3편의 연극을 동시에 볼 수 있다. 경험이 미숙한 초보 작가나 연출가의 작품이 아니라 이미 작품성을 인정받은 원로 작가들의 작품을 능력 있는 젊은 연출가들이 조리했다. 국립극단이 올리는 작품이라는 점, 연극 애호가들에겐 이미 익숙한 연출가 3인의 손을 거쳤다는 점 만으로도 평균 이상의 기대감을 가지게 했으리라. 기자와 비슷한 이유로 많은 관객들이 국립극단이 새로 마련한 열린 공간으로 찾아들었다.한국연극사의 고전을 오늘의 감수성으로 재조명하는 자리인 국립극단의 우리단막극 연작 ‘새 판에서 다시 놀다’가 22일부터 30일까지 관객들에게 선보였다. <2011 국립극단 봄마당>축제의 막을 열었던 백성희, 장민호 주연의 [3월의 눈]에 이어 두번째 프로그램이기도 하다. 소극장 판의 개관작에 선정 돼 60~ 70년대 쓰여진 희곡작가들의 작품을 젊은 연출가들의 시선을 투영해 그려냈다는 점 역시 주목할만하다.연극적 상상력과 영상 사이의 충돌 <파수꾼>국립극단의 연작 단막극 ‘새 판에서 다시 놀다’ 중 첫번째로 공연됐던 '파수꾼'(이강백 작 / 윤한솔 연출)은 연출가의 고뇌가 엿보이는 작품이었다. 고뇌하지 않는 연출가가 어디 있을까? 하겠지만 이번 작품은 고뇌가 상당량 노출된 것으로 보인다.억압적인 집단 권력의 허위성을 고발한 원작을 윤 연출가는 무대 뒤 영상을 적극 활용해 연극화했다. 극장과 바로 근접해 있는 서울 역 영상을 그대로 보여주면서 이 근처 어딘 가에서 살아있는 파수꾼이 나타날 것이라는 예상을 체감하게 한 점, 인형으로 형상화해서 기계음만 반복적으로 내뱉는 파수꾼 가를 설정한 점, 진실을 은폐하는 기회주의적인 지식인을 떠올리게 하는 파수꾼 인형을 불에 태운 점 등 전반적으로 관객들의 상상력을 자극하는 장면이 많았다.촌장에게 설득당하는 젊은 파수꾼 다 역의 김지희, 존재하지도 않는 이리 떼를 이용해 내부 권력을 공고하게 다지는 촌장 역의 전국향등 각자 제 역할을 충분히 해냈다. 하지만 관객들의 마음은 쉽사리 움직이지 않았다. 침묵하고 거짓을 말할 수 밖에 없는 파수꾼의 모습에 동시대성을 느끼고 뭔가 울림이 남아야 함에도 연출가가 과도하게 사용한 영상이 독으로 작용해 관객들의 주의가 흩어졌기 때문이다.연극적 상상력을 펼쳐보기도 전에 영상이 삽입된 의도를 캐내야 한다는 부담감, 그럼에도 자꾸 반복되는 영상에 관객들은 다소 지쳐갔다. 일전에 윤 연출가가 올린 콘서라마 ‘누가 무하마드 알리의 관자놀이에 미사일 펀치를 꽂았는가?’가 떠오르기도 했다. 당시 관객들 역시 지친 기색이 역력했다. 그는 분명 실험적인 작품에서 힘을 발하는 매력적인 연출가이지만, 연출가의 고뇌가 겉으로 드러나기 보다 안으로 삭혔으면 하는 바람을 가져보게 된다.진짜 단막극이다. <흰둥이의 방문>'흰둥이의 방문'(박조열 잘 / 김한내 연출)은 김 연출 특유의 깔끔함이 돋보이는 무대였다. 러닝 타임 역시 30분 내외로 가장 짧았다. 이번 작품 역시 영상을 사용하고 있지만 적절한 수위에서 극 안에 개입하고 있었다. 김한내 연출은 관객의 시선을 정확히 꿰뚫고 있는 것으로 유명하다. “권력”과 “파워게임”이라는 키워드로 풀어낸 ‘흰둥이의 방문’ 은 인간처럼 말하는 개 흰둥이의 방문 이후  ‘개새끼’라는 욕설의 의미가 돌고 돌아 결국 관객들의 머릿 속에 안착했다.남편의 모습을 통해 공권력의 외투를 벗은 집 안에서는 개의 울음소리도 이해하는 소시민이지만 막상 공권력 안에서는 개새끼(시위대)를 잡기도 하고 자신이 개새끼가 되기도 하는 사실을 연극적으로 잘 표현해냈다. TV영상에만 빠져서 사회의 실상을 보려하지 않는 아내의 모습은 관객과의 동질감을 느끼게 만들었다. 무게감 있는 내용 전개를 기대한 관객이라면 성에 차지 않았을지도 모르나 재치, 유머 삶의 페이소스가 압축적으로 담긴 단막극의 묘미를 느끼고자 한 관객들은 상당수 만족감을 표했다.배우의 힘으로 승부한다. <전하>전하'(신명순 작 / 김승철 연출)는 연극 애호가들의 열렬한 지지를 받은 작품이다. 김승철 연출가는 계유정란과 단종의 양위를 다룬 사극 공연을 앞둔 배우들의 리허설 상황으로 이야기를 각색해 앞 작품이 끝난 후 이어진 인터미션 시간에 관객들을 따로 밖으로 내보내지 않고 무대 전환을 그대로 노출했다.수양대군이 왕위를 찬탈하던 그 순간을 재현하는 배우들로 인해 극중극이 펼쳐진다. 이후 신숙주가 세조를 지지하고 친구들의 죽음을 통해 느끼는 인간적 고뇌가 무대에서 그려졌다. 그것도 일방적인 전달이 아니라 연극과 실제를 오가며 관객을 사로잡는다. 긴장과 이완의 끈을 절묘하게 움켜진 채 배우와 관객이 함께 사유의 시간을 공유했다는 사실에 관객들은 환호했다. 한국 최초의 서사극으로도 불러지기도 했던 ‘전하’는 역시 명작은 시대를 뛰어넘어 그 가치를 지닌다는 생각이 드는 공연이었다. 다만 극 마지막 관객들의 긴장감을 조이는 타악기 소리가 극의 정점을 찍어주지 못한 점은 아쉽다.<2011 국립극단 봄마당>축제는 4월 2일부터 10일까지 ‘황혼의 시’ (이철 작/ 박해성 연출)로 이어진다. 그 후, ‘주인이 오셨다’ (고연옥 작/ 김광보 연출)를 4월 21일부터 5월 1일까지 공연한다. 많은 관객들의 호평을 받았던 연극 ‘3월의 눈’이 따뜻한 5월에 다시 돌아온다.한편, 국립극단 ‘우리 단막극 연작’ 프로그램에 참여했던 연출가 윤한솔과 김한내는 혜화동 1번지 5기 동인으로 주목을 받고 있다. 이번 작품을 마친 후 ‘나는 나르시시스트다’라는 주제로 혜화동 1번지 5기동인 봄 페스티벌에 참여한다. 연출가 김한내는 <인터내셔널리스트>(5/4~15), 연출가 윤한솔은 <나는야 쎅쓰왕> (5/19~29)을 선보인다. 이 외 혜화동 1번지 5기 동인 김수희 연출가는 <더 위너>(4/20~5/1), 이양구 연출가는 <유년의 뜰>(6/3~12), 김제민 연출가는 <배신>(6/16~26)을 들고 관객들을 만날 예정이다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 꼭 필요한 말한 하는 큐레이터와 함께 한국화를 한편 감상하고 온 기분이 든다. 정적이고 고루하다는 선입견이 있는 '한국화'에 대한 우려를 불식시키며, 연극 속에 살아있는 한국화를 선보였기 때문이다. 이름만으로도 신뢰감이 가는 극단 백수광부라는 큐레이터와 함께 동행한 점 역시 행운이라면 행운이다.극단 백수광부가 [미친극]에 이어, 창단 15주년 기념 두번째 작품으로 올리는 연극 [봄날](이강백 작, 이성열 연출)은 만물이 소생하여 생기를 돋게하는 ‘봄날’을 배경으로 인간의 근원적인 욕망을 이야기한다. 소유에 대한 욕망이 아버지와 자식이라는 대립구조 안에서 충돌ㆍ화해하는 과정을 담아낸다. 동양적인 ‘동녀설화’의 구조를 차용해 희생과 화해의 세계인 설화적 시공간을 무대에서 재현했다.인생의 '겨울'을 맞이한 아버지가 시간을 거슬러 아들의 '봄'을 탐하면서 극은 '싱숭생숭한 봄날의 이미지'를 그대로 관객들 마음에 아로새겼다. 한철 순식간에 지나가는 '인생의 봄날'을 어떻게 해서든 붙잡으려는 아버지, 자신의 '봄날'을 가로막는 아버지 때문에 괴로워하는 막내, '봄날'을 두 손에 거머쥐겠다고 반란을 도모하는 차남 이하 동생들이 극 안에 살아있다. 그 중간에서 쓸쓸한 가을 같은 조율자 장남이 존재한다.그렇다고 [봄날]이 부모 자식간의 현실적인 갈등을 다룬 여타의 작품과 맥을 함께하지는 않는다. '가슴으로 느끼는 공연'이라는 문구에 들어맞게 잔잔하게 관객들의 가슴을 파고드는 연극이다. 대극장 공간이 한편의 시로 채워질 때 관객들의 눈가엔 물기가 맺히기 시작했다. 이어 큰 아들 역의 이대연이 보여주는 ‘포용력과 모성’의 품에 한번 파고들고, 아버지 역의 오현경이 내뱉는 한마디 한마디에 감격을 넘어 '감사'의 기분으로 연극을 품에 안았다. 아름다운 노배우의 ‘봄날’이 주는 감격이었음은 두말할 필요없다.특히, 두 부자가 비탈길을 내려오는 장면이 압권이다. 마치 아버지가 죽은 어머니에게 베푼 덕이 되돌아온 듯, 아들은 아버지에게 덕을 베풀 것을 권유하며 제자리에서 훌쩍훌쩍 뛴 후 내려온다. 고집쟁이 영감으로 느껴지던 아버지가 세월 앞에 한없이 작아지는 인간으로 느껴지기도 하는 대목이지만 돌고 도는 인생사의 슬픔을 연극적으로 아름답게 승화시킨 장면이었다.나이로 봤을 때 인생의 봄날 주인공은 가장 젊은 막내이다. 그럼에도 그는 천식을 앓아 생생한 '봄'이라는 계절과 함께 날아오는 꽃가루에 제대로 방어하지 못한다. 마치 아버지가 자신이 사랑하는 여인을 품고 자는 것에 저항하지 못한 채 그저 베개잎을 피로 물들일 수 밖에 없는 처지와 비슷하다.잿더미가 된 백운사에서 살아난 동녀(김란희)는 늙은 아버지에게 봄의 열기를 전해주고, 꺼져가는 막내에게도 생명을 불어넣는다. 동녀의 존재 자체는 설화가 된다. 연극 속에서는 '우주목'인 생명의 나무 장면으로 표현하고 있다. 그 속에서 인생 순환의 이미지를 읽어낸 관객들의 마음은 아스라해진다.아름다운 봄 날에는 많은 것이 용서되기도 한다. 꽃피는 봄이 오면 집 나간 자식들이 하나 둘 찾아올 것도 같다. 또 다른 새 생명도 잉태되어 인생 순환의 여정에 참여할 듯 보인다. 극 마지막은 이런 정서를 고스란히 담아내며 해석을 관객 몫으로 남겨뒀다.재공연에서 한층 우의성이 강화된 이번 작품은 봄에 대한 그림, 시, 소설, 편지, 전통가락 등이 봄날의 여백을 채워갔다. 차남에서 육남까지 역할을 익살스럽게 소화해낸 백수광부  배우 장성익(차남), 강진휘ㆍ민병욱(삼남 역 더블), 정만식ㆍ 박혁민(사남 역 더블), 박완규(오남), 유성진(육남), 김현중(막내)은 코러스 역할 역시 훌륭히 해내며 안정적인 앙상블을 만들어냈다.한국공연예술센터 우수 레퍼토리 시리즈에 선정된 극단 백수광부의 [봄날]은 2009년 서울연극제 공식 참가작으로 한 차례 무대에 올려졌다. 전회매진(아르코 예술극장 대극장)이라는 기록을 세웠을 뿐 아니라 서울연극제 ‘연출상’(이성열),  대한민국 연극대상 ‘연기대상’ (오현경), 한국평론가협회 올해의 연극 베스트 3를 수상하기도 했다. 4월 17일까지 대학로 예술극장 대극장에서 만나볼 수 있다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 우리는 흔히 음악, 춤, 연기가 어우러지는 공연 양식을 ‘뮤지컬’이라 부른다. 반면 음악을 청중에게 들려주는 게 주 목적인 공연에 대해서는 ‘콘서트’라는 명칭을 붙인다. 콘서트와 뮤지컬의 중간쯤에 ‘콘서트 뮤지컬’이 존재한다. 줄거리나 플롯을 따라가기 보다 한 작곡가나 주제에 맞춰 노래와 춤이 가득한 공연을 말한다.그런 의미에서 [광화문 연가]는 콘서트 뮤지컬에 가까웠다. 처음부터 '콘서트 뮤지컬'이란 타이틀을 내세웠다면 관객들은 거기에 합당한 기대감을 가지고 극장에 들어섰을 것이다. 하지만 [광화문 연가]는 '뮤지컬'로 불려지길 원했다. 막상 극을 감상한 관객들은 당황했다. 고인의 노래에만 기대지 않은 채 뮤지컬로 탄생시키고자 한 기본 의도, 쥬크박스 뮤지컬(대중에게 익숙한 인기가요를 뮤지컬 넘버로 구성)란 사전 정보는 알고 극장에 들어섰겠지만 억지스럽게 맞춰진 이야기 전개에 적응하기 힘들어했기 때문이다.또한, [광화문 연가]를 보면 여타의 뮤지컬이 자꾸 오버랩 된다. 뮤지컬 [빨래][빌리 엘리어트][화려한 휴가][서편제]등 비슷한 무대 연출이 곳곳이 눈에 띈다. 특이한 건 어느 층에서 관람했느냐에 따라 무대에 대한 인상이 달라진다는 점이다. 1층에서 볼 때는 무대가 휑하다는 느낌이 강했다면, 2층에서 다시 보니 조명이 무대를 채워넣어 전체적인 선이 눈에 더 잘 들어왔다.[광화문 연가]는 故 이영훈 작곡가 한 사람이 만든 곡만으로 만들어진 뮤지컬이다. 최고의 제작진과 캐스팅으로도 많은 이들의 관심을 불러일으킨 것도 사실. 주인공 상훈 역에 송창의, 윤도현이 캐스팅 되고, 상훈이 사랑하는 여인을 동시에 사랑하는 역할인 현우 역에 김무열이 나온다는 소식. 이어 그룹 '비스트' 멤버 양요섭의 출연이 결정되자 젊은 관객들은 술렁거렸다. 반면 나이 든 관객들은 젊은 시절의 추억이 가득한 이문세의 노래를 극장에서 들을 수 있다는 말에 표를 예매하기 시작했다.기자는 송창의 공연을 관람한 후 다시 한번 윤도현 공연을 봐 총 2번 보고왔다. 처음에 보고는 '뭔가가 빠져 있다'라는 느낌이 강하게 들었다. 섬세한 눈빛을 지닌 송창의가 후반 몸부림 치면서 사랑의 상처를 무대에서 드러내는 장면을 보고는 다소 난감했다. 윤도현이 표현해내는 상훈의 느낌도 비슷할까? 너무 궁금해졌다. 뮤지컬 [천국의 눈물]이랑 비슷하게 이야기가 설득력이 없다는 말도 간간히 들렸지만 오히려 [천국의 눈물]은 영악하게 극 흐름을 잘 이끌어간 축에 속한다.더더군다나 웃긴 건 함께 관람한 지인들의 반응이었다. 주변 지인들을 모아 각각의 취향에 따라 반은 송창의 공연을 관람하고 나머지 반은 윤도현 공연을 관람했는데, 한명 한명 쏟아내는 말이 너무 기가 막혔다. 지인들은 대부분이 30대에서 40대로 1년에 한 두번 공연을 관람하는 부류이다. 송창의 공연을 관람하고 와서는 "송창의 춤(장면)이 안쓰럽긴 하지만 커튼콜이 너무 신났어"라고 말했다. 그래서 "송창의가 표현해 낸 (상훈)의 사랑의 상처가 느껴졌어?"라고 되물으니 "그래? 그 장면이 그런 의미였어? 거기까진 생각 못했내"였다.그렇다면 기자들 혹은 매니아들의 폭발적 반응을 이끌어낸 1막 마지막 장면인 "여주 역 리사가 부르는 '그녀의 웃음소리뿐'은 어땠어?"라고 물으니 "뭔가 노래는 잘 부르는 것 같은데 시끄럽기도 했어"라는 답이 돌아왔다.다시 윤도현이 나오는 날 본 지인들의 반응이 궁금해졌다. 1막 후 인터미션 시간이 되서 수다꽃을 피웠다. 기자를 보자 마자 한다는 말이 "그런데 이문세는 언제 나와?"였다. 이문세 노래로 채워지는 공연이라는 정보에 실제로 가수 이문세가 나와 노래를 들려줄거라 예상한 모양이었다.그 외엔 윤도현 노래도 직접 들을 수 있고 추억이 담긴 이문세 노래들(옛사랑, 깊은 밤을 날아서, 내 오랜 그녀, 가로수 그늘아래 등)이 많이 나와 마음에 든다는 반응이 대부분이었다. 그럼에도 기억나는 건 커튼 콜 때 들을 수 있는 '이 세상 살아가다 보면'과 '붉은 노을' 뿐 이라는 점이다. 2막이 끝나고선 또 질문이 떨어졌다. "이게 콘서트인 거 맞죠?" "..."넘버 '기억이란 사랑보다'를 들으며 갑자기 가슴이 아파진다. 역시 [광화문 연가]가 "콘서트 뮤지컬이었다면 이렇게 가슴이 아프지 않았을텐데..."를 읖조린다. 좋은 노래가 뮤지컬 속에서 온전한 생명을 얻지 못함에 가슴이 아픈 관객이 기자 한명만이 아니였을 터. 극 중엔 현재의 상훈 역과 과거의 상훈이 따로 존재한다. 과거의 상훈 역엔 배우 박정환이 원 캐스팅 됐다. 이영훈 작곡가의 음악 분위기와 참 잘 어울리는 배우임에도 이번 작품 속에서 제대로 빛나보이지 못함에 또 한번 가슴이 무거워진다.'너를 안고 숨을 쉬면 세상에 너밖에 없는데'라는 가사로 기억되는 '슬픈 사랑의 노래'처럼, [광화문 연가]가 그저 이영훈의 노래만 가슴에 안고 숨 쉬고 있는 형국이 되지 않도록 더욱 많은 수정이 필요할 것으로 보인다.공연전문 기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 27일 일요일, 그 집에 갔다. 맞다. 역삼동 LG아트센터 내에 자리한 ‘그 집’이다. ‘그 집’ 주변은 사람들로 붐볐다. 과제 때문에 억지로 발걸음을 한 대학생들, 공연 애호가들, 평론가 및 기자들이 ‘그 집’의 위상을 직접 확인하기 위해서 황금 같은 주말을 반납하고 온 것이다.상당수가 ‘그 집’에 들어가기 위해 온 힘을 쏟았다. 그 결과 대략 3/1은 그 집에 들어갔지만 나머지 3/1은 문 틈에 끼었으며, 또 다른 나머지 3/1은 문 밖에서 들어갈 수 없다 버티며 보다 친절한 주인을 보내 달라고 아우성 쳤다. 기자는? 실제로는 문 틈에 끼었을지 모르나 그 집에 들어갔다고 믿고 싶은 부류 중의 하나이다.LG아트센터의 기획 음악극 시리즈 첫 번째인 [그 집에 갔지만 들어가진 않았다](연출 하이너 괴벨스 / 배우 및 가수 힐리어드 앙상블)는 극을 함께 본 사람만이 상대에게 ‘이 느낌 뭔지 알죠?’라고 말할 수 있는 작품이었다. 즉, 구구 절절한 설명은 오히려 작품의 이미지를 깎아내린다. 그럼에도 그 순간의 감흥을 글로 불러낸다.3막으로 구성된 음악극 [그 집에 갔지만...]은  T. S 엘리엇의 시 ‘J 알프레드 프루프록의 연가’, 모리스 블랑쇼의 짧은 소설 ‘낮의 광기’, 사무엘 베케트의 산문시 ‘워스트워드 호’에서 얻은 영감을 바탕으로 한다. 2막과 3막 사이에는 프란츠 카프카의 ‘산으로 가는 소풍’을 끼워넣었다. 여기에 유럽 중세음악 4인조 보컬그룹 힐리어드가 가세해 관객들을 사유의 시간으로 이끌었다.극장에 온 이유는 뭔가를 보기 위해서다. 하지만 이 음악극은 대단한 볼거리를 제공하지 않는다. 기승전결의 형식에 맞추어 결국 절정을 달리는 기본적인 공연의 틀을 깼다는 말이다. 그렇다면, 관객들은 뭘 보고 왔는가? 아니 질문을 바꿔야 할 것으로 보인다. 관객들은 자신의 상상력이 어디까지 확장될 수 있는지 알고 있는가? 가 적당하겠다.관객들은 조용한 가운데 어떠한 움직임이 벌어질지 기대하며 무대 위에서 나는 소리와 움직임에 집중했다. 4명의 남자가 짐을 하나 하나 정성껏 싸고 다시 짐을 푼다. 그 사이 꽃병의 색깔과 꽃의 색깔이 교체됐다. 1분 안에도 시간을 뒤집을 수 있다는 T.S. 엘리엇의 시처럼 그 사이 시간의 공기는 달라져 있었다. 죽음이 한층 가까이 와 있는 공간에서 중년의 프루프록은 망설였고 관객 역시 주저했다. 다른 한편 문학 작품이 무대에서 살아나는 것에 놀라움을 금치 못했다. 여기서 조금씩 몰입한 관객들은 힐리어드 앙상블이 아카펠라로 뽑아내는 음성에 자신만의 상상력을 덧칠하기 시작했다.인생의 머뭇거림과 회환(悔恨)에 사로잡히던 찰나 “나는 커피 스푼으로 내 삶을 덜어냈다”는 부분에 이르러서는 T. S 엘리엇의 시를 나지막히 읖조리던 영문학 교수님을 찾아뵙고 싶어졌다. 그리고 “나도 이제는 교수님의 그 회환을 조금은 알 수 있을 것 같아요”라는 단 한마디 말을 꼭 해야 할 듯 보였다.첫번 째 그 집에 무사히 안착했다면, 이젠 두번째 2층 벽돌집에 들어갈 차례다. 고난이도의 위험천만한 집일지 예술적인 집일지는 손님의 판단에 따라 달라진다. 연출가가 모리스 블랑스의 ‘낮의 광기’에서 이번 제목을 따왔다고 밝혔듯 굳히 따지지만 음악극 중 가장 난해한 막이기도 하다. 어차피 (집에 들어가봤자) 원하는 것을 얻을 수 없듯, 상대에게 말로 해보라고 재촉하지만 그 누구도 제대로 이해하지 못한다. 그저 지껄일 뿐이다. 관객 역시 음악극과의 소통을 포기하고 잠 속으로 빠져들었을지도 모른다.이 곳은 소통불능의 집이었다. 그 사이 일상은 또 다시 지나가고 어둠이 온다. 소통의 불가능 속에서 공유된 고독이 흘러나오는 순간이었다. 이 여세를 몰아 카프카 작품 ‘산으로 가는 소풍’이 눈 앞에서 그려지기 시작했다. 말로 하는 것은 결코 알 수 없다고 했듯, 여기서 말하는 ‘소풍’은 신나게 놀러가는 그런 의미의 ‘소풍’이 아니다. 자전거 옆에 선 연미복 차림의 남자들이 아무도 오지 않는 ‘죽음’에 대해 노래 부른다. 아니 한탄한다.연출가가 인터뷰에서 밝힌대로 관객들은 음악극을 만나러 와서 ‘즐겁게 짜증나는 순간’을 경험했을지도 모른다. 그렇다고 쉽사리 판단하지 말라! 마지막 여정이 기다리고 있다.마지막엔 외곽의 호텔을 연상시키는 공간에서 바람에 흔들거리는 커튼 뒤 창문을 응시하며 출연자들이 리듬감 있는 화음을 불러냈다. 영사기로 불러낸 슬라이드 쇼로 잃어버린 삶의 기억을 복원시키더니 카운터 테너 데이비드 제임스의 목소리가 더더욱 귀에 꽂혔던 목소리의 조합으로 그 곳이 어디인지는 정확히 알 수 없는 아스라히 먼 곳으로 관객들을 데려갔다. 이번 음악극이 당신에게 멋지게 실패한 초이스로 다가오든 최상의 초이스로 다가왔든 이거 하나만은 확실할 듯 하다. 즉, 가슴 안에서 뭔가가 터질 듯 끌어올랐다가 그마저도 무의미하다는 듯 정념의 순간으로 이끄는 공연이라는 점이다.활자화된 문학 작품 4개가 관객들의 오감을 자극하며 생생하게 살아난 순간이었고, 4명의 성악가들이 만들어내는 목소리가 자신의 영역을 굳건히 지키면서도 극 흐름을 깨뜨리지 않는 공연이었다. 관객의 은밀한 내면을 기어이 건드린 음악극이었음은 두말 할 필요 없다. 막이 내린 뒤에도 다시 끝없는 상상에 빠져든다.하이너 괴벨스의 음악극 [그 집에 갔지만...]은  ‘2011 통영국제음악제’ 폐막작(3/31)으로 선정 돼 한 차례 더 한국 관객과 만날 예정이다. 한편, LG아트센터의 기획 음악극 시리즈 두번째로 연출가 서재형의 신작 'The Chorus;오이디푸스'가  4월 26일부터 5월 1일까지 공연된다. 이어 이자람의 ‘억척가’(6/14~19), 국악 앙상블 바람곶의 ‘꼭두’(10/20~22)가 무대에 오른다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 2월, 프레스 리허설로 뮤지컬 [뉴 씨저스 패밀리](작 최승진 / 연출 이종오)를 봤다. 솔직히 그닥 흥미가 일지 않았다. 가리봉동 미용실을 배경으로 일확천금을 꿈꾸는 만년백수, 원장의 남편 '박치기'가 벌이는 복권 관련 해프닝이 주요 골격이었다. 물질만능주의로 빚어진 오해를 사랑으로 풀어간다는 내용이다. 어찌 보면 뻔한 내용이다. 원체 시니컬한 기자들의 반응 역시 우호적이진 않은 듯 보였다.그리고선 3월이 되서 우여곡절 끝에 다시 한번 [뉴 씨저스 패밀리]를 보게 됐다. 이번엔 기자들만을 위한 특별 공연이 아닌 실제 공연이었다. 일반관객으로 채워진 객석의 반응은 훨씬 따뜻했다. 그들과 함께 일반 관객이 되어 극을 감상하니 기자의 마음가짐 역시 달라졌다. 소박한 주제의 뮤지컬엔 역시 서민적인 관객들의 반응이 핵심이구나 하는 것을 느끼게 해주었으니 말이다. 또한 디테일한 장면 몇몇이 수정되어 훨씬 극 전개가 매끄러웠다.주인공의 체구와 인상 하나만으로도 극 전체의 색깔이 달라진 점은 재 공연 관람의 성과였다. 박치기 역은 배우 서영주, 조원희, 이병준 세명이 캐스팅 됐다. 이병준 출연분은 보지 못했기 때문이 서영주와 조원희의 다른 느낌을 이야기하자면, 가창 실력면에서는 서영주가 한 수 위다. 반면 조원희는 듬직한 체구로 인생의 루저 느낌 뿐 아니라 철부지 같고 이리 저리 흔들리는 캐릭터가 한층 살아있었다. 분명 서영주의 연기력 역시 괜찮았지만 외모에서 풍기는 이미지는 쉽게 수정하기 힘들어보였다.게다가 조원희가 텔레비전 화면에 나오는 복권 당첨 사회자(서영주가 사회자로 변신함)를 보고 던지는 '난 저 사회자 정말 마음에 안들어' 에드립에 웃음이 '빵' 터졌다. 또 다른 주인공 이병준의 코믹한 연기는 어떻게 다를지 기대되는 대목이다.사진 기자들의 '찰칵 찰칵' 사진 찍는 소리와 함께 봤던 첫번째 [뉴 씨저스 패밀리]에서는 각 넘버의 의미가 제대로 귀에 박히지 않았다. 그 결과 입가에 흥얼거리는 멜로디 역시 없었다. 다시 몰입해서 보니 마담과 찰스가 부르는 '늘 느끼고 있어'가 귀에 착착 감겼다. 특히 '그러지마. 애쓰지마. 믿고싶어. 받고싶어' 등으로 이어지는 반복되는 네마디 가사는 쉽게 따라 부르게 됐다. 합창으로 부르는 '환장하겠네' 역시 뽕짝 리듬과 극 메시지와 어울리며 코믹한 웃음을 유발했다.SBS ‘반전드라마’ ‘웃찾사’ 작가 경력이 있는 최승진의 터치에 관객 반응이 두 부류로 나뉘는 점 역시 이색적이다. 마담과 찰스의 애정씬, 철가방과 샤론리의 애정씬에서 도드라지는데 이를 가볍고 즐거운 마음으로 받아들이는 관객은 신나게 웃지만, 유치하다고 받아들이는 관객들은 그런 웃음코드가 작품 질을 떨어뜨렸다고 봤기 때문이다.한가지 더! 전반부에서 박치기와 원장의 사랑에 대한 핵심적인 장면이 없이 바로 아내에 대한 의심장면으로 들어가 관객들의 설득력을 떨어뜨리고 있는 점은 두고 두고 아쉽다. 원장과 박치기의 러브 테마가 초반에 하나 더 있어야 마지막이 보다 공감될 듯 싶다.찰스 역과 마담 역의 다른 캐스팅 조합도 새로운 재미를 선사했다. 찰스 역 함승현은 보다 느끼함이 강했다면, 또 따른 찰스 유승현은 원장을 염려하는 마음이 더 진진하게 전해졌다. 마담 역 김현숙은 섹시함으로 무장한 채 호소력 있는 노래실력을 들려줬다. 김정연이 분한 마담은 새로운 마담을 보는 듯 했다. 멀티 역을 능수능란하게 잘 소화해냈을 뿐 아니라 감칠맛 나는 목소리로 뛰어난 가창력을 선보였기 때문이다. 철가방 이재혁의 발견은 두말하면 잔소리이다. 뮤지컬 <스페셜레터>에서 한 차례 눈에 들어온 배우였는데, 여기서도 역시 자신의 역할을 잘 소화해내고 있었다. 다만 코믹한 역할만이 아닌 보다 진지한 역할로도 만나고 싶은 소망이 생긴다.미용실이라는 공간이 자연스럽게 왔다갔다 하는 입체적인 무대장치, 객석까지 무대로 활용하는 재치가 돋보이는 [뉴 씨저스 패밀리]는 웃음과 진정한 행운에 대해서도 돌아보게 만든다. 2006년 '씨저스 패밀리'로 초연 됐으며 2011년 구성을 새롭게 바꿔 제목에도 '뉴'라는 문구가 삽입됐다. 두부 한모 때문에 울고 웃는 서민들의 삶을 뮤지컬 무대로 끌어들인 이번 작품은 4월24일까지 서울 충무아트홀 중극장 블랙에서 만나볼 수 있다. 한편, 지난 달 서울시 복지재단을 통해 공연 한 회분, 300석 규모의 공연 기부 및 기부티켓 행사를 진행한 [뉴 씨저스패밀리]는 뮤지컬의 배경인 미용실에서 또 다른 뜻 깊은 행사를 기획했다. 제휴 업체인 최가을 헤어드레서와 연계해 복지재단을 통한 공연 기부행사시 초청관객에게 뮤지컬 관람 후 컷트, 펌, 염색 등 헤어시술의 기회를 제공하는 것이 그것. 뮤지컬이 서민을 향하는 이야기인 만큼 어려운 이웃들과 함께 즐거운 시간을 만들어 보겠다는 취지이다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

영화계에 ‘영화오래보기 대회’가 있다면, 연극계에는 ‘신춘문예 단막극전’이 있다. 두 행사 모두 오랜 시간 동안 한 자리에 앉아 상당한 수의 작품을 봐야 한다. 기자는 24일, 2011 신춘단막전이 열리는 대학로예술극장 소극장에 착석해 8편의 연극을 하루만에 보고 왔다. 연극은 오후 3시부터 시작해서 밤 10시가 넘어 막을 내렸다. 대략 7시간을 연극 안에서 숨 쉬고 온 하루였다.한국공연예술센터와 한극연극연출가협회가 공동 주최하는 ‘신춘문예 단막극제’는 매년 각종 일간지에 당선된 신춘문예 작품을 무대화하는 사업이다. 2011년에는 경상일보에서 새로이 신춘문예 희곡작품을 선별, 총 8편의 연극이 무대에 올랐다.◆ 많은 관객을 장악하겠다. <크리스마스에  … ><아빠들의 소꼽놀이>부산일보 ‘크리스마스에 삼십 만원을 만날 확률’ ( 오세혁 작가 / 오동식 연출 )과 서울신문 ‘아빠들의 소꿉놀이’ (오세혁 작가 / 손정우 연출)모두 ‘가족’에 대한 이야기다. 게다가 오세혁 작가는 일간지 두 곳에서 각기 다른 작품으로 당선돼 이번 행사에서 자신의 잔치판을 확실히 펼쳤다. 일반인들의 시각에서 보면, ‘아빠들의 소꿉놀이’ 가 확실히 관객들을 끌어당긴다. 손정우 연출이 가세해 장면 분할 역시 상당히 깔끔하게 처리했다. 배경음악, 배우들의 목소리 톤을 잘 조절해 희곡의 느낌을 훨씬 감각적으로 살려냈으며, 희극과 비극이 절묘하게 조합된 ‘인생과 가족의 의미’ 역시 결코 가볍지 않게 불러왔다. 단, 참신함의 시각에서 볼 때 모든 게 너무 잘된 연극 공식 그대로를 따르고 있다는 점이 흠이라면 흠이다.연극 매니아들 입장에서는 ‘크리스마스에 삼십 만원을 만날 확률’이 더 끌릴 수 있겠다. 연희단 거리패의 오동식 연출 및 배우들과 손 잡은 결과 똑같은 작가의 작품임에도 이 작품에서 연희단 거리패 냄새가 물씬 났다. 엄마, 아빠, 아들이 각각의 공간에서 전화로만 대화를 하는 상황, 간간히 야동에서 흘러나오는 신음소리 등을 가미해 장면 장면을 감칠맛 나게 그려냈다. 후반 각각의 공간을 뚫고 전화를 하는 상황, 상대의 공간에 찾아든 세 사람의 상황을 유기적으로 엮어 잔잔하게 극을 마무리 했다.24일 관객들의 반응은 ‘아빠들의 소꿉놀이’ 가 더 좋은 듯 보였지만 개인적으로는 이 작품에 끌렸다. 소통불가능한 가족들이 30만원 때문에 벌이는 속고 속이기 대작전 속에는 오세혁 작가의 따뜻한 인간애와 함께 이야기꾼 솜씨가 담겨있었다. 연희단 거리패의 '젊은 피'인 김지훈 작가 이래 또 다른 신인 오세혁이 탄생하는 순간이었다.◆ 깊이감으로 승부하겠다. <돌고래가 나오는 꿈><목소리>한국희곡작가협회 ‘돌고래가 나오는 꿈’ (이해주 작가 / 손규홍 연출)은 제목 그대로 한 편의 꿈 같은 연극이었다. '인간의 소통이나 진실'에 대한 내용 자체보다는 장면 장면을 관객들로 하여금 사유하게 만드는 힘이 강한 작품이다. 곳곳에 영화 패러디, 언어유희를 배치해놓거나, 사이비 의사같은 배우 정충구의 출현으로 객석에서 웃음이 흘러나오기도 했다. 효과음과 조명 역시 잘 사용해서 몽환적인 느낌 역시 풍겼으며 노교수 역 원근희의 연기력 역시 눈에 들어왔다. 다만, 극 속에서 며느리와 손녀의 존재가 제대로 드러나지 않은 점은 아쉽다.동아일보 ‘목소리’(방동원 작가 / 황동근 연출)는 김광석의 쓸쓸한 노래 ‘거리에서’가 흘러나오는 마지막 무대 연출이 돋보이는 작품이었다. 무대 전환 초반부터 신나는 음악과 댄스로 관객들을 사로잡더니 마지막 역시 음악으로 막을 내렸다. 불법체류 노동자 시논과 공장 사장과의 대화가 극 전반을 차지하는 이번 희곡은 연극으로 넘어오면서 한층 힘을 얻었다. 골프 채가 바닥을 치는 소리, 족발 뼈와 잃어버린 시논의 손가락이 겹쳐지는 이미지 역시 인상적이었다. 그럼에도 중간 중간 집중력이 떨어지는 점은 어쩔 수 없었다. 사장과 시논의 이야기 강약이 연극 속에서 제대로 살아나지 못했기 때문이다.◆ 나만의 스타일이 있다. <자유로울 수는 없나요?><One more Time>전남일보 ‘자유로울 수는 없나요?’ (최명식 작가 / 김도훈 연출)는 직설적으로 말하면 난해한 작품이고, 보다 정제된 언어로 말하면 작가 자신만의 스타일이 확실한 작품이었다. 최명식 작가의 수상소감을 찾아보니 역시, 연극 쪽에는 실제 경험도 미비하고 관극도 부족하다고 적혀있었다. 철창이 없는 희한한 감옥을 우리가 사는 세상으로 치환해 ‘기억’의 유무에 따라 달라지는 여러 인생을 보여주며 관객들의 머리에 쥐가 나게도 만들었다. 작가의 제목을 패러디하자면, ‘우리가 아는 연극 틀을 벗어나 보다 자유로울 수는 없나요?’하고 말하고 있는 연극이기도 했다.경상일보 ‘one more time’ (배진아 작가 / 백은아 연출) 역시 신진 작가의 에너지가 가득한 작품이었다. 백은아 연출은 이 작품을 '인간과 인간 사이의 인연과 헤어짐, 그리고 그것들이 남긴 상처에 대한 이야기'라고 말했다. 직접 관람한 결과 꿈과 희망이 있는 미라클 월드와 그 곳에 자리한 미아 보호소, 태어날 부모 보기, 추위에 떨며 집으로 돌아가지 못하는 소녀가 나오는 '성냥팔이 소녀' 책 등 언뜻 언뜻 비치는 장면 장면으로 기본적인 정보는 머릿 속에 들어오나 전체를 관통하는 핵심 가닥은 손에 잡힐 듯 잡히지 않는 연극이었다. 또 다른 한편으론 서선자의 안무가 가미 돼 무용같은 연극 분위기도 느낄 수 있었다.◆ 2명 배우로 승부한다. <확률><사랑이라고 부르는 것>한국일보 ‘확률’ (김성배 작가 / 문고헌 연출)는 희곡과 달라진 부분이 우선 눈에 들어왔다. 첫 장면과 마지막 장면에 차 사고를 당한 남녀가 등장해서 목소리 톤을 달리하고 천사 마크를 머리에 다는 장면을 보여줬기 때문이다. 그 결과 사고 당사자 남녀가 (벤치에 앉은 두 남녀가 자신들을 두고 벌이는) 이야기를 구조되기 전까지 차 안에서 듣고 있었다는 느낌도 줄 수 있었고, 결국은 벤취 남녀도 사고 난 연인과 별반 다르지 않았음을 극 속에서 드러냈다. 그러나 그 외에는 연출의 힘이 느껴지지 않아 희곡에서 느꼈던 언어의 힘이 제 실력을 발휘하지 못한 채 다소 밋밋하게 막을 내린 점이 아쉽다.조선일보 ‘사랑이라고 부르는 것’ (김슬기 작가 / 박원경 연출)은 연극으로 오면서 희곡의 쿨한 느낌이 확 줄어들어 정말 아쉬운 작품이었다. 사실, 김슬기 작가의 희곡 자체도 재미있었고, 다른 작가들과 달리 유달리 극장 주변을 계속 왔다갔다 해 기자 눈에도 들어왔다.  자신의 첫 작품을 무대에 올리는 신진 작가들이 보이는 긴장감과 기대감 역시 그녀의 얼굴에서 감지할 수 있었다.그런데, 막상 무대에 오른 연극은 어째 ‘신선할 때 먹어야 제 맛인 회를 하루 지나서 손님한테 내 보인 꼴’이었다. 여자 역 배우의 목소리 톤이 다소 안정적이지 못한 채 뭔가에 쫒긴 채 대사를 치고 있다는 느낌을 준 점부터 매력이 반감되기 시작하더니 연출의 힘 역시 전혀 느낄 수 없었다. 희곡에서 느낄 수 있었던 감각적이고 리드미컬한 대사들은 어디로 갔는지 머릿 속이 아리송 할 뿐이었다. 비슷한 소재의 '극적인 하룻밤'이나 '그 자식 사랑했네'라는 작품을 기대하고 온 관객이라면 다소 실망감이 앞섰을 것으로 보인다.초보작가들이 벌이는 [신춘문예 단막극제]에서 걸작을 만날 확률은 그리 높지 않을지도 모른다. 그럼에도 아직 세상에 알려지지 않은 신선하고 따끈따끈한 작품을 내가 먼저 볼 수 있을거란 기대감에 자꾸 발걸음을 하게 된다. 한 무대에서 8 작품을 보여줘 순식간에 무대를 뜯고 새로 무대를 만드는 과정 역시 그대로 노출한다. 그 결과 1분내지 5분 안에 후딱 새로운 세상이 만들어지는 무대를 보는 잔재미도 빠뜨릴 수 없다.이 번 축제에서 만난 <크리스마스에  … ><아빠들의 소꼽놀이>는 곧 대학로 무대에서 다시 볼 가능성이 높아보였다. <돌고래가 나오는 꿈><목소리>는 수정과 보완을 거치면 보다 많은 관객들을 장악할 듯 보였으며, <사랑이라고 부르는 것>은 새로운 연출과 배우가 가세해 보다 감각적으로 만들어낸다면 장기공연이 가능할 거란 예감이 들었다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 후덕한 정성화 게이와 '은 언니'라는 말이 절로 나오는 박은태 게이를 만날 수 있다는 사실에 관객들은 연극의 막이 오르기 전부터 한껏 기대감에 부풀었다.배우들의 연기변신을 지켜보기 위해 이번 연극을 선택한 이들은 여성보다 더 여성적인 게이의 몸짓을 표현해내는 배우들의 모습에 환호성을 질렀다. 두 남자의 사랑 이야기라는 사전 지식만 습득한 채 온 관객은 생각보다 무게감 있는 줄거리에 당황했다. 원작을 한 차례 이상, 책 혹은 연극이나 뮤지컬 그리고 영화로 습득하고 온 관객은 원작의 무게감이 다소 덜어진 것에 아쉬움을 표했다.그럼에도 <무대가 좋다>시리즈의 일곱 번째 연극인 [거미여인의 키스](연출 이지나)는 전반적으로 성공적이다고 할 수 있다. 연극 <풀포러브>가 배우들의 연기와 연출의 색깔에 논란을 불러일으킨 것과는 대조적이다. 전반적으로 배우들의 연기 력이 뛰어났고 연출의 감각이 조화로워 연극 매니아 뿐 아니라 일반 관객들도 다 포용하면서 연극을 만들어냈기 때문이다.연극은 차디찬 감옥에서 만난 낭만적인 동성애자 몰리나와 냉철한 반정부주의자 발렌틴의 사랑을 다룬다. 아르헨티나 작가 마누엘 푸익의 소설을 원작으로 극화된 작품이다.주목할 점은 관객인 당신이 낭만적 성향을 지녔냐. 냉소적 성향을 지녔냐에 따라 작품 감상이 달라지게 된다는 점이다. 즉, 전자는 몰리나의 거미줄에 조금씩 천천히 걸려든다. 이에 반해 후자는 거미줄이 한 줄 씩 다가올 때마다 위협감을 느끼며 자꾸 발을 뒤로 빼며 슬금 슬금 도망간다.낭만적인 당신은 몰리나가 전하는 영화이야기, 그녀(실은 '그'라고 표기해야 맞지만 이미 연극 속 몰리나에 빠져든 당신은 이를 허락하지 않을 듯 하다)의 마지막 운명에 절절히 슬퍼하며 결국 가슴이 찡해짐을 느끼게 된다. 반면 냉철하다 못해 냉소적인 또 다른 당신은 '몰리나'라는 인물보다 '발렌틴'이라는 같은 부류의 인물에 관심을 보이지만 그의 감정변화에 동화되지 못한 채 다소 불만을 터트리게 된다. '날 오롯이 납득시켜 달란 말이야'라는 말을 내 뱉으면서.하지만 냉소적인 태도를 버리고 보다 세밀함에 더해 따뜻한 눈길로 무대를 바라보면 감상이 달라질지도 모른다. 자! 낭만적인 당신으로 변해라! 뿅!초반, 몰리나는 영화 <캣 피플>이야기를 들려준다. 이때 베르디의 오페라 <리골레토>에 나오는 아리아 '여자의 마음'이 배경 음악으로 살짝 깔리기도 하는데, 이렇게 되면 '여자 몰리나의 마음'편에서 극을 감상하게도 된다. 오페라 속 여주인공이 아버지의 은밀한 조정이 있었음에도 공작을 살리기 위해 죽음을 택하듯 몰리나 역시 감옥소장의 계략에도 결국 사랑을 택해 비극적인 운명으로 치닫게 된다. 연극은 쿠바의 유행가 음악 장르인 '볼레로, 피아졸라의 '망각'등을 배경음악으로 들려주며 관객들의 애절한 감성을 마구 마구 피어오르게 했다.애정지상주의자 몰리나는 끊임없이 만들어내는 영화 속 여주인공들 이야기로 발렌틴에게 마음을 전한다. 혁명 투사적 성향이 강한 발렌틴이 가만이 있을 리 없다. 발렌틴은 사사건건 시비를 건다. 그 순간에 배경 음악도 잠시 중단된다. 관객 역시 다소 객관적 거리감을 가질 수 있는 지점이기도 하지만 관객으로 하여금 두 남자의 사랑 이야기에 서서히 빠져 들어갈 수 있게 하는 연극적 장치이기도 하다. 게다가 뮤지컬 배우로 유명한 몰리나 역 두 배우가 아름다운 노래까지 부르며 사랑의 아픔을 이야기한다. 연극의 매력이 증폭되지 않을 수 없다.정치적 현실에만 목소리를 높히던 발렌틴은 몰리나에게서 점점 진정한 사랑, 인간애를 느낀다. 이에 반해 몰리나는 인간의 존엄성 그리고 자기 존중을 하나 하나 내면화하게 된다. 혁명이 사랑으로 변하는 순간, 사랑이 혁명으로 나아가는 순간 극은 막을 내린다. 이 외에 연극 속에선 계급, 착취, 폭력에 대한 사회적 메시지도 간간히 내비친다.푸근한 동네 언니처럼 상대를 챙겨주던 정성화 몰리나와 그 품에 포근히 들어온 최재웅 발렌틴과 함께 한 시간은 '아스라하게 슬프고도 행복한 꿈'을 꾸게 했다. 눈앞에 보인 정성화의 가슴은 밋밋한 남성의 가슴이었지만, 극에 몰입 후 어느 순간 다시 보면 풍만한 대신의 여인 가슴을 하고 있는 듯 보였다.인간을 사랑한 [거미여인의 키스]가 던져준 파장 중 가장 강력한 건, 연극 한편이 동성애에 대한 어떤 구구절절한 변호보다 간결하게 우리의 마음을 움직였다는 점일 것이다.극의 막이 내리고 든 생각 한 가지. 상대를 이해하고 사랑하게 된 두 사람이 비극적 운명 후 환생을 해 최재웅 몰리나와 정성화 발렌틴으로 역할을 바꿔 돌아온다면 이거 정말 기똥차겠구나!공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 오페라 [파우스트] 1막 1장을 보면 “(신에게 감사하는 합창을 뒤로하고)신이라...그 신이 내게는 뭘 해줄 수 있지?”라는 대목이 나온다. 오페라 [파우스트]에 푹 빠져있던 지난 주 내내 그 질문이 ‘오페라가 나에게 뭘 해주었는가?’라는 질문으로 들렸다.우선, 오페라로 인해 10년 가까이 ‘한번 얼굴 보자’라고 말은 했지만 쉽사리 만남을 성사시키지 못했던 대학원 동기를 만나게 됐다. 반가움도 잠시, 막상 만나자마자 한 말은 “너도 오페라 좋아했어? 의외내”. 그렇게 만나기 어렵던 친구를 순식간에 만나게 해준 오페라의 위력이었다.  아이의 일반 상식이 몰라보게 늘었다. 이번주에는 오페라 ‘파우스트’에 대해 술술 이야기하는 수준이 7세 아이치고는 높다. 딸 아이는 엄마의 공연 관람 스케줄을 하나 하나 물어보는 편인데, 또 ‘파우스트’를 보러 가야 된다고 하니 질문이 떨어진다. “정결한 집(부르는)파우스트 아저씨도 봤고, 금송아지(의 노래 부르는) 악마 할아버지도 봤잖아. 보석(의 노래 부르는)언니 노래도 들었잖아. 왜 또 보러 가?”이럴 때 엄마는 최대한 아이의 시각에서 답해줘야 한다. “파우스트 아저씨(테너 백윤기)가 한 명이 아니라 두명이야. 이번엔 외국인 악마 할아버지가 아닌 우리나라 악마 아저씨(베이스 박준혁)가 나오거든. 주인공 언니도 이번엔 우리나라 언니(소프라노 문수진)가 출연한대. 똑같은 역할을 다른 사람이 연기하고 노래한다고 하니 궁금하잖아.” 이젠 같이 프로그램 책을 보고 가수들 얼굴을 하나 하나 살펴보며 누가 더 잘생기고 예쁘나? 하는 품평회(?)를 하기도 한다. 후일 친숙한 오페라 제목, 가수들의 이름을 떠올리고 오페라에 한 발짝 가까이 다가서는 건 시간 문제다.3시간이 넘는 오페라 공연을 끝까지 지켜보기 위해서는 체력을 더 보강해야 한다. 밤 11시가 넘게 계속되는 공연을 보고 집으로 돌아가면 자정 12시가 넘어 날이 바뀌게 된다. 또한 직업 특성상 한 편의 공연을 눈으로 보고 귀로 듣는 것으로 끝나지 않는다.  극장에서 느낀 순간 순간의 감정을 글로 불러 내야 하는 숙제가 남아있다. 이 부분이 ‘오페라 공연을 한번 더 봐야 하나? 말아야 하나’ 고민하게 한다. 그럼에도 정신을 차리고 보면 내 몸은 예술의 전당 오페라 극장에 가 있다.18일 공연된 오페라 [파우스트]를 관람한 결과, 첫날 코리안심포니 오케스트라와 가수들의 호흡이 약간씩 어긋났던 것과 달리 이번엔 완전 물 흐르듯 자연스러웠다. 애정 있게 지켜본 메피스토 역 베이스 박준혁의 음성은 사무엘 레미에 비해 부드러운 감이 있어 듣기 편했으나 몸 자체가 다소 뻣뻣한 느낌이 든 점은 아쉬웠다. 5막 발프르기스의 밤 장면에서 특히 도드라져 보였는데 전문적으로 무용을 배워 다시 한번 만나면 보다 실감나는 연기를 선보일 거란 생각이 들었다. 한편 베이스 박준혁은 국립 오페라단의 차후작인 <시몬보카네그라>(4/7~10)에서도 피에르토 역으로 출연해 관객들과 한 차례 더 만날 예정이다.파우스트 역 테너 백윤기는 외모 자체가 김우경에 비해 날카로워 그런지 목소리와 연기 모두 예민한 파우스트로 느껴졌다. 그 결과 파우스트가 초반 고뇌하는 장면에서 더 공감이 갔다. 마그리트 역 문수진은 손 대면 찌르르 유리에 금이 갈 것 같았던 청순한 알렉시아 불가리두의 느낌과는 다른 분위기로 객석을 사로잡았다. 문수진의 목소리 역시 맑고 깨끗했지만 보다 깊은 맛이 있어 듣는 이에 따라 감상평이 달라질 것으로 보였다. 오페의 발성에 점점 익숙해지다 보니 뮤지컬 배우들의 가창 실력에 웬만해선 만족 못하게 된다. 게다가 이젠 연극을 보면서도 중간 삽입된 오페라 음악이 들린다. 예전 같으면 별 의미 없이 흘려들었을 음악이다. 일례로 연극 '거미 여인의 키스'에선 베르디의 오페라 <리골레토>에 나오는 아리아 '여자의 마음'이 배경 음악으로 살짝 깔린다. 게이 몰리나가 반정부주의자 발렌틴을 유인하기 위해 영화이야기를 하는 장면 초반에 나온다.오페라 <리골레토>의 내용을 보면, 호색한 만토바 공작이 리골레토의 딸 질다에게 한 모든 말과 행동이 거짓이었음이 드러난다. 아버지 리골레토는 청부업자에게 공작 살해를 요청한다. 그럼에도  그를 사랑하는 질다는 공작을 살리기 위해 죽음을 택한다. 이런 '질다'라는 인물과 연극 속 몰리나의 이미지가 오버랩 돼 몰리나의 비극적 운명을 예견할 수 있게 된다. 연극을 보다 다채롭게 감상하게 되는 건 두말할 필요없다.◆ 바그너 ‘라인의 황금’에서 러시아 연극 ‘폭풍’을 보다.황금같은 토요일(19일) 오후엔 바그너의 ‘니벨룽의 반지’ 4부작 중 전야제에 해당하는 ‘라인의 황금’을 보고왔다. 호암아트홀, 크레디아, ㈜에이치엠엔 이 선보이는 2011 ‘메트 오페라 온 스크린’의 첫번째 작품이다. 즉, 영화 화면으로 만나는 오페라 실황 공연이다. 지휘자 제임스 레바인, 연출가 로베르 르파쥬의 손길이 닿은 메트의 새 바그너 프로덕션이다. 2005년 9월. 러시아 마린스키 오페라단이 선보인 ‘니벨룽의 반지’ 서울 공연을 챙겨보지 못한 탓에 생생한 현장감이 어떠한지는 알 수 없다. 그 시간 난 산고의 고통에 시달리느라 바그너의 ‘무한선율’의 감동 혹은 고통, 아는 사람만 아는 ‘유도동기’의 발견에 동참하지 못했다.뉴욕 메트로폴리탄 오페라 극장으로 직접 날라갈 수 있는 시간적, 금전적 여유가 있는 사람이라면 모르지만 대개의 오페라 애호가들은 영상으로 바그너의 ‘니벨룽의 반지’를 감상하기 마련이다. 하지만 혼자 집에서 영상으로 감상하기엔 다소 무리가 따른다. 좋게 말하면 바그너 작품의 스케일이 방대해서 그렇고, 직설적으로 말하자면 누가 보지도 않는데 짧게는 2시간 30분, 길게는 5시간 30분의 고행을 4일간 견뎌낼 재간이 없기 때문이다.함께 모여서 오페라를 감상하면 '체면'을 생각하는 한국인의 특성상 쉽사리 졸거나 자리를 뜨기 어렵다. 물론, 그럼에도 심오한 바그너 오페라에 도저히 참지 못하는 관객들도 눈에 몇몇 띄었다. 기자 앞 남자 관객은 초반 공연 시작 전 보여준 '백스테이지 투어, 아티스트 인터뷰 영상'은 관심 있게 쳐다봤지만 막상 공연이 시작되고 10분이 채 되지 않아 편안히 잠 속으로 빠져들었다.옆 남녀커플은 기자가 들고 있는 작은 설명지(로비에 배치)를 빌려 잠시 읽는 듯 하더니 막상 공연이 시작되고 1시간이 지났음에도 적응하지 못해 어쩔 줄 몰라 했다. 결국 종료 1시간여를 남겨두고 중간에 자리를 박차고 나갔다. 작품 전반에 대한 친절한 설명이 곧 나올거니 겁 먹지말라고 옆 커플에게 귀띔해주었는데, 결국 나오지 않고 본 공연 실황으로 넘어갔다. 음악칼럼니스트 유정우의 해설을 호암아트홀 홈페이지에서만 들려주지 말고 극장에서도 직접 들려줬다면 하는 아쉬움이 생기는 대목이었다. 홈페이지를 찾아보는 관객은 생각보다 많지 않은 듯 보였으니 말이다.작품은 절대권력을 이루게 해주는 반지를 차지하기 위해 신과 거인, 난쟁이 부족 ‘니벨룽’, 인간이 갈등을 빚는 내용. 북유럽 신화 ‘지그프리트’에 기초했으며, 그 속엔 욕정, 사랑, 증오, 분노, 배신, 음모, 저주가 다 포함 돼 있다. 마치 한편의 대 서사시인 셈이다. 전 1막 4장의 악극인 '라인의 황금'을 보면서 계속 떠오른 작품은 ‘2010 서울공연 예술제’ 초청된 러시아 연극 '폭풍'이었다. 연극 속에서 볼가강과 주인공의 집으로 공간 이동을 할 때 이용됐던 널판지가 오페라에서도 그대로 이용되고 있었기 때문이다. 아이디어 원작자가 누구인지는 확인할 길이 없으나 두 작품 모두 널판지를 이용해 시소놀이를 하듯 새로운 장소로 이동했다. 물론 ‘라인의 황금’은 언뜻보면 널판지처럼 보이지만 실제는 단단한 컨테이너 재질이었고, 보다 스펙타클하게 장면 장면을 연출했다.이 움직이는 척추형(연출가 르파쥬의 표현에 따라) 모형물이 요동치면 모래와 자갈이 스르르 흘러내리는 라인 강 장면과 신들이 머무는 천상의 세계, 난쟁이 족 니벨룽의 지하세계로 자유자재로 변신한다. 특히, 천상세계에서 지하세계로 내려가는 장면을 조명을 이용해 실제 계단처럼 연출한 장면에서 다들 입이 벌어졌다. 게다가 널판지 형상의 판 몇개가 시소처럼 움직이면 배 형상이 만들어지며 거인 형제인 파졸트와 파프너의 공간이 생겨난다. 다시 이 판이 하늘을 향해 비스듬히 서면 신들의 무지개 다리가 눈앞에 나타나는 식이다. 영상과 조명이 한 몫 한다. 물론, 가수들은 위험한 와이어에 매달려 두려움을 참아내며 목소리를 뽑아내야 한다.‘라인의 황금’ 내용 자체가 복잡하다고 하지만, 요약하자면 이러하다. 라인강의 세 요정들 왈“사랑의 힘을 포기하는 자가 반지를 갖게 될 것이다.” ->난쟁이 알베리히 왈 “아무도 날 사랑해주지 않을 바에 황금을 훔쳐 세상을 지배하는 반지를 만들겠다” ->책임지지 못할 거짓 약속을 한 신들의 신 보탄은 불의 신 로게의 간계, 부인 프리카가 속삭이는  ‘황금권력’에 끌려들어 지하세계로 모험을 떠난다. 거기서 알베리히를 붙잡고 황금, 도깨비 감투, 이어 반지까지 빼앗는다. ->알베리히의 저주 “반지를 갖는 자는 누구나 죽는다”->보탄의 손으로 넘어갔던 반지는 지혜의 여신 에르다의 경고에 따라 거인 형 파졸트의 손에서 동생 파프너의 손에 끼워진다. 그 사이 저주의 기운은 이미 퍼져 형 파졸트는 동생의 손에 죽는다. ->이 모든 저주를 뒤로 하고 로게를 뺀 나머지 신들은 무지개 다리를 건너 ‘발할라’성으로 떠난다.이번 프로덕션의 '라인의 황금'을 본 사람들이라면, 난쟁이 알베르히 역의 바리톤 에릭 오웬즈의 매력에 이구동성으로 한마디씩 하게 된다. 연극 같은 바그너 악극의 매력을 십분 살리면서도 안정감 있고 매력적인 목소리 연기를 들려줬기 때문이다. 클로즈 업으로 잡아준 영상으로 인해 생생한 땀방울 외에도 그의 위쪽 어금니 중 하나가 썩어있는 것 까지 잡힌 점 역시 이색적이었다. 단, 실제 공연장이 아닌 만큼 관객들이 선택적으로 장면 장면을 볼 수 없는 점, 오케스트라와 지휘자의 호흡을 직접 눈으로 보면서 따라가고 싶어하는 관객들의 요구에 부합할 수 없는 점은 스크린으로 보는 오페라의 한계점이다. 그럼에도 반지 시리즈 입문용으로 ‘메트 오페라 온 스크린’은 참으로 유용할 듯 싶다.한 차례 반지시리즈를 맛보았다면, 11월 5일과 6일 양일간 상영되는 ‘바그너 발퀴레’를 꼭 챙겨보길. '바그너 라인의 황금' 지휘자와 연출자 그대로 투입. 바그너의 세계에 한번 발을 담그지 않았다면 몰라도 한 차례 발을 담갔다면 인내력을 가지고 끝까지 지켜보는 것도 좋을 듯 하다.‘메트 오페라 온 스크린’의 10개 작품 중 5월(20~22일)에 상영되는 글루크의 '타우리스의 이피게니에'에서는 금세기 최고의 가수 플라시도 도밍고와 미국이 자랑하는 디바 수전 그레이엄을 만나볼 수 있다. 6월(4~6일)에 상영되는 도니제티의 '람메르무어의 루치아'에서 지휘자 다니엘 바렌보임이 '작은 거인'이라고 극찬한 테너 연광철을 만날 수 있다. 루치아의 가정교사 라이몬도 역을 맡아 열연한다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

 흔히, ‘오페라’란 예술장르가 대중과 친해지지 못한 이유 중 하나로 이해할 수 없는 오페라 가사를 꼽는다. 일례로 국내에서 흔히 공연되는 오페라는 대부분 이태리어로 진행된다. 사전공부를 하지 않는 대개의 일반인들은 오페라 극장에서 자막을 읽느라 정신없거나, 그도 아니면 도무지 이해할 수 없는 언어의 벽에 부딪쳐 꾸벅 꾸벅 졸고 오기 일쑤이다.그런데, 3월 17일 첫 막이 오른 오페라[Help, Help Globolinks!"(도와주세요... 글로볼링크스)]와 오페라[Little Sweep(굴뚝청소부 쌤)]은 달랐다. 각각, 미국 작곡가 메노티와 영국 작곡가 브리튼이 만든 작품이다. 13회 [한국소극장 오페라 축제]의 개막작인 이번 작품은 극이 쉬운 영어로 진행 돼 왠만한 가사는 자막 없이도 이해할 수 있다. 오페라 언어에 대한 부담감이 덜어지자 관객들의 몰입도도 높아졌다. 사건의 배경과 극적인 구성요소들 역시 현대적으로 연출됐다. 어찌보면 외국 뮤지컬을 보고 있는 기분도 들었다.코리안체임버오페라단의 이은순 대표가 지휘하고 엘렉톤과 피아노연주와 음향이 더해진 이번 작품은 외계인 글로볼링크스를 음악의 힘으로 물리친다는 내용이다. 가족이 함께 웃고 즐길 수 있는 오페라인 점 역시 주목할 만하다. 트렘펫, 첼로, 클라리넷과 관련된 합창 뿐 아니라 에밀리 역 소프라노 주희원의 청아한 음량이 돋보이는 무대였다.연이어 공연된 [굴뚝청소부 쌤]은 어린 학생들의 깜찍한 율동과 대사, 지혜가 극 대부분을 차지한다. 줄리엣 역 정성실과 조니 역 윤경원을 필두로 한 학생들이 굴뚝청소부들과 가정부를 따돌리는 상황을 유쾌하게 극 속에 녹여냈다. 객석에 자리한 관객 연주자들까지 함께 지휘하며 샘이 굴뚝청소부들에게서 벗어나 무사히 탈출하는 과정을 재치있게 그려내 박수를 받았다. 작은 극장을 전천후로 활용했을 뿐 아니라 관객과의 거리 역시 상당히 가까웠다. 본격적인 극이 시작되기 전 오페라 속 아리아를 내기위해선 공명된 소리를 들려줘야 함을 간략하게 언급한 점 역시 인상적이다. ◆ 20세기 최고의 작곡가 메노티 오페라의 세계<현대오페라 세계로의 초대>라는 부제를 걸고 메노티 탄생 100주년을 기념하는 13회 [한국소극장 오페라 축제]는 4주 동안 다양한 레퍼토리와 더욱 검증된 작품을 선보이게 된다. 메노티 오페라의 대표작<The old maid and The Thief(노처녀와 도둑)><The Medium(메디엄)>을 세종오페라단(예술감독 정선희)과 서울오페라앙상블(예술감독 장수동)이 공동제작해서 선보인다. 두 작품은 이태리 오페라의 전통을 미국문화에 새롭게 인식시킨 오페라로 3월 24일~27일까지 세종문화회관 M씨어터에서 만나볼 수 있다. 오페라 [노처녀와 도둑]은 노처녀인 미스 토드와 그녀의 가정부인 레티샤, 이웃인 미스 핑커톤과 부랑자 밥이 주축이 되어 규범과 사악한 여성의 힘을 유쾌하게 풀어낸다.  노처녀들의 애정심리와 미국중산층의 일상을 엿볼 수 있는 코믹오페라이다.우리말로 ‘무당’혹은 ‘영매’를 뜻하는 [메디엄]은  황폐해진 현대인들의 심성을 영매사(심령술사)를 통해 보여주는 사회성 짙은 오페라 중의 하나이다. 주인공 바바 역으로 메조 소프라노 최정숙과 김소영이 캐스팅 됐다.4월부터는 국립극장 달오름극장으로 장소를 옮겨 리오네오페라단(대표 박선휘)과 리빠체음악무대(총감독 김화순)가 공동제작한 단막 희가극 메노티 오페라<The Telephon(전화)>를 선보인다. 오영인 연출과 김동혁 지휘자가 손을 맞춘 이번 작품은 두 남녀의 사랑이야기를 '전화'를 통해 압축적으로 들려주는 1막 오페라이다. 연이어 공연되는 작곡가 바랍의 <La Pizza con Funchi(버섯피자)>는 19세기 이태리를 배경으로 4명의 남녀가 벌이는 애정 행각을 재미있게 그린 코믹오페라다. 현시대에 벌어지는 만남·사랑·배신·증오 그리고 죽음으로 이어지는 사랑의 해프닝을 블랙코미디 형식으로 담아내 오페라 초보자들이 보기에도 안성맞춤이다. 바리톤 한경석이 출연한다.◆ 현대적 음색의 오페라로 풀어보는 독일 우화음악요소의 모든 것을 단순화하고, 원시적인 음악 감각을 드러내는 독일 작곡가 칼 오르프의 오페라가 축제의 마지막을 장식한다. 오페라 쁘띠(대표 이상균)가 무대에 올리는 오페라〈Der Mood(달님)은 천지가 창조될 때 달은 없었고, 사람은 죽어 긴 잠을 자는 것이라는 시각에 입각해 매우 상징적인 무대를 연출할 예정이다. 고성진, 이준재 지휘자가 가세한다.같은 기간에 SCOT오페라연구소(대표 홍석임)가 공연하는〈Die Kluge(현명한 여인)>은 가난한 농부의 딸이 주인공인 현명한 여인으로 등장해 왕과 결혼까지 이르게 되고, 다시 왕에게 쫓겨날 위기에 처해서도 지혜를 발휘해 왕과 두번째 결혼식을 올리게 된다는 내용을 담고 있다.◆ 제2회 국제오페라포럼소극장 오페라 작품외에도 이번 축제 기간 중  올려지는 국제오페라 포럼을 주목할 것. 4월3일 일요일 오후3시에 열리는 이번 포럼은 오페라의 새로운 10년을 준비하는 자리가 될 예정이다. 또한, '한국소극장오페라축제'에서 소극장의 해외 교류를 통한 2012년 '국제소극장 오페라축제’로 발전시키는 준비를 하기 위함이다.오는 8월에는 소극장 사업의 일환으로 신인성악가들과 스태프의 육성을 위하여 ‘제1회 오페라 아카데미 퍼포먼스 캠프’를 개최한다. 음악전공자를 대상으로 성악가, 반주자들을 모집하고 교육하여 참가자들이 직접 공연하는 무대도 가질 예정이다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)

“이거 코미디인가? 이상하다. 명동예술극장에서 하니 정극이 분명 할 텐데. 조금만 더 감상해보자. 다시 봐도 코미디인 게 분명해. 그렇다면 신나게 웃다 가자! 그런데 대학로의 삐끼들의 권유로 본 코미디 연극과는 느낌이 분명 다르내 ”얼떨결에 연극 [동 주앙]을 보러 들어온 한 관객의 말이다. 사전 정보를 알지 못한 채 관람하러 온 관객들 대부분은 뮤지컬 ‘돈 주앙’을 머릿 속에 떠올리며, 그 얼개 그대로 (노래가 빠진)연극이 재현될 거라 짐작했던 모양이다. 즉, 희극작가로 유명한 몰리에르가 원작을 썼음을 간과한 채 명동예술극장이라는 극장의 특성만 염두해 둔 채 극을 감상한 것이다.기대하지 못한 희극이 더 유쾌한 법. 최용훈 연출의 손을 거친 [동 주앙]이 희극라는 것을 모른 체 감상하던 관객들은 자지러지며 웃어댔다. 무대 위 여자들 뿐 아니라 객석의 여자들까지 제 편으로 만들겠다고 달려드는 바람기를 내 보이다 어느 순간 모든 권력과 종교, 규범에 반항하는 동 주앙, 입 바른 소리를 골라 하지만 더 악독한 위선자 스가나렐의 모습에 관객들은 그들을 마음속으로 조롱하고 공개적으로 웃음을 날려줬다. 즉 희극의 정수를 제대로 맞봤다.주인공 '동 주앙'(김도현 이율)에만 관심을 갖고 극장에 들어섰던 관객들은 또 다른 주인공 스가나렐(정규수)과 조연들의 연기에 눈을 떼지 못했다. 즉, 번지르한 외모로 무장한 채 거미 똥구멍에서 거미줄이 줄줄 나오듯 거침없는 거짓말을 늘어놓는 동 주앙의 언변에 한 차례 매료되고, 정감가게 생긴 얼굴로 굽신거리면서 관객들의 귀를 낚아채는  훈계조의 말을 중얼거리는 듯 흘리는 스가나렐의 솜씨에 두 차례 빠져든다. 여기서 그치지 않고 막이 내릴 즘 동 주앙 보다 더 악독한 놈이 스가나렐이라는 것을 깨닫고는 묵직한 웃음을 터트렸다.'귀족의 고결함'을 깨알같은 웃음으로 선사한 동 카를로스 역 성노진과 동 알롱즈 역 최지훈, 울림있는 목소리로 모든 것을 제압한 엘비르역 박미현 뿐 아니라 속절없이 동 주앙에 빠져드는 시골처녀 샤를로트를 연기해낸 김동화의 연기 역시 극의 완성도에 힘을 실어줬다. 동 주앙의 아버지 동 루이를 열연한 권성덕은 길지 않은 장면에도 강렬한 존재감을 드러냈으며, 후반 깜찍한 의상을 입고 등장해 관객들의 웃음을 참지 못하게 만들었다.프랑스 작가 몰리에르와 최용훈 연출가, 그리고 배우 김도현이 만들어낸 동 주앙 이란 인물은 어떠한 캐릭터인가? 동 주앙에게 '사느냐 죽느냐'라는 고민은 무의미하다. '사랑' 자체에 빠지기 보다는 '그 누구도 사랑할 수 있는 자유'에 빠져들고 신을 조롱하는 동 주앙의 사전에 '반성'과 '구원'이란 단어는 존재하지 않는다. 또한 인간의 이중성과 속물성을 거침없이 폭로하며 오히려 자신은 보다 인간적임을 역설하기도 한다.최용훈 연출가는 퇴장하는 배우들의 비명 소리를 연출기법에 도입했다. 극단 수레무대가 올린 몰리에르의 희극 [스카펭의 간계]에서 등퇴장시 시소를 이용해 극의 리듬을 살려낸 것과 마찬가지로 이번 작품 무대에서 사라진 뒤에 들려오는  배우들의 비명소리는 각 상황과 일치되며 깊은 잔상을 남기며 극에 리듬을 불어넣었다.또한 하성옥 무대 디자이너는 무대 속 무대를 보는 듯한 이중의 액자무대를 선사했다. 즉 작은 모니터가 무대 안에 있어 주인공의 내면세계를 투영할 뿐 아니라 동주앙이 끝내 석상의 충고를 받아들이지 않고 인간세상 밖으로 빠져나오지 못한 채 지옥의 불구덩이로 떨어짐을 효과적으로 표현해냈다. 연극은 끝까지 희극적인 울림을 만들어냈다. 동 주앙이 지옥으로 떨어지자 하인 뿐 아니라 아버지까지 기쁨의 제스처를 선보인다. 단, 위선자인 하인 스가나렐은 월급을 받지 못함에 안타까워한다. 이에 관객은  마음 속에서 떨쳐버리지 못하는 '위선의 그림자'에 가슴이 묵직해져온다.이번 연극으로 몰리에르의 작품 세계에 매료됐다면, 3월 28일부터 4월 10일까지 올려지는 [2011 아시아 연출가전]을 주목해보길. "봉쥬르 몰리에르"라는 주제로 한국연극연출가협회와 대학로 공연예술센터의 공동주최로 진행되는 [2011 아시아 연출가전]은  한국, 인도, 일본 세 연출가의 작품을 선보인다. 한국공연인 김태용 연출의 <스카펭의 간계>, 인도공연 <따르뛰프>, 일본공연 <돈 주앙>을 만날 수 있다. 일본의 히로타 준이치 연출이 만들어내는 <돈 주앙>은 우리와 어떻게 또 다른지 비교해보는 재미도 빠뜨릴 수 없다.공연전문기자 정다훈(otrcoolpen@hanmail.net)