부문에 후보로 올라서 가장 많은 부문에 후보를 냈다. ‘맹크’는 매일 술에 절어 사는 극작가 허먼 맹키위츠의 애칭이다. 영화는 그가 교통사고를 당한 후에 미국영화 역사상 최고 걸작 ‘시민 케인’의 시나리오를 쓰는 과정을 다룬다. 그리고 그의 회상을 통해 그가 1930년대 후반에 할리우드의 영화계에서 겪은 일과 당시 언론계의 실력자 윌리엄 허스트, 그의 정부 마리온 데이비스와 교류한 일화들을 보여준다. 그래서 그 일화들을 보면 맹크가 ‘시민 케인’의 주요 등장인물이 그들을 모델로 했음을 암시한다. 흥미롭게도 ‘맹크’는 1930년대 후반 흑백영화 스타일로 만들었고 아예 몇몇 장면은 ‘시민 케인’의 장면을 차용해서 만들었다. 그리고 미국영화를 보면 할리우드의 유명한 영화인들의 삶을 다룬 전기영화나 실제로 있었던 일을 소재로 각색해서 만든 영화가 종종 나온다. 작년 아카데미 시상식에서 러네이 젤위거가 여우주연상을 받은 영화 ‘주디’는 1940년대의 스타 주디 갈랜드의 삶을 영화화했고, 작품상 후보였던 ‘원스 어폰 어 타임 인 할리우드’는 1960년대와 1970년대 초반에 활약한 허구적인 인물을 내세워서 당시 영화계에 있었던 사건들을 보여준 것이 예이다. 그보다 몇 년 전에 나온 ‘라라랜드’도 스타가 되기를 꿈꾸는 가난한 배우지망생의 이야기를 보여준다. 소재를 다루는 방식이 비판적일 수도, 회고적일 수도 있지만 이렇게 자국 영화의 역사와 영화계 자체를 영화로 만드는 것은 참고할 만하다. 한국영화의 역사도 백년이 넘었다. 한국영화계에도 유명한 사건들과 인물들이 있었고 원본 필름이 없는 영화도 있다. 김기영의 ‘하녀’는 해외의 예술영화 팬들에게도 높은 평가를 받고 있다. ‘하녀’를 만들던 시절의 충무로의 분위기, 만들던 방식을 극영화로 만들면 어떨까. 나운규의 ‘아리랑’이나 이만희의 ‘만추’는 여전히 그 필름을 찾지 못하고 있지만, 그 작품들이 어떻게 만들어졌는지를 영화로 만들어서 보여줄 수는 있다. 영화의 역사를 보면 영화 만들기를 소재로 한 영화들을 발견할 수 있다. 노광우 영화칼럼니스트