지난 11일 부산 영상산업센터에서는 영화음악 지휘법을 시연하는 흥미로운 세미나 ‘할리우드 인 부산’이 열렸다. 로스앤젤레스(LA) 영화음악 지휘 워크숍의 대표인 엔젤 벨레즈가 멘토를 맡은 행사였다. 그는 영화에 배경음악을 녹음할 때 악단을 지휘하는 시범을 보였으며, 영화음악 지휘자를 꿈꾸는 신청자들이 그 자리에서 악단을 지휘해 녹음하는 과정을 직접 지도했다. 이날 벨레즈는 “나는 녹음업계에서 종사하고 있다”고 말했다. 세계 최초의 유성영화 ‘재즈 싱어’가 개봉된 1927년 이전의 영화를 우리는 흔히 무성영화라고 부른다. 유성영화와 무성영화를 구분하는 기준은 영화 상영 필름에 음향을 녹음한 부분이 있느냐 없느냐로 구분하지만, 실제로 무성영화가 상영되는 극장에 음향, 특히 음악이 전혀 없었던 것은 아니다. 서양에서는 무성영화가 상영되는 동안, 피아니스트나 오케스트라가 배경음악을 연주했고, 동양에서는 변사가 영화의 배경을 설명하고 영화 속의 등장인물의 목소리를 연기했다. 그래서 관객은 언제나 극장에서 배우의 연기와 동작뿐만 아니라 음악과 소리도 함께 즐겼다. 영화 ‘시네마 천국’을 연출한 주세페 토르나토레가 만든 다큐멘터리 ‘엔니오: 더 마에스트로’가 개봉했다. 세르지오 레오네의 ‘황야의 무법자’ 시리즈 등 유명한 스파게티 웨스턴의 음악과 수많은 걸작의 영화음악을 만든 엔니오 모리코네의 음악에 관한 다큐멘터리이다. 유명한 영화 작가의 작품세계는 자기 혼자만의 노력을 만들어지는 것이 아니라 그 구상과 노력을 구현해 줄 조력자의 도움이 있게 마련이다. 그 조력자가 배우, 촬영감독, 시나리오 작가인 경우도 있지만 영화음악 작곡가인 경우도 있다. 작가가 만든 작품의 분위기는 영화음악을 통해 조성되고 관객은 영화의 이미지만큼이나 그 영화음악을 오랫동안 기억한다. 팀 버튼 영화의 기괴한 코미디는 대니 엘프만의 음악으로 형성되고, 크리스토퍼 놀란 영화의 웅장하면서도 고독한 분위기는 한스 짐머의 음악으로 만들어진다. 영화의 역사에서 새로운 촬영이나 편집기법을 개발한 이들이 많다. 엔니오 모리코네는 기존의 악기뿐만 아니라 다른 사물의 소리를 음악으로 바꾸는 등, 다양한 시도를 하고 혁신을 이룩했다. 그것을 이 다큐멘터리에서 확인할 수 있다.

동서고금을 막론하고 액션 영화가 보여 주는 과도한 폭력에 대한 우려는 오래전부터 있었다. 그런데 검열이 완화한 이후에 영화인들은 폭력을 표현하는 다양한 방법을 실험했다. 실패한 경우도 많았지만 폭력을 표현하는 새로운 방법을 만들어 낸 감독과 작품은 후대의 영화인들에게 지대한 영향을 끼치면서 영화의 역사를 바꾸었다. 1960년대 말 미국의 아서 펜의 ‘우리에게 내일은 없다’나 샘 페킨파의 ‘와일드 번치’, 1990년대에는 쿠엔틴 타란티노의 ‘저수지의 개들’이 그런 작품이다. 1970년대와 1980년대 한국에서는 이두용 감독, 지금은 박훈정 감독이 스타일 있는 폭력적인 액션 영화를 꾸준히 만들고 있다. 박 감독은 ‘신세계’, ‘마녀’, ‘낙원의 밤’ 등 흥미로운 작품을 선보였지만 2016년에 발표한 ‘브이아이피’는 극중 남성 악당이 여성 인물을 잔인하게 죽이는 장면을 상세하게 묘사해서 논란이 일었다. 당시는 현실에서 여성을 대상으로 한 강력범죄가 일어나 사회적으로 예민해졌던 상황이기도 했다. 영화든 드라마든 악당은 자기 목적을 이루기 위해 선량한 약자를 대상으로 잔인한 폭력을 행사하거나 혹은 부당한 행위를 하는 인물이다. 그래서 주인공이 악당에게 행사할 폭력을 처벌이나 복수로 정당화할 여건이 만들어진다. ‘브이아이피’의 경우, 여성은 남성 악당의 희생자로 묘사될 뿐이지 악당을 처벌하거나 반격을 가하는 어떤 능동적인 행위자로 등장하지 않았다. 이번에 개봉한 ‘귀공자’는 폭력과 액션의 수위에서 이전 작품들과 큰 차이는 없다. 주인공 귀공자가 보여주는 액션은 어찌 보면 슈퍼 히어로에 가까울 정도이다. 그런데 특이한 점은 악당으로 설정된 한국인 부자들의 태도이다. 영화에서 호경그룹의 한 회장은 사경을 헤매고 그의 아들 한 이사는 회사가 배다른 여동생에게 넘어가지 못하도록 아버지의 생명을 연장하려고 한다. 그래서 필리핀에 있는 또 다른 동생인 마르코를 한국으로 데려오려고 한다. 이 과정에서 한 이사와 여동생 그리고 이들의 수하들은 계속해서 마르코를 민족적으로 멸시하고 비하하는 호칭으로 부른다. 이런 영화 속 악당들의 언어폭력에 대해서 사회적으로 아직 논란이 일어나지 않는다. 이는 마르코와 귀공자가 악당에 맞서 싸우기 때문인가 아니면 이 무시당하는 인물을 보고 분개해서 항의할 만한 사회 집단이 세력화하지 않았기 때문인가.

마동석 주연의 프랜차이즈 ‘범죄도시3’이 관객 수 1000만명을 바라보고 있다. 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19)으로 인해 극장 관객이 부족하고 한국영화의 부진이 이어지고 있는 상황에서 ‘범죄도시3’의 흥행 성공은 희소식이다. ‘감시자들’과 같은 예외가 있긴 하지만 대체로 영화 속 형사들은 서민을 대상으로 한 폭행이나 살인, 무장 강도 등 주로 신체와 무기를 이용하는 강력범죄를 다룬다. 형사들은 사건의 단서를 두고 추리하는 두뇌보다는 강력범을 제압하는 신체적 능력을 더 많이 선보인다. 마동석이 보여주는 맨손 격투 장면은 홍콩 무술영화에서 나올 법한 화려한 동작은 아니지만, 정말 그 주먹에 맞으면 엄청 아플 것 같아서 보는 이에게 카타르시스를 선보인다. 2000년대까지만 해도 쿵후에 기반을 둔 화려한 동작과 스턴트를 선보인 홍콩 액션영화들이 한국은 물론 세계적으로 인기를 끌었다. 1960년대 말부터 1980년대 초까지 한국 영화계가 홍콩과 합작영화를 많이 제작했다. 사극과 판타지에 입각한 홍콩 무술영화와 한국·홍콩 합작 영화에 한국 무술 전문 배우들이 등장하는 경우는 많았지만, 한국의 액션 영화가 두드러진 고유의 스타일이나 장르를 형성하지는 못했다. 1990년대 말부터 주로 정두홍 무술감독이 주도하는 사실적인 권격 장면들이 돋보이는 영화들이 등장하기 시작했다. 이후 나온 한국 권격 액션 영화들은 화려한 동작보다는 마치 진짜로 싸움을 하고 실제로 치고받는 듯한 타격감을 생생하게 표현하는 사실주의적인 작품들이었다. 장르로는 범죄를 저지르는 이가 주인공인 조폭 영화와 범죄인과 싸우는 경찰을 다룬 형사물이 등장했고, 인기 있는 시리즈물이 등장했다. 조폭 코미디인 ‘가문의 영광’ 시리즈나 도덕적인 결함이 있지만 큰 범죄를 저지른 악당을 처단하는 형사 강철중을 내세운 ‘공공의 적’ 시리즈가 인기를 끌었다. 그렇게 사실적인 권격 액션이라는 한국적인 특색이 있는 액션 영화의 흐름이 등장했고 마동석의 스타 이미지를 적극 활용한 ‘범죄도시’ 시리즈가 한국은 물론 해외에서도 좋은 반응을 얻게 되었다. ‘범죄도시’ 시리즈는 클린트 이스트우드가 권총으로 길거리의 사이코패스 악당들을 처단하는 미국 ‘더티 해리’ 시리즈와, 쿵후와 슬랩스틱 액션을 접목한 성룡의 1990년대 ‘폴리스 스토리’ 시리즈와 비견될 만한 형사물 시리즈가 되었다.

지난달 2일부터 미국 작가조합(WGA)은 텔레비전과 영화 제작자 연맹을 대상으로 파업에 돌입했다. 21세기 들어 2007년 11월5일 파업 이후 두 번째 파업이다. 직접적인 쟁점은 다르지만, 이 두 파업은 영화 배급의 디지털화가 작가의 고용 및 작업 환경, 수익 배분에 미친 영향과 관련이 있다. 기존 영상산업 구조에서 작가는 보통 1차로 영화 및 텔레비전 프로그램의 대본 작성할 때 받는 원고료, 그리고 비디오와 DVD, 유선방송의 재방영이라는 부가 시장의 수익에서 일정 비율에 따라 재방영료를 받는다. 2007년에는 DVD 수익이 최고조에 올랐었고, 온라인 동영상 서비스(OTT)가 이제 막 시작되던 시점이었다. 새로운 배급 방식의 등장에 따라 DVD 부문의 수익과 OTT 작품의 방영료 배분 비율을 조율할 필요성이 있었기에 작가조합은 조합원의 이익을 보장받기 위해서 파업을 진행했다. 이 파업은 DVD 부문에서 예전 비디오의 배분 비율인 0.3%를 그대로 유지하고, 인터넷 사이트에서 영상을 대여 목적으로 다운받는 경우는 총수익의 1.2%, 구매 목적으로 다운받는 경우는 총수익의 0.65%, 그리고 광고가 붙는 스트리밍 작품은 공개 후 17일이 지난 다음 올린 수익의 2%로 결정되면서 마무리되었다. 그에 비해, 이번 파업은 DVD 시장의 축소와 OTT 영향력 확대, 그리고 챗GPT와 인공지능(AI)의 등장이라는 상황과 관련이 있다. DVD 시장의 축소와 OTT에서의 작품 공개로 인해 유선방송에서 작품이 재방영되는 횟수가 줄어 작가들이 부가수익을 올릴 기회가 줄어들었다. 또한 OTT 회사들은 작품의 초안 작성 단계에만 고용하고 전체 개발 과정에서 작가들을 줄이는 이른바 ‘미니 룸’ 현상이 발생했다. 그리고 이제 곧 방송영상 콘텐츠의 대본도 챗GPT와 AI가 쓰는 시대가 도래할지도 모른다는 우려로 작가조합은 챗GPT를 자료 조사 도구로만 활용하기를 요구하고 있다. 새로운 기술의 도래는 대체로 소비자와 관객에게 새로운 편리함과 상품을 제공했다. 그렇지만 업계 내부의 생산자들은 변화된 기술 환경에서 안정적으로 수익을 올릴 수 있는 새로운 방식을 마련해야 했다. 그래서 향후 영상산업과 문화에 지대한 영향을 끼칠 것이라는 점에서 이번 미국 작가조합의 파업과 제작배급사들과의 협상 결과가 주목할 만한 것이다.

최근 조종국 운영위원장의 임명과 허문영 집행위원장의 사퇴, 이용관 이사장의 사의 표명 등 부산국제영화제가 내홍을 겪고 있다. 조직의 자세한 내막은 알 수 없으나 부산국제영화제에서 벌어진 이 일을 계기로 한국 영화계의 어떤 거시적인 흐름을 한번 살펴보고자 한다. 부산국제영화제는 올해로 28회를 맞이하고 영화제가 거의 30년 가까이 되었다는 점은 이와 궤를 같이하는 한국 영화계의 구조와 문화도 그 정도 되었음을 암시한다. 시계를 되돌려서 30년 전은 한국 영화계에 거대한 지각 변동이 일어난 때였다. 당시까지 1960년대 이전에 영화계에 입문한 구세대 영화인들, 지방 극장과 흥행업계를 대표하는 중간업자들, 국가 시책에 적극 협조해서 대종상을 수상하고 받은 외화수입권으로 수익을 올리던 기존 충무로 영화 제작·배급 업자들이 한 축을 이루었다. 한편, 1980년대에 영화산업에 입문했거나 영화운동 등 새로운 영화를 만드는 실천을 주도했던 젊은 신진 세력은 비디오의 시장성과 영상산업에 진출한 대기업, 그리고 새로운 투자자와 연합했다. 이런 연합은 당시에 새로 생긴 영화기획사를 통해서 매개되었다. 당시 구세대와 신세대는 각종 영화 정책 관련 현안을 두고 첨예하게 대립했다. 1990년대는 유선방송이 실시되고 개인용 컴퓨터가 보급되며 디지털화가 진행되던 시기였다. 영화업계를 둘러싼 산업, 기술적 환경이 변했고 이에 제대로 적응하지 못한 구세대 영화인은 영화계에서 사라져 갔다. 1990년대 말과 2000년대 들어 계속 영화를 찍을 수 있었던 충무로 영화인은 임권택 감독과 정지영 감독 정도였다. 미국영화사에서도 1930년대부터 1960년대까지 30년을 고전적인 할리우드 시대라고 부른다. 우리나라 구세대 시대도 30년 정도 지속되었다. 구세대의 퇴장과 더불어 영화업계의 주도권을 차지한 당시 신세대는 지난 30년 동안 미국 영화와 홍콩 영화가 지배하던 국내 시장을 되찾아왔고, 한국 영화의 성장과 세계화를 이루어 냈다. 이제는 넷플릭스의 지배와 극장의 몰락이라는 새로운 환경이 조성되었다. 변화한 상황에서 한국 영화를 이끌어 갈 차세대 영화인을 발굴해 바통을 넘겨주는 것을 고민할 때가 되지 않았나 싶다. 바통 터치가 잘 이루어지기를 바란다.

이제는 모든 극장이 멀티플렉스인 상황이라 원형을 유지한 단관 상영관을 찾아보기 힘들다. 강원도 원주에는 1963년 개관한 600석 규모의 아카데미 극장이 있다. 신수원 감독의 영화 ‘오마주’에서 극중 감독이 옛날 영화감독의 필름 프린트를 찾아내는 기억을 저장한 쇠락한 공간으로 나온다. 쇠락한 극장의 이미지를 활용한 외국의 걸작으로는 타이완의 차이밍량 감독의 ‘안녕, 용문객잔’(2003)이 있고, 마을 사람들의 추억이 서린 극장이 파괴되는 이미지를 그린 가장 대표적인 작품은 ‘시네마 천국’(1988)이다. 한편, 영국의 ‘시네마 시어터 어소시에이션’(Cinema Theatre Association)이나 미국 ‘시어터 히스토리컬 소사이어티 오브 아메리카’(Theatre Historical Society of America)와 같이 오래된 극장을 지키려는 사람들의 단체도 있다. 극장 자체도 독특한 건축물이며 극장의 기능과 기억이 지닌 문화적 가치를 지키려는 이들이다. 과거 도심의 큰 극장들은 그 도시 문화의 중심 역할을 했다. 영화만 상영한 것이 아니라 유명 가수들의 순회 공연이 있었고, 전당대회나 회합 장소로도 활용되었다. 그러나, 이제는 도시 외곽에 고층 아파트들이 들어서면서 도심에 유동 인구가 줄면서 극장의 기능이 약화되었다. 그래서 지방 도시들은 도시의 과거 중심을 원도심이라고 부르면서 재생을 기획하기도 한다. 기왕 있는 건축물이니 외관은 유지하고 실내를 수리해서 새로운 공연 및 상영장소로 활용하는 방안을 적극 모색할 수 있다. 이미 최근 대중영화는 멀티플렉스에서 상영되니 그 지역의 역사성을 감안해서 (서울 허리우드극장의 실버영화관처럼) 고전영화를 정기적으로 상영하고, 관리의 편의성을 위해 (뉴욕의 앤솔로지 필름 아카이브스처럼) 하루에 2회 정도만 상영하며, (무주산골영화제처럼) 지역민을 위한 짧은 기간 영화제를 할 수도 있으며, 서울·부산·부천·전주·제천영화제의 프로그래머들이 추천한 작품을 모아서 상영해서 지역민들도 문화적 혜택을 누리고, 관광객이 모이게 유도할 수 있다. 또는 (선댄스영화제처럼) 영화인이나 연예인이 모일 만한 행사를 기획해서 행사장으로 극장을 활용한다. 이렇게 문화계 유명인들이 원주를 방문하게끔 하면 원주 관광산업 진흥에도 많은 도움이 되리라 본다. 이렇게 해서 최소한 극장 문화와 관련해서는 원주가 위에 언급한 국제적인 대도시와 동급이 되길 바란다.

최근에 공개된 영화 ‘길복순’이 여러모로 화제다. 살인청부업 회사의 고액 연봉자의 활약을 그린 독특한 설정도 인상적이지만 작품 안에서 쓰인 어느 기호의 일베 여부 논란이 일었다. 이 점은 주인공 길복순은 능력을 인정받아서 전국 또는 국제적인 수준의 업무를 수행하는 데 비해, 능력은 있지만 회사에서 인정받지 못한 한희성이 주로 지방 업무를 맡는다는 설정을 그렇게 표현했다. 영화의 설정이 연출자의 의도와는 다르게 해석되는 경우는 예전에도 종종 있었다. 여러 개의 지류가 모여서 하나의 호수와 강이 되듯이, 영화 한 편에도 다양한 영화의 설정과 전통이 섞여 있는 경우가 많다. 이 영화를 보고 있으면 여러 영화가 생각난다. 가까이로는 ‘테이큰’, ‘존 윅’과 ‘회사원’이고, 멀리로는 ‘트루 라이즈’, ‘친절한 금자씨’, ‘오로라 공주’, ‘어미’, ‘니키타’와 ‘예스 마담’이다. ‘니키타’와 ‘예스 마담’은 여성이 주인공인 액션영화로 남성에 못지않은 사격술과 격투 장면이 부각된다. ‘친절한 금자씨’, ‘오로라 공주’와 ‘어미’는 자식을 제대로 보호하지 못한 엄마의 복수극인데, 액션보다는 두뇌를 이용해서 복수 상대를 함정에 빠뜨린 다음에 복수를 이행하는 방식으로 진행된다. 길복순은 신체적 능력과 두뇌를 다 활용하는 능력이 출중한 인물이다. 영화는 길복순의 액션과 살인행각에 고액 연봉을 받고 능력을 인정받았지만 불안한 10대의 딸을 키우는 독신 엄마의 애환을 추가한다. 그리고 ‘존 윅’과 ‘회사원’은 살인청부업자 남성이 주인공인 영화들이다. 특히, 살인청부업을 회사원이 직장과 겪을 만한 경쟁과 협력, 그리고 배신에 비유한다는 점에서 ‘회사원’이 가장 유사한 영화이다. ‘테이큰’ 시리즈와 같이 자식을 지키기 위한 아버지의 액션을 다룬 영화는 할리우드에 많았다. 그리고 ‘트루 라이즈’처럼 가족에게 자기가 정부의 비밀 요원이라는 정체를 숨겨야 하는 상황을 그린 영화도 있다. 그런데 자식을 키우면서 자기 정체를 밝히지 않고 임무를 수행하는 전문직 여성을 다룬 영화는 그리 많지 않았다. 그런 점에서 ‘길복순’은 여기서 언급한 영화들의 설정이 담겨 있고 이후에 나올 엄마 중심 액션 영화들의 방향을 제시하고 있다. 하나의 호수로부터 또 다른 지류들이 나오기도 한다.

스티븐 스필버그의 ‘파벨만스’가 개봉했다. 스필버그는 어린 시절 부모에게서 8㎜ 필름 카메라를 생일 선물로 받은 것을 계기로 어린 시절부터 영화를 찍고 놀면서 영화인이 되기를 꿈꾼 것으로 알려져 있다. ‘파벨만스’도 그런 자기 어린 시절의 경험을 영화로 만든 것으로 보인다. 독특한 스타일과 주제 의식으로 명장의 반열에 오른 영화 작가들은 데뷔하는 시점에서든 경력의 후기에서든 자전적인 이야기를 영화로 만들곤 한다. 데뷔작에서 자기 어린 시절을 이야기하는 경우는 대개 성장의 고통을 겪는 이야기다. 프랑수아 트뤼포의 ‘400번의 구타’나 김보라 감독의 ‘벌새’가 그 예다. 그렇지만 본격적으로 영화인으로 살아온 이들은 노년에 이르러 처음 영화를 향한 사랑에 빠지게 된 계기나 부모에 대한 추억과 영화 만들기를 연결하는 영화를 내놓기도 한다. 페드로 알모도바르의 ‘페인 앤 글로리’와 스필버그의 ‘파벨만스’가 이런 경향의 영화이다. 영화감독으로서 경력을 쌓은 뒤에는 영화 만들기의 어려움을 담은 영화들을 내놓는 예도 있다. 영화 만들기와 관련된 가장 큰 고민 중 하나는 자본의 압력과 제한 때문에 자기 상상력을 마음대로 구현할 수 없다는 좌절감이나 상상력이 고갈되어 차기작을 구상하지 못하는 경우이다. 장뤼크 고다르의 ‘경멸’과 코엔 형제의 ‘바톤 핑크’, 페데리코 펠리니의 ‘8과 1/2’이 그렇다. 한편, 어린 시절에 영화를 접하지 않았고 어른이 된 다음에 영화를 선택한 이들은 영화 대신 자기가 좋아했던 다른 매체나 예술로 영화와 삶의 관계를 표현하기도 한다. 구로자와 아키라는 ‘꿈’에 미술 전시회에서 반 고흐의 그림으로 들어가는 청년의 이야기를 삽입했다. 고흐에 열광했던 젊은 시절 자기 이야기였을 것이다. 임권택의 ‘취화선’은 구한말 화가 장승업의 일대기를 다루는데 개별 에피소드에서 나오는 장승업의 불우한 삶은 임권택이 한국 사회에서 겪었을 것 같은 고난과 좌절을 연상시킨다. 그리고, 영화 작가가 영화를 찍지 않을 때는 무엇을 하고 지내느냐는 궁금증에 대한 대답은 부분적으로 홍상수의 영화에서 얻을 수 있다. 이런저런 일을 겪으면서도 계속 다음 작품을 구상하는 영화감독이 나온다.

지금으로부터 21년 전인 2002년에 할리우드 메이저 스튜디오들이 ‘엽기적인 그녀’, ‘달마야 놀자’, ‘조폭 마누라’, ‘시월애’의 리메이크권을 구입했다는 뉴스가 들려왔다. 당시 한국 영화는 할리우드영화가 지배적인 국내에서 시장 점유율을 높여나갔고, 미로비전이나 시네클릭 아시아와 같은 해외 판매를 담당할 회사들이 생겨나 본격적으로 수출을 시도했다. 그런 상황에서 국내 예술영화들이 유명 국제영화제에 초청받는 횟수가 점점 늘었지만, 할리우드가 대중영화의 리메이크권과 미국 배급권까지 다 구매한 것은 처음 있었던 일이다. 세계영화계에서 아직 변방에 머물던 한국 영화는 일단 이 소식에 열광했다. 리메이크된다는 것은 그만큼 한국 영화의 스토리텔링이 외국에서도 통할 수 있다는 것을 의미했고, 메이저 스튜디오들이 배급권까지 가져갔으니 미국에서도 극장 개봉이 가능하리라고 보았다. 그러나, 메이저 스튜디오들이 배급권까지 구입한 것은 미국에서 원작을 개봉하지 않고 리메이크 작품을 프로모션하기 위한 방책이었음이 드러났다. 이 작품들은 결국 미국에서 일부 영화제를 제외하곤 정식으로 극장에서 개봉되지 않았고, DVD로 발매되지도 않았다. 뒤늦게 이 사실을 깨달은 한국 영화계는 이후에는 리메이크권은 메이저 스튜디오에 팔고, 미국 배급권은 영화를 제대로 극장에서 개봉해줄 중소 배급사에 판매하는 방식으로 전략을 바꾸었다. 그래서 그 이후에 ‘올드 보이’나 ‘장화 홍련’은 할리우드에서 리메이크되기도 했지만, 소규모라도 극장에서도 개봉했다. 한국 영화인들의 역량과 우수성이 제대로 미국 영화 관객들에게 알려지게 되었다. 즉, 초기에 시행착오가 있었고 세계영화시장의 정보를 잘 몰라서 위 작품들은 정식 개봉되지 못했지만, 한국 영화계는 시간이 지나면서 더 나은 대응 전략을 마련했다. 최근 ‘오징어 게임’의 성공 이후 세계적인 OTT에서 공개된 한국 콘텐츠들이 세계적으로 선풍적인 인기를 끌고 있지만 정작 한국 콘텐츠 제작사가 얻는 수익은 기대만큼 높지 않다는 지적이 나왔다. 따라서 한국 콘텐츠 업계가 해외 OTT의 하청 업체로 전락하지 않을까 하는 우려도 있다. 한국 콘텐츠 업계가 어느 정도 시행착오를 겪는 것은 어쩌면 국제적인 역량을 갖추고 새로운 환경에 맞는 대응 방식을 마련하는 과정에서 나타나는 불가피한 과정일지도 모른다.

2022년을 정리하는 제95회 아카데미 영화상 시상식이 미국시간으로 다음달 12일에 열린다. 시상식이 열리는 전해 1월1일부터 12월31일까지 로스앤젤레스 극장에서 최소 일주일 이상 상영된 작품들을 심사해서 1월에 후보작을 발표한다. 시상식은 1929년에 생겼으며 1953년에 처음으로 텔레비전 생중계되었다. 그 이후로 아카데미 시상식은 각 나라에서 열리는 영화상 행사의 기본적인 모델이 되었다. 아카데미 시상식을 주최하는 단체는 ‘영화 예술과 과학 아카데미’이며 1927년에 영화계 노동쟁의 조정과 당시 영화에 대한 이미지를 개선하기 위해서 처음 설립되었다. 아카데미는 영화계의 직종 분야에 따라 현재 17개 지부가 있으며, 각 지부 소속 회원들이 자기 분야의 후보와 전체 작품상 후보를 투표하고 그 결과를 합산해서 수상자를 정한다. 즉, 각 분야의 수상자는 자기 분야의 동료들이 인정한 사람이다. 이렇게 후보를 보고 업계 동료들이 평가하기에 후보작을 낸 영화사와 홍보사는 후보를 지지해달라고 영화 잡지에 전면광고를 내는 등, 캠페인을 여러 달에 걸쳐서 진행한다. 그래서 이 행사는 그 업계의 선거유세하고 비슷하다는 느낌이 든다. 그렇지만 다른 나라 영화상 시상식은 심사위원단을 따로 구성해서 수상작을 정한다. 우리나라 청룡상이나 대종상이 그렇다. 한편, 영화제는 출품작을 받은 다음에 예심을 거쳐서 영화제에서 상영할 작품을 선정하고 본심에서 수상작을 선정한다. 이때, 영화제는 예심과 본심의 작품을 심사할 심사위원을 따로 정한다. 그래서 매년 심사위원의 성향에 따라 수상작이 결정된다. 세계에서 가장 오래된 국제영화제는 1932년에 생긴 베니스 국제영화제이다. 당시 이탈리아의 파시스트 정권이 이탈리아 문화를 국제적으로 홍보하기 위해 만들었다. 이후에 각 나라를 대표하는 국제영화제들은 자국영화를 국제적으로 홍보하고 여러 나라 영화인들이 국제적인 네트워크를 구축하는 장이 되었다. 영화제는 상영작의 수나 규모에 따라 일주일이나 열흘 등 일정 기간에 열린다. 영화제 기간 관객은 새로운 영화와 영화인을 발견하기도 하고, 지역 관광 수익 창출에도 기여한다. 기본적인 차이는 영화제는 발견하는 기회를 제공하고, 시상식은 이미 상영된 영화들의 성취를 인정한다는 점이다.