모차르트 고향인 오스트리아 잘츠부르크를 대표하는 악단인 ‘잘츠부르크 모차르테움 오케스트라’가 8년 만에 내한공연을 한다. 2015년 통영국제음악제에 참가했던 이 악단은 오는 9일 서울 롯데콘서트홀, 10일 서울 예술의전당 콘서트홀, 11일 수원 경기아트센터 대극장 무대에 오른다. 하이든(1732∼1809)과 모차르트(1756~1791) 음악 해석의 세계적 권위자로 꼽히는 헝가리 출신 아담 피셔(74)가 지휘봉을 잡고, 2009년 퀸 엘리자베스 콩쿠르에서 우승한 대만 바이올리니스트 레이 첸(34)이 협연한다. 아담 피셔는 지난해 세계적 여름음악축제인 잘츠부르크 음악페스티벌 무대에 서는 등 잘츠부르크 모차르테움 오케스트라와 여러 차례 연주를 해왔고, 올 여름 잘츠부르크 축제에서도 모차르트 오페라 ‘양치기 왕(Il re Pastore)’을 함께 연주할 예정이다. 이 악단은 모차르트의 영혼과 가장 가까운 오케스트라로 꼽힌다. 모차르트 아내 콘스탄체와 두 아들의 도움으로 만들어진 기악 앙상블이 시초로, 1841년 모차르트 재단(모차르테움)의 출발과 함께 창단됐다. 1956년 모차르트 탄생 200주년을 기념하며 시작된 제1회 모차르트 주간에서 개막 연주를 맡았고, 100년 넘게 잘츠부르크 페스티벌에 참여하고 있다. 잘츠부르크 오페라 극장의 상주 악단이기도 하다. 피셔는 28일 세계일보 서면인터뷰에서 “이 악단은 오랫동안 모차르트 음악을 집중 분석하고 공연한 역사를 이어왔다”며 “단원 한 명 한 명이 마치 모차르트와 개인적 관계가 있는 것 같다. 이 오케스트라만의 모차르트에 대한 깊은 음악적 친밀감과 이해력을 한국 관객들에게 전달해주고 싶다”고 말했다. 모차르트 이름을 가진 악단답게 이번 내한공연 프로그램을 모두 모차르트 곡으로 짰다. 9일에는 모차르트 대표 교향곡 40번과 바이올린 협주곡 5번, 교향곡 35번을, 10일에는 교향곡 38번과 바이올린 협주곡 3번, 모차르트 마지막 교향곡 41번을, 11일에는 교향곡 40번과 35번, 바이올린 협주곡 3번을 연주한다. 피셔는 “모차르트의 좋은 교향곡 협주곡은 끝도 없이 많다. 그의 작품들은 너무도 친근하고 환상으로 가득 차 있다”면서 특히, 이번 공연의 첫 연주곡인 교향곡 40번은 매우 ‘특별한 곡’이라고 설명했다. “모차르트는 매우 적은 단조곡을 작곡했는데 교향곡 40번(g단조)은 그중 하나입니다. 전설적 지휘자 브루노 발터(1876∼1962)가 ‘당신이 50세 이하라면 모차르트 교향곡 40번을 지휘할 시도조차 하지 말아라’고 말했을 정도예요. 물론 제가 50세 전에 이 곡을 연주했을 당시 개인적으로 부족하다고 느끼지 않았지만 돌이켜 보면 매우 부족했습니다. 이 곡은 마치 기적으로 가득한 인생의 경험과 그 에너지를 느끼게 합니다.” 그는 모차르트 음악이 오래도록 사랑받는 이유로 “인간의 감정을 음악에 담기 시작한 작곡가이기 때문”이란 분석을 내놨다. “인간의 희로애락과 질투와 사랑 등 모차르트보다 인간의 감정을 더 잘 담아낸 작곡가를 아직 알지 못했다”고 하면서다. 아울러 모차르트의 음악 세계를 잘 표현하려면 어떻게 연주해야 하는지도 언급했다. “모차르트와 하이든은 작곡할 때 음악적 기호를 거의 적지 않았어요. 후대에 작곡된 작품들과 달리 그들의 음악에는 연주자에게 ‘이렇게 연주하라’는 구체적 가이드가 없습니다. 그렇다고 그대로만 연주하면 절대 안 됩니다. 그러면 마치 컴퓨터로 연주한 음악처럼 들릴 거예요. 모차르트 음악을 잘 연주하려면 환상과 상상력이 꼭 필요합니다.” 피셔는 한국에서 자신이 하이든과 모차르트 전문가로만 알려진 것에 살짝 아쉬움도 내비쳤다. “저는 여전히 바그너(1813∼1883)와 말러(1860∼1911)의 음악들을 무대에 자주 올리는 지휘자입니다. 다만, 연주할 때 말러 음악 안에서 모차르트를 발견하고, 바그너 음악 안에서 하이든을 찾게 되지요. 모차르트와 하이든은 가장 오리지널한 교향곡의 시초로 그들의 음악은 굳건히 살아 있는 셈입니다.”

“인간이 우리 주변의 ‘비인간 세계’(자연)와 단절돼 있는 데다 비인간 세계에 무례하다는 메시지를 담으려 했습니다. 이런 현상이 계속되면 자연계는 파괴될 것이고 우리는 살아남을 수 없을 것이라는 이야기를 음악적으로 표현하고 싶었어요.” 세계적 현대음악 작곡가이자 미국 매사추세츠공대(MIT) 미디어 융합 기술연구소 ‘미디어랩’ 교수인 토드 마코버(70)는 다음달 16일 서울 예술의전당 콘서트홀에서 세종솔로이스츠가 한국 초연으로 선보이는 ‘오버스토리 서곡’의 주제를 이렇게 설명했다. 이 작품은 2019년 퓰리처상을 받은 영미문학 거장 리처드 파워스(66)의 소설 ‘오버스토리(The Overstory)’가 인간과 자연의 공존을 촉구하는 메시지를 음악으로 구현한 것이다. ‘오버스토리’는 사전적으로 숲 상층부의 전체적인 생김새를 의미한다. 전통적인 예술과 기술의 경계를 허무는 음악을 만들며 ‘음악적 공상가’(뉴욕타임스), ‘미국에서 가장 진일보한 작곡가’(로스앤젤레스 타임스) 등 평가를 받은 마코버는 최근 세계일보와 서면인터뷰에서 파워스 소설을 읽자마자 창작 욕구가 불타올랐다고 했다. “평소 과학과 기술이 사회에 미치는 영향을 깊이 생각하게 하는 파워스 소설의 팬이어서 ‘오버스토리’가 출간됐을 때 바로 구입해 읽었습니다. 인간과 비인간 세계의 관계를 재조정하는 것의 중요성을 얘기하는 걸작이란 걸 알았어요. 아이디어와 등장인물, 주제, 유려한 글까지 모두 완벽한 균형을 갖춘 작품이라고 느껴 오페라로 만들고 싶었습니다.” 이후 영국의 유명 대본작가 사이먼 롭슨과 오페라를 구상하던 중 2020년 세종솔로이스츠의 강경원 총감독이 ‘연극적인 기법의 신작’을 위촉했다. 세종솔로이스츠는 1994년 강효(78) 줄리아드 음대 교수가 한국을 주축으로 8개국 출신 젊은 연주자를 초대해 창단한 실내악단이다. 마코버는 ‘오버스토리’ 오페라를 완성하려면 오랜 시간이 필요할 것 같아 원작 속 등장인물 9명 중 1명의 독립된 이야기로 오페라의 주제와 분위기, 사운드를 미리 엿볼 수 있는 요약본 같은 작품을 세종솔로이스츠 측에 역제안했다. 그렇게 탄생한 ‘오버스토리 서곡’은 세계적 메조소프라노 조이스 디도나토(54)가 연기하고 노래하는 패트리샤 웨스터퍼드라는 식물학자를 중심으로 이야기가 펼쳐진다. 웨스터퍼드는 나무들의 소통이 이루어지는 거대한 네트워크를 발견했지만 동료 과학자들의 불신과 학계의 배척으로 고통받는 인물이다. 마코버와 디도나토의 인연은 오래됐지만 작품으로 다시 만난 건 24년 만이라고. 둘이 처음 만난 건, 마코버가 톨스토이(1828∼1910) 마지막 소설 ‘부활’을 토대로 작곡한 오페라 ‘부활’을 휴스턴 그랜드 오페라(HGO)가 세계 초연할 때다. 당시 미국과 유럽 전역에서 주인공 마슬로바 역을 찾느라 애를 먹던 중 ‘HGO 견습생으로 젊은 메조소프라노가 있으니 한번 만나보라’는 추천을 받은 것. “디도나토의 목소리를 듣는 순간 적격자라고 느꼈습니다. 그녀에게 ‘부활’은 첫 주연작이었지만 완벽했고 역할에 대한 새로운 아이디어를 끊임없이 줬어요. ‘부활’ 초연 이후 디도나토에게 음악계 관심이 쏟아졌고, 우리도 친구가 됐는데 놀랍게도 이후 같이 일할 기회가 없었습니다. ‘오버스토리 서곡’을 통해 다시 만나게 돼 매우 기뻐요.” 디도나토는 다음달 14일 같은 장소에서 단독 리사이틀 ‘스프링 콘서트’를 열어 클래식 가곡과 프렌치 샹송, 재즈 등 음악 인생을 총망라한 무대도 보여준다. 마코버는 선과 색상을 이용해 누구나 음악을 만들 수 있는 작곡 소프트웨어를 출시하고 뇌성마비 환자들이 음악을 통해 소통할 수 있는 기술을 만드는 등 의료기술과 음악을 결합한 연구를 진행하기도 했다. 또 음악 관련 게임 개발부터 공상과학(SF)과 로봇을 주제로 오페라를 작곡하고 전 세계 도시와 화합을 주제로 한 ‘시티 심포니(도시 교향곡)’ 프로젝트를 진행하는 등 음악과 다양한 분야의 접점을 끊임없이 창조해왔다. 그는 2019년 도시 교향곡 프로젝트의 하나로 “‘남북 간 화합’이란 평화적 메시지를 전 세계에 전하겠다”며 ‘남북 교향곡(Symphony for the Koreas)’ 작곡 계획을 발표한 뒤 한국을 찾기도 했다. “이후 신종 코로나바이러스 감염증(코로나19) 대유행과 정치적 상황 변화로 ‘남북 교향곡’ 프로젝트가 중단됐지만 포기한 건 아닙니다. 한반도 상황(평화)에 조금이나마 도움 되길 바라면서 다시 구체적으로 진행할 것입니다.” 마코버는 자신의 음악적 지향점에 대해 “음악에는 우리의 몸과 마음을 어루만지고, 다른 사람에게 마음을 열게 하는 엄청난 힘이 있다”며 “더 나은 세상을 만들도록 영감을 주는 음악을 만드는 게 목표”라고 했다. 이번 공연은 ‘오버스토리 서곡’에 앞서 하이든의 ‘노투르노 C장조’, 멘델스존의 바이올린 협주곡 D단조(협연 스티븐 김), 베베른의 ‘느린 악장’이 연주된다. 보스턴 심포니 오케스트라 부지휘자인 얼 리(한국명 이얼)가 지휘한다.

“제가 본 대부분 한국 음악가는 최고의 연주자들이에요. 한국인의 에너지와 기질, 섬세함과 정밀함이 성실한 연습과 준비를 통해 음악을 만들어가는 점을 가장 좋아합니다.” 다음달 독일 밤베르크 심포니를 이끌고 내한하는 체코 출신 지휘자 야쿠프 흐루샤(42·사진)는 최근 세계일보 서면인터뷰에서 한국 음악가들의 연주력을 높이 평가했다. 그러면서 자신의 지휘 인생 초기에 큰 영향을 준 사람도 정명훈(70)이라고 했다. 흐루샤와 밤베르크 심포니는 이번 내한 공연에서 민족적이면서도 매혹적인 체코 음악의 원색을 그대로 담아낸 드보르자크 교향곡 8번과 9번을 연주한다. 다음달 29일 서울 예술의전당 공연 2부에서는 8번, 28일 대구콘서트하우스와 30일 경기아트센터에서는 9번을 각각 들려준다. 밤베르크 심포니는 7만명 정도 사는 유서 깊은 소도시 밤베르크에서 1946년 창단된 독일의 정상급 오케스트라로 체코와 독일의 정서가 합쳐진 악단이다. 1787년 모차르트의 ‘돈 조반니’와 1908년 말러 교향곡 7번(‘밤의 노래’)이 세계 초연된 체코 프라하에는 당시 독일인 음악가가 많았다. 19세기에는 독일인 음악가로 구성된 ‘프라하 독일 필하모닉 오케스트라’가 만들어지기도 했다. 그러나 2차 세계대전을 전후해 이 악단 단원 대부분이 프라하를 떠나 독일 밤베르크로 이주했고, 그들을 중심으로 밤베르크 심포니가 탄생했다. 흐루샤는 2016년부터 5대 상임지휘자로 활약하고 있다. 빈 필하모닉, 베를린 필하모닉 등 세계 유수 악단과도 호흡을 맞춘 주목받는 지휘자다. 흐루샤는 밤베르크 심포니의 정체성을 ‘체코-독일에 공존하는 역사적 의식’과 ‘진정한 독일로부터의 뿌리’를 결합한 것이라고 설명했다. “밤베르크 심포니와 체코 필하모닉 두 악단은 같은 조상을 둔 ‘사촌 오케스트라’라고 할 수 있습니다.” 그는 ‘관객들이 특히 집중해서 들어야 할 감상 포인트’를 묻자 “특별히 어떤 것에 집중해야 하는지 구체적 조언을 해선 안 된다고 생각한다”며 “관객은 자유로운 상태에서 (음악의) 템포, 표현, 강조, 균형, 음색, 개성 등을 상상하며 연주에 매혹돼야 아주 커다란 즐거움을 느낄 수 있다”고 조언(?)했다.

“저는 원래 다른 예술을 위해 작업하는 사람이라 내 안에서 뭐라고 하는지 듣고 싶었고, 사람들과 지구가 하는 말도 듣고 싶었어요. (사람들이) 그것(지구가 하는 말)을 못 들어서 팬데믹도 겪고 전쟁도 겪는구나란 생각으로 첫 앨범 ‘리슨(LISTEN)’을 만들었습니다.” 영화 ‘기생충’과 넷플릭스 드라마 ‘오징어 게임’ 음악감독으로 유명한 연주자 겸 작곡가 정재일(41)은 지난 24일 서울 종로구 JCC아트센터에서 열린 첫 솔로 앨범 ‘리슨(LISTEN)’ 발매 기념 기자간담회에서 이렇게 말문을 열었다. ‘리슨’은 앨범에 담긴 전체 7곡 중 두 번째 곡 제목이기도 하다. 그는 이번 앨범에서 평소 관심이 깊은 자연과 환경, 인류애를 가장 자신 있는 언어인 피아노로 오롯이 표현했다. “첫 앨범인 만큼 제게 가장 내밀하고 편안한 악기로, 가장 편안한 언어로 해보고자 피아노를 선택했어요. 피아노는 저의 모국어나 다름없습니다. 피아노로 얘기하는 게 편할 만큼.” 3살 때 피아노를 시작으로 기타 등 어려서부터 많은 악기를 섭렵한 정재일은 17살에 밴드 ‘긱스’ 멤버(베이시스트)로 가요계에 발을 들인 뒤 패닉, 박효신, 아이유 등 유명 가수의 작곡과 프로듀싱을 맡았고 드라마·영화 음악도 만들었다. 대중음악과 클래식을 넘나들면서 영화 ‘기생충'과 드라마 ‘오징어 게임’의 음악감독으로 전 세계에 깊은 인상을 남겼다. 이는 지난해 6월 세계적 클래식 레이블 데카와의 계약으로도 이어졌다. 어려운 가정 형편으로 중학생 때부터 음악 관련 일을 한 그는 “지난 25∼26년 동안 무대 뒤에서 서포트(지원)하는 역할, 나름대로 ‘음악 통역가’ 역할을 해온 게 익숙한 삶이고 저의 하루(생활)”라며 “물론 ‘기생충’과 ‘오징어 게임’을 통해 전 세계인이 정재일은 몰라도 음악은 알게 돼 명예를 얻었지만 무대 뒤에서 일하는 기본적 삶은 변함이 없다”고 말했다. 이어 “다만 약간 ‘성덕(성공한 덕후)’은 됐다. 너무 존경하는 고레에다 히로카즈 감독과 (영화) ‘브로커’로 작업할 기회도 생겼으니까”라며 웃었다. 서울시립교향악단 차기 음악감독인 야프 판즈베던 뉴욕필하모닉 음악감독이 지난달 내한 기자간담회에서 정재일과 작업해 보고 싶다는 의향을 밝힌 데 대해선 “그런 거장이 원하는 예술적 경지에 맞출 수 있을지 두렵다”면서도 “진짜로 제안하면 해보고 싶다”고 말했다.

“즐거운 악몽을 꾸고 있어요. 괴테의 세계관에서 이를 파헤치며 놀고 있는, 신기한 경험을 하는 하루하루죠.” tvN 드라마 ‘슬기로운 감빵생활’에 이어 넷플릭스 드라마 ‘오징어 게임’, ‘수리남’, ‘종이의 집’으로 인기 스타가 된 배우 박해수가 연극 ‘파우스트’로 5년여 만에 무대에 선 반가움을 표시했다. 그는 앞서 2018년 ‘두산인문극장 - 2018 이타주의자’의 하나로 공연한 연극 ‘낫심’ 이후 TV·영화 출연에 집중했다. 박해수는 21일 서울 강서구 LG아트센터 서울에서 열린 제작발표회에서 “무대 생각이 간절했는데, 제게 지금 필요한 작품이 찾아와줘 다시 공연 무대에 설 수 있게 됐다”고 말했다. 2007년 연극 ‘안나푸르나’로 데뷔한 그는 “(찾아와준) 작품이 ‘파우스트’이고 ‘메피스토’ 역이라서 감사하면서도 두렵고 무섭다”며 “쉬운 역할이 아닌 걸 알고 있고, 처음부터 악몽과 함께 시작했다. 새로운 세계관에 살면서 최선을 다해 연습하고 있다”고 덧붙였다. 독일의 대문호 괴테(1749∼1832)가 20대에 쓰기 시작해 60년에 걸쳐 완성한 대작 ‘파우스트’는 세상의 모든 지식을 섭렵한 파우스트 박사가 악마 메피스토와 위험한 계약을 맺으며 펼쳐지는 대립과 실존적 고민을 그린 작품이다. 박해수는 악마 메피스토를 맡아 신과 내기하며 파우스트에게 젊음과 쾌락을 선사하는 대가로 그의 영혼을 요구하는 제안을 건넨다. 박해수는 “메피스토는 악마지만 감각과 쾌락의 중요성을 대변한다는 점에서 반드시 악인으로만 그려지지 않는 부분도 있다”며 “관객들이 좀 더 공감할 수 있는 메피스토를 보여주려 한다”고 말했다. “처음 괴테의 ‘파우스트’를 봤을 때 악인이 꼭 악인으로 그려지지 않은 게 놀라웠어요. ‘즐기고 감각적으로 행동하라’고 하죠. 선악이 불분명한 요즘 시대에는 악마스럽지 않은 모습이 더 보여요. 세밀하게 캐릭터를 만들어가면 관객들에게 공감 받는 메피스토가 되지 않을까 합니다.” 메피스토의 덫에 걸린 파우스트는 원로배우 유인촌(72)이 연기한다. 두 사람이 함께 무대에서 서는 건 처음이다. 박해수는 2011년 LG아트센터에서 초연한 음악극 ‘더 코러스; 오이디푸스’로 그해 ‘동아연극상 유인촌신인연기상’을 받은 바 있다. “(유인촌)선생님과 처음 식사하는 자리에서 ‘선생님이 주신 상을 받았다’고 말했더니 기억해주셔서 영광이었습니다. 선생님의 언어에 대한 멋진 화술적 연기를 보며 자랐는데, 이번에 첫 리딩에서 마주하고 오케스트라 같은 느낌을 받았어요. 진심으로 소름 끼쳐서 나중에 공부하려고 조용히 녹음했습니다. 국어의 아름다움을 제대로 느끼고 있고, 계속 배우는 과정이에요.” 유인촌은 1996년에 메피스토를 연기했고, 2012년 괴테의 희곡과 구노의 오페라를 바탕으로 한 연극 ‘파우스트-괴테와 구노의 만남’을 공연한 바 있다. 파우스트 역은 처음이다. “끊임없이 열망하는 인간의 욕망을 담고 있는 역할입니다. 학식이 높고 종교적으로 빠져있는 이 인물을 어떻게 그릴지 굉장히 고민됩니다. 실제 파우스트처럼 인문학적으로 높은 학식을 가진 사람이 아니기에 연기할 때 어려움이 상당해요. 선과 악을 동시에 가진 인물이어서 다양한 면을 잘 표현해야 하죠. 이번 작품에선 아무것도 하고 싶지 않았는데, 많이 하게 되더라고요. 숙제를 어떻게 풀고 무대에서 어떤 모습으로 관객들을 만날지 저도 궁금하죠. 남은 기간에 파우스트에 충실히 빠져볼게요.” 메피스토의 제안으로 변하게 되는 젊은 파우스트 역엔 드라마 ‘펜트하우스’로 얼굴을 알린 박은석이, 그와 운명적 사랑에 빠지는 그레첸 역은 영화 ‘말할 수 없는 비밀’에서 주연했던 원진아가 맡는다. 첫 연극에 도전하는 원진아는 “무대 연기는 마냥 꿈 같고, 환상 같은 느낌이었다. 이번 기회를 포기하면 평생 후회할 것 같다는 생각이 들었다”며 “제가 걱정도, 겁도 많은데 이 작품은 하고 싶다는 욕심이 컸다. 연습이 한창 중인데 너무 잘한 선택이었다”고 말했다. 연극 ‘코리올라누스’, ‘페르귄트’, ‘햄릿’ 등 셰익스피어 스페셜리스트로 불리며 고전을 현대적으로 재해석하는 데 탁월하다는 평을 받아온 양정웅이 연출한다. 파우스트의 비극과 그레첸의 사랑을 중심으로 풀어낸다. 양정웅 연출은 “지금 시기에 가장 필요한 연극이다. 현대사회에 끝없이 질주하는 욕망이라는 화두를 괴테가 저희에게 던져준다”며 “현대인들에게 많은 질문과 감동을 줄 것”이라고 설명했다. 이어 “원작의 길이를 많이 줄였지만, 원작이 가진 괴테의 아름다운 문학적인 텍스트를 최대한 존중하고 반영했다”며 “현대적이면서 미장센적인 시각적인 연출을 할 예정”이라고 덧붙였다. LG아트센터 서울이 지난해 10월 마곡으로 옮긴 후 처음으로 제작하는 연극이다. 다음달 31일부터 4월29일까지 공연한다.

“‘젤리클 월드’ 자체가 하나의 세상인 셈입니다. 아기처럼 (신인 배우로) 왔다가 연장자 배우들을 보고 배우며 자신의 역할을 승화시켜 나가는 거죠. ‘캣츠’ 안에 (제가 성장해온) 삶이 다 녹아 있어요.” 지난달 20일 서울 종로구 세종문화회관 대극장에서 개막한 세계적 뮤지컬 ‘캣츠’ 오리지널 내한공연에서 ‘멍커스트랩’ 역으로 나선 맷 크르잔(42)은 ‘캣츠’가 매우 각별한 작품이라고 했다. 19년 전 ‘캣츠’와 인연을 맺은 크르잔은 지난 17일 세계일보와의 인터뷰에서 “뮤지컬 배우가 되고 싶어 대학에서 노래와 연기, 춤을 배웠는데 졸업 후 처음 얻은 일자리가 ‘캣츠’였고 스윙 배우로 시작했다”며 이같이 말했다. “처음 ‘캣츠’ 무대에 올랐을 때는 춤을 잘 춰야 하는 역할로, 멍커스트랩을 할 수 있는 나이가 아니었어요. 하지만 나이를 먹고 성장할수록 앙상블에서 멍커스트랩 같은 중요한 역할을 맡게 됐습니다. 이번 공연을 같이하는 배우 대부분이 작품 안에서 함께 자란 배우들이에요.” 26마리 고양이가 등장하는 ‘캣츠’에서 멍커스트랩은 젤리클 고양이 무리를 이끌고 보호하는 지도자 고양이로 극 초반 1년에 한 번 열리는 축제(무도회)와 고양이들을 소개해 ‘사회자 고양이’로도 불린다. 한국 무대는 처음인 크르잔은 이번 공연에서 상주 연출과 안무도 맡을 만큼 다재다능한 배우다. 그는 상주 연출로서의 역할과 관련, “(공연을 무대에 올린 뒤 돌아간 연출가들이) 만들어 놓은 기준을 유지하는 게 일이다. 커버(대역 배우)들이 갑자기 투입돼도 언제든 같은 수준의 공연 질을 유지하도록 지도하는 등 신경 써야 할 게 많다”고 설명했다. 크르잔은 ‘캣츠’가 오랜 시간 변함없는 인기를 유지하는 비결에 대한 생각도 밝혔다. “관객이 공연장에 갈 때는 일상에서 탈출하고 싶은 마음도 있어서입니다. 내가 사는 세상과 다른 신비롭고 마법 같은 순간이 ‘캣츠’만큼 많은 작품이 있나 싶어요. 그렇다고 (현실과) 완전히 동떨어져 공감대를 형성 못 하는 것도 아니고. 훌륭한 춤과 노래에다 (젤리클 고양이들) 삶 속에서 관객들의 마음을 만져주고 생각할 거리를 줍니다.”

하모니시스트 박종성(사진)이 한국인 최초로 ‘호너(HOHNER)’ 하모니카-클래식 부문 글로벌 아티스트로 선정됐다고 13일 뮤직앤아트컴퍼니가 밝혔다. ‘호너’는 하모니카를 세상에 처음 소개한 독일의 악기 브랜드이자 세계 최고의 하모니카 브랜드 중 하나로 손꼽힌다. 하모니카의 거장 토미 라일리(클래식), 투츠 틸레망스(재즈), 밥 딜런(팝) 등이 글로벌 호너 아티스트에 포함돼 있다. 국내 최초 하모니카 전공자, 국내 최초 하모니카 국제 대회 우승자(솔리스트) 등 한국을 대표하는 하모니시스트 박종성으로선 또 하나의 기념비적인 발자취를 남긴 것이다. 데뷔 10주년인 지난해에는 ‘오케스트라 프로젝트’를 통해 작고 평범해 보이는 하모니카도 거대한 오케스트라와 함께할 수 있음을 보여줬다. 국내 최초로 작곡된 하모니카 협주곡 ‘하모니카 메모리얼’(김형준 작곡)을 헌정받아 초연하기도 했다. 호너사의 최상위 모델 ‘실버 콘체르토’를 사용 중인 그는 “역사 깊은 글로벌 클래식 호너 아티스트로 선정돼 매우 기쁘고 영광”이라며 “그 이름이 부끄럽지 않도록 더 좋은 아티스트가 될 수 있게 노력하겠다”고 말했다. 박종성은 호너 아티스트 선정을 기념해 오는 22일 서울 코스모스아트홀에서 쇼케이스를 갖는다. 이어 28일 부산 금정문화회관, 4월15일 쌍벽루아트홀 등에서 공연한다.

시인이자 배우이기도 했던 위대한 극작가 윌리엄 셰익스피어(1564∼1616)도 이야기 소재가 바닥나거나 영감이 떠오르지 않으면 무척 괴로웠을 것이다. 촉망받는 작가의 신작에 대한 대중의 기대가 날로 높아지고, 원고 마감 날짜는 코앞인데 도통 맘에 드는 글이 써지지 않아 머리를 쥐어뜯는 셰익스피어. 그러다 우연히 만난 부잣집 딸 비올라와 운명적인 사랑에 빠졌다가 가슴 아프게 이별한 경험을 토대로 걸작 ‘로미오와 줄리엣’을 완성한다. 지난달 28일 개막한 연극 ‘셰익스피어 인 러브’는 이처럼 셰익스피어가 ‘로미오와 줄리엣’의 실제 주인공이라는 유쾌한 상상에서 출발한다. 배우 귀네스 팰트로가 비올라로 출연해 1998년 개봉한 동명 영화가 원작이다. 아카데미 최우수 작품상과 여우주연상 등 7개 부문을 휩쓴 영화의 인기에 힘입어 영국 유명 극작가 리 홀이 각색한 연극은 2014년 런던 웨스트엔드에서 첫선을 보였다. 연극 역시 작품성과 대중성을 인정받으며 미국과 캐나다, 일본 등 세계 각국 무대에 올랐고 한국에선 초연이다. 제작사인 쇼노트의 송한샘 프로듀서는 지난 7일 기자간담회에서 “셰익스피어와 비올라의 사랑뿐 아니라 연극을 만들며 꿈을 좇는 사람들의 이야기를 그린 작품”이라고 소개했다. 김동연 연출도 “연극이 아름다운 것임을 나누고 싶다. 셰익스피어 시대 연극을 만들던 사람들의 이야기를 통해 원작 영화와 다른 특별한 감동을 느끼길 바란다”고 했다. 막이 열리면 1593년 런던의 풍경이 펼쳐진다. 대중의 기대와 압박 속에 좀처럼 글을 쓰지 못해 괴로워하던 셰익스피어와 여자는 연극 무대에 설 수 없는 시대였음에도 남장을 해서라도 연극 배우가 되고 싶었던 비올라가 연회에서 운명처럼 만난다. 둘은 곧 사랑에 빠지지만, 비올라는 아버지와 여왕의 명에 따라 귀족 웨섹스 경과 정략결혼을 해야 하는 처지라 맺어지지 못한다. 결국 셰익스피어는 자신을 로미오로, 비올라를 줄리엣으로 빗댄 아름답고 비극적인 사랑 이야기를 써내려간다. 원작과 마찬가지로 연극은 로맨스·코미디·비극 요소를 두루 갖춘 촘촘한 스토리 덕에 관객 몰입도가 높다. 극중극인 ‘로미오와 줄리엣’을 무대에 올리는 과정을 비롯해 주·조연 배우 22명은 무대 위에서 매끄러운 연기력과 찰떡 호흡을 자랑한다. 셰익스피어가 남긴 주옥 같은 글들을 곱씹으며, 셰익스피어의 다른 작품 흔적들을 맛보는 재미도 크다. 셰익스피어가 한눈에 반한 비올라에게 “나 그대를 여름날에 비교할까요? 그대는 (여름보다) 더 사랑스럽고 따스합니다”라고 찬사를 보낸 구절은 ‘소네트 18번’에서 따왔다. 고리대금업자 페니맨이 극장주 헨슬로에게 돈을 갚지 않으면 코를 베겠다고 위협하는 장면은 ‘베니스의 상인’, 웨섹스 경이 비올라 아버지와 결혼을 흥정하며 지참금을 요구하는 장면은 ‘말괄량이 길들이기’에도 나온다. 남장을 한 채 연극 오디션을 보는 등 비올라의 당찬 모습은 ‘십이야’의 주인공 비올라를 연상시킨다. 고증을 거친 화려한 의상과 극 흐름에 맞춰 시시각각 변하는 거대한 무대 장치, 감칠맛 나는 음악과 춤은 웬만한 뮤지컬 못지않은 볼거리도 선사한다. 대중적 인지도가 높은 출연진까지 감안하면 제작비가 상당했을 것으로 추정되는 대목이다. 사실 이번 초연은 주연인 셰익스피어(김성철·이상이·정문성)와 비올라(김유정·정소민·채수빈)를 비롯해 조연인 페니맨(송영규·임철형) 등 TV드라마나 영화를 통해 낯익고 인기가 많은 배우들이 출연해 개막 전부터 화제를 모았다. 특히, 아역 배우 출신의 톱스타 김유정(24)이 집중 조명을 받았다. 그는 생애 첫 연극이었지만 남장을 한 켄트와 우아한 비올라를 자연스레 오가는 매력적인 연기로 데뷔 20년 차다운 내공을 뽐냈다. 김유정은 “연극 도전은 언제나 꿈이었고 굉장히 하고 싶었는데 무대에서 관객들과 만날 기회를 얻게 돼 감사하다”며 “이번 작품은 앞으로 살면서 힘든 순간에 생각날 만큼 즐거운 경험이 될 것 같다”고 소감을 말했다. 티켓 값(5만5000∼11만원)이 국내 연극으론 처음 10만원을 넘긴 것을 두고도 말이 많았다. 송 프로듀서는 “무대가 공연 내내 한 번의 암전도 없이 쉬지 않고 전환되는 등 여러 무대 장치가 사용되고 22명 배우가 출연하는 대규모 연극”이라며 “일반 뮤지컬과 다름없는 제작비가 들어 불가피하게 티켓 가격이 높아졌다. 작품이 기대에 못 미쳤다면 공연 후에도 가격 논란이 있었겠지만 ‘돈이 아깝지 않다’는 후기가 많다”고 설명했다. 다음달 26일까지 서울 서초구 예술의전당 CJ토월극장.

한물간 40대 여성 드라마작가 ‘나나’(이진희·정운선)가 한 영화 소품 창고에 갔다가 낡고 긴 장총 한 자루에 시선이 꽂힌다. 소진된 창작열을 되살려 미니시리즈 드라마 편성 계약도 따낼 수 있게 제대로 된 글감이 돼 줄 것만 같아서다. 나나는 장총을 들고 와 책상 앞에 앉지만 도무지 작품이 써지지 않는다. ‘빵야(사진)’(문태유·하성광)라고 이름까지 지어준 장총이 입을 꾹 다물었기 때문이다. 애가 탄 나나가 애원하듯 “날 한 번만 믿고 이야기 좀 해달라”고 귀찮을 정도로 조르자 장총을 의인화한 빵야가 힘겹게 말한다. “내 이야기를 들려주면 내 소원을 들어줄 수 있어?” 나나는 고개를 끄덕이고, 빵야의 일생이 한국의 참혹했던 현대사를 관통하며 처절하게 펼쳐진다. 연극 ‘빵야’(김은성 작·김태형 연출)는 이처럼 장총 빵야의 삶과 그 이야기가 드라마로 제작되게끔 고군분투하는 나나의 삶이 교차하며 진행된다. 극 중 빵야는 일본 제국주의 주력 소총으로 1945년 2월 인천 조병창 제3공장에서 77020번째로 만들어진 아리사카 99식 장총이다. 이후 자기 의지와 무관하게 조선 독립군 토벌을 시작으로, 제주 4·3사건, 한국전쟁, 지리산 빨치산 토벌 등 끔찍한 살육 현장을 마주한 뒤 전쟁 영화 제작용 소품으로 전락하는 신세가 된다. 이 과정에서 조선인 출신 일본 관동군 장교부터 중국 팔로군, 국방경비대, 서북청년단, 빨치산 소녀, 지리산 심마니, 건설업자, 영화 제작자 등 빵야의 주인이 10여차례 바뀌게 된 사연은 우리의 현대사의 질곡을 압축적으로 보여준다. 이 장총에 대해 “한국 현대사의 아픔을 상징하는 참담하고 비극적인 몸체”라고 한 김은성 작가의 설명이 와닿는다. 그렇다고 극이 시종일관 어둡고 무겁게만 흐르지 않는다. 이야기의 또 다른 축으로, 나나를 통해 드라마가 만들어지는 과정에서 유쾌한 장면도 많이 나온다. 한국문화예술위원회의 ‘2022 공연예술창작산실―올해의 신작’에 뽑힐 만큼 작품성이 뛰어나고 관객을 울렸다 웃겼다 한다. 1인 다역을 소화하는 조연 배우들의 열연과 3시간 가까운 공연시간 내내 지루할 틈이 없게 한 연출도 돋보인다. 서울 강서구 LG아트센터 U+ 스테이지에서 오는 26일까지.

“‘국립’이란 이름에 걸맞는 악단 정체성을 세우고 싶어요. 그 일환으로 2024년 말쯤 한국의 음악적 초상을 담은 음반을 (내려) 계획하고 있습니다.” 다비트 라일란트(44) 국립심포니오케스트라 예술감독은 13일 서울 중구 프레스센터에서 취임 1주년 기자간담회를 갖고 “예술감독으로서 주된 임무는 국립심포니의 정체성을 더욱 공고히 하는 것”이라며 이같이 말했다. 앞서 1985년 민간 교향악단으로 창단된 코리안심포니오케스트라는 1987년부터 국립오페라단·발레단·합창단 공연 반주를 전담하고 이후 국고 지원도 늘면서 국립예술단체가 된 후 지난해 국립심포니로 이름이 바뀌었다. 동시에 7대 예술감독으로 첫 외국인 감독인 라일란트를 영입했다. 라일란트 예술감독은 내년 말로 잡은 음반 계획과 관련, “세계적 작곡가 윤이상(1917∼1995)부터 시작해 오늘날 명망있는 작곡가인 진은숙은 물론, 발굴하거나 조명해야 할 한국 작곡가와 작품이 있다면 그들을 통시적으로 이어서 한국의 작곡 악파로 (세계 음악계에) 각인시킬 생각”이라고 설명했다. 또 “(클래식 본고장인) 유럽과 미국을 비롯해 서양에서 한국 작곡가들의 역량과 창조력이 굉장히 인정받고 있는데 그 부분을 부각시키는 게 국립심포니의 미션(사명)이라고 생각한다”며 “(세계) 음악사에서 한국이 어떻게 기여했는지를 정리하면서 국제적으로 한국 음악의 위상을 알리는 음반 작업이 될 것”이라고 덧붙였다. 그는 아울러 “국립심포니만의 고유한 소리를 내는 전통을 가질 수 있도록 악단의 역량과 수준을 높이기 위해 기초를 단단히 다져나갈 것”이라며 “시간이 오래 걸리겠지만 어떤 작품을 만나더라도 음악적 해석과 연주에 부족함이 없도록 유연성을 갖추고, 폭넓고 다양한 레퍼토리를 소화할 수 있는 악단이 되기 위해 노력하겠다”고 말했다. 그러면서 “국립심포니의 장점은 현악 파트다. 악단의 정체성을 유지할 만큼 단단한 연주력을 갖고 있다”며 “현이 가진 경쟁력에 걸맞게 관악 파트의 수준을 끌어올려서 악단 전체의 유연성을 확보하는 방향으로 가려 한다”고 덧붙였다. 이와 관련, 국립심포니는 현재 78명으로 정원(100명)에 크게 못 미치는 단원 수를 올 여름까지 94명으로 늘릴 방침이다. 라일란트 감독은 레퍼토리 확장과 관련해선, “하이든이나 모차르트 등 고전 작품들을 잘 다루는 게 일차적으로 중요하고, 규모가 큰 낭만주의 작품이나 한국에서 잘 연주되지 않는 대규모 작품에도 도전할 것”이라며 “이런 과정에서 독일·프랑스·러시아 등 다양한 전통의 음악을 다루고, 동시대 작품들도 계속 관심을 가질 생각”이라고 했다. 벨기에 출신인 라일란트 감독은 브뤼셀왕립음악원과 프랑스 파리 에콜노르말음악원, 오스트리아 잘츠부르크 모차르테움에서 지휘와 작곡을 공부하고, 2018년부터 프랑스 메스 국립오케스트라와 스위스 로잔 신포니에타의 음악감독도 맡아왔다. 그는 자신의 강점으로 “독일과 프랑스의 음악 문화가 상호중첩되는 문화권에서 활동해 왔기에 적응력과 유연성이 좋다”는 점을 꼽기도 했다.